Esta es mi propuesta cultural para el fin de semana de aquellos que lo pasen en Madrid.

El 29 de Octubre se inauguró en la Real Academia de San Fernando de Madrid la exposición "Carlos III, entre Nápoles y España". La organiza la Embajada de Italia en conjunto con la Academia y la patrocina ENDESA.

Retratos de Carlos III y Amalia de Sajonia por Giuseppe Bonito.

La exposición no es muy extensa, apenas 48 piezas, pero merece la pena ya que están bien seleccionadas y nos permiten conocer el contexto artístico y político de 1759, año en que se produjo la ascensión al trono de Carlos III. Su hermano Fernando VI, había fallecido sin descendencia y Carlos, que ya era rey de Nápoles y Sicilia desde 1734, tiene que asumir la corona española. Dejó tras 25 años de gobierno el reino italiano a su tercer hijo  -Fernando-, que sólo tenía en ese momento 8 años, y partió de Nápoles con el resto de su familia hacia España.

Embarque de Carlos III desde la dársena de Nápoles, 1760, por Antonio Joli.

La muestra nos enseña que Carlos III trajo consigo además unas vivencias artísticas que explican el apoyo decidido del monarca a la transformación del barroquismo de inspiración francesa por un nuevo espíritu neoclásico. Durante su reinado fue el impulsor de las primeras excavaciones de Pompeya y Herculano, pero también -y esto es algo que desconocía- de las ruinas del santuario de Paestum. El cuadro de Antonio Joli alude a esos trabajos de dibujo y catolagación del conjunto de templos mejor conservados de Grecia. El interés por rescatar el mundo grecorromano animará a la transformación artística.

Templo de Hera en Paestum, por Antonio Joli.

El espíritu del neoclasicismo ya se respira en la obra de su arquitecto Luigi Vanvitelli, del que se exponen algunos diseños del palacio que construyó para Carlos en Caserta o de su ideas para el palacio de Oriente de Madrid, que por entonces estaba en construcción.

Proyecto escalera  para el Palacio Real de Madrid, por Luigi Vanvitelli.

Se exponen algunos de los objetos que Carlos III se trajo de Nápoles para iniciar en Madrid una nueva vida: cerámicas de Capodimonte, esculturas, una mesa de piedras duras y, sobre todo, los retratos familiares. De éstos  destacaría los magníficos retratos de Giuseppe Bonito del rey y de su esposa Maria Amalia de Sajonia, que podemos ver en una foto anterior, y los realizados por Francesco Liani de los pequeños príncipes.

Manufactura de Capodimonti. Satiros en porcelana.

Retrato de Antonio Pascual de Borbón, por Francesco Liani.

Giacinto Diano pinta a otros personajes de la corte. Mientras Michele Foschini retrata el acto de renuncia de Carlos III a la corona italiana ante su hijo y la jura posterior de éste como nuevo rey de Nápoles y de Sicilia.

Antonio Joli nos ofrece unas vistas impresionantes de la bahía de Nápoles en el momento de la partida del rey. Los cuadros de Joli son, a mi parecer, el mayor atractivo de la muestra. Razón por la cual vamos a recrearnos un poco en su obra.

Discípulo de Canaletto y experto en decorados teatrales sabe captar los paisajes y las perspectivas como pocos. Con una minuciosidad increible refleja el ambiente que se vivía en la ciudad italiana con la partida del rey. Con mucho acierto se incluye también en la exposición  una de las mejores vistas que realizó de Madrid entre 1750-54. La ciudad que va a acoger al nuevo rey empieza a cambiar su imagen, se están haciendo obras todavía en el Palacio Real. Merece la pena contemplar en directo este gran cuadro y no perderse ni un sólo detalle: las fotos que he conseguido le hacen poca justicia.

Embarque de Carlos III, detalle de la vista desde el otro lado de la bahía. Por Antonio Joli, 1760.

Embarque de Carlos III visto desde la dársena del puerto, detalle. Al fondo se puede ver como testigo del acontecimiento al Vesubio humeante. Por Antonio Joli, 1760.

Vista de Madrid. Antonio Joli, 1750-54.

Vista de Madrid. Detalle del puente de Segovia, la ermita de la Virgen del Puerto, la puerta de Segovia y el Palacio sin la plaza de la Armería (en explanación) ni los jardines del Campo del Moro . Antonio Joli, 1750-54. El "skyline" es muy detallado y se pueden reconocer muchos edificios más.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES FUNDAMENTALES DE LAS ARTES PREHELÉNICAS Y GRIEGAS.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales".  No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte prehelénico y griego.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- Civilización y etapa o cronología. Por civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega. Etapas para la civilización griega con precisión cronológica.

3.- Autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej.  los escultores de etapa clásica).

3.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona (ved excepción en el siguiente párrafo), por lo tanto pensad bien que foto vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego.

Excepción. He modificado ligeramente el sistema para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo. Los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen.

Pongamos un ejemplo. El  que conteste correctamente el primero sabe que obtiene una décima para el control, pero además que podrá resolver otra segunda imagen con un segundo comentario que realizará cuando le convenga (pero dentro del plazo fijado). Así  si resulta que acierta además la sexta obtendrá otras 6 décimas. En total,  ganará para el control 7 décimas, 1 por la primera imagen resuelta  más 6 por la segunda.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Acierto para Francisco Javier (3) y tercer comodín.

"Imagen a comentar: 6

Titulo o descripción: Se trata de un altar, resultado de la evolución de los templos griegos dedicado al dios Zeus o a la diosa Atenea, en Pérgamo.

Civilización y etapa cronológica: Pertenece a la civilización griega en concreto a la Etapa Helenística (s.III-II a.C).

Razones: Dos de las razones pueden ser la utilización de columnas del orden jónico que constituye el elemento de sostén de todo el edificio y su elevación en un podio. También resalta la colocación de acróteras en las esquinas de dicho altar, todo típico de la civilización griega."

Tus razones no son de mucho peso. Yo hubiera destacado más los elementos de ruptura helenística, que es lo exclusivo, que los elementos que le hacen ser griego. Pero tampoco está mal lo que has hecho.

Lo siento Borja creo que te has equivocado de número, la imagen 3 no coincide con tu descripción. Por otro lado también contenía un error cronológico que la invalidaría. Has desperdiciado tu segunda oportunidad, ten más cuidado la próxima vez porque el resto estaba bien. Casualmente tres minutos después ha llegado el mensaje de Lorena contestando la imagen que tu debías querer resolver  y por justicia tengo que darle el acierto a ella.

Acierto para Lorena (4). Estas son sus palabras.

"Imagen 5

Titulo: Atenea Pártenos
Pertenece a la civilización griega, a la etapa clásica (segunda mitad del siglo V a.C.- al siglo IV a.C.)
Su autor es Fidias

Dos de las razones, pueden ser: una idealización corporal, con un canon proporcional, el cual no tiene imperfecciones y la pose trascendente y digna propia de un dios."

Dos matizaciones: la cronología exacta es segunda mitad del siglo V a. C. y la obra se encuentra en el interior del templo dórico del Partenón de Atenas, que también se aprecia en la imagen y por tanto en un comentario más extenso también habría que citar y explicar. El material en que está realizada la diosa también debería ser objeto de análisis.

Acierto para Enrique (5).

Tienes razón y haces bien en utilizar tu comodín. Como no te puedo premiar como a mis alumnos con décimas en los controles, he decidido otorgarte un premio honorífico al colaborador más fiel y persistente, que pudes descargar en esta dirección. Espero que te guste.

"numero 7.

Se llama "el doríforo" (portador de lanza) de Policleto, hecha entre los años 450 y 455 A. de C identificable con el mítico héroe de Aquiles. A pesar de que esta considerada como clásica conserva rasgos de un cierto arcaísmo. Tallada con cierta rudeza los pectorales son casi planos y las líneas de las caderas está perfectamente marcadas. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.
Se le atribuye a Policleto porque responde a canon de belleza de las 7 cabezas que es la proporción ideal del cuerpo humano. Aunque las que he encontrado son mas claras que tu imagen ¿Pueden ser replicas de mármol y la de tu imagen ser de bronce?"

Te doy por correcto tu comentario, pero te falta más claridad en la atribución de la obra. Toda la descripción que haces de la postura del atleta se resume en la expresión "movimiento contenido". Efectivamente esta imagen se acerca mucho más a la realidad del Doríforo que estamos acostumbrados a encontrar en los libros de arte, porque el original (que no se conserva) era en bronce. El problema con las copias romanas es que ha deformado mucho la percepción que tenemos de la etapa clásica.

Acierto para Alba Pérez (6). Este es su comentario.

"Imagen 10
Título: Artemisa cazadora
Pertenece a la civilización griega, a la segunda mitad de la etapa clásica (siglo IV a.C.).
Su autor es Leocares.
Dos de las razones son la teatralidad de sus gestos y el movimiento no contenido, ambas características de su autor."

Sólo completar diciendo que la estatua es una copia romana y se encuentra en el Louvre,

En este artículo trataremos sobre los enterramientos de los notables de Roma: las tumbas de las grandes familias y los mausoleos imperiales. Las tumbas de los más humildes ya las hemos tratado en otro artículo y para verlas tendrás que pinchar sobre el link anterior o ver las primeras imágenes de esta presentación.

La arquitectura funeraria monumental surge en Roma como herencia directa de la de los etruscos, aunque irá  tomando características propias con la extensión del imperio al introducirse ritos y tipos de sepulcros inspirados en otros pueblos conquistados.

Los túmulos etruscos.

Los etruscos consagraron a sus muertos inmensas ciudades funerarias. Las primeras tumbas hechas para las familias más influyentes se datan a partir del siglo VI a. C. . Su tipología era el de estructuras rectangulares ("dados") y circulares (túmulos) que podían estar bajo un  túmulo  o montículo artificial. También las había que estaban excavadas directamente en la misma roca.

Tumbas de Cerveteri. Necrópoli de Banditaccia. túmulos y "dados".

El interior imitaba la morada de los vivos y  al menos tenía una cámara que estaba cubierta de forma adintelada o con una falsa bóveda. Pinturas al fresco y relieves de temas diversos las decoraban. Encontramos las tumbas más llamativas y numerosas (más de mil de todos los tipos) en la necrópolis de Banditaccia en Cerveteri. De allí son las dos fotos que cuelgo. También es imponente el hipogeo de los Volumnio, cerca de Perugia, que penetra profundamente bajo tierra y comprende un gran número de salas subterráneas, donde aún  están reunidos las urnas y los sarcófagos de los difuntos pertenecientes a la misma familia. Estelas o cipos señalan en la superficie la presencia de la cámara y de los enterrados.

Tumbas de los Relieves. Siglo III a. C. Cerveteri.

El túmulo fue el tipo de enterramiento que más influyó en el de los romanos adinerados al comienzo de la república. Sin embargo, los sarcófagos de barro cocido o de piedra, muy frecuentes entre los etruscos, casi desaparecieron en la época republicana, y la práctica de la inhumación sólo persistió entre unas pocas familias como los Cornelios (Sila, por ejemplo, fue el primer miembro de éstos en ser incinerado, ya en el siglo I a. C.). Durante los primeros siglos las elites republicanas  se enterraban en columbarios simples junto a las grandes vías de salida de la ciudad de Roma. Con la gran expansión territorial del siglo III a. C. se fueron levantando nuevos tipos de tumbas inspirados en las de los pueblos conquistados. Los Cornelio Scipión fueron de los primeros en apuntarse al modelo de mausoleo helenístico, al mezclar la tumba, el monumento conmemorativo y el templo. El sepulcro fue iniciado el año 298 a. C. como una tumba etrusca y Escipión Emiliano, a mediados del siglo II a. C., lo monumentalizó dotándole de una fachada arquitectónica con columnas y esculturas de los miembros familiares más conocidos.

Reconstrucción fachada del mausoleo-tumba de los Escipiones. Roma confluencia vía Apia con vía Latina.

El ejemplo de los Escipiones fue seguido por todas las familias influyentes de Roma. La idea no era construir un gran edificio para garantizar la supervivencia de los difuntos como en Egipto, sino la de hacer visible a los ciudadanos de Roma el poder de cada familia senatorial y exaltar la memoria de sus antepasados más gloriosos.

El modelo de torre redonda se popularizó en el siglo I a. C. La más grande es la de Munacio Planco en Gaeta. Su construcción en travertino  oculta una estructura de pasillo circular y cuatro cámaras funerarias. Posiblemente estuviera rematada con un túmulo de tierra y una estatua del difunto. Otras tumbas que reflejan este estilo son la conocida tumba de Cecilia Metella en la vía Apia o la tumba de Cicerón en Formia. La diferencia con los túmulos etruscos era su mayor altura y la decoración externa, que incluía escultura y elementos arquitectónicos como columnas y entablamentos con frisos.

Reconstrucción de la tumba-torre de Munazio Planco en Gaeta. s. I a. C.

Otro modelo de tumba nobiliaria erigido desde el siglo I a. C. es el que superpone dos o tres módulos arquitectónicos creando una forma difícil de definir. Los inferiores de forma cuadrada se componen de un alto pedestal  y  de un edificio que simula un templo o un arco de cuatro vanos. El piso superior imita una pirámide o un tholo (templete circular). Esta subdivisión tiene un significado simbólico. El primer nivel representa lo terrenal, donde se pude representar en relieve las acciones del difunto o aparecer retratos familiares y figuras alegóricas. El templo o el arco simbolizan la puerta de los infiernos, la entrada al otro mundo. El tholo, o lo que corone, es la morada celeste donde el muerto divinizado vivirá en la eternidad. El mejor ejemplo conservado es la tumba conocida como de Los Julios en Saint Remy, Provenza. Se conserva en buen estado la "Conocchia" de Capua, construida en opus incertium. Una estructura parecida podría haber tenido la tumba conocida como de los Escipiones en Tarragona.

Mausoleo de Los Julios en Saint Remy. Dedicado a los hijos de Agripa (10 a. C.)

La imaginación de los constructores de monumentos funerarios también se desarrolla por caminos fantasiosos o exóticos. Por ejemplo Eurisace, un panadero que hizo fortuna durante las guerras civiles del siglo I a. C. se hizo conmemorar con un edificio que imitaba las bocas de un horno de pan. Cayo Caestius,  a finales de ese siglo, se hizo enterrar en una pirámide recubierta de travertino tras haber quedado impresionado por las mismas a su paso por Egipto.

El templo funerario en piedra o en ladrillo es otro modelo muy utilizado por las grandes familias a partir del siglo II d. C. La parte superior es un pequeño templo dedicado a los dioses, mientras que el enterramiento se produce en una cripta inferior. Los de vía Latina son excepcionales por la perfección en el uso del ladrillo y del hormigón, destacan el de los Cornelios (conocido como sepulcro Barberini) y el de los Valerios. Las bóvedas de cañón conservan estucos y frescos encantadores. En España es notable en este estilo el templete de Fabara en Zaragoza.

Sepulcro Barberini (realmente de los Cornelios). S. II d. C.

Tumba de los Valerio en vía Latina, s. II d. C. Exterior, interior y detalle decorativo de la bóveda.

Nos queda por hablar de los mausoleos imperiales. Tras la conquista de Egipto y la proclamación del Imperio Octavio Augusto comenzó a construir un sepulcro grandioso en el extremo norte del Campo de Marte. La finalidad dinástica parece evidente y desde el primer momento se le denominó mausoleo en recuerdo de la tumba del rey Mausolo de Caria (siglo IV a. C.). El edificio  ha sido muy dañado por los saqueos, hasta tal punto que su reconstrucción gráfica no resulta del todo fiable. Los restos de hormigón que hoy quedan nos indican que era una construcción circular de muros interiores concéntricos, posiblemente recubiertos de travertino y semienterrado por un túmulo. Quizá estuviera rematado por un tholo en un segundo rellano que hiciera destacar el edificio en altura. Aquí se enterraron todos los miembros de la familia imperial del siglo I, salvo Nerón.

Mausoleo de Augusto. Reconstrucción y planta.

Nerva fue el último emperador sepultado en el Mausoleo de Augusto. Los restos de Trajano se depositaron en el basamento de la columna conmemorativa que se levantó en su foro. Adriano fue quien dio comienzo a las obras de un nuevo mausoleo, que iba a convertirse en el sepulcro dinástico de los Antoninos. Se eligió pra su edificación un lugar cercano al de Augusto, pero al otro lado del río. Hoy es el Castillo de S. Angelo, que camufla la estructura antigua de la tumba muy parecida a la del primer emperador.

Los tres emperadores Gordianos del siglo III  fueron enterrados en una tumba circular de ladrillo y hormigón de dos plantas cubierta con una gran cúpula. La atribución no es del todo segura porque también se atribuye a la época de Constantino. El edificio sigue un modelo nuevo, el del Panteón de Agripa Adriano. La estructura circular estaba precedida por un pórtico con escalera frontal de gran tamaño, que daba asceso a un planta superior donde deberían encontrarse estatuas de dioses en los nichos laterales que se aprecian en la foto. El enterramiento se produciría en el piso inferior o cripta. Un edificio muy parecido  se conserva en Centelles, Tarragona, con el mismo problema de atribución.

Mausoleo de los Gordianos. s. III o IV.

Los emperadores cristianos ya se harán enterrar en modelos de tumbas claramente cristianas (Mausoleo de Santa Constanza en Roma o de Gala Placidia en Rávena)

Desde el 24 de Septiembre de 2009 se está exponiendo en la "Scuderie del Quirinale" una muestra muy completa de la pintura romana entre los siglos I a. C y V d. C.:  "La pittura di un Imperio" (La pintura de un Imperio). En la misma colaboran con obras entre otros el Museo Metropolitano de Nueva York, el Museo Británico de Londres, el Louvre de París y, por supuesto, los museos más importantes de Roma (Vaticano, arqueológico..) y el Museo Arqueológico de Nápoles y de Pompeya. Si vais por Roma en estos meses tenedla en cuenta puesto que estará abierta hasta el 17 de Enero de 2010.

Es un repaso por todos los estilos y temas a través de unas 100 obras que abarcan cinco siglos de historia de Roma: del paisaje  a la naturaleza muerta; de la decoración escenográfica y refinada de las domus a la pintura popular de los burdeles; del retrato al mito reinterpretado según la mentalidad romana. En este vídeo que os he preparado se pueden ver algunas de las imágenes reunidas más impactantes.

La exhibición está ordenada en cinco secciones de títulos sugerentes:

• La negación del espacio.
• Sombra y luz.
• Pinacotecas antiguas.
• La ciudad habla: de los exteriores a los interiores.
• Del descubrimiento de la Domus Áurea hasta los grutescos.

Se pueden ver reconstruidas habitaciones enteras con sus frescos y un columbario. De este modo se puede entender mejor la originalidad de la pintura romana, a la que con frecuencia se supedita demasiado a la griega. También podemos comprobar que los espacios arquitectónicos romanos eran mundos de colores, donde se reproducían tanto los hechos solemnes (históricos o mitológicos) como la vida cotidiana y la naturaleza.

Detalle de palomas del columbario grande de la Villa Doria Pamphili, 30-20 a. C.

Si nos acercamos suficientemente como podemos hacer con el retrato de abajo entenderemos que los pintores romanos utilizaban una pincelada rápida y vibrante que nos recuerda a la de  los impresionistas. Observa como construye el rostro con breves toques de color con los que crea luces y sombras.

Retrato de mujer con joyas. El Fayum. Museo Nacional de Edimburgo, Escocia.

La primera sala está dedicada a la decoración parietal. A través de columnas, pilastras, cariátides y un sin fin de pequeños elementos decorativos se crea una escenografía donde enmarcar bellos ejemplos de paisajes bucólicos, vistas de villas y de santuarios  rurales y jardines. La perspectiva es puramente intuitiva, sin las rígidas limitaciones de la perspectiva lineal.  Destacan los frescos de la Villa Farnesina de Roma y los de la villa de Boscotrecase en el golfo de Nápoles.

Decoración de festones y figurillas de Villa Farnesina. Roma.

La segunda sala expone una selección de frescos del cuarto estilo pompeyano, arrancados a las domus en el siglo XVIII, con mitos representativos como Eros y Psique, Las Tres Gracias, Polifemo y Galatea, Hércules con su hijoTélefo, Ulises y sus aventuras narradas en la Odisea, Perseo y Andrómeda... Estos personajes están flanqueados por ninfas, sátiros y ménades suspendidas en el aire.  Escenas cotidianas, ritos iniciáticos de casamiento, imágenes eróticas y bodegones completan esta segunda parte.

Ulises y las sirenas. Pompeya. 50-70 d. C. British Museum.

Los retratos que se pueden ver son magníficos y, lo más sorprendente hoy en día, de artistas desconocidos. Por primera vez se exponen juntos  retratos de El Fayum (hechos con cera derretida sobre madera) junto a otros italianos hechos en mosaico, fresco o esmalte. Sus ojos transmiten la vida que ya dejaron.

La muerte en Roma tenía reservado el espacio en el exterior de las ciudades. Los romanos tenían prohibido el enterramiento intramuros, pero más allá de ellos se levantaban necrópolis donde los más pudientes se hacían enterrar. Las cunetas de todas las vías estaban invadidas a lo largo del camino de grandes y pequeños cipos, monumentos y mausoleos familiares y de sociedades que recordaban a sus difuntos. Las más importantes como la Apia o la Latina concentraban en los primeros kilómetros miles de ellos.

Reconstrucción fantasiosa del siglo XIX de la vía Apia.

Los monumentos de los más humildes han quedado en el olvido. De ellos sólo permanece algún trozo de lápida o restos de un podium. Sólo los edificios más grandes, pertenecientes a las familias más influyentes de Roma, han sobrevivido sumidos en ruina.

Estado de algunos monumentos en la actual Via Apia Antica.

Pinchando sobre el mapa de Roma que te ofrezco debajo podrás localizar los principales restos arqueológicos funerarios que quedan hoy en día en la ciudad. Alguno iremos nombrando a lo largo de este y de otro artículo.

Los enterramientos más humildes. La cista, el columbario y la catacumba.

El enterramiento de los pobres en Roma era la fosa común. Si había dinero para incinerar el cadáver se enterraban sus cenizas bajo piedras o creando un hueco en el suelo donde depositar una cista o una vasija con las mismas. Sobre la superficie se podía dejar una lápida o un cipo, a modo de estela conmemorativa, donde se reseñaran los datos más relevantes del enterrado.

Aquellas familias más adineradas excavaban en una parcela de su propiedad una cámara bajo el suelo a la que se accedía como si fuese un pozo. En ella se depositaban las urnas con las cenizas de sus difuntos en los huecos practicados en las paredes. Este tipo de enterramiento se conocía con el nombre de columbario porque estas hornacinas recordaban los palomares con sus nichos para los pájaros. Debajo puedes ver una reconstrucción de estos sencillos espacios funerarios (museo de Córdoba). Si además pinchas sobre la imagen podrás ver como podía ser uno en una recreación en 360º.

En Roma estos columbarios también podían ser edificados e incluso existían sociedades creadas ex profeso (colegios funerarios) que se organizaban  para dar sepultura dignamente a sus socios. Podemos destacar por su grandeza y monumentalidad  los creados a partir de finales del siglo I a. C. por los libertos de la familia imperial Julio Claudia en Vigna Codini. En España tenemos ejemplos en Carmona, Mérida y Tarragona.

Columbarios de Vigna Condini. Roma.

Las catacumbas eran los cementerios subterráneos donde se practicaba la inhumación de los cadáveres. En Roma este rito no era habitual originariamente, puesto que se prefería la incineración como hemos visto. Sin embargo, con la implantación progresiva del cristianismo y del judaísmo, que aborrecían la cremación, se fue generalizando incluso entre los paganos (s. II y III d. C.).

En principio los cadáveres se enterraban en superficie. Pronto la falta de espacio alrededor de Roma obligó a imitar a los paganos con sus columbarios subterráneos. En esta ciudad las condiciones del terreno permitían excavar con fciliada en el subsuelo. Las primeras catacumbas cristianas datan del siglo II.  En los siglos siguientes se fueron ampliando y  bajando en profundidad nuevos niveles, dando como resultado grutas de trazado anárquico de galerías, escaleras y pisos. (Véase arte Paleocristiano en este blog)

Catacumba de San Sebastián.

Las familias que se lo podían permitir se reservaban espacios contiguos e incluso podían crear cámaras decoradas con pinturas o cubículos. La iglesia, como institución,  también reservaba espacios amplios para dar culto a sus mártires. Por otro lado, los nichos ya no podían ser simples agujeros  para recoger la cenizas, se necesitaba espacios rectangulares  para cada individuo (loculi y arcosolios) y nuevos recipientes para los restos (sarcófagos). La decoración escultórica y pictórica fue apareciendo en el siglo III. Observa la reconstrucción en 3D de un cubículo de catacumba romana en este vídeo de la BBC.

Breve apunte biográfico.

Eugène Delacroix (1798-1863) es el máximo exponente de la segunda generación de pintores románticos europeos.  Continuador de la obra de Géricault, desde sus inicios buscó la fama en los salones oficiales, pero mediante un lenguaje que se oponía a las formas pulidas de los pintores neoclásicos. De ahí su antipatía por Ingres, al que tachaba de ultraconservador.

Autorretrato, 1837.

Sus primeros éxitos le llegan muy joven en la década de los veinte. En 1832 visita Marruecos y se enamora de la luz, del color y del exotismo del lugar, siendo a partir de entonces un tema recurrente hasta el final de sus días. Desde  la década de los 40 su obra se hace un tanto repetitiva. El pintor se institucionaliza al trabajar en muchos encargos oficiales e incluso desprecia la revolución de 1848, cuando tanto había alabado la de 1830.

Características artísticas.

Contemplemos este detalle del óleo titulado La muerte de Sardanápalo (1827).

• Por encima de cualquier otra característica destaca la emoción, la fuerza o la audacia (como queramos calificarla) que ponía en sus obras. Para él, como buen romántico, la pintura era la mejor manera de reafirmar su individualidad y su sentimiento apasionado.

• Todas sus obras están tocadas de un intenso dramatismo. Sus personajes se muestran agitados y en pleno movimiento. A menudo, como esta vez, están viviendo una tragedia. De sus obras emana mucha sensualidad, rayando con el erotismo.
• El color es vivo. Gusta de los rojos intensos que tras su visita a Marruecos aún cobrarán más importancia en su obra. La pincelada debe ser suelta, ayudando a crear la atmósfera y el movimiento ¡Qué lejos queda el espíritu neoclásico aferrado a la mesura, la línea y el dibujo!
• El artista se implica en los hechos históricos que le toca vivir. En este caso no hay una referencia directa a esta característica, sin embargo, el cuadro que analizaremos posteriormente es la mejor muestra. El pintor, como otros jóvenes románticos de la época se decanta apasionadamente a favor de la independencia griega y de la revolución de 1830.

La matanza de Quios. 1824.

Influencias.

Su obra está influida por la pintura y la escultura de Miguel Ángel, sobre todo, en el modelo humano de sus desnudos y en las posturas retorcidas que adoptan. Es también evidente la influencia de pintores barrocos como Rubens y Rembrandt. Otros pintores que influyen en su obra son sus contemporáneos Gèricault, Constable y Turner.

Su técnica de pincelada breve y vibrante y su concepción del color inspiraron a los impresionistas.

Temática.

En esta presentación podemos hacer un repaso de su producción pictórica. Desde el punto de vista temático su obra es una de las que mejor encaja en el movimiento romántico ya que realiza cuadros de temas históricos, literarios, orientales (Marroquíes) y religiosos. También realizó retratos románticos. El género del  paisaje, en cambio, no le atrae, siendo incluso sólo esbozados en sus cuadros narrativos de gran formato.

• Entre sus cuadros destacamos:

1. -1822  La barca de  Dante.
2. -1824  La Matanza de Quios.
3. -1827 La muerte de Sardanápalo.
4. -1830 La Libertad guiando al pueblo.
5. - 1834 Mujeres de Argel en sus habitaciones.
6. - 1840 Entrada de los Cruzados en Constantinopla.
7. - 1845 El Sultán de Marruecos y su corte.
   
8. -  1854-60 Frescos religiosos en la iglesia de San Sulpico, Paris.

La libertad guiando al pueblo. 1830.

Ficha técnica de La Libertad guiando al Pueblo (1830).

Técnica y dimensiones. Óleo sobre lienzo, 260 x 325 cm.

Ubicación. Museo del Louvre, París desde 1839.

Contexto histórico. Tras el Congreso de Viena, en 1814, la restauración de las monarquías absolutistas se generalizó por todo el continente. La decepción hacia esa nueva realidad y la actitud crítica ante la situación social y económica llevó a la revolución burguesa de 1830. El cuadro de Delacroix se convirtió en el símbolo de toda esta época.

Historia del cuadro. Enviado al Salón de 1831, el Estado de la nueva monarquía de Luis Felipe lo adquirió para el Museo Real, pero por su carácter incendiario no se atrevió a mostrarlo en público.

Detalles particulares del cuadro.

A este cuadro le podemos aplicar todas las características que hemos señalado anteriormente y además algunas cosas más, como por ejemplo:

- Es una obra muy cruda, los cadáveres aparecen en primer plano de una forma muy realista. Es especialmente conmovedor el cuerpo del joven de la izquierda o los ojos abiertos del soldado muerto.

- La imagen de la Libertad va a ser adoptada por la República Francesa. Sintetiza el presente y el pasado. El presente porque es una mujer tocada con el gorro frigio que porta la bandera tricolor y un fusil en su otra mano. El pasado porque Delacroix eligió como modelo para crear este símbolo a las estatuas griegas (recuerda a la vez a la Venus de Milo y a la Victoria de Samotracia).

- Flanqueando a la alegoría de la Libertad aparecen con sus atributos las diversas clases sociales que participan en la revolución: Los obreros y campesinos desarrapados y la burguesía con chistera y levita. El artista no es imparcial en su militancia social, de ahí que sea el burgués quien está más cerca de la alegoría femenina defendiéndola con decisión.

Los  20 años que van entre 1915 y 1935 son, con toda probabilidad, los menos apreciados  y comprendidos de la obra de Picasso. La razón es que el pintor trabajará en distintos estilos sin aparente coherencia, lo que desazona mucho a la crítica artística que clasifica y ordena en cajones estancos y racionales. Durante estos años la vida de Picasso atraviesa vaivenes sentimentales y eso se refleja en su obra. Su producción pictórica no encuentra una expresión unívoca y oscila entre distintos lenguajes, a veces contradictorios: el cubismo decorativo, el clasicismo y el surrealismo.

La imagen que sirve de portada a esta presentación está hecha con pedazos de tres cuadros (Los Tres músicos de 1921, Los enamorados de 1923 y La danza de 1925) que manifiestan la trayectoria tan peculiar de estos años.

Durante estas dos décadas el mundo también atraviesa  situaciones muy convulsas, absurdas y discordantes : la Gran Guerra de 1914-18; la revolución socialista en Rusia; la crisis de posguerra; los felices años veinte; el ascenso de los totalitarismos; la crisis económica del 29 y de los años venideros; la escalada de tensión que augura una nueva guerra... Artista y sociedad en el fondo van de la mano.

La Gran Guerra y sus consecuencias en la obra pictórica de Picasso (1914-18).

La I Guerra Mundial (1914-18) trajo el fin de una época en el mundo y en el París de Picasso. El dramatismo de estos años transformó a los parisinos y a los artistas que allí trabajaban.

• Producción artística. Muchos artistas están en el frente, quedando en retaguardia los más ancianos o aquellos como nuestro pintor o Juan Gris que, como extranjeros, no estaban alistados. La fructífera relación con Braque y otros pintores se rompe. La obra de Picasso se resiente, no son años de grandes innovaciones. Su producción continúa, pero pierde originalidad, manteniéndose en un cubismo sintético "decorativo".
• Situación personal. En diciembre de 1915 muere su compañera Eve Gouel. Se siente solo, sin amor y sin amigos,  lo que le sume en una depresión. La tragedia de la guerra y la muerte  transforman la mentalidad de Picasso y de otros artistas hacia posturas más conservadoras: los experimentos llevados a cabo entre 1905 y 1914 se ven como arrebatos adolescentes que la Guerra ha frenado. Se extiende la idea de que lo más sensato sería reposar lo ya aprendido e incluso apreciar lo bueno que tiene aquello contra lo que reaccionaron. A ésto se suma la muerte en noviembre de 1918 de su amigo Guillaume Apollinaire.

• El ballet y Olga Koklova. En este ambiente tan negativo, Picasso encuentra un escape en la propuesta que le hace su amigo Cocteau en 1916 de trabajar diseñando escenarios y vestuario para la compañía de ballet de Serge Diaghilev. El pintor acepta porque le atrae hacer cosas nuevas y porque le permite alejarse de París, ya que la compañía hace una gira por la principales ciudades europeas. En Roma (febrero de 1917), durante los ensayos de "Parade", conoce a una de las bailarinas, Olga Koklova, de la que se enamorará y con la que... ¡se casará por el rito ortodoxo en París al año siguiente!

Olga Koklova sentada en un sillón, 1917

El contacto con esta mujer cambia su estilo pictórico y sus amistades. Picasso deja la vida bohemia y la cambia por el círculo de la "alta sociedad". Ella es de porte aristocrático y gusta ser pintada de forma realista, como podemos ver en el cuadro de arriba. El pintor se somete y vuelve a sus orígenes de pintor académico. Una nueva etapa creativa se avecina.

El clasicismo o neoclasicismo picassiano (1917- 1924).

No obstante, Picasso es consciente del  éxito económico obtenido con el cubismo y, por tanto, no lo abandonará totalmente durante estos años. En 1922 vende Las señoritas de Avignon por 25.000 francos. Picasso es un pintor cotizadísimo. Como el doctor Jeklly y  Mr. Hyde será capaz de simultanear el cubismo con el "clasicismo", que está en las antípodas pictóricas. Por ejemplo, en  1921 realiza  Los Tres Músicos (MOMA de Nueva York), una de sus obras más ortodoxas en el cubismo sintético, pero también las volumétricas Tres mujeres en la Fuente de estilo clasicista.

El estilo clasicista de Picasso recuerda su etapa rosa precubista por las tonalidades cálidas predominantes y sobre todo por la importancia que otorga al volumen de los cuerpos. Las figuras de esta época  son simples,  pero a la vez macizas y gigantes. En este cuadro de Tres mujeres en la Fuente sus ropas recuerdan estrías de los fustes de  columnas griegas y ellas parecen altorrelieves arcaizantes.

Entre los temas más representados de este estilo clasicista están los retratos de su mujer y de su hijo Paul, que nace en 1921, así como los sempiternos Arlequines. Algunas figuras pueden aparecer descoyuntas y con unas proporciones que invaden el espacio pictórico (gigantismo), como los durmientes de La siesta, o resultar exquisitamente ingresianos como Los enamorados. Las imágenes de la maternidad y de las familias felices disfrutando de la playa nos presentan a su propia persona disfrutando de los pequeños placeres de la vida.

Familia a la orilla del mar, 1922.

Su relación con la compañía de ballet durará hasta 1924 y se conservan muchos dibujos preparatorios de las 5 o 6 obras en las que colabora. Son diseños muy originales de vestuarios y decorados están a medio camino entre la vanguardia cubista y el neoclasicismo. Algunos se pueden ver en la presentación inicial.

El surrealismo dentro del cubismo (1925-35).

La complacencia conservadora de Picasso fue un episodio pasajero. Duró tanto como la felicidad de su matrimonio. Las desavenencias en la pareja comienzan a ser evidentes a partir de 1925. Su pintura se vuelve intranquila y la violencia, que no había aparecido hasta ahora en su obra, se manifiesta en figuras humanas deformadas e inquietantes. Los símbolos y el lenguaje surrealista será su nuevo canal expresivo.

El beso, 1925.

Picasso había estado atento al movimiento Dada y a sus epígonos los Surrealistas, surgidos en 1924. Su espíritu era tan libre que podía expresarse en un mismo día mediante tantos estilos diferentes como creyese necesario, por ello, nunca consideró el adscribirse a un solo estilo o a un determinado grupo de artistas que le pusiese ataduras. André Breton, líder del grupo, admiraba esta cualidad de Picasso y en su libro El surrealismo y la pintura de 1925 le dedicó una serie de reflexiones en las que justificaba la ambivalencia del pintor como un rasgo propio del surrealismo. Con ello contribuyó a que en el movimiento se fomentara la práctica de diversos lenguajes (desde la abstracción al realismo) y que se considerara al pintor como surrealista. Sin embargo, como ya hemos dicho Picasso sólo utilizará los recursos de este movimiento cuando lo crea necesario.

Tampoco podemos hablar desde 1925 de un Picasso único, ya que aunque abandona el clasicismo al acabar el amor por Olga, incorpora el surrealismo y el expresionismo como nuevos elementos a superponer sobre el cubismo sintético, decorativo o curvilíneo (como queramos llamarlo).

La danza, 1925.

• La primera obra de gran formato en la que podemos apreciar este cambio es La danza (1925). Tres mujeres bailan en frenesí dionisiaco en absoluta distorsión de sus cuerpos y de sus rostros. Fijémonos en la de la izquierda, con su pequeña cabeza y una boca agresiva, que asemeja una vagina dentada. Para los surrealistas estas figuras esconden múltiples explicaciones psicoanalíticas. El inconsciente aflora en la pintura de Picasso, la mujer se convierte en un ser "ente tenebroso y luminoso a la vez, fuente de éxtasis y de tragedia, mantis religiosa, amante insaciable y devoradora del objeto de su amor."¿Está detrás de esta representación las tormentosas relaciones conyugales con Olga? Olga Koklova ya no volverá a ser retratada a su gusto en los años siguientes y en 1927 el pintor iniciará relaciones extramaritales con la joven Maria Therese Walter. Aún así la obra encaja estilísticamente en el cubismo picassiano o en el cubismo surrealista.  En este mismo estilo y dramatismo podríamos incluir obras como El beso, vista más arriba, o La crucifixión de 1930.

La crucifixión, 1930.

• De 1928 a 1931 podemos ver un nuevo estilo de expresión del pintor. Las obras son en tonos marrones o anaranjados y representan a figuras femeninas como Mujer sentada al borde del mar que se han convertido en formas orgánico-geométricas casi abstractas. Realmente son cuadros en los que pinta obras escultóricas de hierro a lo Julio González, escultor con el que colabora en estos años y que le enseña a trabajar en este material.
  

Bañista, 1928.

• Junto a este estilo de obras continua con el cubismo colorista y curvilíneo, que tanto éxito le había proporcionado hasta ahora. Famosos son los retratos de Maria Therese de 1932 porque a través de su sensualidad y de su dulzura se intuye de nuevo en Picasso la alegría de vivir. El estilo está cercano al fauvismo de Matisse.

El sueño. Retrato de Maria Teresa Walter. 1932

• Un nuevo estilo más cercano al surrealismo simbólicoy violento de la segunda década de los veinte   aparece entre 1933 y 1936, coincidiendo con la definitiva ruptura con su esposa Olga (1935). Lo que tienen en común estas obras es el tema taurino y la presencia del minotauro, que como ocurriera con el arlequín se convierte en el "alter ego" del pintor. El artista se identifica con su impulso animal y sexual, pero también con su ternura y sufrimiento. El minotauro es humano y animal a la vez y como en el toro en las corridas puede ser actor de una drama inexorable o bestia sanguinaria. Su obra está cargada de erotismo y alusiones sexuales bastante explícitas, junto con otros universos oníricos más difíciles de interpretar.

Desde el punto de vista estilístico, no se parece a la obra de los años 20, el dibujo clasicista toma protagonismo frente al color, de hecho a menudo son aguafuertes coloreados. Veamos algunas de las obras de la conocida como Minotauromaquia. En estas obras se muestran algunas de las claves que formarán parte del Guernika, pero esa es una historia que contaremos en otro capítulo.

Minotauro y caballo, 1934.

Minotaruo y Dionisos. 1933.

Minotauro y yegua muerta delante de una gruta y niña, 1936.

El templo es la creación más importante de la arquitectura griega y en donde se manifiesta todas las características  y las perfecciones técnicas y estéticas.

Función.

Se concibe como morada de la divinidad y a la vez como emblema de cada polis. El espacio interno tiene como finalidad  exclusiva alojar la estatua de su dios protector y no recibir a los fieles como nuestros edificios religiosos, por eso son edificios más bien pequeños. Los rituales colectivos se realizan procesionalmente en derredor y los sacrificios en un altar fuera. El exterior es el que se reserva para el goce humano. El mármol, las columnas, los entablamentos y todos los elementos decorativos tienen por objeto deleitar la vista a quien contempla este edificio escultórico. Para su mejor exposición se levanta sobre una grada, que se denomina krepis o estereobato.

Procesión de las Panateneas. Acrópolis de Atenas.

Material.

Se construye preferentemente en sillares de mármol bien labrados, aunque los primeros templos fueron de ladrillo y madera. Desde época arcaica, sin embargo, se ennoblecieron con piedra y esta es la causa fundamental de su excelente conservación. Las juntas de los tambores de las columnas y de los sillares se tapaban con estuco y luego se pintaban ligeramente aquellos elementos arquitectónicos que tenían menor resalte.

Partes.

La forma más habitual es la de un edificio rectangular, derivado del modelo de megarón micénico, cubierto a dos aguas. Consta de una nave central llamada naos o cella donde se halla la estatua de culto. Esta sala es precedida de un vestíbulo reducido o pronaos. En ocasiones tras la cella hay otra sala u opistodomos.

También hay templos circulares que se laman tholos o monópteros.

Las columnas.

Destaca entre todos los elementos que lo componen las columnas. Ellas son la medida que proporciona las dimensiones del edificio y el principal elemento decorativo.

Según el número que tenga en su frente, el templo puede ser denominado in antis (si sólo tiene dos en su fachada y los muros de la cella), tetrástilo (cuatro), exástilo (seis), octástilo (ocho) y decastilo (diez).

Si sólo tiene un pórtico en la parte delantera es próstilo, y si lo tiene también en la parte posterior es anfipróstilo. Asimismo, es períptero cuando las columnas exentas rodean la cella; díptero cuando son dos las filas de columnas; pseudoperíptero cuando está dispuesto con columnas adosadas a los lados, y áptero si no tiene columnas.

La decoración de la columna también sirve para clasificar a un templo según alguno de los  tres órdenes establecidos e inmutables: el dórico, el jónico y el corintio.

- El orden dórico es el preferido para los templos más solemnes (Zeus en Olimpia), incluso en ciudades jonias (Partenón de Atenas).

- El orden jónico se reserva a templos menores (Erecteion de Atenas) y en época arcaica todavía era la referencia de los templos principales de la Jonia (Artemisa en Éfeso).

- El orden corintio sólo se utiliza en los templos en etapa helenística (Olimpeion de Atenas) y romana.

Las correcciones ópticas.

Como el templo debía representar el grado máximo de perfecciones, el arquitecto se permite corregir las medidas matemáticas y "deformar" intencionadamente su construcción para contrarestar el efecto óptico que éstas provocarían en el ojo humano. Así, por ejemplo, el fuste de la columna es más ancho en su parte central (éntasis) para corregir la apariencia de estrechamiento que se tendría si fuera totalmente recto. Aquí debajo os dejo otros ejemplos aplicados a la fachada del Partenón.

Evolución del templo.

Para un estudio más detenido del templo griego y de sus ejemplos véase en este blog la presentación: "El templo y los edificios de las polis. Evolución". Aquí sólo haremos una enumeración cronológica de algunos de los principales templos de los que nos quedan restos arqueológicos importantes.

• Etapa arcaica (s. VII y VI a. C.).

1. Templo de Prinias en Creta (650-600 a. C).
2. Templo de Artemisa en Corfú (580 a. C.).
3. Templo de Apolo de Corinto (540-530 a. C.).
4. Templo de Apolo en Delfos (525 a. C.). Tesoro de Sifnos y de los atenienses en Delfos (505 a. C)
5. Templo de Artemisa en Efeso (s. VI, reconstruido en parte según original en el siglo IV a. C.)
6. Templo de Hera en Posidonia o Paestum (mediados siglo VI a. C.).
7. Templo  "C" de Selinunte (mediados siglo VI a. C).

Templos de Hera y Poseidón en Paestum (Poseidonia).

• Etapa protoclásica o estilo severo (1º mitad del siglo V a. C.).

1. Templo de Afaia en Egina (495-480 a. C).
2. Templo de Zeus en Olimpia (468-456 a. C.).
3. Templo "E" de Selinunte (465-450 a. C.).
4. Templo de Poseidón en Paestum (450 a. C.)

Reconstrucción del templo de Zeus en Olimpia.

• Etapa clásica  (2ª mitad del siglo V y siglo IV a. C.).

1. Partenón de Atenas (447-438 a. C.).
2. Atenea Nike de Atenas (449-426 a. C.).
3. Erecteion de Atenas (421-405 a. C.).
4. Templo de la Concordia en Agrigento (440-430 a. C.)
5. Templo de Hefesto o Teseion en Atenas (449-415 a. C.).
6. Tholo de Apòlo en Delfos (390-380 a. C.)

Templo de la Concordia en Agrigento. Uno de los mejor conservados.

• Etapa helenística (siglo III y 1ª mitad siglo II a. C.)

1. Altar de Zeus y Atenea en Pérgamo (181 a. C).
2. Olimpeion o templo de Zeus en Atenas (Terminado en el siglo II d. C.).

Reconstrucción del templo hípetro o altar de Zeus y Atenea en Pérgamo.

Para ver imágenes de todos estos templos y de muchos más.

Página de Archeology Image Bank. Greek temples (más de 3300 imágenes).

Para ver los templos de Roma en este blog.