El resurgimiento del país operado bajo la monarquía de los Reyes Católicos se acompañó de un florecimiento artístico inusitado en el que la pintura tuvo gran participación. Se compraron obras de los más preciados artistas flamencos. La reina coleccionaba pinturas de los pintores flamencos como dan testimonio las que se conservan en la capilla real de Granada fruto de su disposición testamental. Vinieron pintores de fuera, entre los que son de mencionar Miguel de Sithium o Sittow (desde 1492) y Juan de Flandes (desde 1496), que se convirtieron en pintores de corte. La escasez de pintura anterior sin duda facilitó en Castilla el profundo arraigo de este estilo en el gusto de los mecenas y en la imitación de los pintores.

Veamos una extraordinaria pieza que posee el Museo del Prado de la que se desconoce el autor, pero que sintetiza a la perfección la simbiosis entre pintura flamenca y patrocinio real.

Temática.

Se trata de un retrato de donantes con Virgen a la manera que populariza Van Eyck desde la primera mitad del siglo XV. La Virgen María, con el Niño Jesús en sus rodillas, es adorada por los Reyes Católicos, Isabel  I de Castilla (1451-1504) y Fernando V de Aragón (1452-1516), dos de sus hijos y otros personajes.

A la derecha de la composición aparece la reina Isabel con aspecto joven y resaltando en tamaño ligeramente por encima de sus acompañantes y marido. Hay que dejar claro que es la reina de Castilla. A su  lado una infanta casi de espaldas, que podría ser Isabel, la primogénita, o Juana. Detrás surgen, con aureola, Santo Domingo y una figura masculina, de rodillas y sin nimbo, con la espada al pecho, símbolo de su martirio, que se ha asociado con Pedro de Arbués, inquisidor de Aragón, asesinado en 1485.

A la izquierda, se representa al rey Fernando junto con el príncipe Juan (1478-1497), el joven heredero sobre el que está puesto en este momento el destino de la unión dinástica. Detrás del rey se muestra a Santo Tomás, santo titular del monasterio de donde procede la obra, que porta una réplica de la iglesia. En un segundo plano podemos ver a un dominico al que se le identifica con fray Tomás de Torquemada (1420-1498), Inquisidor General.

A juzgar por los trajes, a la moda de 1490, y la edad del príncipe Juan, la tabla podría fecharse entre 1491 y 1493, momento en el que los Reyes rondarían los 40 años, de lo que se interpreta que sus retratos son ideales y no verídicos. Más realistas que los retratos de  la familia parecen el de Torquemada o el de los santos. Responden a modelos humanos con imperfecciones y rasgos personales.

Una pintura gótica flamenca en la corte de los Reyes Católicos.

Técnicamente la obra encaja en la pintura Fernando Gallego (Salamanca hacia 1440-1507), que tendía a exagerar la expresión de los rostros, por lo que no es descabellado la atribución a su taller. Este pintor castellano aprendió posiblemente su oficio en Flandes puesto que tiene muchas analogías con Dirck Bouts para haberlas adquirido solo con la copia de grabados y pinturas menores en Castilla. Son rasgos distintivos de su estilo también que las siluetas de las figuras fueran delgadas y los paños muy angulosos. La no confirmación de su autoría es porque el pintor castellano solía firmar otros cuadros y en este no aparece.

El perfeccionismo técnico del óleo de la pintura flamenca se hace patente en la calidad de los detalles. Los objetos quedan bajo una luz nítida que permite iluminar hasta  la figurilla más minúscula del sitial de la Virgen o el preciosismo de los bordados.

La virgen es bellísima y  en eso se aleja de la obra de Bouts. La textura del manto de la virgen y el color rojo tan intenso  recuerda a la obra de Van Eyck. A través de las ventanas podemos ver un paisaje verde flamenco, no castellano, con construcciones góticas. La perspectiva lineal central que se precipita a través de los paramentos y de las líneas del suelo sobre un punto de fuga  y la composición simétrica es muy típica de la obra de Bouts.

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Ficha técnica.

Autor: Maestro de la Virgen de los Reyes Católicos, atribuido al taller de Fernando Gallego.

Título La Virgen de los Reyes Católicos,  1491 - 1493.

Técnica y Medidas: mixta sobre tabla. 123 cm x 112 cm.

Ubicación: Museo del Prado, sala 51a.

Procede: capilla del Cuarto Real del Monasterio de Santo Tomás de Ávila.

Para ver el cuadro en alta definición pulsar aquí o sobre la imagen completa que aparece en primer lugar.

Desde fines del mes de marzo se encuentran abiertas al público las nuevas salas dedicadas a la pintura española desde el Románico al Renacimiento. Este es el último paso dado en el Plan de Reordenación de Colecciones del  Museo del Prado (2009-2012). Propongo que hagamos una visita a la nueva instalación.

La reestructuración comenzó realmente en el 2007 cuando se abrió el nuevo edificio anexo proyectado por Rafael Moneo que ocupa el claustro de los Jerónimos y su enlace subterráneo con el antiguo Museo. En 2009 se diseñó el plan de actuación para reestructurar la colección y recuperar en el edificio Villanueva una cuarta parte del espacio expositivo, gracias al traslado de varias dependencias a la nueva ampliación. Numéricamente supondrá un incremento de entre cuatrocientas y quinientas obras en total, que se han ido sumando progresivamente a las algo menos de mil obras que conformaban la colección permanente a fecha de inauguración de la ampliación. Desde 2009 están abiertas  las nuevas salas de escultura clásica y de pintura del siglo XIX. En el documento Scribd que te ofrezco a continuación puedes consultar las actuaciones ya realizadas.

Mi consejo es que despliegues la imagen a pantalla completa.

Nuevas Salas del Museo del Prado. Plano Abril 2010

Las siete salas abiertas de pintura española del Románico al Renacimiento reúnen 120 obras y aumenta considerablemente la superficie expositiva que se dedicaba a la colección. Se sitúan en la planta baja en torno a la Rotonda de Goya, donde se exponen esculturas greco-romanas, presididas por "La apoteosis de Claudio". El nuevo montaje permite exponer obras que no habían podido ser vistas en los últimos tiempos, así como presentar también las últimas adquisiciones hechas por el Museo. Como paso previo, y de manera paralela, se ha procedido a restaurar algunas pinturas y a dotar de nuevos marcos a otras, sin olvidar la reforma arquitectónica de esos espacios con el fin de garantizar la accesibilidad de los visitantes y la recreación de los espacios en los que se encontraban los frescos medievales.

La selección de obras expuestas permitirá al visitante realizar un completo recorrido por las principales corrientes pictóricas desarrolladas en España entre los siglos XII y XVI.

• Comienza con los frescos románicos de Santa Cruz de Maderuelo y San Baudelio de Berlanga (Salas 51c). Moneo es donde más ha intervenido puesto que puso especial empeño en que las obras se expusieran reconstruyendo el antiguo edificio de donde procedían.

• Del gótico del siglo XV el museo posee dos retablos de gran tamaño de de Rodríguez de Toledo y de Nicolás Francés (Sala 50).

• Los pintores hispanoflamencos están muy bien representados con obras de  Luis Alincbrot, Fernando Gallego, Bartolomé Bermejo, Paolo de San Leocadio, Pedro Berruguete y Juan de Flandes (Salas 51a y 51b).

• Y del pleno Renacimiento y hasta el Manierismo hay obras de Fernando Yáñez, Machuca, Correa de Vivar y Juan de Juanes, para concluir con las tablas del manierismo espiritual de Luis de Morales (Salas 52a, 52b y 52c). De este último pintor tenéis un monográfico en este blog.

Para conocer algo más pon en marcha el vídeo donde la agencia EFE da la noticia.

DESCUBRE LA OBRA POR EL DETALLE.

En esta presentación de slide hay 12 obras de arte numeradas, pero son sólo una parte de un todo mayor. Si eres entendido en la materia deberías descubrir de primera 5 o 6 estilos e incluso alguna obra sin problema. Pero OJO porque algunas pueden parecer algo que no son. Aunque las imágenes sean una parte más o menos grande de una obra, tienen la virtud de que se aprecian en ellas elementos esenciales para atribuirlas a un estilo característico e incluso reconocerlas.

Podéis participar a través del apartado de comentarios que viene al final del artículo.

El juego esta vez no consiste en comentar la obra sino, en algo más breve, en reconocer la obra, por lo que sólo habrá que poner lo siguiente.

IMAGEN ...X... (EL NÚMERO)

1.- Título.

2.- Autor (si es conocido).

3.- Movimiento artístico y siglo (al menos).

4.- Al menos una razón, detalle o pista que os haya llevado a descubrirlas. El argumento ha de ser consistente y a ser posible por algo que caracteriza a esa obra entre las de su estilo.

Ejemplo:

"Imagen ... X...

1. 1.- Título. Palacio Pitti, Florencia.
2. 2.- Autor. Filippo Brunelleschi.
3. 3.- Movimiento artístico y siglo. Renacimiento, Quattrocento (s. XV).
   
4. 4.-Una razón/razones exclusiva: Posee un almohadillado rústico en los tres pisos, lo que constituye su principal elemento decorativo junto con la balaustrada que los separa y remata. "
   

Sólo daré por correctas las respuestas completamente correctas y completas.

Para que todos puedan participar habrá una única oportunidad de comentario (salvo para los tres primeros que tendrán un comodín). Si por casualidad alguien repite comentario no tendrá derecho a una segunda oportunidad, por lo que os aconsejo que refresquéis la página y miréis los comentarios.

Nota para mis alumnos. Este juego  también ayuda en la puntuación de las notas de clase.

Según se vayan  descubriendo las imágenes las iré añadiendo al pie de la presentación.

Buena suerte.

- 150 años de bañistas y de agua de verano. Juego refrescante.

- Jugando con pintores del siglo XX.

- Lugares y museos del mundo.

- El puzzle loco.

- Descubre por el detalle (I)

Juegos por estilos: Mesopotamia y Persia, Egipto ,  Prehelénico y Grecia, Roma , Al Ándalus y Bizancio , Románico, Gótico,   ,

SE ABRE EL JUEGO. IMÁGENES DESVELADAS.

Francisco Javier (1) ha comenzado la resolución con la Imagen número 6..

"Título. Fachada de la Catedral de Santa María de Fiore (Florencia).

Autor: el autor de la fachada actual es Emilio De Fabris.

Movimiento artístico y siglo: la fachada paso por dos etapas principales. Una primera fachada fue resultado del trabajo de Andrea Orcagna y Taddeo Gaddi, y sólo fue completada en su parte baja. Se demolió por orden de los Mécidi y su construcción fue abandonada. Finalmente Emilio De Fabris construyó la actual fachada entre 1876-1887 de estilo neogótico.

Razones: como razones de poco peso podemos mencionar la utilización del mármol, típico en Italia durante el gótico y no solo blanco, que es el que predomina, si no también verde o rojizo. Como razones ya de mayor precisión vemos la utilización del gablete como remate de los arcos y, tal vez valido de mencionar, la decoración de estos con frondas."

El campanille es de autor conocido, también del siglo XIV. ¿Os suena Giotto?

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María Cambronero (2) nos desvela la imagen numero 9:

"1. Título. Interior de Saint Front de Périgeaux, Francia (zona de Aquitania)
2. Autor: anónimo
3. Románico, siglo XII
4. Planta de cruz griega. Destacan las cúpulas sobre pechinas, siguiendo el modelo de San Marcos de Venecia. Pasaría por bizantina si no fuera por los sillares."

Muy bien.

..

Silvia (3)es certera siempre hasta con la imagen 3 que tenía algo de trampa.

"Título: Vírgen de los Consellers.
Autor: Luis Dalmau.
Cronología: 1445 (gótico flamenco).
Característica: El detalle nos muestra a san Andrés, que porta la cruz terciada de su sacrificio, a su alrededor arrodillados los donantes y por detrás el conjunto de ángeles cantores. Detallismo propio de este estilo que sigue la senda de Jan Van Eyck y otros pintores flamencos europeos. Una de las obras más destacadas de la pintura flamenca que se realizó en Cataluña."

Efectivamente ahí están los ángeles de Van Eyck del políptico de San Bavón, pero sin ser ese cuadro.

Francisco Javier ha resuelto la misma imagen, pero ha llegado unos minutos más tarde. Dado el esfuerzo que ha puesto, realizando incluso un comentario personal extenso (mucho más de lo que se pedía esta vez), creo que se ha merecido que aparezca publicado. Omito los elementos comunes con la resolución de Silvia y coloco el comentario porque es un buen ejemplo de interrelación de obras.

"Dicha obra fue encargada al artista por el Consell de Cent, para la capilla de la Casa de la Ciudad (Ayuntamiento) de Barcelona. Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Razones. hay una característica común a todos los artistas flamencos en España, y es la gran influencia que reciben de Van Eyck. Vemos por ejemplo la figura del donante dentro de la escena religiosa. Son personajes que tienen cara y nombres, y son representados como en la realidad son, una de las características de este arte. Como razones de peso podemos hacer su comparativa con la obra La Virgen del Cánonigo de Van Der Paele, si hablamos de la escena central, y también vemos la referencia de los cantores al fondo, que nos recuerdan al Políptico de San Bavón. Esto como referencia a la influencia que causó en el autor Van Eyck. En cuanto a rasgos artísticos podemos destacar la representación a lo lejos de fondos, que crean ESPACIOS DE AIRE y saben crear la perspectiva de HORIZONTE, con el aumento de una menor nitidez a medida que se va alejando el paisaje. También en ese mismo fondo podemos comentar la aparición de ciudades mágicas, casi de cuento de hadas, en las cuales con una lupa podemos entrar y descubrir cosas que a simple vista no se ven. Como última de la razones, y para evidenciar la obra dentro del arte gótico, vemos la representación de infraestructuras típicas de dicho arte, como la tracerías de arcos, las bóvedas de crucería, o la decoración de pináculos, con sus características frondas, en el trono de la Virgen."

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Montse ha descubierto una de las obras más bellas la imagen 8.

"- Nombre: Piedad del Vaticano.
- Autor: Miguel Ángel.
- Estilo y fecha: Renacimiento; 1498-1499
- Razones: uno de los temas favoritos del autor (y que más le atormentó), acabado pulido de las superficies, ausencia de sentimiento de dolor y sufrimiento (remitiendo al Clasicismo que buscaba aquí el escultor)."

Un rostro de Cristo perfecto sin mostrar los efectos de la Pasión, parece dormido. Una virgen jóven que sostiene a su hijo sin esfuerzo... A lo mejor no fue tan fácil porque normalemente la vista se nos va a la Virgen.

Silvia ha elegido gastar su comodín resolviendo la imagen nº 10.
"Título: Calendario que representa las labores agrícolas y ganaderas, en el Panteón de los Reyes de san Isidoro de León.
Autor desconocido.
Cronología:Siglo XII, Alta Edad Media, románico.
Características: Es una de las pocas representaciones de este tipo que se encuentran en la Península Ibérica. Esta pintura en concreto muestra el mes de noviembre y la matanza del cerdo que se realizaba en dicho mes. Simbolicamente representa la caducidad del hombre y el paso del tiempo. Entre estas imagenes profanas del calendario encontramos también escenas religiosas como la Navidad, la Pasión o la Resurrección de Cristo. Este lugar sirvió como panteón a la mayoría de reyes y reinas del Reino de León durante la Edad Media. Por otro lado, se cree que las figuras están inspiradas en las ilustraciones de los libros miniados."

Se encuentra en el intrados del arco que divide una bóveda de arista de otra. En la imagen que pongo a continuación se puede ver a la derecha.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE GÓTICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que te propongo.

Puedes pausar la imagen si colocas el cursor encima o si das al signo de pausa que hay arriba. Si buscas una imagen concreta y no quieres esperar al bucle, la puedes localizar rápidamente en la regleta de abajo.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología. Autor si es conocido (en las obras de pintura es requisito imprescindible).

3.- Dos ideas o características destacables de la obra que nos ha servido para reconocerla. No vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa escribiendo tu comentario al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré uno por persona. Si falláis o contestáis de forma incompleta no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín. Utilizadla sabiamente.
  

• Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.
  

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva.

Mesopotamia y Persia.

Egipto.

Prehelénico y Grecia.

Roma.

Al Ándalus y Bizancio.

Románico.

Pintura renacentista por el detalle (1).

Pintura renacentista comentario imagenes (2).

IMÁGENES YA DESVELADAS

Empieza el juego.

(1)Silvia ha comenzado muy fuerte con un comentario muy atinado sobre la imagen 5, al que poco tengo que añadir salvo que podéis completar más información en las siguientes entradas de este blog: Giotto características artísticas y temáticas y la capilla Scrovegni.

"La resurrección de Lázaro
Giotto di Bondone, Capilla de los Scrovegni (capilla de la Arena) Padua, hacia el 1305.
Esta pintura de Giotto representa uno de los milagros, concretamente el de la resurrección de Lázaro, que se encuentra dentro del ciclo de la vida pública de Cristo.
Observamos, como es propio del pintor, el cielo azul intenso, un paisaje con un terreno escarpado y el tratamiento de las vestimentas que aportan volumen a las figuras y donde los plieges de las mismas permiten reconocer los movimientos.
Por otro lado, los personajes que forman la composición hacen que el espectador mire hacia un único punto: Cristo obrando el milagro. Los personajes de primer plano introducen unos escorzos muy novedosos, que anticiparán las nuevas fórmulas que se darán posteriormente en pleno Renacimiento. "

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(2) Francisco Javier (0,2) ha vuelto a adelantarse a todos y hace bien porque tendrá una nueva oportunidad, que usará cuando quiera.

"Imagen número 10

Nombre: La Santa Capilla de París, que se encuentra en el el centro de la ciudad y que fue utilizada como un gran relicario para Luis IX el Santo.

Etapa y Cronología: la capilla pertenece el gótico francés, en concreto es una obra culmen del periodo rayonnant (periodo del gótico en el que se dio protagonismo a la luz). Se empezó a construir en 1241 terminándose en 1248.

Razones: un razón evidente que podemos dar es la ausencia de muro. Esta ausencia es casi total ya que los góticos consiguieron prescindir de los muros para darle luz natural al edificio y una mayor belleza por medio de las vidrieras (luz mágica). Y el segundo motivo es la utilización de bóvedas de crucería o la utilización decorativa de trifolios en la punta de los arcos apuntados."

Muy bien.  No me queda otra que aplaudir.

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(3)María Cambronero (0,3) se ha decidido por la Imagen número 2 y ha obtenido el último comodín para volver  a responder:

"1.Catedral de Burgos,fachada de Santa María (España).Templo católico dedicado a la Virgen María.

2.Catedral perteneciente al gótico español.Se empezó a construir en el siglo XIII,siguiendo patrones góticos franceses, terminando en el siglo XVI sus modificaciones más de estilo gótico flamígero, impulsada por la familia Colonia.

3.Una de las caracteristicas es la presencia de dos torres rematadas por las imponentes agujas (obra de Juan de Colonia) que se elevan hacia el cielo caladas de encaje siguiendo modelos germánicos.

La segunda caracteristica es la aparición del rosetón y de la llamada Galería de los Reyes, en la que aparecen estatuas de los Reyes de Castilla, desde Fernando I, primer rey de Castilla, a Fernando III, el cual mandó construir este templo".

También muy bien contestado . Aunque se podía haber seguido refiriendo elementos decorativos góticos que se aprecian en la fachada como los arcos apuntados, los pináculos, las formas vegetales (trifolias y cuatrifolias), gárgolas asomando de los contrafuertes, decoración epigráfica, elementos minuciosos como frondas decorando molduras y arquivoltas...

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(4) María Cambronero (0,4)se ha animado y ha resuelto la imagen 1.

"1.Coronación de la Virgen(escultura).

2.Escultura gótica francesa realizada en marfil en el siglo XIII,se encuentra en el Museo del Louvre(París).

3.Caracteristicas:
-Dinamismo y realismo.

-Es un grupo escultórico policromado compuesto por la Virgen y Jesucristo adulto con barba, quien levanta el brazo en el ademán de colocar una corona a la Virgen como reina de los cielos. La Virgen baja la cabeza y junta las manos en un gesto entre sumiso y agradecido. (Virgen con el cabello rubio)."

Ha estado bien. Mi única objección es que hayas puesto el término realismo en el comentario. Más bien es una idealización. Eso sí, se ha roto con los cánones despropocionados románicos y con el hieratismo y se busca la belleza de las formas. Por otro lado, el tema es original del gótico, ya que no había parecido esta exaltación de la Virgen en la etapa anterior.

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(5) Borja (0,5) solucionó la imagen número 6
"Capilla de Enrique VII de la abadía de Westminster , se caracteriza principalmente por la utilización de la bóveda de abanico (que se caracteriza por las claves colgantes que ocasionan un gran efecto decorativo) , muchos vanos acristalados que aparte de servir como elemento decorativo sirve también para dejar pasar la luz a través de ella para iluminar la capilla y por último destaca el uso de los arcos tudor ( Propio de Inglaterra) que son arcos de medio apuntados achatados.."

Borja,... has tenido un poco de "potra", porque no sé que le ha podido pasar a Lorena para equivocar el número, pero así es la vida. Te falta el dato cronológico (comienzos del siglo XVI) para completar el comentario, pero aún así te lo doy por válido porque aportas correctamente el resto de las características originales del gótico inglés de este periodo. Por cierto, los "vanos acristalados" se llaman vidrieras.

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(6) Francisco Javier (0,6) no se ha hecho esperar más y publica su comentario-comodín sobre la Imagen 7.

"Título: Palacio Comunal o Ayuntamiento de Siena. Construido para albergar el gobierno republicano, formado por la Podestà y el Consejo de los Nueve.

Cronología: Se empezó a construir en el 1297. La Torre Mangia (su campanille) es de construcción posterior y data del 1325 al 1344.

Razones: una de la razones que la hace único es su forma de abanico. Otra de las razones puede ser la decoración con vanos formados por arcos apuntados u ojivales, que a su vez están formados por otros tres arcos del mismo tipo, la llamada decoración de tracería gótica. Otro dato curioso es el material de construcción empleado. Vemos que la primera planta esta hecha de pierda y las dos superiores, al igual que el campanille, de ladrillo (cosa que era común en el gótico mudéjar español). Y por último destacar que los palacios del gótico tenían como característica común la construcción de los mismos en tres planta, y esta obra lo cumple."

Este tipo de palacio son el símbolo del poder de la burguesía en las ciudades italianas, que se alza por encima de la nobleza medieval. Mantiene el aspecto defensivo de los castillos puesto que todavía conserva almenas, matacanes y una torre recuerdo de la del homenaje. Sin embargo, ya anuncia la modernidad al abrir numerosos ventanales a modo de balcones sobre la Plaza del Palio.

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Los frescos de la capilla Scrovegni de Padua son la primera obra conocida de Giotto di Bondone, lo cual sorprende por la envergadura de la obra y por la madurez que demostró el artista. El conjunto llegará a ser la referencia estilística más trascendente del Trecento. En otro artículo ya vimos las aportaciones que realiza el pintor a la historia de la pintura, en éste vamos a contemplar iconográficamente su obra más monumental.

Recomiendo que veáis las cuatro presentaciones que vienen a continuación en pantalla completa para disfrutar de los detalles.

Presentación. El edificio.

La capilla de la Arena de Padua fue mandada construir por Enrico Scrovegni posiblemente como reparación del pecado de usura por el que se había hecho rico su padre. Enrico aparece en la escena del Juicio Final arrodillado y ofreciendo la réplica del edificio a la Virgen que la acoge con benevolencia.

El edificio se levantó entre 1303 y 1305, siendo por tanto probable que sea este último año el de datación de los frescos. La capilla es muy simple tanto externa como internamente.

• La fachada muestra el ladrillo cara vista. Los muros se refuerzan con contrafuertes unidos por arcos ciegos entre los que se abren seis ventanas en uno de los laterales. La puerta de entrada de piedra es de piedra y construida con un arco de medio punto.

Vista del interior desde la cabecera.

• El interior posee dos cuerpos. El principal es un salón de 20,8 metros de largo por 12,8 metros de ancho. Aquí encontramos los frescos de Giotto sobre unos muros completamente lisos, en donde las escenas se han dividido con molduras cosmati e imitaciones de mármol. En el zócalo hay pintadas placas de mármol y grisallas con las virtudes y los pecados capitales. Se cubre con una bóveda de cañón pintada de azul intenso con estrellas y con medallones con los bustos de Cristo, de la Virgen y de los Santos. El segundo cuerpo es una capilla cubierta por bóveda de crucería, donde reposa el sepulcro del banquero tras el altar.

Para tener una idea mejor del edificio pasa las imágenes de la primera presentación.

Las escenas narrativas.

El conjunto de la obra nos cuenta en cuarenta escenas la historia de la redención del ser humano y la de su Juicio Final. Aparentemente pueden parecer desordenadas, pero hay un hilo narrativo y una concatenación que vamos a explicar y, mejor, ver en las siguientes presentaciones.

Vida de San Joaquín y Santa Ana. Historia de la Virgen.

• Comienza con la historia de San Joaquín y Santa Ana, los que serán los padres de la Virgen María. El matrimonio, ya de avanzada edad, no había tenido hijos. Este hecho fue interpretado por los sacerdotes del Templo de Jerusalem como una maldición divina, de ahí que expulsaran a Joaquín del Templo en la fiesta de la Dedicación. Joaquín, profundamente dolido, decide retirarse al desierto con sus rebaños para ayunar y pedir a Dios descendencia. Su sacrificio será oído y Dios les comunicará a él y a su mujer, Ana, que serán padres de una niña que habrá de ser consagrada al Señor. El matrimonio recibe la noticia por separado y correrán a encontrarse y gozar con la noticia ante la puerta Dorada de la ciudad.

Joaquín marcha desolado al desierto con sus rebaños.

• Continúa la historia con la Vida de la Virgen hasta su matrimonio. Se produce el nacimiento y sus padres a los tres años la presentan en el Templo, donde se educará con otras doncellas. LLegados los catorce años el Sumo Sacerdote buscará un pretendiente entre los miembros de la casa de David. Los hombres solteros presentaron sus varas para la elección. José será el elegido de Dios, puesto que de su vara hará brotar hojas y la señalará con una paloma venida del cielo.  Se producen los esponsales y el cortejo nupcial. Antes de consumar el matrimonio se producirá la concepción de Jesús por medio de la Anunciación.

Natividad. Detalle.

• Se produce el nacimiento del Niño Jesús en Belén. Acuden a adorarle los Reyes Magos. La noticia es conocida por el rey Herodes que manda asesinar a los recién nacidos de la pequeña ciudad. José ha sido avisado en sueños y ha puesto a salvo a su familia en Egipto. La infancia de Jesús se retoma con doce años cuando, de nuevo en Jerusalem,  Jesús es hallado aleccionando a los sacerdotes del templo.

Vida de Cristo. Pasión, Muerte y Resurrección.

• La vida pública de Jesús se concentra en el momento en que se hace bautizar en el Jordán y realiza su primer milagro convirtiendo el agua en vino en las bodas de Caná. De ahí pasamos a los últimos días cercanos a los de su muerte. Como preludio de lo que sucederá en su propia persona, realizará el milagro de resucitar a su amigo Lázaro. Cristo y sus discípulos entran triunfales en Jerusalem y expulsan a los mercaderes del templo.

Cristo entra triunfal en Jerusalem a lomos de un asno como decía la profecía.

• Comienza la Pascua judía con la institución de la Eucaristía en la Última Cena. Sin embargo, se consuma la traición de Judas, uno de sus discípulos que le entregará en el Huerto de los Olivos. A partir de ese momento comienza la Pasión, pasando por Caifás, la flagelación y su condena a morir en la cruz. Los últimos episodios narran su muerte y el  lamento de su madre y sus discípulos; la resurrección y la ascensión a los cielos.

El Beso de Judas.

• El muro oeste concentra en una única escena El Juicio Final. La concepción de la misma arranca de la iconografía románica y apenas aporta novedades, salvo el retrato que se hace de Enrico Scrovegni entre los Santos ofreciendo la iglesia a la Virgen. Cristo Pantocrátor preside el juicio rodeado de santos y ángeles. Llama a los justos y condena al Infierno a los pecadores. En la siguiente presentación puedes ver los detalles.

Para los amantes de la obra de Giotto.

Os ofrezco además este enlace a un vídeo hecho por el Ministerio italiano de bienes y actividades culturales sobre la capìlla Scrovegni

Durante el periodo que abarca de 1300 a 1350 la pintura de la Toscana dominó el arte europeo. La pintura igualó los logros alcanzados por los escultores durante los cincuenta años precedentes, rompiendo con una tradición bizantinista que  hacía que todavía en el siglo XIII las iglesias italianas se decoraran con mosaicos a la "maniera greca".

Cimabue. Mosaico del ábside de la catedral de Pisa, 1301-02.

El proceso de ruptura comienza a finales del siglo XIII con artistas como Cavallini o Cimabue que, desde Roma y Florencia respectivamente, empezaron a abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y se encaminaron hacia un mayor realismo, pero hay en ellos todavía mucho de la iconografía greca. Obras como la deesis del ábside de la catedral de Siena (1301-02) están realizados todavía bajo modelos humanos y técnicas del mosaico bizantino, pese a que el fresco, junto con la tabla al temple, ya iban ganando terreno como soportes.

Habrá que esperar al florentino Giotto di Bondone para inaugurar una verdadera nueva forma pictórica. Su obra convivirá con la de la escuela Sienesa, más ligada a la tradición bizantina. Duccio Buonisegna (1260-1319) y  su discípulo Simone Martini (1284-1344), sus máximos representantes, también se dejarán influir por la obra de Giotto.

Giotto di Bondone (1266-1337).

Tradicionalmente se le considera el iniciador de la pintura moderna y el precedente del Renacimiento porque rompe con la pintura bizantinista. Su personalidad tan intensa se refleja en la reafirmación que hace de su valía al firmar sus obras o al hacer fortuna y gozar de gran popularidad en vida sólo por su genio creador. Este rasgo le aleja también de la Edad Media y le acerca al Renacimiento.

Trabajó en Asís, Roma, Florencia, Nápoles, Bolonia, Milán y Padua, siendo en esta ciudad donde realizó su obra maestra los frescos de la capilla de la Arena o de los Scrovegni (1303-1305). Analicemos las características más significativas de su obra sobre estos frescos, tomando como base (siempre que sea posible) la escena del Lamento sobre Cristo muerto, del ciclo de la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo.

Lamento sobre Cristo muerto, 1305. Mide 200 x 185 cm.

• 1.- La principal aportación de Giotto a  la Historia de la pintura, tal vez sea, la de superar la representación plana de los objetos para lograr la tercera dimensión, es decir,  crear una ilusión de volumen veraz. El pintor comprende que a través de tonos cromáticos se puede crear efectos de luces y sombras que doten a los cuerpos de relieve. En la imagen inferior las grados de verde, violeta y amarillo modelan el volumen de los personajes adquiriendo una presencia real, casi escultórica.

• 2.- La profundidad le interesa, pero en los planos inmediatos al espectador, no en los fondos (que ya analizaremos). En esta escena crea una sensación de verdadera profundidad al utilizar simultáneamente los siguientes recursos, que puedes ver gráficamente en las imágenes inferiores:

--- las espaldas de los personajes del primer plano crean un vacío, que sirve para que el espectador pueda ver con distancia la escena principal. Los personajes no se precipitan sobre nosotros, como era habitual en el gótico.

-------  las figuras  se solapan escalonadamente para ganar otros cuantos metros de profundidad. No lo hacen como era habitual en las tablas de la época en la que aparecían grupos de personas extrañamente superpuestas en altura unas por encima de otras.

------------ el escorzo de los brazos extendidos de San Juan proyecta aún otro par de metros más allá el espacio. Este recurso será muy utilizado por el Renacimiento y supone un alarde técnico para un pintor.

• 3.- En esta escena podemos apreciar como Giotto también pretende captar los sentimientos. Cada personaje que contempla a Cristo muerto expresa una reacción única de mayor o menor intensidad y sinceridad dramática.

-- Los discípulos de la derecha ponen gestos apesadumbrados, pero conteniendo su dolor.

-----Hay ángeles que se desesperan, gritan y lloran violentamente, mientras que otros maldicen.

------ Las mujeres de la izquierda están estremecidas por el suceso: una se recoge sobre sí misma como no creyéndose lo que está viendo y otra como San Juan gesticula con los brazos de desesperación.

--------- María Magdalena recoge con amor los pies de su maestro.

----------- La Virgen María abraza compungida el cadáver de su hijo para besarle, su corazón está roto.

• La composición. La escena principal no tiene que estar necesariamente en el centro. En este caso las figuras de Cristo y de la Virgen están desplazadas en el lateral izquierdo. Pese a romper la regla de la simetría como elemento de equilibrio, la obra resulta bien clara por varios motivos.

--- Todas las figuras confluyen con sus miradas en los rostros de Madre e Hijo.

------ Las figuras-bulto de primer plano, que ya hemos dicho, sirven para que nuestra atención no se detenga en el primer plano y se oriente, casi resbale por su espalda, hacia el foco temático que está en el segundo plano.

----------- La diagonal creada por la ladera de la montaña también nos está señalando el motivo principal.

------------------ No hay historia secundaria que distraiga nuestra atención.

• El fondo es para él como un telón teatral de arquitecturas y paisajes casi abstractos, donde ubicar sus figuras, que es lo que realmente le interesa. Aún así no se puede decir que desprecie la ubicación espacial.

--- Los cielos azules suponen un avance sobre los fondos dorados bizantinos.

-------- Las rocas descarnadas y los árboles solitarios y desnudos, como el que aparece en la escena del Lamento, intensifican el dramatismo y el dolor de los personajes.

-------------- En las habitaciones intenta crear una perspectiva intuitiva con las líneas rectas de las estructuras arquitectónicas y de los muebles. En la Anunciación, que tenemos debajo, los balcones, el techo y el reclinatorio proyectan líneas que se alejan hacia la izquierda.

--------------------- Los paisajes ciudadanos demuestran un amor por la realidad cotidiana que no existía anteriormente.

Árbol y montaña de la Lamentación sobre Cristo. Interior y exterior de un edificio en la Anunciación.

• Modelo humano. Rompe con los cánones estilizados y elegantes bizantinos. Sus figuras son un tanto achaparradas y gruesas. Sus rostros son estereotipados con ojos rasgados.

• No hay jerarquía de tamaño. El personaje de Cristo es proporcional al resto de las figuras. El único elemento distintivo de su importancia es el halo, que por otra parte también tienen el resto de las figuras consideradas santas. Este elemento arcaico es una licencia que se permite Giotto para aclarar aún más la escena.