En 1496 se produjo el matrimonio de la princesa Juana de Castilla, hija de los Reyes Católicos, con Felipe de Borgoña, hijo del emperador alemán Maximiliano. Esta boda fue un capítulo importante en la política exterior de Fernando el Católico y selló las relaciones de amistad entre los reinos de Castilla y Aragón con Flandes y el Centro de Europa. Relaciones que ya se mantenían desde mediados de siglo en el plano económico. Tampoco era nueva la alianza hispano-flamenca para la arquitectura, la escultura y la pintura, puesto que numerosos artistas y obras  habían llegado hasta nuestra península a lo largo del siglo XV haciendo del estilo flamenco el preferido de los mecenas y artistas nacionales. En Castilla recibió el nombre de gótico isabelino, dada la  protección que la reina Isabel la Católica dio a este estilo y a numerosos artistas europeos que trabajaron directamente para ella.

Virgen de los Reyes Católicos, atribuida a Fernando Gallego, 1491. Museo del Prado. El respaldo que los Reyes dieron a este estilo se plasma en esta obra donde ellos mismos aparecen a la manera de donantes en un cuadro que recuerda totalmente los de Van Eyck.

Nota biográfica y artística sobre Juan de Flandes.

No se tiene noticia alguna de la vida ni de la obra de Juan de Flandes antes de su llegada a España. Se le supone nacido en algún lugar de Flandes en la década de 1460 y que debió aprender el oficio en el taller de alguno de los grandes, tal vez en el de Hugo Van der Goes o Gerard David, que es en quienes parece inspirarse su modelo humano, aunque éste muestra una personalidad muy definida. También se considera su posible comienzo como miniaturista dado su gusto por los detalles y puesta en escena de sus primeras obras que realizó en España. Precisamente por eso algunos historiadores del arte hablan de una posible relación con el conocido como Maestro de María de Borgoña.

Maestro de María de Borgoña. Libro de Horas. Último cuarto siglo XV.

Su formación básica es, sin duda alguna, en la pintura gótica flamenca del siglo XV, pero el ambiente y el espíritu de Castilla calan hondo en la fina sensibilidad del pintor y se aprecia una evolución en el transcurso de su carrera artística hacia la perfección técnica y el dominio de la composición, de la luz y del paisaje castellano.

Juan de Flandes. Cristo apareciéndose a su Madre, 1496. 63.5 x 38.1 cm. Óleo sobre madera. Tabla de la derecha del tríptico que encargó la reina para la cartuja de Miraflores. La tabla central e izquierda hoy están en la Capilla Real de Granada. Esta se encuentra en el Metropolitam Museum of Art de Nueva York.

El primer documento en que aparece mencionado Juan de Flandes lleva la fecha de 1496 y es, precisamente, el de su contrato como pintor de la reina Isabel la Católica. En las cuentas de la tesorería consta que estuvo a su servicio desde 1496 hasta la muerte de Isabel en 1504. Por eso se supone que entre sus cometidos estuviese realizar varios retratos para la familia real, aunque ninguno de ellos está firmado y por tanto autentificado cien por cien: destacan los de la propia Isabel y las de sus hijas como el de la supuesta princesa Catalina del Museo Thyssen-Bornemisza.

Juan de Flandes. Una infanta, probablemente Catalina de Aragón, hacia 1496. Museo Thyssen-Bornemisza. Óleo sobre tabla, 31 x 22 cms. Este cuadrito me encanta por la sencillez e inquietante belleza de la retratada: lleva un vestido y peinado sin grandes lujos y sostiene con delicadeza entre el pulgar y el índice un capullo de rosa, símbolo sin duda de su doncellez.

Debió residir algunos años en Burgos y, sin duda, encontró allí a Michael Sitow, otro pintor de la reina que ya estaba instalado en la corte desde 1492 con el que colaboró pintando la mayoría de las 40 tablillas que componían el Oratorio o Políptico de la soberana Isabel, una especie de Libro de Horas, pero en pequeñas tablas, que podía ser transportado en los viajes. Hoy este conjunto se halla despiezado e incompleto, exhibiéndose sus preciosas tablillas (21 x 16 cms) repartidas entre el Palacio Real de Madrid y algunos museos como la National Gallery of Art de Washington, el Louvre de París, el Metropolitan Museum of Art de New York y el Staatliche Museen de Berlin .

Juan de Flandes. Las bodas de Caná, 1498-1500 Metropolitam Museum of Art, New York . 21 x 15,9 cms. Este es una de las tablas del Oratorio de Isabel la Católica. La escena se desarrolla en un recinto abierto de inspiración renacentista por sus pilastras y adintelamiento y por el ejercicio de perspectiva lineal. El artista ha prescindido de personajes y detalles accesorios, concentrándose en las personas y objetos claves del episodio del Evangelio: los novios, las figuras de Cristo y su Madre y el criado y las tinajas donde se realiza el milagro. Al fondo, sobre la pared, el espejo nos devuelve la profundidad recreada por los elementos arquitectónicos, todo un recurso instaurado por Van Eyck en su retrato del matrimonio Arnolfini y un detalle simbólico que nos lo relaciona con el gótico flamenco.

A la muerte de la reina no le faltan encargos en Castilla. De 1505 a 1508 se instala en Salamanca donde recibe contratas de la universidad y de la catedral. El retablo de San Miguel, que podemos ver debajo, refleja su evolución como pintor. El conjunto de seis tablas a modo de políptico flamenco está más integrado en un paisaje unificado y las figuras son monumentales sobre un paisaje más simple. La figura estilizada del arcángel es de gran elegancia en su gesto.

Juan de Flandes. Retablo de San Miguel, catedral de Salamanca, 1505. Óleo sobre tabla, 215 x 200 cm. Museo Diocesano de Salamanca.

En 1509 se trasladó a Palencia para pintar unos cuadros que se requerían para ampliar el retablo mayor de la catedral palentina   y allí se afincó hasta su  muerte. Parece que le pudo requerir personalmente el obispo de la ciudad, Juan Rodríguez de Fonseca, gran amante de la pintura flamenca. El último pago por este encargo se le hace en 1519 a su mujer constatándose que acababa de morir. También trabajará esos años en retablos de las parroquias palentinas.

Características estilísticas de Juan de Flandes.

Estas son las principales características que me gustaría resaltar del estilo de Juan de Flandes.

• 1.- Busca en sus cuadros composiciones que resaltan siempre el tema principal a través de recursos sencillos pero efectivos. En el Cristo con la cruz (abajo), podemos ver que el espacio se ha concebido como un escenario teatral, donde la composición se organiza en torno a dos ejes que se cruzan perpendicularmente en la figura de Cristo. El vertical lo forman la roca situada en primer término y el torreón del fondo, mientras que el horizontal lo constituyen la línea imaginaria trazada entre las cabezas del Cirineo y de la Verónica. Su posición central y la oscuridad del manto hacen que toda nuestra atención se concentre en la figura de Cristo.

Juan de Flandes. Cristo con la cruz a cuestas camino del calvario (111 x 148 cms.). Retablo de la catedral de Palencia, 1510. El caballero con vestido verde puede ser un autorretrato del pintor.

• 2.- También, le atrae incluir personajes y detalles secundarios que le sirven para dar a la escena un toque de ternura e intimidad, lo que en el fondo constituye uno de sus principales atractivos, sin despistarnos de la escena principal. En este mismo cuadro resultan de una cotidianeidad conmovedora detalles como el cesto de ropa blanca depositado en el suelo por la Verónica o el perro que descansa tras la figura de Cristo.

• 3.- Algo que identifica a las figuras de Juan de Flandes es el especial sentido de la elegancia en sus movimientos y gestos de rostros y manos. Los Cristos suelen mostrar gran dignidad y serenidad aún en los momentos más dramáticos contrastando de forma intensa con las expresiones casi caricaturescas de los personajes secundarios. En el caso de la imagen de abajo, el rostro de Lázaro resucitado es la expresión justa de un hombre desconcertado que vuelve a la vida. Sus ojos son como tizones que vuelven a recuperar la luz.

Juan de Flandes. Cristo resucita a Lázaro, 1514-18. Del retablo mayor de la Iglesia de San Lázaro de Palencia, hoy en el Museo del Prado. Óleo sobre tabla, 110 x 83 cms.

• 4.- El prototipo humano de los protagonistas evangélicos son muy característicos del pintor. Sobre todo, la figura de Cristo y las femeninas,  para los que crea unos tipos de belleza delicada con manos largas y finas y  de cabellos abundantes, espesos y con suave ondulación que sirven de marco perfecto para subrayar el fino modelado del rostro.

Juan de Flandes. Crucifixión, 1509- 1518. Óleo sobre tabla 123 cm x 169 cm. Perteneció al retablo de la catedral de Palencia. Detalle central de mujer ante la cruz.

1. 5.- Los paisajes reflejan la potente luz de Castilla: llanuras rocosas y fortalezas feudales encaramadas a rocas; cielos limpios; edificios ruinosos con grietas de gran verismo topográfico.
2. 6.- En cuanto a los espacios interiores poco a poco va reflejando detalles de la forma de hacer de la arquitectura renacentista italiana para adaptarse al nuevo gusto de los mecenas, puesto que éstos empiezan a considerar este estilo un mundo distinto y moderno con el que quieren identificarse. Así aparecen columnas y pilares de capitales clásicos sosteniendo pórticos y salas y arcos de medio punto, bóvedas de cañón y cúpulas como elementos sostenidos.
3. 7.- Su sentido del color unido a la luz es excelente. Es capaz de conseguir matices bellísimos. Prefiere los tonos claros y luminosos y con frecuencia utiliza contrapuestos dos colores complementarios: un rojo carmín unas veces y bermellón otras, frente a un verde intenso o bien fresco y jugoso.

El resultado de la combinación de todos estos elementos es un conjunto de pinturas que despiertan en el espectador ambientes mágicos impregnados de poesía.

Juan de Flandes. Oración en el huerto de los olivos, 1509. Museo del Prado.

Análisis de Crucifixión o Calvario del Museo del Prado.

En el Museo del Prado poseemos una de sus mejores obras desde el año 2005 en que fue adquirida. Se trata del Calvario o Crucifixión, un óleo sobre tabla que formaba parte, sin duda alguna, del conjunto de historias que el obispo de Palencia, Juan Rodríguez de Fonseca, encargó a Juan de Flandes para el retablo de la catedral palentina. La tabla debió estar ubicada en el piso primero de la calle central del mismo y debió ser retirada a a mediados del siglo XVI para dejar espacio a la estatua del santo patrón San Antolín. Las otras 10 tablas que pintó para el retablo permanecen  todavía in situ.

Si quieres ver este cuadro en alta resolución pincha en este link o sobre la misma imagen de abajo.

Juan de Flandes. Crucifixión, 1509- 1518. Óleo sobre tabla 123 cm x 169 cm. Perteneció al retablo de la catedral de Palencia.

Elijo algunos detalles más de este cuadro, que me han gustado especialmente, para terminar de estudiar las características del estilo de Juan de Flandes:

- Composición. Este cuadro es un magnífico ejemplo de composición y estructura equilibrada. Juan de Flandes concibe el espacio con un punto de vista muy bajo, que evoca las composiciones de Mantegna y le dota de resonancias italianas.

• Horizontalmente, plantea tres bandas: el espacio inferior donde se sitúa la escena con los personajes; la parte intermedia que viene al ser el fondo rocoso y el paisaje de la ciudad de Jerusalén; y en la parte superior un amplio espacio de cielo en tinieblas en cuyos extremos se distinguen el Sol y la Luna, como representación simbólica del principio y del fin.

• Verticalmente tiene tres puntos culminantes: el central, y eje de la composición, lo ocupa la figura estilizada de Cristo en la cruz; en el extremo izquierdo están San Juan ante los restos de una elevada fortaleza en ruinas y a la derecha, la llamativa y elegante figura vista a contra luz de un centurión, con armadura, que sostiene un largo mástil del que pende un gallardete que se ondula desde lo alto hasta la parte inferior del cuadro, junto a unos grandes bloques de piedra, escalonados, que cierran la escena por ese lado.

Juan de Flandes. Crucifixión, 1509- 1518. Óleo sobre tabla 123 cm x 169 cm. Detalle lateral de San Juan, la Virgen y grupo de mujeres.

• Para llamar la atención sobre Cristo crucificado idea un semicírculo de figuras en torno a Él. Este modo de disponer a los personajes dota al conjunto de gran monumentalidad.

Juan de Flandes. Crucifixión, 1509- 1518. Óleo sobre tabla 123 cm x 169 cm. Detalle de centurión y caballeros.

- Color. El reparto del color parece responder a la misma idea de orden. Las notas más vibrantes, en tonos carmín de intensidad distinta, se utilizan en tres espacios: a la izquierda, en las vestiduras de San Juan y en el manto de la santa mujer, arrodillada ante él, junto a la Virgen; en el centro, en la capa que cubre al tiempo, al caballero del fondo y a su propia cabalgadura; y a la derecha, en el lucido gallardete con dibujo de la estrella y la media luna como probable alusión a los infieles, que porta el centurión. Para el resto de los personajes y su entorno se emplean tonalidades azules y ocres alternando con las partes luminosas y blancas que corresponden a los tocados de las figuras femeninas, al paño de pureza de Cristo, la cartela con el INRI, de la cruz y el caballo que aparece tras ésta.

Juan de Flandes. Crucifixión, 1509- 1518. Óleo sobre tabla 123 cm x 169 cm. Detalle lateral de calavera, tibias y piedras preciosas.

- Simbolismo. El paño del Crucificado, al flotar al viento sobre el azul del cielo, atrae la atención del espectador hacia ese centro luminoso y subraya la alusión al simbolismo que considera al Salvador como "luz del mundo". Aparecen además otros simbolismos como: la aparición del cráneo, el fémur y un omoplato de Adán al pie de la cruz, que representa en la iconografía tradicional a todos los humanos. Como contrapunto sutil a estos signos trágicos de muerte, encontramos las piedras semipreciosas (rubíes, zafiros, corales y cuarzos) diseminadas por el suelo que son el símbolo del prometido premio del Paraíso como consecuencia del sacrificio de Cristo.

Juan de Flandes. Crucifixión, 1509- 1518. Óleo sobre tabla 123 cm x 169 cm. Detalle de Cristo.

- Expresionismo. Una muestra de la destreza de Juan de Flandes como dibujante se aprecia al observar cómo utiliza las distintas actitudes de los personajes para dibujar las manos en una gran variedad de posturas o gestos que expresan mucho con cada pose: ofrecimiento, el caballero del sombrero de plumas; perplejidad, el centurión; resignación y tristeza, la Virgen; ruego, la mujer rubia que mira a Cristo; y desesperación y negación de la realidad, la que vuelve su rostro y llora. Sin embargo, la trágica muerte del hijo de Dios resulta serena, introspectiva y hasta amable, huyendo del patetismo habitual con el que se representa esta escena en la pintura española, si no fuera por la sangre que brota como un surtidor del costado que causa dolor.

Juan de Flandes. Crucifixión, 1509- 1518. Óleo sobre tabla 123 cm x 169 cm. Detalle de la armadura del centurión.

- Calidad en los detalles. Una de las características de los pintores flamencos y, cómo no, de nuestro pintor es reproducir fielmente los tejidos y las armaduras. A Juan de Flandes, de las vestiduras más que la textura le interesa la combinación y los contrastes de colores, puesto que sus paños resultan de pliegues muy rígidos y en la caso de las mujeres algo monótonos. Pero  las armaduras le interesan sobre manera para recrearse en el reflejo metálico y en los detalles lujosos. La bella armadura del centurión del cuadro es de un verismo notable: la empuñadura y el tahalí de la espada tan decorados nos indican que es una pieza de coleccionista; los codales y las hombreras se articulan perfectamente; la loriga es de finísima cota de malla metálica asomando en el cuello y en el faldellín; la celada con un rondel que le protege el cogote es un detalle que no puede pasar desapercibido junto con las cintas que atan algunas de estas piezas...

Rogier van der Weyden (Tournai 1399/1400- Bruselas 1464), llamado también Rogelet de la Pasture, es uno de los representantes más significativos e influyentes de la pintura flamenca del siglo XV. La razón  de su trascendencia no sólo reside en el genio del maestro, sino también en la profunda sensibilidad religiosa de su estilo que terminará imponiéndose en la escuela flamenca por encima del de los precursores de los años 20, Jan Van Eyck y Robert Campin.

Pequeña biografía.

Nació en Tournai (Flandes), entre 1399/1400 en una familia de artesanos. En 1427 ingresó en el taller de Robert Campin y en él estuvo cerca de cinco años. Al obtener el título de maestro se trasladó a Bruselas (1435), donde fue nombrado pintor oficial de la ciudad  y adquirió la traducción holandesa de su nombre, van der Weyden.

Entre 1437 y 1449 recibió prestigiosos encargos municipales, eclesiásticos y privados, algunos de ellos desde el extranjero. Pintó retratos y temas religiosos y también regentó un gran taller de pintura. Produjo obras para miembros de la nobleza y príncipes, entre ellos Felipe III, duque de Borgoña. Cuando Jan Van Eyck murió en 1541, van der Weyden, se convirtió en el principal pintor de retratos del duque.

Rogier Van der Weyden. San Lucas dibujando a la virgen, 1440. En esta obra se muestra todavía deudor de la obra de Van Eyck puesto que este cuadro recuerda el de la Virgen del canciller Rolin. Las figuras de la virgen y de San Lucas, sin embargo, se inspiran en los modelos humanos de Campin.

Se cree que viajó a Roma en 1450 en una peregrinación. Durante su estancia en Italia pintó para distinguidas familias, como los Medici de Florencia, pero no se dejó seducir por la pintura de este país. La fama de Van der Weyden creció y no tardó en tener seguidores en Francia, Alemania, Italia y España. Su influencia en la pintura flamenca fue notable en Petrus Christus y Diericht Bouts y se prolongó hasta mediados del siglo XVI. Murió en 1464 en Bruselas.

Rogier Van der Weyden. El hombre de la flecha o Antonio de Borgoña, 1461. Detalle. En este detalle podemos ver la maestría a la que llegó en el retrato en los últimos años de su vida, captando la individualidad del personaje en sus rasgos, pero también su psicología.

Características artísticas.

Sus obras tienen elementos comunes a la pintura flamenca como es el apego por el realismo basado en el detalle preciosista, sin embargo, se caracteriza especialmente porque:

• Centra su atención en las figuras, creando personajes muy elegantes y estilizados. Se puede decir que tiene una preocupación escultórica por el volumen. El resto de los elementos pictóricos que caracterizan la pintura gótica flamenca como puede ser plantearse retos en relación con la verosimilitud de las texturas de los objetos, el detalle meticuloso o microscópico, el paisajismo o el  captar la perspectiva en el paisaje pasan a ser objetivos secundarios de sus cuadros.

Rogier van der Weyden. Tríptico de Santa Columba, h. 1455. Panel central. Se puede apreciar la soltura y elegancia de sus personajes y cómo los fondos se convierten en los escenarios para el desarrollo piadoso de la escena.

• Sus personajes además manifiestan profundas emociones. Se cargan de una vida interior  que crean escenas dramáticas sin grandes gesticulaciones de dolor. 
• Tiene un gran dominio de la composición, como lo demuestra el cuadro del Descendimiento, que analizaremos a continuación en profundidad.
• Gusta de detalles naturalistas muy cuidados, aunque sin ser excesivos e integrándolos armónicamente en el tema principal.
• El color es intenso y muy expresivo, recargando el mensaje sentimental de sus personajes. Se puede decir que es único en la gama de los azules, hechos con lapislázuli, contrastados con los rojos.

El Descendimiento de la Cruz del Museo del Prado.

Con el Descendimiento de la Cruz del Museo del Prado, 1435, Rogier van der Weyden realizó su obra maestra y se impuso como la nueva autoridad indiscutible a imitar por los pintores de los Países Bajos.

Ficha técnica. El descendimiento de la Cruz, 1435. Museo del Prado. Óleo sobre tablas. Medidas 220 cm x 262 cm.

La obra era un tríptico cuyas ventanas laterales han desaparecido. Fue encargado por la gilda de los ballesteros de Lovaina para su capilla de Notre-Dame. Su inmenso prestigio, ya en su época, queda atestiguado por las numerosas copias que se hicieron de la obra (a más antigua data de 1443). En el siglo XVI la gobernadora de los Países Bajos, María de Hungría, adquirió la tabla para regalársela a su sobrino Felipe II. Se sabe que en 1574 ya estaba en el El Escorial.

Mira y escucha el siguiente vídeo hecho con imágenes en detalle del mismo y el sonido de la audioguía del Museo del Prado.

El realismo.

La pintura representa una extraordinaria mezcla de realismo y artificialidad. Las diez figuras, de tamaño casi natural, se sitúan como un retablo esculpido en una hornacina poco profunda. El suelo es realista, pero el fondo es dorado y sobre él se reflejan algunas sombras

El artista consigue crear una ilusión verosímil, especialmente efectiva en la parte superior de la pintura. La cabeza del sirviente está parcialmente escondida tras la cruz, pero extiende su brazo derecho para sostener los clavos que acaba de extraer del cuerpo de Cristo. Las tracerías de las esquinas y las sombras que proyectan sobre el madero hacen creíble el trampantojo.

Algunos tipos faciales, así como la volumetría escultórica de los cuerpos y el preciosismo de la representación de los paños, traen el recuerdo de Robert Campin, pero Van der Weyden lo supera sabiendo acentuar lo patético, para convertir el sentimiento de dolor en el tema principal de la representación.

El sentimiento dramático.

Las figuras están demasiado apretadas como para poder moverse o estirarse en este escenario angosto y eso es lo adecuado para que nada pueda distraernos de la contemplación de la tragedia. Se sirve de este espacio extremadamente comprimido para aumentar el dolor y la angustia experimentados por las figuras entrelazadas en sus retorcidas posturas. Las emociones están plasmadas con una claridad devastadora. María Magdalena retuerce sus manos, otra mujer se tapa los ojos porque no puede reprimir las lágrimas, mientras que la mayoría de los personajes, empalidecidos, simplemente miran al vacío desolados. La finalidad de cada gesto busca conmover y provocar la reflexión moral ante la muerte de Cristo.

La composición.

Contrariamente a la tradición, la composición se extiende a lo ancho, circunstancia que permite ya anunciar el tema de la Lamentación.

El cuerpo de Cristo sostenido por José de Arimatea y Nicodemo, se desliza hacia la derecha en una larga y sutil diagonal, mientras que el peso de los brazos y de la cabeza, que cae sin vida, dominan la parte central de la escena. Este movimiento es el mismo, aunque de otro modo, que el de la Virgen desvaneciéndose. La sostiene San Juan con la ayuda de una santa. Sus cuerpos dibujan otra diagonal paralela a la de Cristo. Los brazos y las manos de madre e hijo están a punto de tocarse repitiendo también postura.

Rogier Van der Weyden. Descendimiento. Geometría compositiva.

El conjunto de la composición está recorrido por un ritmo plástico que no tiene precedentes, cerrándose a modo de paréntesis con la inclinación de San Juan a la izquierda y  la postura contraria de María Magdalena a la derecha.

Los detalles simbólicos.

A modo de reconocimiento a los ballesteros que le encargaron la obra, Van der Weyden pintó dos pequeñas ballestas en la tracería dorada de las esquinas de la pintura, aumentando así su carácter escultural. El cuerpo de Cristo también presenta la forma de una ballesta disparada.

La crucifixión tuvo lugar en el monte Calvario, "el lugar de la calavera", donde se decía según la tradición judaica que Adán fue enterrado. Esta el razón simbólica de introducir la calavera que vemos junto a la mano de la Virgen. Sirve para ubicar la escena y para resaltar el propósito del sacrificio de Cristo: redimir el pecado original cometido por Adán y Eva.

Para saber más.

Magnífico estudio sobre toda la obra del pintor en la  Wikipedia (en catalán)

El resurgimiento del país operado bajo la monarquía de los Reyes Católicos se acompañó de un florecimiento artístico inusitado en el que la pintura tuvo gran participación. Se compraron obras de los más preciados artistas flamencos. La reina coleccionaba pinturas de los pintores flamencos como dan testimonio las que se conservan en la capilla real de Granada fruto de su disposición testamental. Vinieron pintores de fuera, entre los que son de mencionar Miguel de Sithium o Sittow (desde 1492) y Juan de Flandes (desde 1496), que se convirtieron en pintores de corte. La escasez de pintura anterior sin duda facilitó en Castilla el profundo arraigo de este estilo en el gusto de los mecenas y en la imitación de los pintores.

Veamos una extraordinaria pieza que posee el Museo del Prado de la que se desconoce el autor, pero que sintetiza a la perfección la simbiosis entre pintura flamenca y patrocinio real.

Temática.

Se trata de un retrato de donantes con Virgen a la manera que populariza Van Eyck desde la primera mitad del siglo XV. La Virgen María, con el Niño Jesús en sus rodillas, es adorada por los Reyes Católicos, Isabel  I de Castilla (1451-1504) y Fernando V de Aragón (1452-1516), dos de sus hijos y otros personajes.

A la derecha de la composición aparece la reina Isabel con aspecto joven y resaltando en tamaño ligeramente por encima de sus acompañantes y marido. Hay que dejar claro que es la reina de Castilla. A su  lado una infanta casi de espaldas, que podría ser Isabel, la primogénita, o Juana. Detrás surgen, con aureola, Santo Domingo y una figura masculina, de rodillas y sin nimbo, con la espada al pecho, símbolo de su martirio, que se ha asociado con Pedro de Arbués, inquisidor de Aragón, asesinado en 1485.

A la izquierda, se representa al rey Fernando junto con el príncipe Juan (1478-1497), el joven heredero sobre el que está puesto en este momento el destino de la unión dinástica. Detrás del rey se muestra a Santo Tomás, santo titular del monasterio de donde procede la obra, que porta una réplica de la iglesia. En un segundo plano podemos ver a un dominico al que se le identifica con fray Tomás de Torquemada (1420-1498), Inquisidor General.

A juzgar por los trajes, a la moda de 1490, y la edad del príncipe Juan, la tabla podría fecharse entre 1491 y 1493, momento en el que los Reyes rondarían los 40 años, de lo que se interpreta que sus retratos son ideales y no verídicos. Más realistas que los retratos de  la familia parecen el de Torquemada o el de los santos. Responden a modelos humanos con imperfecciones y rasgos personales.

Una pintura gótica flamenca en la corte de los Reyes Católicos.

Técnicamente la obra encaja en la pintura Fernando Gallego (Salamanca hacia 1440-1507), que tendía a exagerar la expresión de los rostros, por lo que no es descabellado la atribución a su taller. Este pintor castellano aprendió posiblemente su oficio en Flandes puesto que tiene muchas analogías con Dirck Bouts para haberlas adquirido solo con la copia de grabados y pinturas menores en Castilla. Son rasgos distintivos de su estilo también que las siluetas de las figuras fueran delgadas y los paños muy angulosos. La no confirmación de su autoría es porque el pintor castellano solía firmar otros cuadros y en este no aparece.

El perfeccionismo técnico del óleo de la pintura flamenca se hace patente en la calidad de los detalles. Los objetos quedan bajo una luz nítida que permite iluminar hasta  la figurilla más minúscula del sitial de la Virgen o el preciosismo de los bordados.

La virgen es bellísima y  en eso se aleja de la obra de Bouts. La textura del manto de la virgen y el color rojo tan intenso  recuerda a la obra de Van Eyck. A través de las ventanas podemos ver un paisaje verde flamenco, no castellano, con construcciones góticas. La perspectiva lineal central que se precipita a través de los paramentos y de las líneas del suelo sobre un punto de fuga  y la composición simétrica es muy típica de la obra de Bouts.

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Ficha técnica.

Autor: Maestro de la Virgen de los Reyes Católicos, atribuido al taller de Fernando Gallego.

Título La Virgen de los Reyes Católicos,  1491 - 1493.

Técnica y Medidas: mixta sobre tabla. 123 cm x 112 cm.

Ubicación: Museo del Prado, sala 51a.

Procede: capilla del Cuarto Real del Monasterio de Santo Tomás de Ávila.

Para ver el cuadro en alta definición pulsar aquí o sobre la imagen completa que aparece en primer lugar.

Desde fines del mes de marzo se encuentran abiertas al público las nuevas salas dedicadas a la pintura española desde el Románico al Renacimiento. Este es el último paso dado en el Plan de Reordenación de Colecciones del  Museo del Prado (2009-2012). Propongo que hagamos una visita a la nueva instalación.

La reestructuración comenzó realmente en el 2007 cuando se abrió el nuevo edificio anexo proyectado por Rafael Moneo que ocupa el claustro de los Jerónimos y su enlace subterráneo con el antiguo Museo. En 2009 se diseñó el plan de actuación para reestructurar la colección y recuperar en el edificio Villanueva una cuarta parte del espacio expositivo, gracias al traslado de varias dependencias a la nueva ampliación. Numéricamente supondrá un incremento de entre cuatrocientas y quinientas obras en total, que se han ido sumando progresivamente a las algo menos de mil obras que conformaban la colección permanente a fecha de inauguración de la ampliación. Desde 2009 están abiertas  las nuevas salas de escultura clásica y de pintura del siglo XIX. En el documento Scribd que te ofrezco a continuación puedes consultar las actuaciones ya realizadas.

Mi consejo es que despliegues la imagen a pantalla completa.

Nuevas Salas del Museo del Prado. Plano Abril 2010

Las siete salas abiertas de pintura española del Románico al Renacimiento reúnen 120 obras y aumenta considerablemente la superficie expositiva que se dedicaba a la colección. Se sitúan en la planta baja en torno a la Rotonda de Goya, donde se exponen esculturas greco-romanas, presididas por "La apoteosis de Claudio". El nuevo montaje permite exponer obras que no habían podido ser vistas en los últimos tiempos, así como presentar también las últimas adquisiciones hechas por el Museo. Como paso previo, y de manera paralela, se ha procedido a restaurar algunas pinturas y a dotar de nuevos marcos a otras, sin olvidar la reforma arquitectónica de esos espacios con el fin de garantizar la accesibilidad de los visitantes y la recreación de los espacios en los que se encontraban los frescos medievales.

La selección de obras expuestas permitirá al visitante realizar un completo recorrido por las principales corrientes pictóricas desarrolladas en España entre los siglos XII y XVI.

• Comienza con los frescos románicos de Santa Cruz de Maderuelo y San Baudelio de Berlanga (Salas 51c). Moneo es donde más ha intervenido puesto que puso especial empeño en que las obras se expusieran reconstruyendo el antiguo edificio de donde procedían.

• Del gótico del siglo XV el museo posee dos retablos de gran tamaño de de Rodríguez de Toledo y de Nicolás Francés (Sala 50).

• Los pintores hispanoflamencos están muy bien representados con obras de  Luis Alincbrot, Fernando Gallego, Bartolomé Bermejo, Paolo de San Leocadio, Pedro Berruguete y Juan de Flandes (Salas 51a y 51b).

• Y del pleno Renacimiento y hasta el Manierismo hay obras de Fernando Yáñez, Machuca, Correa de Vivar y Juan de Juanes, para concluir con las tablas del manierismo espiritual de Luis de Morales (Salas 52a, 52b y 52c). De este último pintor tenéis un monográfico en este blog.

Para conocer algo más pon en marcha el vídeo donde la agencia EFE da la noticia.

DESCUBRE LA OBRA POR EL DETALLE.

En esta presentación de slide hay 12 obras de arte numeradas, pero son sólo una parte de un todo mayor. Si eres entendido en la materia deberías descubrir de primera 5 o 6 estilos e incluso alguna obra sin problema. Pero OJO porque algunas pueden parecer algo que no son. Aunque las imágenes sean una parte más o menos grande de una obra, tienen la virtud de que se aprecian en ellas elementos esenciales para atribuirlas a un estilo característico e incluso reconocerlas.

Podéis participar a través del apartado de comentarios que viene al final del artículo.

El juego esta vez no consiste en comentar la obra sino, en algo más breve, en reconocer la obra, por lo que sólo habrá que poner lo siguiente.

IMAGEN ...X... (EL NÚMERO)

1.- Título.

2.- Autor (si es conocido).

3.- Movimiento artístico y siglo (al menos).

4.- Al menos una razón, detalle o pista que os haya llevado a descubrirlas. El argumento ha de ser consistente y a ser posible por algo que caracteriza a esa obra entre las de su estilo.

Ejemplo:

"Imagen ... X...

1. 1.- Título. Palacio Pitti, Florencia.
2. 2.- Autor. Filippo Brunelleschi.
3. 3.- Movimiento artístico y siglo. Renacimiento, Quattrocento (s. XV).
   
4. 4.-Una razón/razones exclusiva: Posee un almohadillado rústico en los tres pisos, lo que constituye su principal elemento decorativo junto con la balaustrada que los separa y remata. "
   

Sólo daré por correctas las respuestas completamente correctas y completas.

Para que todos puedan participar habrá una única oportunidad de comentario (salvo para los tres primeros que tendrán un comodín). Si por casualidad alguien repite comentario no tendrá derecho a una segunda oportunidad, por lo que os aconsejo que refresquéis la página y miréis los comentarios.

Nota para mis alumnos. Este juego  también ayuda en la puntuación de las notas de clase.

Según se vayan  descubriendo las imágenes las iré añadiendo al pie de la presentación.

Buena suerte.

- 150 años de bañistas y de agua de verano. Juego refrescante.

- Jugando con pintores del siglo XX.

- Lugares y museos del mundo.

- El puzzle loco.

- Descubre por el detalle (I)

Juegos por estilos: Mesopotamia y Persia, Egipto ,  Prehelénico y Grecia, Roma , Al Ándalus y Bizancio , Románico, Gótico,   ,

SE ABRE EL JUEGO. IMÁGENES DESVELADAS.

Francisco Javier (1) ha comenzado la resolución con la Imagen número 6..

"Título. Fachada de la Catedral de Santa María de Fiore (Florencia).

Autor: el autor de la fachada actual es Emilio De Fabris.

Movimiento artístico y siglo: la fachada paso por dos etapas principales. Una primera fachada fue resultado del trabajo de Andrea Orcagna y Taddeo Gaddi, y sólo fue completada en su parte baja. Se demolió por orden de los Mécidi y su construcción fue abandonada. Finalmente Emilio De Fabris construyó la actual fachada entre 1876-1887 de estilo neogótico.

Razones: como razones de poco peso podemos mencionar la utilización del mármol, típico en Italia durante el gótico y no solo blanco, que es el que predomina, si no también verde o rojizo. Como razones ya de mayor precisión vemos la utilización del gablete como remate de los arcos y, tal vez valido de mencionar, la decoración de estos con frondas."

El campanille es de autor conocido, también del siglo XIV. ¿Os suena Giotto?

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María Cambronero (2) nos desvela la imagen numero 9:

"1. Título. Interior de Saint Front de Périgeaux, Francia (zona de Aquitania)
2. Autor: anónimo
3. Románico, siglo XII
4. Planta de cruz griega. Destacan las cúpulas sobre pechinas, siguiendo el modelo de San Marcos de Venecia. Pasaría por bizantina si no fuera por los sillares."

Muy bien.

..

Silvia (3)es certera siempre hasta con la imagen 3 que tenía algo de trampa.

"Título: Vírgen de los Consellers.
Autor: Luis Dalmau.
Cronología: 1445 (gótico flamenco).
Característica: El detalle nos muestra a san Andrés, que porta la cruz terciada de su sacrificio, a su alrededor arrodillados los donantes y por detrás el conjunto de ángeles cantores. Detallismo propio de este estilo que sigue la senda de Jan Van Eyck y otros pintores flamencos europeos. Una de las obras más destacadas de la pintura flamenca que se realizó en Cataluña."

Efectivamente ahí están los ángeles de Van Eyck del políptico de San Bavón, pero sin ser ese cuadro.

Francisco Javier ha resuelto la misma imagen, pero ha llegado unos minutos más tarde. Dado el esfuerzo que ha puesto, realizando incluso un comentario personal extenso (mucho más de lo que se pedía esta vez), creo que se ha merecido que aparezca publicado. Omito los elementos comunes con la resolución de Silvia y coloco el comentario porque es un buen ejemplo de interrelación de obras.

"Dicha obra fue encargada al artista por el Consell de Cent, para la capilla de la Casa de la Ciudad (Ayuntamiento) de Barcelona. Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Razones. hay una característica común a todos los artistas flamencos en España, y es la gran influencia que reciben de Van Eyck. Vemos por ejemplo la figura del donante dentro de la escena religiosa. Son personajes que tienen cara y nombres, y son representados como en la realidad son, una de las características de este arte. Como razones de peso podemos hacer su comparativa con la obra La Virgen del Cánonigo de Van Der Paele, si hablamos de la escena central, y también vemos la referencia de los cantores al fondo, que nos recuerdan al Políptico de San Bavón. Esto como referencia a la influencia que causó en el autor Van Eyck. En cuanto a rasgos artísticos podemos destacar la representación a lo lejos de fondos, que crean ESPACIOS DE AIRE y saben crear la perspectiva de HORIZONTE, con el aumento de una menor nitidez a medida que se va alejando el paisaje. También en ese mismo fondo podemos comentar la aparición de ciudades mágicas, casi de cuento de hadas, en las cuales con una lupa podemos entrar y descubrir cosas que a simple vista no se ven. Como última de la razones, y para evidenciar la obra dentro del arte gótico, vemos la representación de infraestructuras típicas de dicho arte, como la tracerías de arcos, las bóvedas de crucería, o la decoración de pináculos, con sus características frondas, en el trono de la Virgen."

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Montse ha descubierto una de las obras más bellas la imagen 8.

"- Nombre: Piedad del Vaticano.
- Autor: Miguel Ángel.
- Estilo y fecha: Renacimiento; 1498-1499
- Razones: uno de los temas favoritos del autor (y que más le atormentó), acabado pulido de las superficies, ausencia de sentimiento de dolor y sufrimiento (remitiendo al Clasicismo que buscaba aquí el escultor)."

Un rostro de Cristo perfecto sin mostrar los efectos de la Pasión, parece dormido. Una virgen jóven que sostiene a su hijo sin esfuerzo... A lo mejor no fue tan fácil porque normalemente la vista se nos va a la Virgen.

Silvia ha elegido gastar su comodín resolviendo la imagen nº 10.
"Título: Calendario que representa las labores agrícolas y ganaderas, en el Panteón de los Reyes de san Isidoro de León.
Autor desconocido.
Cronología:Siglo XII, Alta Edad Media, románico.
Características: Es una de las pocas representaciones de este tipo que se encuentran en la Península Ibérica. Esta pintura en concreto muestra el mes de noviembre y la matanza del cerdo que se realizaba en dicho mes. Simbolicamente representa la caducidad del hombre y el paso del tiempo. Entre estas imagenes profanas del calendario encontramos también escenas religiosas como la Navidad, la Pasión o la Resurrección de Cristo. Este lugar sirvió como panteón a la mayoría de reyes y reinas del Reino de León durante la Edad Media. Por otro lado, se cree que las figuras están inspiradas en las ilustraciones de los libros miniados."

Se encuentra en el intrados del arco que divide una bóveda de arista de otra. En la imagen que pongo a continuación se puede ver a la derecha.

En las ciudades de Flandes (Gante, Brujas, Tournai, Ypres, Amberes, Bruselas...), región que ocupaba ciudades de la actual Bélgica y del norte de Francia (Lille), se desarrolló una gran actividad artesanal del paño, comercial y financiera desde comienzos del siglo XV y, por tanto, una importante clase burguesa.

Esta burguesía se agrupó en cofradías religiosas y gremios profesionales que se convirtieron en demandantes y  favorecedores de una escuela de pintura que llamaremos a partir de este momento como flamenca. También había una clase aristocrática dueña de los territorios feudales, encabezada por los duques de Borgoña, que aportaron en menor medida lujo y refinamiento a las artes. El resultado es una tradición pictórica que se prolongará cronológicamente también en los siglos siguientes y que en este siglo XV ejercerá más influencia en Europa que la misma Italia renacentista.

En la siguiente presentación podemos ver una buena muestra de los principales autores y obras de de esta escuela a lo largo del siglo XV. En el texto que viene a continuación analizaré las principales claves técnicas, artísticas y temáticas.

Características técnicas.

1.- Las dimensiones y el formato. Como la mayoría de los encargos tienen como destino las viviendas u oratorios de la burguesía, los cuadros son pequeños, adaptados a las dimensiones de los muros. Este hecho determina además la importancia que adquiere el formato políptico, generalmente dípticos o trípticos, que se cierra sobre sí mismo para mayor economía de espacio. Las obras están pintadas sobre tablas de nogal o roble de la mejor calidad.

Robert Campin, 1438. Museo del Prado. Tablas laterales de un tríptico al que le falta la tabla central.

Tabla 1ª (izquierda) San Juan Bautista y el maestro franciscano Enrique de Werl.

Tabla 2ª (derecha) Santa Bárbara leyendo. 101 cm x 47 cm .

2.- El óleo y las veladuras. Su gran aportación a la historia de la pintura fue el perfeccionamiento de la pintura al óleo, es decir, el utilizar el aceite de linaza como aglutinante para los colores, lo que permitió una mayor riqueza cromática y detallismo en la ejecución. La razón técnica es que al usar el aceite el secado de los pigmentos podía acelerarse (mezclado con disolvente o aguarrás) o ralentizarse varios días (uso puro), lo que permitía al pintor rectificar sus errores o modificar la obra si lo deseaba. La mezcla con abundante esencia de trementina, vulgarmente conocido como aguarrás, permitía además dar capas de pintura muy tenues (veladuras) que secan rápido, donde los colores podían superponerse o trasparentarse sin notar la transición con lo que los matices cromáticos podían ser infinitos. El óleo dotaba también de colores más vivos y brillantes, que no se apagaban con el paso del tiempo. Todos estos motivos hicieron que esta técnica se impusiera sobre el temple y que siga siendo seguida hoy en día.

3.- Pinceles muy finos y lupas para conseguir detalles extremos.

Con las veladuras se podía conseguir las sombras, los volúmenes y la variación de la luz en el aire.

Características artísticas.

1.- El resultado más inmediato de la utilización del óleo y de la técnica del miniado de libros es el realismo minucioso en todos los aspectos, tanto en las figuras como en lo accesorio. El artista quiere demostrar su maestría para recrear la realidad y superar retos difíciles de pintar hasta entonces.

1. Detallismo hasta límites insospechados. El artista flamenco pone mil detalles en cada cuadro que nos deleitan y sorprenden a poco que observemos con detenimiento y cercanía: el cabello delineado pelo a pelo, libros donde se puede leer en sus páginas, poros de la piel, árboles lejanos donde las hojas pueden contarse...
2. Deseo de obtener calidades visuales o táctiles que den la apariencia de realismo extremo: brillos de los metales, sensación de líquidos a través de las trasparencias de una jarra, la luz pasando por cristales traslúcidos, la calidad táctil de distintas telas, el veteado de las maderas...

Los postigos de la ventana o los muebles se pueden reconstruir hoy en día puesto que sabemos hasta el tipo de madera con el que estaban hechos gracias a la recreación tan realista. La jarra y la patena tienen un brillo metálico refulgente. Podría leerse en las hojas de ese libro de oraciones...

2.- Otra consecuencia de la utilización del óleo es que estos pintores son capaces de crear sensaciones de volumen en los cuerpos al graduar excepcionalmente la luz sobre los objetos por medio de las veladuras.

3.- Con esta técnica también realizan una correcta representación de la atmósfera, del aire que existe en un espacio interior o en un paisaje. Se dan cuenta que los objetos de la realidad pierden sus contornos y su color objetivo si no hay una buena iluminación o los contemplamos en la lejanía y así los pintarán. Años después Leonardo Da Vinci llamará perspectiva aérea a esta forma de crear profundidad. No son capaces, sin embargo de representar una perspectiva científica o geométrica correcta. Intuyen que las líneas paralelas convergen en un punto, pero no encajan matemáticamente las figuras en ese entramado, lo que hace que sus ámbitos y sus personajes no estén proporcionados. Su perspectiva es realizada desde un punto alto, pero intuitivamente.

La profundidad se obtiene de diversas maneras: con una perspectiva lineal intuitiva, con la perspectiva aérea que difumina con sus sombras el espacio y con el espejo que devuelve el espacio frontal (este mismo recurso lo utilizará Van Eyck en el retrato del Matrimonio Arnolfini).

4.- Utilizan modelos humanos estereotipados para los personajes religiosos como la Virgen o Cristo, sin embargo hay muchos personajes que son retratos de la realidad. En ningún caso se busca la belleza ideal clásica, es más hay una tendencia a marcar exageradamente los rasgos de los rostros, lo que derivará en algunos pintores hacia un canon caricaturizado.

Características temáticas.

1.- Los temas son casi siempre religiosos con escenas y personajes muy humanos como corresponde a la etapa gótica. Son Vírgenes con niño, historias de los Santos y  de la infancia de Jesús y, por supuesto, la pasión, la muerte y la resurrección de Cristo.

2.- La imagen de devoción enmascara otros géneros que se desarrollarán independientemente en este mismo siglo o a partir del XVI.

Retrato realista del donante y estereotipación del modelo femenino de Santa Bárbara.

1. En los grandes cuadros apreciamos la importancia del retrato a través de los donantes (los que encargan la obra) que aparecen como personajes orantes o participando de la escena como personajes secundarios.  El retrato es síntoma de una época donde el individuo se valora por sí mismo, de ahí que sus rasgos físicos sean son tan personales, con sus arrugas, defectos y caracteres morales.  Todos los pintores practicaron este género exento. Los personajes aparecían con fondos neutros y de medio cuerpo, incluyendo las manos donde portan habitualmente algún objeto identificativo.
2. El paisaje natural, rural y urbano alcanza a menudo un gusto exquisito y muy realista. Si la escena se realiza en un interior habrá una ventana, una puerta o un balcón a través del cual escaparnos al exterior. Los paisajes unas veces reflejan escenarios veraces de Flandes (ciudades, campos parcelados y pueblecitos) y otras veces son recreaciones expresivas del artista.

El paisaje asoma por una ventana abierta donde se ve la construcción de la torre en la que será martirizada Santa Bárbara.

1. El género del bodegón también está presente en todas las obras dado la minuciosidad y calidad con el que están tratados los objetos en cada obra.
2. El costumbrismo también se vislumbra en aquellos cuadros en los que reflejan las limpias y confortables viviendas del Flandes del siglo XV, los talleres artesanos y sus gentes moviéndose por las ciudades.
3. Todas las obras tienen multitud de mensajes simbólicos, que ahora no es fácil descubrir y que dan lugar a numerosas y equívocas interpretaciones.

Un ambiente confortable de una vivienda burguesa. La mujer lee al lado de la chimenea. Se rodea de objetos de la vida cotidiana representados con excepcional calidad. Cada objeto encierra un significado simbólico: el fuego es el signo de la purificación de los males; el aguamanil sugiere la limpieza de espíritu de la Santa; el paño en la mano que sostiene el libro de oraciones la humildad; la azucena azul que hay en un jarrón la pureza y la esperanza en la resurrección...

Jarro con azucena y botella con líquido. Bodegones con significado simbólico: pureza y esperanza.

Principales artistas y obras de los góticos flamencos del siglo XV.

Flandes

- Hermanos Van Eyck

1. Políptico del Cordero Místico en la iglesia de San Bavón (Gante), 1426-27.

- Jan Van Eyck (1390-1441)

1. Hombre del turbante rojo (National Gallery, Londres), 1433.
2. El retrato del matrimonio Arnolfini (National Gallery, Londres), 1434.
3. La Virgen del canciller Rolin (Louvre, París), 1435.
4. La virgen del canónigo Van der Paele (Museo Groeninge, Brujas), 1436.

- Maestro de Flemalle o Robert Campin (1375-1444)

1. El tríptico de la Anunciación o de Mérode (Museo Metropolitano, Nueva York), 1425-30.
2. Santa Bárbara (Museo del Prado, Madrid), 1438.

- Rogier van der Weyden (1399-1464)

1. El descendimiento (Museo del Prado, Madrid), 1435.
2. El hombre de la flecha o Antonio de Borgoña (Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas),1461.

- Dierick Bouts (1415-1475)

1. Políptico de la Santa Cena (Museo de Berlín), 1464-67.
2. El juicio de Otón (Museo de Bruselas), 1460.

- Hans Memling (1430-1494)

1. Triptico de la Adoracion Reyes Magos (Museo del Prado, Madrid), 1470.
2. Retrato de Joven (MuseoThissen, Madrid), 1485-90.

- Hugo van der Goes (1440-1482)

1. Tríptico Portinari (Galería de los Uffizi, Florencia), 1476-78.

Tambien más información en estos links

El gótico flamenco en el siglo XVI. El Bosco.

El gótico flamenco en España (siglo XV y comienzos del siglo XVI). Juan de Flandes.

Si te gusta este estilo pictórico y quieres participar con un comentario te animo a que lo hagas sugeriéndote que compartas con todos cuál es tu cuadro preferido y porqué.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE GÓTICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que te propongo.

Puedes pausar la imagen si colocas el cursor encima o si das al signo de pausa que hay arriba. Si buscas una imagen concreta y no quieres esperar al bucle, la puedes localizar rápidamente en la regleta de abajo.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología. Autor si es conocido (en las obras de pintura es requisito imprescindible).

3.- Dos ideas o características destacables de la obra que nos ha servido para reconocerla. No vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa escribiendo tu comentario al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré uno por persona. Si falláis o contestáis de forma incompleta no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín. Utilizadla sabiamente.
  

• Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.
  

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva.

Mesopotamia y Persia.

Egipto.

Prehelénico y Grecia.

Roma.

Al Ándalus y Bizancio.

Románico.

Pintura renacentista por el detalle (1).

Pintura renacentista comentario imagenes (2).

IMÁGENES YA DESVELADAS

Empieza el juego.

(1)Silvia ha comenzado muy fuerte con un comentario muy atinado sobre la imagen 5, al que poco tengo que añadir salvo que podéis completar más información en las siguientes entradas de este blog: Giotto características artísticas y temáticas y la capilla Scrovegni.

"La resurrección de Lázaro
Giotto di Bondone, Capilla de los Scrovegni (capilla de la Arena) Padua, hacia el 1305.
Esta pintura de Giotto representa uno de los milagros, concretamente el de la resurrección de Lázaro, que se encuentra dentro del ciclo de la vida pública de Cristo.
Observamos, como es propio del pintor, el cielo azul intenso, un paisaje con un terreno escarpado y el tratamiento de las vestimentas que aportan volumen a las figuras y donde los plieges de las mismas permiten reconocer los movimientos.
Por otro lado, los personajes que forman la composición hacen que el espectador mire hacia un único punto: Cristo obrando el milagro. Los personajes de primer plano introducen unos escorzos muy novedosos, que anticiparán las nuevas fórmulas que se darán posteriormente en pleno Renacimiento. "

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(2) Francisco Javier (0,2) ha vuelto a adelantarse a todos y hace bien porque tendrá una nueva oportunidad, que usará cuando quiera.

"Imagen número 10

Nombre: La Santa Capilla de París, que se encuentra en el el centro de la ciudad y que fue utilizada como un gran relicario para Luis IX el Santo.

Etapa y Cronología: la capilla pertenece el gótico francés, en concreto es una obra culmen del periodo rayonnant (periodo del gótico en el que se dio protagonismo a la luz). Se empezó a construir en 1241 terminándose en 1248.

Razones: un razón evidente que podemos dar es la ausencia de muro. Esta ausencia es casi total ya que los góticos consiguieron prescindir de los muros para darle luz natural al edificio y una mayor belleza por medio de las vidrieras (luz mágica). Y el segundo motivo es la utilización de bóvedas de crucería o la utilización decorativa de trifolios en la punta de los arcos apuntados."

Muy bien.  No me queda otra que aplaudir.

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(3)María Cambronero (0,3) se ha decidido por la Imagen número 2 y ha obtenido el último comodín para volver  a responder:

"1.Catedral de Burgos,fachada de Santa María (España).Templo católico dedicado a la Virgen María.

2.Catedral perteneciente al gótico español.Se empezó a construir en el siglo XIII,siguiendo patrones góticos franceses, terminando en el siglo XVI sus modificaciones más de estilo gótico flamígero, impulsada por la familia Colonia.

3.Una de las caracteristicas es la presencia de dos torres rematadas por las imponentes agujas (obra de Juan de Colonia) que se elevan hacia el cielo caladas de encaje siguiendo modelos germánicos.

La segunda caracteristica es la aparición del rosetón y de la llamada Galería de los Reyes, en la que aparecen estatuas de los Reyes de Castilla, desde Fernando I, primer rey de Castilla, a Fernando III, el cual mandó construir este templo".

También muy bien contestado . Aunque se podía haber seguido refiriendo elementos decorativos góticos que se aprecian en la fachada como los arcos apuntados, los pináculos, las formas vegetales (trifolias y cuatrifolias), gárgolas asomando de los contrafuertes, decoración epigráfica, elementos minuciosos como frondas decorando molduras y arquivoltas...

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(4) María Cambronero (0,4)se ha animado y ha resuelto la imagen 1.

"1.Coronación de la Virgen(escultura).

2.Escultura gótica francesa realizada en marfil en el siglo XIII,se encuentra en el Museo del Louvre(París).

3.Caracteristicas:
-Dinamismo y realismo.

-Es un grupo escultórico policromado compuesto por la Virgen y Jesucristo adulto con barba, quien levanta el brazo en el ademán de colocar una corona a la Virgen como reina de los cielos. La Virgen baja la cabeza y junta las manos en un gesto entre sumiso y agradecido. (Virgen con el cabello rubio)."

Ha estado bien. Mi única objección es que hayas puesto el término realismo en el comentario. Más bien es una idealización. Eso sí, se ha roto con los cánones despropocionados románicos y con el hieratismo y se busca la belleza de las formas. Por otro lado, el tema es original del gótico, ya que no había parecido esta exaltación de la Virgen en la etapa anterior.

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(5) Borja (0,5) solucionó la imagen número 6
"Capilla de Enrique VII de la abadía de Westminster , se caracteriza principalmente por la utilización de la bóveda de abanico (que se caracteriza por las claves colgantes que ocasionan un gran efecto decorativo) , muchos vanos acristalados que aparte de servir como elemento decorativo sirve también para dejar pasar la luz a través de ella para iluminar la capilla y por último destaca el uso de los arcos tudor ( Propio de Inglaterra) que son arcos de medio apuntados achatados.."

Borja,... has tenido un poco de "potra", porque no sé que le ha podido pasar a Lorena para equivocar el número, pero así es la vida. Te falta el dato cronológico (comienzos del siglo XVI) para completar el comentario, pero aún así te lo doy por válido porque aportas correctamente el resto de las características originales del gótico inglés de este periodo. Por cierto, los "vanos acristalados" se llaman vidrieras.

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(6) Francisco Javier (0,6) no se ha hecho esperar más y publica su comentario-comodín sobre la Imagen 7.

"Título: Palacio Comunal o Ayuntamiento de Siena. Construido para albergar el gobierno republicano, formado por la Podestà y el Consejo de los Nueve.

Cronología: Se empezó a construir en el 1297. La Torre Mangia (su campanille) es de construcción posterior y data del 1325 al 1344.

Razones: una de la razones que la hace único es su forma de abanico. Otra de las razones puede ser la decoración con vanos formados por arcos apuntados u ojivales, que a su vez están formados por otros tres arcos del mismo tipo, la llamada decoración de tracería gótica. Otro dato curioso es el material de construcción empleado. Vemos que la primera planta esta hecha de pierda y las dos superiores, al igual que el campanille, de ladrillo (cosa que era común en el gótico mudéjar español). Y por último destacar que los palacios del gótico tenían como característica común la construcción de los mismos en tres planta, y esta obra lo cumple."

Este tipo de palacio son el símbolo del poder de la burguesía en las ciudades italianas, que se alza por encima de la nobleza medieval. Mantiene el aspecto defensivo de los castillos puesto que todavía conserva almenas, matacanes y una torre recuerdo de la del homenaje. Sin embargo, ya anuncia la modernidad al abrir numerosos ventanales a modo de balcones sobre la Plaza del Palio.

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El tríptico de El Jardín de las Delicias es, sin duda, la obra más admirada y controvertida de El Bosco, autor del que ya hemos hablado en otro artículo. En este artículo vamos a estudiarla con una presentación de Power Point y de paso vamos a conocer dos recursos: la aplicación informática Myplick y la Audioguía que explica con voz los principales cuadros del Museo del Prado.

Utilizo con frecuencia las presentaciones en  Power Point para ilustrar mis artículos. Suelo publicarlas en Slideshare o Scribd, que son mis soportes de Ppt preferidos, sin embargo, esta vez la he colgado en Myplick. No  utilizo mucho esta aplicación porque, a diferencia de las primeras, no te permite ver las presentaciones a pantalla completa desde el blog. No obstante, es el recurso ideal para aprovecharse de una virtud que no tiene los otros dos sistemas. Myplick te permite, si lo deseas, introducir sonido y, si quieres, sincronizarlo con las imágenes.  Ya en otras ocasiones había introducido música , pero esta vez se me ocurrió que podía aplicarle un nuevo recurso que nos puede ser muy útil, las narraciones  de las audioguías del Museo del Prado .  Se trata de una explicación sólo en audio  (MP3) de las principales obras del museo. El cuadro elegido para hacer el experimento es el Jardín de la Delicias de El Bosco. Juzgad cómo ha quedado.

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS