Los frescos de la capilla Scrovegni de Padua son la primera obra conocida de Giotto di Bondone, lo cual sorprende por la envergadura de la obra y por la madurez que demostró el artista. El conjunto llegará a ser la referencia estilística más trascendente del Trecento. En otro artículo ya vimos las aportaciones que realiza el pintor a la historia de la pintura, en éste vamos a contemplar iconográficamente su obra más monumental.

Recomiendo que veáis las cuatro presentaciones que vienen a continuación en pantalla completa para disfrutar de los detalles.

Presentación. El edificio.

La capilla de la Arena de Padua fue mandada construir por Enrico Scrovegni posiblemente como reparación del pecado de usura por el que se había hecho rico su padre. Enrico aparece en la escena del Juicio Final arrodillado y ofreciendo la réplica del edificio a la Virgen que la acoge con benevolencia.

El edificio se levantó entre 1303 y 1305, siendo por tanto probable que sea este último año el de datación de los frescos. La capilla es muy simple tanto externa como internamente.

• La fachada muestra el ladrillo cara vista. Los muros se refuerzan con contrafuertes unidos por arcos ciegos entre los que se abren seis ventanas en uno de los laterales. La puerta de entrada de piedra es de piedra y construida con un arco de medio punto.

Vista del interior desde la cabecera.

• El interior posee dos cuerpos. El principal es un salón de 20,8 metros de largo por 12,8 metros de ancho. Aquí encontramos los frescos de Giotto sobre unos muros completamente lisos, en donde las escenas se han dividido con molduras cosmati e imitaciones de mármol. En el zócalo hay pintadas placas de mármol y grisallas con las virtudes y los pecados capitales. Se cubre con una bóveda de cañón pintada de azul intenso con estrellas y con medallones con los bustos de Cristo, de la Virgen y de los Santos. El segundo cuerpo es una capilla cubierta por bóveda de crucería, donde reposa el sepulcro del banquero tras el altar.

Para tener una idea mejor del edificio pasa las imágenes de la primera presentación.

Las escenas narrativas.

El conjunto de la obra nos cuenta en cuarenta escenas la historia de la redención del ser humano y la de su Juicio Final. Aparentemente pueden parecer desordenadas, pero hay un hilo narrativo y una concatenación que vamos a explicar y, mejor, ver en las siguientes presentaciones.

Vida de San Joaquín y Santa Ana. Historia de la Virgen.

• Comienza con la historia de San Joaquín y Santa Ana, los que serán los padres de la Virgen María. El matrimonio, ya de avanzada edad, no había tenido hijos. Este hecho fue interpretado por los sacerdotes del Templo de Jerusalem como una maldición divina, de ahí que expulsaran a Joaquín del Templo en la fiesta de la Dedicación. Joaquín, profundamente dolido, decide retirarse al desierto con sus rebaños para ayunar y pedir a Dios descendencia. Su sacrificio será oído y Dios les comunicará a él y a su mujer, Ana, que serán padres de una niña que habrá de ser consagrada al Señor. El matrimonio recibe la noticia por separado y correrán a encontrarse y gozar con la noticia ante la puerta Dorada de la ciudad.

Joaquín marcha desolado al desierto con sus rebaños.

• Continúa la historia con la Vida de la Virgen hasta su matrimonio. Se produce el nacimiento y sus padres a los tres años la presentan en el Templo, donde se educará con otras doncellas. LLegados los catorce años el Sumo Sacerdote buscará un pretendiente entre los miembros de la casa de David. Los hombres solteros presentaron sus varas para la elección. José será el elegido de Dios, puesto que de su vara hará brotar hojas y la señalará con una paloma venida del cielo.  Se producen los esponsales y el cortejo nupcial. Antes de consumar el matrimonio se producirá la concepción de Jesús por medio de la Anunciación.

Natividad. Detalle.

• Se produce el nacimiento del Niño Jesús en Belén. Acuden a adorarle los Reyes Magos. La noticia es conocida por el rey Herodes que manda asesinar a los recién nacidos de la pequeña ciudad. José ha sido avisado en sueños y ha puesto a salvo a su familia en Egipto. La infancia de Jesús se retoma con doce años cuando, de nuevo en Jerusalem,  Jesús es hallado aleccionando a los sacerdotes del templo.

Vida de Cristo. Pasión, Muerte y Resurrección.

• La vida pública de Jesús se concentra en el momento en que se hace bautizar en el Jordán y realiza su primer milagro convirtiendo el agua en vino en las bodas de Caná. De ahí pasamos a los últimos días cercanos a los de su muerte. Como preludio de lo que sucederá en su propia persona, realizará el milagro de resucitar a su amigo Lázaro. Cristo y sus discípulos entran triunfales en Jerusalem y expulsan a los mercaderes del templo.

Cristo entra triunfal en Jerusalem a lomos de un asno como decía la profecía.

• Comienza la Pascua judía con la institución de la Eucaristía en la Última Cena. Sin embargo, se consuma la traición de Judas, uno de sus discípulos que le entregará en el Huerto de los Olivos. A partir de ese momento comienza la Pasión, pasando por Caifás, la flagelación y su condena a morir en la cruz. Los últimos episodios narran su muerte y el  lamento de su madre y sus discípulos; la resurrección y la ascensión a los cielos.

El Beso de Judas.

• El muro oeste concentra en una única escena El Juicio Final. La concepción de la misma arranca de la iconografía románica y apenas aporta novedades, salvo el retrato que se hace de Enrico Scrovegni entre los Santos ofreciendo la iglesia a la Virgen. Cristo Pantocrátor preside el juicio rodeado de santos y ángeles. Llama a los justos y condena al Infierno a los pecadores. En la siguiente presentación puedes ver los detalles.

Para los amantes de la obra de Giotto.

Os ofrezco además este enlace a un vídeo hecho por el Ministerio italiano de bienes y actividades culturales sobre la capìlla Scrovegni

Durante el periodo que abarca de 1300 a 1350 la pintura de la Toscana dominó el arte europeo. La pintura igualó los logros alcanzados por los escultores durante los cincuenta años precedentes, rompiendo con una tradición bizantinista que  hacía que todavía en el siglo XIII las iglesias italianas se decoraran con mosaicos a la "maniera greca".

Cimabue. Mosaico del ábside de la catedral de Pisa, 1301-02.

El proceso de ruptura comienza a finales del siglo XIII con artistas como Cavallini o Cimabue que, desde Roma y Florencia respectivamente, empezaron a abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y se encaminaron hacia un mayor realismo, pero hay en ellos todavía mucho de la iconografía greca. Obras como la deesis del ábside de la catedral de Siena (1301-02) están realizados todavía bajo modelos humanos y técnicas del mosaico bizantino, pese a que el fresco, junto con la tabla al temple, ya iban ganando terreno como soportes.

Habrá que esperar al florentino Giotto di Bondone para inaugurar una verdadera nueva forma pictórica. Su obra convivirá con la de la escuela Sienesa, más ligada a la tradición bizantina. Duccio Buonisegna (1260-1319) y  su discípulo Simone Martini (1284-1344), sus máximos representantes, también se dejarán influir por la obra de Giotto.

Giotto di Bondone (1266-1337).

Tradicionalmente se le considera el iniciador de la pintura moderna y el precedente del Renacimiento porque rompe con la pintura bizantinista. Su personalidad tan intensa se refleja en la reafirmación que hace de su valía al firmar sus obras o al hacer fortuna y gozar de gran popularidad en vida sólo por su genio creador. Este rasgo le aleja también de la Edad Media y le acerca al Renacimiento.

Trabajó en Asís, Roma, Florencia, Nápoles, Bolonia, Milán y Padua, siendo en esta ciudad donde realizó su obra maestra los frescos de la capilla de la Arena o de los Scrovegni (1303-1305). Analicemos las características más significativas de su obra sobre estos frescos, tomando como base (siempre que sea posible) la escena del Lamento sobre Cristo muerto, del ciclo de la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo.

Lamento sobre Cristo muerto, 1305. Mide 200 x 185 cm.

• 1.- La principal aportación de Giotto a  la Historia de la pintura, tal vez sea, la de superar la representación plana de los objetos para lograr la tercera dimensión, es decir,  crear una ilusión de volumen veraz. El pintor comprende que a través de tonos cromáticos se puede crear efectos de luces y sombras que doten a los cuerpos de relieve. En la imagen inferior las grados de verde, violeta y amarillo modelan el volumen de los personajes adquiriendo una presencia real, casi escultórica.

• 2.- La profundidad le interesa, pero en los planos inmediatos al espectador, no en los fondos (que ya analizaremos). En esta escena crea una sensación de verdadera profundidad al utilizar simultáneamente los siguientes recursos, que puedes ver gráficamente en las imágenes inferiores:

--- las espaldas de los personajes del primer plano crean un vacío, que sirve para que el espectador pueda ver con distancia la escena principal. Los personajes no se precipitan sobre nosotros, como era habitual en el gótico.

-------  las figuras  se solapan escalonadamente para ganar otros cuantos metros de profundidad. No lo hacen como era habitual en las tablas de la época en la que aparecían grupos de personas extrañamente superpuestas en altura unas por encima de otras.

------------ el escorzo de los brazos extendidos de San Juan proyecta aún otro par de metros más allá el espacio. Este recurso será muy utilizado por el Renacimiento y supone un alarde técnico para un pintor.

• 3.- En esta escena podemos apreciar como Giotto también pretende captar los sentimientos. Cada personaje que contempla a Cristo muerto expresa una reacción única de mayor o menor intensidad y sinceridad dramática.

-- Los discípulos de la derecha ponen gestos apesadumbrados, pero conteniendo su dolor.

-----Hay ángeles que se desesperan, gritan y lloran violentamente, mientras que otros maldicen.

------ Las mujeres de la izquierda están estremecidas por el suceso: una se recoge sobre sí misma como no creyéndose lo que está viendo y otra como San Juan gesticula con los brazos de desesperación.

--------- María Magdalena recoge con amor los pies de su maestro.

----------- La Virgen María abraza compungida el cadáver de su hijo para besarle, su corazón está roto.

• La composición. La escena principal no tiene que estar necesariamente en el centro. En este caso las figuras de Cristo y de la Virgen están desplazadas en el lateral izquierdo. Pese a romper la regla de la simetría como elemento de equilibrio, la obra resulta bien clara por varios motivos.

--- Todas las figuras confluyen con sus miradas en los rostros de Madre e Hijo.

------ Las figuras-bulto de primer plano, que ya hemos dicho, sirven para que nuestra atención no se detenga en el primer plano y se oriente, casi resbale por su espalda, hacia el foco temático que está en el segundo plano.

----------- La diagonal creada por la ladera de la montaña también nos está señalando el motivo principal.

------------------ No hay historia secundaria que distraiga nuestra atención.

• El fondo es para él como un telón teatral de arquitecturas y paisajes casi abstractos, donde ubicar sus figuras, que es lo que realmente le interesa. Aún así no se puede decir que desprecie la ubicación espacial.

--- Los cielos azules suponen un avance sobre los fondos dorados bizantinos.

-------- Las rocas descarnadas y los árboles solitarios y desnudos, como el que aparece en la escena del Lamento, intensifican el dramatismo y el dolor de los personajes.

-------------- En las habitaciones intenta crear una perspectiva intuitiva con las líneas rectas de las estructuras arquitectónicas y de los muebles. En la Anunciación, que tenemos debajo, los balcones, el techo y el reclinatorio proyectan líneas que se alejan hacia la izquierda.

--------------------- Los paisajes ciudadanos demuestran un amor por la realidad cotidiana que no existía anteriormente.

Árbol y montaña de la Lamentación sobre Cristo. Interior y exterior de un edificio en la Anunciación.

• Modelo humano. Rompe con los cánones estilizados y elegantes bizantinos. Sus figuras son un tanto achaparradas y gruesas. Sus rostros son estereotipados con ojos rasgados.

• No hay jerarquía de tamaño. El personaje de Cristo es proporcional al resto de las figuras. El único elemento distintivo de su importancia es el halo, que por otra parte también tienen el resto de las figuras consideradas santas. Este elemento arcaico es una licencia que se permite Giotto para aclarar aún más la escena.

Os ofrezco un juego del blog de Ramón Cortés que me ha llamado la atención y que puede servir para ponerse a prueba y pasar entretenido un buen rato. Se trata de un test visual en el que hay que distinguir entre una obra pictórica original y su reflejo en un espejo (la inversa). Véase los ejemplos de abajo.

Si pinchas sobre cualquier imagen de las que aprecen en este artículo (o aquí) entrarás en el juego.

Cada vez que juguemos nos saldrán 15 cuadros aleatorios de diferentes épocas y estilo. Habrá que pulsar sobre la imagen correcta (la no reflejada), para pasar a la siguiente hasta completar las 15.

El resultado se nos comunica al final con un diploma que califica nuestros aciertos. Si se recarga  la página (se pulsa sobre el título del artículo)  aparecerán nuevas imágenes y podremos continuar con el juego.

La escultura gótica comienza en el siglo XIII de forma insensible, como evolución lógica de las grandes obras del último cuarto del siglo anterior, como el pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago del Maestro Mateo.

Breves características de la escultura gótica.

• El soporte. Para ejecutar sus obras, el escultor gótico utilizaba, al igual que en el románico, tanto la tradicional escultura exenta como el relieve en las fachadas de las catedrales. El bulto redondo empieza a desarrollarse con fuerza como imágenes de devoción para los altares. No obstante, todavía predomina la supeditación a la arquitectura. Las figuras representadas en las portadas (tímpano, arquivoltas y jambas) dejan de estar encerradas en sí mismas y adoptan relaciones de diálogo entre ellas. Los capiteles desaparecen como soporte de la figuración y son sustituidos por otros ámbitos como los retablos, el coro, las puertas y los púlpitos, que pasan a ser los nuevos expositores de imágenes.

Catedral de Estrasburgo, 1280-1300.

• La temática de la escultura es básicamente religiosa, pero ha cambiado el mensaje que la Iglesia quiere trasmitir a sus fieles. El Juicio Final, con sus premios y castigos eternos, va perdiendo importancia a lo largo del sigo XIII en favor de mensajes de redención por medio de la figura de la Virgen, de los Santos y de Cristo, que sufrió, murió y resucitó por el género humano. Desde el siglo XV son frecuentes además las esculturas funerarias, lo que pone de manifiesto una nueva mentalidad individual que trata de perpetuarse más allá de la muerte y  de mostrar las glorias terrenales. Estamos a un paso del retrato que no depende del motivo religioso.

Coronación de la Virgen catedral de Chartres.

• Técnicamente, las imágenes religiosas se van humanizando como medio de acercar a los seres humanos a lo divino, pero también como deseo expreso de los escultores de conseguir una imagen más bella y  veraz. El realismo se manifiesta en conseguir correctas proporciones del cuerpo humano, de su volumen, del movimiento y de la expresividad.  Atrás, en el Románico, quedan términos como desproporción, planitud, rigidez e hieratismo.

Virgen Blanca de la catedral de León.

El modelo iconográfico de la virgen  con el niño en la portada de una catedral.

En el nuevo espíritu que anima a la religiosidad y a la figuración del gótico se destaca el protagonismo de la Virgen como madre de Dios. Como es la principal advocación de las catedrales levantadas en este momento (Notre Dame), tendrá reservado un lugar preferente en las portadas, el mainel o parteluz de la puerta principal. Esta importancia contrasta con el románico en donde sólo era una más de los intercesores colocados en las jambas.

Virgen Dorada de la Catedral de Amiens.

Desde mediados del siglo XII florecen en Francia múltiples talleres al amparo de las construcciones de las grandes catedrales. En las portadas de las catedrales de Reims y Amiens ya podemos ver una evolución notable hacia figuras gráciles e idealizadas. Son característicos los rostros de contorno triangular con ojos rasgados como el  de la  Virgen Dorada de la catedral de Amiens (1260-70). En España también tenemos excelentes ejemplos, posiblemente de maestros franceses, que destacan por su dulzura, elegancia  e idealización como la Virgen Blanca del parteluz de la portada central de la catedral de Santa María de León (1255-60).  Analicemos esta obra que muestra rasgos característicos de este modelo iconográfico.

1. Está ubicada sobre un pedestal y coronada por un dosel, como solía ser norma en las esculturas de las puertas. Sin embargo, por encima de ella, en el tímpano, todavía se representa el Juicio Final. Los santos aparecen en las jambas sobre dosel.
2. Madre e hijo están en actitud de bendecir y miran frontalmente, no estableciéndose comunicación entre ellos. Este sea el detalle tal vez más cercano al románico, que vírgenes como la de Amiens superarán con el diálogo de miradas.
3. Las figuras han perdido la rigidez de las vírgenes sedentes románicas para mostrarnos una actitud más humana. Esto se aprecia en el gesto con que sostiene a su hijo y en los rostros serenos, pero con una sonrisa amable.
4. El canon es más alargado y sus ropas se pliegan para dar forma y armonía al volumen de los cuerpos.
5. La rigidez y la simetría románica de la escena se rompe al desplazar del regazo a uno de los brazos la figura del niño Jesús.
6. La Virgen porta una corona como símbolo de que es reina de los cielos y el niño el globo universal como  que es el señor del orbe. El mensaje es que ambos todo lo pueden. Para dejarlo más claro la Virgen pisa una serpiente o dragón que representa al mal y el pecado. El mensaje es que la madre de Dios es la nueva Eva que se vengará de la serpiente (el diablo) que hizo que la humanidad cayera en el pecado mortal.

El modelo de los maineles se exportará al bulto redondo aplicándose a otros materiales policromados como la madera y el marfil. En España tenemos un magnífico ejemplo, ya del siglo XIV, el de la Virgen Blanca del altar mayor de la catedral de Toledo. La escena que componen es mucho más humana: las figuras se sonríen, la Virgen sostiene  a su hijo con un gesto maternal y el Niño se comporta como niño, y no como todopoderoso creador, al acariciar a su madre.

Detalle de la Virgen Blanca de la catedral de Toledo.

El tríptico de El Jardín de las Delicias es, sin duda, la obra más admirada y controvertida de El Bosco, autor del que ya hemos hablado en otro artículo. En este artículo vamos a estudiarla con una presentación de Power Point y de paso vamos a conocer dos recursos: la aplicación informática Myplick y la Audioguía que explica con voz los principales cuadros del Museo del Prado.

Utilizo con frecuencia las presentaciones en  Power Point para ilustrar mis artículos. Suelo publicarlas en Slideshare o Scribd, que son mis soportes de Ppt preferidos, sin embargo, esta vez la he colgado en Myplick. No  utilizo mucho esta aplicación porque, a diferencia de las primeras, no te permite ver las presentaciones a pantalla completa desde el blog. No obstante, es el recurso ideal para aprovecharse de una virtud que no tiene los otros dos sistemas. Myplick te permite, si lo deseas, introducir sonido y, si quieres, sincronizarlo con las imágenes.  Ya en otras ocasiones había introducido música , pero esta vez se me ocurrió que podía aplicarle un nuevo recurso que nos puede ser muy útil, las narraciones  de las audioguías del Museo del Prado .  Se trata de una explicación sólo en audio  (MP3) de las principales obras del museo. El cuadro elegido para hacer el experimento es el Jardín de la Delicias de El Bosco. Juzgad cómo ha quedado.

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS

Nicola Pisano es el maestro que, junto a su discípulo Arnolfo di Cambio y su hijo Giovanni Pisano, marcan el paso del Románico al Renacimiento casi sin pasar por el Gótico. Inspirándose en la Antigüedad, crearon entre1250 y 1310 un lenguaje escultórico nuevo en la Toscana (Pisa y Siena), que nos permite comprender la revolución figurativa de cien años después.

Nicola Pisano (1206-1280 ap.)

No se sabe prácticamente casi nada de Nicola Pisano con anterioridad a la aparición de las obras escultóricas que decoran el púlpito del baptisterio de Pisa (1260), ejemplo de un estilo  totalmente maduro. Y sólo se conocen otras dos obras seguras posteriores: el púlpito de la catedral de Siena (1265-68), ejecutado con ayuda de su hijo Giovanni, y la Fontana Maggiore de Perugia (1278) que vemos en imagen, pero que no vamos a comentar.

Fontana Maggiore de Perugia.

Características de la obra de Nicola Pisano y de su escuela.

1. 1.- Independizan gradualmente la escultura de la arquitectura. Las representaciones no se centran sólo en las portadas de la iglesia, sino también en otros lugares de acceso público, fuentes, calles, púlpitos...
2. 2.- Dotan de un carácter naturalista  a las formas. Se establecen nuevos cánones humanos más proporcionales;  los volúmenes son rotundos, inspirados en relieves clásicos; los elementos narrativos y expresivos se acentúan rompiendo el hieratismo; el detallismo recrea los objetos y las vestimentas como no se había hecho desde tiempos del Imperio romano.
3. 3.- La inspiración en el mundo clásico es muy evidente, como comprobaremos.

La fortaleza como Hércules en el púlpito del baptisterio de Pisa.

1. 4.- Los temas que esculpen tratan de la humanidad de los personajes del cristianismo. Aún el Juicio Final y el castigo de los pecadores puede estar presente, pero empieza a competir en importancia con los  mensajes más amables que muestran el carácter humano de Cristo: su nacimiento, su martirio, muerte y resurrección para salvar a la humanidad.

El púlpito del baptisterio de la catedral de Pisa. Mármol, 465 cm.

El púlpito era un podium alto desde donde se dirigía la homilía a los fieles y no era extraño en iglesias bizantinas y románicas italianas. El que realiza Nicola en 1260 tiene una forma hexagonal, lo que le permitió crear seis panales rectangulares donde representar con comodidad sus escenas. Resulta original  con respecto a los románicos por el refuerzo decorativo del arco inferior y el conjunto de figuras alegóricas que aparecen entre los paneles, en las enjutas y en las columnas que son sostenidas por los leones protectores.

púlpito del baptisterio de la catedral de Pisa.

• El de la Natividad no constituye una escena única, sino una refundición de cuatro episodios distintos, la Anunciación, la Natividad, la Anunciación a los pastores y el Baño del Niño Jesús (fuente literaria) .La figura central de la Virgen reclinada nos recuerda a las figuras funerarias etruscas. El modelado de los cuerpos es sólido pese a estar cubiertos por los pliegues de los ropajes

• El relieve de la Adoración de los Reyes Magos nos ofrece una escena única. Los caballos aparecen representados con un detallismo naturalista que sorprende, creando incluso la sensación de profundidad a través de los escorzos de sus cabezas. La virgen aparece como una matrona romana de forma mayestática con una semejanza indiscutible con un relieve romano del siglo II, el de Hipólito y Fedra, que se puede contemplar en el Camposanto de Pisa y que sirvió de tumba a la condesa Beatriz a partir del siglo XI. También se pueden detectar relaciones entre los desnudos del sarcófago y el Hércules desnudo que simboliza la fortaleza que aparece justo debajo del panel. Puedes comparar las dos imágenes a continuación.

Sarcófago de Fedra  e  Hipólito, s. II. d. C. Campo santo de Pisa. Detalle

• Los otros relieves de gran fuerza y de innegable  inspiración romana son los de la Presentación del niño en el Templo y la Crucifixión. Más goticista francés es el Juicio Final.

El púlpito de la catedral de Siena. Mármol, 460 cm.

Este púlpito es posterior (1265-68) y tiene más obra de taller, lo cual sabemos porque tenemos documentación de que participaron en su elaboración, además del maestro, varios discípulos entre los que se encontraban Arnolfo di Cambio y su joven hijo Giovanni Pisano. La diversidad estilística y la calidad desigual de la obra también lo confirma.

El púlpito de Siena es octogonal, y de ahí que el programa figurativo sea aún mayor que el del baptisterio de Pisa. Se incorpora la Matanza de los Inocentes; mientras que el Juicio Final se extiende a lo largo de dos relieves hasta englobar las figuras que flanquean a éstos.

El Juicio Final con Cristo en medio de los salvados y de los condenados. Catedral de Siena.

Cobran gran protagonismo las figuras que separan las escenas, que se convierten casi en figuras exentas al poderse ver de frente o de lado.  Además están dotadas de detalles de gran calidad: los ropajes  son de suave textura y pliegues naturales; los cuerpos y los rostros se humanizan.

Cristo resucitado y virgen en púlpito de Siena.

En la base de la columna central, la efigie de la Filosofía aparece acompañada de las Siete Artes Liberales. De esta forma, los símbolos de las realizaciones más excelsas de la mente humana quedan unidos a las cualidades espirituales, las Virtudes, las cuales capacitan al hombre para alcanzar la salvación prometida en los relatos sacros.

Las composiciones son más abigarradas. El nuevo estilo de los relieves parece imitar al de los sarcófagos con batallas de la Antigüedad y que se encuentra prefigurado por el Juicio Final de Pisa. Es el deseo, cada vez más intenso, de contar una historia humana concreta sazonándola con el mayor número de detalles posibles y con mayor carga de humanidad.

A lo largo del siglo XIX nuestros jóvenes artistas acudieron a Roma atraídos por el conocimiento de primera mano de los pintores italianos del Renacimiento y por una ciudad que mantenía todavía sus gloriosas ruinas romanas y un romántico aspecto entre medieval y renacentista. Durante mucho tiempo se consideró que la estancia en Roma era algo imprescindible para alcanzar la maestría personal y la madurez intelectual. Con el avance del siglo se fueron incrementando los viajes  gracias a la revolución de los transportes y al mecenazgo de ciertas instituciones, siendo habituales desde mediados. Paradigmas de jóvenes pintores españoles que se enamoraron de la ciudad en el tercer cuarto de siglo  fueron  Eduardo Rosales o Mariano Fortuny (que precisamente murió aquí en 1874). Ellos tienen en común estar a caballo  entre el academicismo realista y la estética de la pintura moderna.

Aunque  existían becas para los artistas desde el siglo XVIII por parte de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, será en 1873 cuando se cree la Academia Española en Roma, como extensión  para que los alumnos más aventajados pudieran alojarse, trabajar cómodamente y completar sus estudios pensionados (becados) en la ciudad eterna. En aquella fecha Roma había quedado como último refugio de un clasicismo academicista que iba en retirada. París, la otra ciudad de referencia para nuestros artistas, había tomado el relevo del mercado y de la vanguardia artística. No obstante, los jóvenes artistas que recibieron ese privilegio en el último cuarto de siglo supieron aprovechar la experiencia.

Vista de Roma desde el Gianiculo.

La sede de la Academia se encuentra desde 1881 en el monte Gianículo, en el antiguo convento de San Pietro in Montorio. Desde su fundación a nuestros días ha acogido a cientos de artistas e intelectuales de todo tipo, puesto que también se ha ampliado la beca a disciplinas como la música, la literatura, el cine, las artes escénicas o la fotografía.

El famoso templete de Bramanate de San Pietro in Montorio, en el interior del complejo de la Academia de España.

La pintura fue la disciplina a la que se dio más importancia tanto cuantitativa como cualitativamente.  En el periodo inicial (1873-1903), que podríamos decir fue la época de oro de la Institución, pasaron por el centro jóvenes promesas que no tardarían en triunfar como Pradilla, Pinazo, Plasencia, Viniegra, Moreno Carbonero, Muñoz Degrain, Vera, etc. El único de los grandes pintores realistas españoles de fin de siglo que faltó fue Joaquín Sorolla, aunque también pasó por Roma e Italia (1885-89), pensionado por la Diputación Provincial de Valencia.

El trabajo de un pintor pensionado en Roma.

La tarea de un pensionado comprendía, durante los tres o cuatro años que pasaban en Roma, en realizar estudios de figura, copias y cuadros de composición que se mandaban a Madrid  para ser evaluados y para conservar la subvención. Estas obras son la más genuina contribución española al academicismo internacional. No debemos considerarlas simples ejercicios de formación, dado el nivel de exigencia técnica que se pedía a los artistas para realizar el viaje.

1. El trabajo final del primer año consistía en la ejecución de un cuadro en que entrasen una o dos figuras, por lo general desnudas. Estos cuadros tiene importancia porque son de los pocos desnudos de pintura española de la época que se realizaron. El tratamiento sensual de algunas de las obras difícilmente se hubiese podido conseguir en España.

Salvador Viniegra. El primer beso, 1891. Ejemplo de trabajo de primer año y de desnudo. Nótese el parecido del modelo humano masculino y de la pose de Adán con el fresco de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

1. El segundo año tenía que culminar con la "copia de un cuadro de maestro antiguo o de un fragmento importante de algún fresco o pintura de grandes dimensiones, procurando que dicha copia sea de autor ilustre, cuyas mejores obras no pueden estudiarse en nuestro Museo Nacional". Evidentemente, los cuadros escogidos eran los de los grandes autores italianos del Renacimiento: Miguel Ángel, Rafael, Carpaccio, Mantegna, Tiziano..., que permitieron a muchos artistas perfeccionarse.
2. El tercero y cuarto año debían ejecutar un boceto y un gran cuadro final de historia, que era la culminación de su pensionado. El objetivo de todos los pensionados era realizar la obra que les diese fama y reconocimiento público de por vida. La obra pasaba obligatoriamente a los fondos del Ministerio de Asuntos Exteriores del que dependía y del que sigue dependiendo la Academia. El formato era muy grande, por lo que habitualmente sólo podían servir para decorar amplias salas de edificios oficiales.

Alejo Vera. Numancia. Cuadro de dimensiones espectaculares 3,35 x 5,00 mts.

Además de estas obras los becados realizaban otras muchas obras para financiar su estancia o regalar a sus amistades. También puede anotarse en el haber de esta institución los cuadros realizados por sus profesores y directores en la ciudad, todos ellos de mucho prestigio. Precisamente, José Casado Alisal, director desde 1873, pintó en Roma una de las obras capitales de su producción, La campana de Huesca (1880), y Francisco Pradilla terminó La Rendición de Granada desde este cargo en 1882. También fueron directores en esta época Vicente Palmarolli y Alejo Vera.

José Casado Alisal, La Campana de Huesca, 1880.

La producción de los becados de la Academia.

En gran medida, el género del desnudo y la última fase del género histórico en España van ligados a la historia de la Academia de España en Roma, dado los temas impuestos para renovar la beca o para alcanzar el "doctorado". Veamos en el siguiente Slide los trabajos originales más sobresalientes de los becados y de sus profesores durante su estancia en Roma. Omitimos las copias de las pinturas italianas, los paisajes y las obras menores; también, por supuesto, aquellas de las que no hemos podido conseguir imagen. Tras el Slide se puede consultar la nómina de las obras tal y como salen en la presentación. Están ordenadas por orden cronológico. Nótese la evolución temática y de estilo de los últimos diez años, muy distinta de las de los veinte primeros.

1. - Casto Plasencia: Motivo decorativo (Venus y Cupido), 1876 (trabajo de primer año).
2. - Francisco Pradilla: Náufragos, 1876 (trabajo de primer año).
3. - Casto Plasencia: El origen de la República romana,  1877.
4. - Francisco Pradilla: Doña Juana La Loca, 1878.
5. - Ignacio Pinazo: Las Hijas del Cid, 1879 (trabajo de primer año).
6. - Alejo Vera: Numancia, 1880.
7. - Manuel Ramírez Benítez: Baño Pompeyano, 1880 (trabajo de primer año)
8. - José Casado Alisal: La campana de Huesca (siendo director de la Academia hasta 1881)
9. - José Moreno Carbonero: La meta sudante, 1882 (trabajo de primer año).
10. - Francisco Pradilla: La rendición de Granada, 1878-82  (siendo director de la Academia 1881-82).
11. - José Moreno Carbonero: La conversión del duque de Gandía, 1884.
12. - Antonio Muñoz Degrain: Los amantes de Teruel, 1884.
13. - Ulpiano Checa: Numa y la ninfa Egeria, 1885 (trabajo del primer año).
14. - Ulpiano Checa: La invasión de los bárbaros, 1887 (desparecido, quedan bocetos).
15. - Emilio Sala: Expulsión de los judíos de España, 1889 (boceto en Roma y terminado en París).
16. - Eugenio Álvarez Dumont: La muerte de Adonis, 1889 (trabajo de primer año).
17. - Enrique Simonet: ¡Y tenía corazón!, 1890 (trabajo del primer año).
18. - Eugenio Álvarez Dumont: Trafalgar, La muerte de Churruca, 1891.
19. - Salvador Viniegra: El primer beso, 1891 (trabajo del primer año).
20. - José Garnelo: Primeros homenajes a Colón en el nuevo mundo, 1892.
21. - Enrique Simonet: Flevit super illam, 1892.
22. - Salvador Viniegra: El compromiso de Caspe, 1892.
23. - Joaquín Bárbara Balza: Náufragos, 1896 (trabajo del primer año).
24. - Manuel Benedito: Infancia de Baco, 1901 (trabajo del primer año).
25. - Eduardo Chicharro: Reinaldo en el bosque encantado, 1903.
26. - Manuel Benedito: El infierno, 1903.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE ROMÁNICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone. Puedes pausar la imagen si colocas el cursor encima o si das al signo de pausa que hay arriba. Si buscas una imagen concreta y no quieres esperar al bucle, la puedes localizar rápidamente en la regleta de abajo.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

EJEMPLO.

"Imagen .........X (el número )

1.- Titulo: Vista exterior de la iglesia de San Martín de Frómista (Palencia).

2.- País o región. Etapa o cronología. España, antiguo reino de Castilla, mediados del siglo XI.

3.- Dos ideas características mínimas:

- Destaca sus originales torres campanarios de forma circular y las puertas laterales que son posiblemente una influencia del románico alemán.

- La planta del edificio responde al modelo más habitual de planta basilical en la que se inserta un transepto, que se nota en altura, creando una cruz latina.

- El cimborrio en el corazón encierra una cúpula sobre trompas."

Participa con tus comentarios al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré un comentario por persona. Si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo. Los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín. Utilizadla sabiamente.
  

• Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.
  

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva. Las condiciones de participación son las mismas, por lo que sólo podrán contestar aquellos que no hayan utilizado su oportunidad en cada artículo.

Mesopotamia y Persia.

Egipto.

Prehelénico y Grecia.

Roma.

Al Ándalus y Bizancio.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Empieza el juego.

Borja resuelve la imagen nº 1 (0,1) y la concedo con peros...

" Corresponde a la fachada de Platerías de la Catedral de Santigo de Compostela (Siglo XII). Como vemos aparecen 2 puertas románicas con tímpanos historiados. En la puerta de la izquierda aparecen unos relieves que narran la Tentación de Jesús en el desierto y tambien aparece una mujer semidesnuda con una calavera la cual hace referencia a un mito de una mujer que se quedó embarazada sin contactar con ningún hombre y por ello sus padres la mataron y una vez enterrada parió esa calavera que predice el futuro de los humanos. En la otra puerta aparece la adoración de los Reyes Magos y escenas de la pasión. En el friso vemos la figura de Abraham y otras escenas , en la jamba izquierda aparece el Rey David tocando un instrumento y por último junto a la puerta de la izquierda Adán y Eva en el paraíso."

Mis peros son los siguientes:

1.- La obra es de finales del siglo XI.

2.- Sólo encuentro una razón temática con mucho rollo, pero me falta la otra razón, que podría ser, por ejemplo, los arcos lobulados que se ven por encima, propios de la influencia del arte musulmán en el románico español.

Tienes una segunda oportunidad, pero esta vez no quiero errores.

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Lorena resuelve la imagen nº 4 (0,2), aunque como el comentario de Borja tiene errores o lapsus que luego comentaré.

"Es la iglesia de San Clemente de Tahull, en Lérida(vista exterior) del siglo XII.
Es una iglesia representativa por el minarete (...!!!!!....) de gran tamaño que se piensa que los constructores podrían proceder de Italia. Está hecha con piedra, material arcaico. Por dentro tiene una pintura románica importante, el pantocrátor en el ábside.
También en el interior, su adintelamiento está hecho de madera, y los ábsides son abovedados. En el minarete, aparecen arquerías vivas."

Te lo concedo pero seré estricto en tu segunda oportunidad. Has confundido un campanille con un minarete ¿Eso puede ser un lapsus o un error?. Falta precisión en la descripción del material: sillarejo. Por otro lado, hay un elemento decorativo más significativo que las arquerías vivas, los arquillos y bandas lombardas.

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Francisco Javier me deja sin palabras al solucionar la imagen 6 (0,3).

"La iglesia de San Miguel de Hildesheim, vista desde el exterior (Alemania).

País o región. Etapa cronológica: esta iglesia pertenece al románico dado en Alemania y fue construida en el siglo XI. Para concretar más, fue construida como iglesia abacial entre el 1001 y el 1031, bajo la dirección del obispo Bernward de Hildesheim, como capilla para su monasterio benedictino.

Razones: dos de las razones más claras que podemos presentar para incluir esta iglesia en el románico son:

- Por una parte, su forma estructural exterior. Vemos como la iglesia no tiene pies, es decir, las iglesias están formadas por su una nave central (que puede estar dividida en 3 o 5 naves más) y el crucero o transepto. La parte inferior de la nave es denominada pies, desde el punto de vista de la anatomía humana. Puesta iglesia destaca por ser una de las primeras que carece de estos, puesto que la zona que correspondería a los pies es un duplicado de la cabeza de la iglesia. Es decir, es una iglesia con dos transeptos, dos ábsides principales y en resumen un duplicado de casi todos los elementos arquitectónicos.

- Otra razón que podríamos dar, es que los vanos o ventanas que se abrían hacia el exterior son muy escasos y en algunas ocasiones, como aquí vemos, de pequeño tamaño. Por lo que podemos dar otra razón, que es la austeridad decorativa, dado que el románico estaba empezando a surgir. Por eso se dice que esta iglesia es un edificio e transición entre el prerrománico y el románico mismo. "

Correctísimo y bien merecido el tercer comodín. Ojo, recordad que la nave lateral es gótica.

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Alba Pérez contesta con brevedad, pero con acierto la imagen 3 (0.4 puntos).

"Titulo: Cristo de don Fernando y doña Sancha
País o región. Etapa o cronología: España, Reino de Castilla. Siglo XI
Dos ideas características: Es un Cristo indoloro mostrando así una imagen divina, de cuatro clavos e ingrávido. "

Muy bien. El Cristo Todopoderoso de los cuatro clavos es uno de los modelos iconográficos típicos del románico. También se puede distinguir el material lujoso  en que está hecho, el marfil, lo que explica que fuera parte de la ofrenda del matrimonio formado por los reyes Fernando I de León y Castilla y su esposa doña Sancha de León (mirad sus nombres en la parte inferior de la cruz) a la iglesia de San Isidoro de León.

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Enrique ha querido resolver la imagen 7 pero ha dicho que lo hacía de la  9.  No puedo concederle el acierto por la confusión, más habiendo contestado Francisco Javier en uso de su comodín correctamente... por tanto,  el acierto para este último (0,5). No obstante, coloco los dos comentarios y algunas pinceladas propias.

Enrique: "Creo que es el castillo de Laorre (Huesca). Construido en el siglo XI por orden del rey Sancho III. Las características que creo que destacan entre otras son: Una la pequeña capilla que hay a la entrada, la otra la iglesia del castillo en la que llama la atención la cúpula poco habitual en el arte románico. También dicen que es la fortaleza mejor conservada del románico de Europa en la que también se ha rodado una película llamada El reino de los cielos y un programa de televisión."

Francisco Javier: "Castillo románico de Loarre, situado en la sierra de Loarre y cerca de Huesca.

País o región. Etapa cronológica: el castillo, como hemos dicho antes, esta situado una la sierra de Loarre (a unos 35 kilómetros de Huesca), España. Fue un castillo construido en el siglo XI POR ORDEN DE Sancho III. La construcción inicial fue ampliada y la que actualmente conocemos es la del reinado de Sancho Ramírez. Su función fue el servir de avanzadilla para organizar los ataques contra Bolea. Destaca en este caso la ausencia de foso, pero es que la misma naturaleza forma ese foso, ya que el castillo esta construido en una media pendiente.

Razones: las razones más simples que podemos dar son, la escasa decoración, dado que el románico estaba empezando, de arcos y bandas lombardas. Como segunda razón, y para justificar la remodelación del castillo, vemos como se combina esa escasa decoración de arcos y bandas lombardas, con la destacable capilla circular (presente en la imagen) que ya presenta una decoración propia de final del siglo XI y principios del XII. Así vemos ventanas abocinadas con decoración de arcos y columnas decorativas. Para asegurar el comentario, podríamos destacar la utilización del sillarejo irregular como material primitivo del románico."

Yo mismo. Este es un castillo románico auténtico con su complejo defensivo de murallas externas con cubos y almenas y su ciudadela interior, la  parte propiamente de vivienda del señor feudal que defendía la frontera. La foto nos permite comprobar como domina kilómetros sobre el paisaje del entorno desde su altura. La parte habitable tiene una iglesia y, sobre todo, la torre del homenaje, que sobresale en altura. Discrepo en la afirmación que hace Enrique de que no era habitual la cúpula en las iglesias románicas, eso no es del todo así. Toda iglesia mediana tenía su cúpula en el crucero. En cuanto a la decoración no era habitual en los edificios defensivos.En la iglesia no hay ni sillarejo ni arquillos lombardos y sí sillares, semicolumnas de refuerzo y arcos ciegos, como puedes ver en esta otra foto de más detalle.

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Silvia se decanta por la imagen 10 y lo hace con maestría, como siempre.

"Pórtico de la Gloria. Catedral de Santiago de Compostela.
Santiago de Compostela (España). Segunda mitad del siglo XII.
El Pórtico de la Gloria, realizado por el Maestro Mateo, constituye el ejemplo más importante del periodo románico en la Península Ibérica. Encontramos una figuras de gran viveza y movimiento, cuyos referentes en la decoración los encontramos en conjuntos franceses como los de Vezelay y Autum.
La escultura que encontramos en este pórtico se desliga poco a poco del marco arquitectónico y nos muestra figuras como la de Daniel, que anticipan a los ángeles de la sonrisa que encontramos en el gótico pleno. En el parteluz se encuentra el apóstol Santiago, que recibe al peregrino."

En concreto estamos ante la entrada a la nave principal desde el nartex. Al fondo se ven los pilares cruciformes y los arcos formeros de medio punto que dividen la nave central de la lateral. Estos arcos están peraltados para alcanzar mayor altura. Encima de la nave lateral se encuentra una tribuna con su triforio. Escultóricamente, lo que se ve son las esculturas-columnas de las jambas con los profetas intercesores y el mainel con el Santo Patrón venerado en la iglesia. Éste sostiene un dintel con tímpano y arquivoltas donde también se aprecian los reyes- jueces-músicos del Jucio Final, puesto que lo que está represetnado en el tímpano es el Pantocrator.