Publicidad:
La Coctelera

Algargos, Arte e Historia


Material didáctico para la asignatura de Historia del Arte.

Categoría: 11.2.1. Barroco escultura Italia

3 Octubre 2011

Entre el 36.000 y el 10.000 A. C., en el periodo que denominamos Paleolítico Superior, los pueblos cazadores-recolectores de la nueva especie Homo Sapiens Sapiens que repoblaba el continente europeo desarrollaron una forma de expresión para transmitir su mundo mágico a través de imágenes. Este fenómeno se dio en regiones alejadas entre sí, lo que implica que tenían una conciencia ideológica y una necesidad expresiva común. En un primer momento, en el auriñaciense, comenzaron realizando pequeñas estatuillas femeninas, las “venus”, y otros objetos muebles que reflejaban un trasfondo simbólico-religioso. Y hacia el 30.000, sin saber porqué, trasladaron con pigmentos su universo de imágenes a las paredes de las cuevas creando con ello las primeras manifestaciones de arte pictórico.

Zdenek Burian. Cuadro qeu recrea a los pintores de las cuevas de Lascaux. Museo Anthropos, Breno, República Checa.

Las cuevas donde dejaron estos testimonios se ubican en cotas de los valles por debajo de los fenómenos glaciares que en ese momento vivían el continente europeo y sus cordilleras y en las desembocaduras de los ríos. Ambos eran  lugares de hábitat ideal para los cazadores-recolectores del Paleolítico Superior. Es posible que bajo las aguas del mar todavía exista sin descubrir un buen número de yacimientos, ya que por efecto del hielo el nivel del mar estaba por aquel entonces mucho más bajo que hoy en día y es lógico pensar que también habitarían junto al mar. De hecho, la Grotte Cosquer descubierta en 1991 cerca de Marsella, es el caso más espectacular, pero no el único. Su entrada quedó sumergida a 37 metros de profundidad tras la elevación del nivel del mar y sus impresionantes pinturas sólo pudieron ser descubiertas en el curso de una difícil exploración submarina.

Yacimientos del paleolítico superior con artes figurativas. En verde los de arte mobiliar y en rojo los de arte rupestre. La línea azul es la frontera del hielo de la glaciación y la línea gris la costa en la última glaciación.

Debido a los numerosos testimonios que se han encontrado en la Península Ibérica, especialmente en la franja cantábrica, y el centro-sur de Francia se llegó a conocer esta manifestación como arte paleolítico franco-cantábrico. Sin embargo, también se han encontrado pinturas, aunque en menor número y calidad, en el sur de la península Itálica y Sicilia, en la Europa Central,  en las Islas Británicasy hasta en el otro extremo de Europa, en Rusia, en la cueva de Kapova, al sur de los montes Urales.

En este artículo me centraré en los yacimientos españoles y en uno posterior trataré los franceses.

El arte rupestre paleolítico en la Península Ibérica

En la Península Ibérica están datados cerca de 150 yacimientos de pinturas rupestres paleolíticas, repartidos mayoritariamente por la región cantábrica y en menor medida por el interior peninsular y Andalucía.

Yacimientos paleolíticos en la región Francocantábrica. Se destacan los españoles.

En la región cantábrica, los yacimientos se localizan en una franja costera de poco más de 300 kilómetros que iría desde el centro-occidente de Asturias hasta la frontera navarra con Francia. En Asturias destacan los yacimientos del valle del Nalón, como el abrigo de la Viña y San Román de Candamo, los de la desembocadura del Sella, en especial la cueva de Tito Bustillo, y los del valle del Cares, como los de Llonin, Coimbre y Covaciella. En Cantabria, además de la mundialmente conocida cueva de Altamira, hay otros conjuntos fundamentales como los formados por las cuevas de Monte Castillo, en Puente Viesgo (El Castillo, La Pasiega, Las monedas y Las Chimeneas), o el de Ramales de la Victoria, donde destacan las de Covalanas y La Haza, y la galería inferior del complejo de La Garma.  En el País Vasco hay tres yacimientos destacables posiblemente sincrónicos, los de Santimamiñe, Ekain y Altxerri.

Cronología y manifestaciones de pintura rupestre de toda la prehistoria en la Península Ibérica.

Temática por principales yacimientos.

  • Puede que las manos en negativo sean las representaciones más antiguas que hemos encontrado, ya que algunos prehistoriadores las llegan a datar en el Gravetiense (30.000-22.000), aunque también se fechan en los otros periodos del Paleolítico Superior. Hay distintas interpretaciones mágicas acerca de su significado, desde ritos mágicos propiciatorios hasta actos de reafirmación individual. Se han hallado en gran número en cuevas como las de Garma, Castillo, Altamira o Tito Bustillo.

Manos en negativo de la cueva de El Castillo, Puente Viesgo, Cantabria.

  • Los signos constituyen el tema de mayor variabilidad, y ni siquiera existe una nomenclatura aceptada para ellos. En unos casos se alude con mayor o menor fortuna a la forma: los tectiformes se llaman así porque su forma recuerda los techos de las cabañas; los claviformes remiten a un tipo de arma, la clava o estaca; los motivos ondulados suelen denominarse meandros o serpentiformes; los puntos; etc. Se datan en el Solutrense (22.000-15.000). Los encontramos en abundancia, por ejemplo, en la Cueva del Castillo, Asturias. Son de difícil interpretación, aunque Leroi-Gourham les atribuye cualidades simbólicas masculinas y femeninas. Es indudable que este mundo de signo o "ideomorfos" entraña un lenguaje escondido, puesto que a menudo acompañan, como si fuera una explicación, a figuras más o menos realistas.

Signos tectiformes de la cueva de Las Chimeneas, Cantabria.

  • Las imágenes de animales predominan en la etapa Magdaleniense (15.000-10.000). Son de estilo realista y a menudo bícromas, lo que les hacen más atractivas desde el punto de vista artístico. Los animales más representados son los herbívoros que cazan estas tribus: predominan los caballos y bóvidos (bisontes y uros), seguidos de los cérvidos (especialmente las ciervas) y en menor medida, los cápridos.

Panel principal de caballos de Ekain, Vizcaya.

  • Los seres híbridos, mezcla de hombre y animal, no son muy corrientes siendo quizá el más conocido el dispuesto en una estalagmita de la cueva del Castillo que es una figura grabada y pintada en vertical de un hombre-bisonte.

Los polícromos de la cueva de Altamira.

El Techo de los Polícromos de Altamira (Cantabria) es el yacimiento pionero que dio a conocer con su descubrimiento en 1879 la pintura paleolítica. En la cueva se representan trescientos animales entre los que destacan varias decenas de bisontes, ciervos y jabalíes. Los animales aparecen dispersos y no dan la impresión de formar un rebaño. Algunos parecen caminar, mientras que otros reposan tranquilos. Son todos ellos ejemplares adultos representados en perspectiva lateral y frontal. Las figuras tienen distintos acabados. Sus contornos se delimitan con una línea negra e incluso se llega a conseguir efectos de relieve a través de de un graduado de tonalidades o de aprovechar las formas naturales de la roca. Los colores utilizados son el negro, el ocre, el amarillo y el rojo.

El Techo de los Polícromos de Altamira, Cantabria. Bisontes.

En el gran panel de Altamira se superponen pinturas y grabados que van desde el solutrense, con una antigüedad próxima a los 18.000 años, hasta los polícromos del Magdaleniense que son por datación de C14 de hace 14.500 años.  Las superposiciones  se relacionan con el valor simbólico o mágico de un determinado lugar, lo que le convierte en un "santuario" reutilizado durante generaciones.

Yegua preñada de Peña de Cándamo, Asturias.

También son muy bellas las pinturas de la yegua preñada (magia de reproducción) de Peña de Cándamo (Asturias) ; los ciervos de La Pasiega (Cantabria) o El Pendo (Cantabria); el panel de caballos de Tito Bustillo (Asturias), los bisontes de la Covaciella (Asturias); o  la galería de los caballos de Ekain (Guipúzcoa).

Yacimientos rupestres del Paleolítico Superior en otros lugares de la Península Ibérica.

En el resto de la península se han encontrado hasta 50 yacimientos de arte parietal del Paleolítico Superior repartidos principalmente entre los rebordes montañosos del interior y los de Andalucía.

  • En ellos predomina el grabado sobre la pintura y cuando aparece ésta suele ser un dibujo de línea negra o roja sin coloración interior. El animal dominante es el caballo, seguido de ciervos, uros y cápridos.

Cueva de la Pileta. Caballo y otros animales en silueta.

Los antropomorfos están constatados destacando el grupo de antropomorfos “batracios” de la Cueva de Los Casares (Guadalajara) y la figura femenina de la cueva de Ardales (Málaga).

Cueva de Ardales, Málaga. Silueta femenina, cadera.

Cueva de La Pileta, Málaga. Pez y otros animales y signos.

3 Mayo 2010

Observa las diez imágenes de esta Presentación sobre detalles de obras de arquitectura, escultura  y pintura que hemos visto en esta evaluación.

¿En qué consiste esta vez el juego?

1.- Reconocer el autor, la obra, el estilo y el país de cualquiera de las diez imágenes del Slide.

2.-Dar dos razones argumentadas sobre el porqué atribuirlas a ese estilo o autor basándose en el detalle que se aporta. Me importa el razonamiento, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que no sean convincentes o que no tengan en cuenta el detalle, aunque se reconozca la obra inicial.

Condiciones habituales del juego.

1.- Un comentario por persona, salvo los tres primeros aciertos que tendrán una segunda oportunidad o comodín.

2.- La puntuación será de 0,5 puntos en todas las contestaciones que se acepten como correctas.

IMÁGENES DESVELADAS

Enrique ha iniciado este juego desvelando la imagen numero 9 y ganándose el derecho a un comodín.

"Pertenece sin duda al cuadro de Rembrant llamado Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp. De estilo barroco holandés. Una de las razones que caracteriza este cuadro es el colorido oscuro de la técnica tenebrista, también la austeridad cromática de los trajes de la época que empleaba. Otra razón podria ser la , animada por los cuellos y puños blancos. Obra datada en el año 1632."

Además es un retrato colectivo, tan comunes en la Holanda del siglo XVII y una de las ocupaciones principales de Rembrandt como pintor, al menos hasta mediados de los 40. Si pincháis sobre la imagen podréis verla bien ampliada. No os perdáis las expresiones de cada uno de los retratados, así como la disección del brazo si sois un poco morbosos. Este detalle también hace especial esta cuadro y muy, muy barroco.

--

Ya veo que Cristina no quiere quedarse sin ganarse un puntejo y por eso ha contestado con acierto a la imagen número 10. Hay comodín.

"Casa de la Villa de Madrid realizada por Juan Gómez de Mora en Madrid del estilo Barroco.
Es realizada por Gómez de Mora debido a que es el arquitecto real de Felipe III que le manda hacer un edificio para la administración. Juan Gomez de Mora es discípulo de Juan de Herrera y se ve influido mucho por él en su obra. Hay austeridad debido a la falta de dinero, solamente se colocaba granito en las esquinas y el ladrillo se utilizaba para hacer el muro. Tiene escasa decoración y tiene un chapitel típico de los Austrias. Es un palacete con tres plantas, dos puertas y dos patios para administrar mejor el edificio. "

La Casa de la Villa cumplió hasta hace pocos años la función de ayuntamiento de la villa y corte de Madrid. Es un modelo paradigmático del estilo de los Austrias y de edificio burocrático y de representación.

---

Lorena ganó el tercer comodín al responder a la Imagen 4
"Napoleón coronando a la emperatriz Josefina
Es una obra francesa del pintor J.L David perteneciente al neoclasicismo.
Esta obra se puede decir que es neoclásica, por el uso de la geometría , poniendo a Napoleón en el centro del cuadro para que nuestras miradas vayan directamente a él, y además este cuadro es propagandista, ya que el pintor, es un pintor político de Napoleón y le gusta representar la soberbia del emperador. Se puede decir que el pintor viajó a Italia y tomó características de allí, como el uso del rojo veneciano en la vestido de Josefina."

A lo que llamas uso de la geometría, yo lo llamaría composición. Este es un cuadro histórico que narra el suceso que tuvo lugar en  Notre Dame de París el 2 de diciembre de 1804. Efectivamente, como dice Enrique (ver comentario) el cuadro resulta impresionante con sus más de 9 metros de largo por 6 de alto. Nada que ver con la imagen pequeñita que tenemos que contemplar, aunque si pincháis sobre ella se os desplegará el detalle que nos ha servido para reconocerla a gran tamaño y con alta calidad. Así sí se puede observar los detalles de la Corona, de la "jovencísima Josefina", del Papa bendiciendo y de la madre de Napoleón al fondo.

---

Borja ha comentado la IMAGEN NUMERO 7

"EL CRISTO MUERTO ES UNA OBRA REALIZADA POR MANTEGNA , PERTENECE A LA PINTURA RENACENTISTA CONCRETAMENTE AL QUATROCENTTO ITALIANO , ALGUNAS DE LAS CARACTERISTICAS MAS RELEVANTES QUE PODEMOS DESTACAR SON LOS CONTRASTES ENTRE SERENIDAD Y EXPRESIVIDAD , UTILIZACION DEL ESCORZO PARA CREAR PROFUNDIDAD, VEMOS A UNA VIRGEN MUCHO MAS DEMACRADA POR EL PASO DE LA EDAD ( LO QUE LE DIFERENCIA DE LA IDEALIZACION DE LA VIRGEN REALIZADA POR PINTORES POSTERIORES) ETC..."

El naturalismo es muy violento en la recreación que hace de las heridas provocadas por los clavos y en la decolarición cadavérica del Cristo. Por otro lado, el punto de vista escogido es otra novedad, así como el desequilibrio compositivo. Un grandísimo cuadro de Mantegna de 1490 expuesto en la Pinacoteca Brera de Milán.

---

Fco Javier y Rebeca han coincidido en la misma obra. Y aunque Fco. Javier ha resuelto primero, si observáis, su contestación no es completa, por lo que le concedo el acierto a Rebeca. Le falta el número de la imagen y el autor... un despiste seguramente, pero que siendo justo no puedo dejar pasar. La imagen resuelta ha sido la número 2.

"Detalle del esqueleto que decora la puerta de la tumba de Alejandro VII el papa, en San Pedro del Vaticano (Italia) y elaborado por Bernini y en estilo Barroco. Destacan el simbolismo del esqueleto y la muerte, que trata de decirnos que ésta es ineludible (pues incluso al papa le llega ese momento) y que el tiempo pasa para todos, un tema muy típico del barroco. También es característico el movimiento de las telas (como las que tapan la cabeza del esqueleto) y el uso de bronce y mármol en la misma obra."

El tema de la "vanitas" y el material como juego con el color y las texturas. También tiene razón Fco Javier, en esta obra se respira la influencia de Miguel Ángel y de las tumbas de los Medicis.

---

Alma ha descubierto el edificio nocturno, la Imagen 6
"Se trata del Jefferson Memorial, un monumento en honor a Jefferson que se levantó en Estados Unidos , de estilo neoclásico. Destacan en él la clara inspiración en el Panteón de Agripa-Adriano por su mezcla entre un Tholo griego y un templo octástilo normal. Podemos localizarlo en Estados Unidos por la estatua erigida de Jefferson ,y porque esta clase de propaganda a través del estilo neoclásico de las ideas de independencia y libertad y a quienes las representan es típico de esta etapa."

Doy por correcta la contestación aunque le falte el autor, porque no lo hemos mencionado en clase y no me parecería justo exigirlo. De hecho se construyó entre 1939-43 (¡Siglo XX!) en la ciudad de Washington por John Rusell Pope en un estricto estilo neoclásico inspirado a su vez en el célebre Panteón. Como veis el estilo neoclásico ha dado sus coletazos en el siglo XX.  Forma parte del conjunto de edificios gubernamentales y conmemorativos en estilo neoclásico que posee la capital de Estados Unidos.

---

Haciendo uso de su comodín Lorena ha contestado por segunda vez la Imagen 1.

La bacanal. Obra de Tiziano. Perteneciente al Renacimiento y sobre todo al manierismo italiano.

El cuadro es de tema mitológico, ya que ha representado a Baco y Ariadna. Los colores de la pintura son brillantes y alegres, y las personas están representadas con cierto movimiento contenido. El autor recurre al escorzo, ya que le influenciaron las obras de Miguel Ángel.

.

Hecho en falta una referencia a Venecia y no estoy tan de acuerdo en cuanto al comedimiento o contención de los personajes. Los dos personajes que sirven de detalle para reconocer la obra precismamente están en pleno baile. Hay un artículo monográfico sobre la obra en este mismo blog.

----

Alba Rubio ha acertado la imagen número 3:

"Plaza de San Marcos con catedral
Autor: Canaletto
Estilo: Barroco Italiano siglo XVIII
Razones de por que se la atribuyo a este autor: por representa un paisaje urbano con un efecto de luz mágico además de por un dominio de la perspectiva bastante elevado."

Es una típica y mágica escena veneciana donde se mezcla el costumbrismo y el paisajismo. Desde la plaza de San Marcos podemos ver, de izquierda a derecha, la catedral, el palacio ducal y el Gran Canal.

---

Enrique ha resuelto la imagen número 5.

"Es parte del cuadro La familia de Carlos IV de Goya que se ve en la parte de atras, de estilo rococó fechado en el año 1800. El pintor plasma en su pintura a la familia mostrando la interioridad de cada uno de los personajes; “la reina de rostro desagradable y gesto de amargura y el rey de cara roja, insulso, presuntuoso y lleno de condecoraciones. La obra presenta una gran verticalidad, proporcionada por los personajes, todos de pie, y ayudada por los lienzos ubicados en el fondo de ésta. En este caso, son nulas las diagonales ya que el único cuadrante apoyado por las direcciones y la disposición de las figuras, es el vertical. "

Discrepo contigo en el estilo artístico. Aunque la etapa que trabaja para la fábrica de tapices pueda clasificarse de rococó el retrato de 1800 que aquí tenemos es un claro ejemplo de retrato neoclásico de Goya, con influencias grandísimas de Las Meninas de Velázquez. Es un retrato oficial de la familia real y el pintor tiene el atrevimiento de autorretratarse en la escena.

19 Abril 2010

Observa las diez imágenes de este Slide sobre arquitectura y escultura barroca.

¿En qué consiste esta vez el juego?

1.- Reconecer el autor y la obra de cualquiera de las diez imágenes del Slide.

2.- Relacionarla con OTRA obra DE OTRO artista de cualquier tiempo o estilo que nosotros creamos que necesariamente haya podido influir en la que aparece en el Slide o que simplemente guarda una cierta semejanza de estilo.

3.- Hacer un pequeño comentario de porqué se relacionan las obras. Deberás dar al menos una razón  argumentada. Me importa el razonamiento, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que no sean convincentes, aunque se reconozca la obra inicial.

Ejemplo.

Imaginemos que en el Slide tuviéramos la siguiente imagen, que reconozco y que quiero comentar.

Mi repuesta podría ser la siguiente.

"1. Autor: G.L. Bernini, El rapto de Proserpina. 1621

2. Artista y obra que pudieron servir de inspiración: Gian Bologna, El rapto de las Sabinas. 1583

3.- Razón de la relación en este caso es muy evidente. El tema mitológico les permite a los dos artistas representar una escena de violencia, movimiento y desnudo. Se busca que el espectador rodee la obra para contemplarla en su totalidad. Gesticulación teatral. Composición helicoidal o línea serpentinata..."

Condiciones habituales del juego.

1.- Un comentario por persona, salvo los tres primeros aciertos que tendrán una segunda oportunidad o comodín.

2.- La puntuación a efectos de control será de 0,5 puntos en todas las contestaciones que se acepten como correctas.

IMÁGENES DESVELADAS

Borja, has sido el primero pero no has acertado con la obra del Slide. Otra vez será.

Rebeca sí ha acertado con el reconocimiento y ha encontrado una relación lógica. Este es su comentario.

"Imagen 3 Tumba de Urbano VIII por Bernini
Inspiración: Tumba de Lorenzo de Medici por Miguel Ángel
En este caso, la inspiración es clara, ambas son capillas que hacen la veces de tumba de dos personajes importantes, la de Miguel Ángel es la de Lorenzo de Medici y la de Bernini el papa Urbano VIII. Vemos la inspiración en la disposición triangular de las figuras y en los dos personajes que franquean a cada lado la capilla y el personaje central, la figura de Urbano VIII, que aparece vivo y sentado, igual que el Lorenzo de Miguel Ángel."

Efectivamente las acerca la composición y el sentido ensalzador de los personajes enterrados, pero les diferencia también mucho. Bernini combina mármoles de colores y bronce con distinto grado de bruñido para hacer más ornamental su tumba; tambien hay diferencias en  el movimiento y en la expresividad de las figuras, sobre todo de los enterrados; el detalle del esqueleto escribiendo el epitafio es un elemento morboso que encaja plenamente en la mentalidad barroca...

---

Alma ha descifrado otra imagen.

"Imagen 1 El David de Bernini
Inspiración posible: el David de Miguel Ángel.
Razón: La temática, como es evidente, es la misma, y el modelo humano es muy parecido en ambas obras, cambia tal vez la rotura de esa serenidad del renacimiento en el rostro y la postura atacante del David de Bernini, pero ambos comparten temática, modelo y material (el mármol)"

Bien visto. Les une el tema y el material, pero luego hay un abismo en el espíritu creativo. Es como comparar una obra de la Grecia Clásica y otra del Helenismo. Así es la cercanía entre el Barroco y el Renacimiento.

---

Lorena ha sido la tercera en acertar una de las imágenes y, por tanto, en ganarse un comodín.

"Imagen 8
El autor es Teodoro Ardemans
Palacio de la Granja Segovia

Se asemeja con el palacio de Oriente de Madrid perteneciente al autor Filipo Juvara. Se puede decir que el autor de esta obra se basó en la misma estructura que el palacio madrileño, pero más pequeño, ya que fue una residencia veraniega. Ambos palacios tienen las fachadas principales muy parecidas, lo único que cambia es el color de cada una. El palacio de Segovia no tiene los tres pisos como los tiene el de Oriente. Además el palacio de la Granja, tiene una balaustrada, como el de Madrid."

El Palacio de la Granja, el palacio de Oriente de Madrid y el palacio de Versalles.

Si tienen tanta semejanza es porque ambos se inspiran en el palacio de Versalles de Mansart con sus fachadas luminosas y sus jardines y fuentes. Es el ejemplo de la continuidad de la arquitectura de los Borbones franceses más allá de sus fronteras y en el siglo XVIII.

--

Lorena hace buen uso de su comodín y resuelve.

"Imagen 2 Casa de la Villa (hoy en dia antiguo ayuntamiento de Madrid)
Su autor es Juan Gómez de Mora.
Esta obra la relaciono con el palacio ducal del duque de Lerma cuyo autor es Francisco Gómez de Mora. Ambas obras pertenecen al Barroco. Las relaciono porque la casa de la Villa tiene la misma estructura que el palacio ducal. Ambos tejados son de pizarra y con dos chapiteles a los lados. Además los dos edificios están basados en palacios de los Austrias".

Es la arquitectura palacial de los Austrias de los siglos XVI y XVII que podemos ver en el Renacimiento desde el Alcázar de Toledo de Covarrubias, pasando por El Escorial de Juan de Herrera y, por su puesto, en el Barroco en estos dos ejemplos que tú refieres, así como en el Alcázar de Madrid o en el palacio del Buen Retiro.

14 Mayo 2009

En 1599 se descubrió en las catacumbas de Roma el cuerpo incorrupto y martirizado de Santa Cecilia. Para testimoniar este milagro y exaltar a los mártires de la Iglesia, el Papa quiso que el escultor Stéfano Maderna lo representara tal como había aparecido. La imagen, que podemos ver debajo, muestra a Santa Cecilia vuelta contra el suelo y con el cuello cortado. Esta impactante y macabra imagen refleja  con descarnado naturalismo el espíritu del nuevo estilo que daría paso al siglo XVII.

Stéfano Maderna. Martirio de Santa Cecilia.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) será el escultor que mejor capte la esencia del nuevo estilo. Fue otro nuevo genio que dominó varias artes y que como Miguel Ángel puso el oficio de escultor por encima del de arquitecto o de pintor. Puedes contemplar su obra a través de la presentación que te ofrezco a continuación. En ella puedes ver sus obras escultóricas más importantes, así como la de otros escultores italianos un tanto ocultados por el fulgor de Bernini.

Para completar la información sobre este artista aquí tienes un breve apunte de sus características y de sus obras.

Características

  • Inspiración en los rasgos que definieron en el pasado la etapa helenística griega y el Manierismo italiano.
  • Maestro en el trabajo del mármol y del bronce, que combina con frecuencia para buscar efectos de policromía. Su virtuosismo es tal que es capaz de transmitir sensaciones táctiles y visuales de pieles, telas, troncos de árbol, nubes o rayos de luz.
  • Le preocupa especialemente captar el movimiento en plena acción. Preferencia por composiciones y cuerpos que desarrollen la curva serpentinata.
  • Los rostros de sus figuras son muy expresivos, buscan conmover al espectador. A veces  la gesticulación puede parecer grandilocuente.
  • Recurre a la escenografía teatral para presentar sus escenas religiosas.
  • Gran dominio de la luz como recurso expresivo.
  • Los ropajes amplios también le sirven para captar la atención del espectador y aumentar la dignidad de los personajes.

Sus principales obras escultóricas agrupadas

  • Las obras de juventud, hasta 1624,  son claramente de inspiración manierista, en concreto de Giovanni Bologna, destacando los temas mitológicos como El rapto de Proserpina o el grupo de Apolo y Dafne. El tributo a la ciudad de Florencia se completa con un agresivo David.
  • Urbano VIII se convirtió en Papa en 1623 y al año siguiente reclamará a Bernini para que se encargue de toda la obra artística de su pontificado. El artista podrá llevar a cabo todas sus ideas sobre las transformaciones de Roma  y, sobre todo, de San Pedro del Vaticano. Gracias a un excellente taller podrá llevar a cabo tantos trabajos arquitectónicos y escultóricos para la catedral. Realizará: el baldaquino del altar mayor; el transparente del ábside que tiene por tema la cátedra de San Pedro; el Longinos una de las estatuas de los nichos de los pilares que sostienen la cúpula; la decoración minuciosa de mármoles de las naves; las esculturas que coronan la columnata de la plaza de San Pedro; y los monumentos funerarios de los papas Urbano VIII y Alejandro VII.
  • Otras obras de temática religiosa contrarreformista como los Éxtasis de Santa Teresa y de la Beata Ludovica Albertoni.
  • Numerosos retratos para todos sus mecenas, en ellos traslada con maestría sus rasgos físicos, pero también su carácter psicológico. A destacar los que realiza par Luis XIV por la gran influencia que dejó sobre las artes figurativas francesas.
  • Grandes y pequeñas esculturas que decoran las plazas de Roma. Entre ellas destacaremos La fuente de los Cuatro Ríos para la Plaza Navona o la pequeña fuente del Tritón.

Toda esta información aplícala sobre esta imagen que te ofrezco debajo y haz un breve comentario. Ojo la obra es de Bernini, pero no está entre las citadas ni entre las que aparecen en la presentación. No estaría de más que completaras este comentario buscando información en internet.

Daniel y el León

12 Mayo 2009

En este artículo vamos a comparar la obra de los que sin duda fueron los escultores más influyentes del Barroco, Gian Lorenzo Bernini y Gregorio Fernández.  Fundamentalmente les une un espíritu místico y un afán por expresar a través de sus imágenes su vitalidad. No buscan como objetivo principal, como hacía el Renacimiento, plasmar la belleza o el equilibrio sereno , sino crear situaciones dramáticas que conmuevan al espectador para que no se sienta indiferente ante sus obras.

 

Contextos geográfico-urbanos y repercusión internacional.

Los dos escultores pertenecen a dos mundos distintos:

­- Bernini trabajará la mayor parte de su vida en la cosmopolita Roma del siglo XVII. Allí muy pronto entrará en el círculo del papado, sus principales mecenas, junto con la aristocracia romana. Pero también viajará a la hegemónica Francia, donde Luis XIII y luego Luis XIV, le ofrecerán atractivos encargos. Al realizar sus obras en  el lugar principal del cristianismo y luego en el influyente París, conseguirá que su obra tenga una repercusión internacional.

-Gregorio Fernández, en cambio, apenas saldrá de Valladolid, una ciudad que durante los primeros años del siglo XVII fue la capital del Imperio Español. Su trabajo es para la monarquía de Felipe III y Felipe IV, para el duque de Lerma y otros aristócratas castellanos, pero sobre todo, para la “España monástica”: cofradías, y congregaciones religiosas como los carmelitas, los jesuitas y los franciscanos. Su repercusión, por tanto, queda relegada al ámbito español e hispanoamericano.

 

Formación e influencias de artistas anteriores.

-Bernini tiene la oportunidad de conocer de primera mano la obra de Miguel Ángel, que le dejará huella en el modelo humano, el movimiento interno de sus figuras y en la concepción de que la labor del escultor y del arquitecto debe ser simbiótica (capilla del sepulcro de los Médicis).

Otro escultor tan influyente para él como Miguel Ángel, es Giovanni Bologna , sobre todo es clave para entender sus obras de juventud, que es su inspiración en los temas mitológicos. La colección de escultura grecorromana que posee el Papa en el Vaticano, con el Laoconte en primer término, fue otra escuela en donde recoger ideas.

- Gregorio Fernández. También se reconoce deudor de Miguel Ángel y de Bologna,

pero además incorpora la tradición de imaginería hispana del siglo anterior. Admira a los escultores como Juan de Juni (Santo Entierro) y Diego de Siloe (Cristo atado a la columna), que mejor han expresado el dramatismo en sus figuras.

Materiales y forma de trabajarlos.

-Bernini. Es fiel a la tradición clásica e italiana de utilizar exclusivamente el mármol y el bronce. Aunque lo hace de una manera muy peculiar, jugando con el cromatismo de los materiales. No es extraño encontrarnos con imágenes con mármoles de distintos colores o con distinto acabado para generar efectos cromáticos, de texturas o de calidades. El bronce también lo bruñe para obtener dos colores contrastados del mismo. Los dos materiales pueden aparecer en el mismo conjunto escultórico y con ellos es capaz de materializar elementos etéreos que otros escultores anteriores no se atrevieron como las nubes o los rayos de luz.

- Gregorio Fernández. trabaja la madera, fundamentalmente de pino, a la que luego policroma personalmente. El color es tan acertado que acentúa el realismo y el patetismo de sus figuras. En el policromado hay dos aspectos diferentes. La coloración de las carnes, el encarnado, que se realiza en colores mates dando color cerúleo a los cadáveres o tumefacto a los golpes… y el estofado, que consiste en cubrir primero la superficie de los ropajes con láminas de oro para después pintar encima; finalmente se rasca para dejar relucir el oro en bordados de filigrana, confiriendo luminosidad y lujo a la figura. Para conseguir efectos más contundentes y expresivos también introduce materiales no escultóricos como mantos de tela, cuerdas, coronas de espina, pelo natural, joyas, dientes de marfil, corcho para resaltar las heridas sucias e incluso uñas hechas con asta.

 

Temática.

Ambos, como hombres religiosos y de su época, pusieron gran empeño en representar los temas religiosos que les exigían sus mecenas de la Iglesia. Estos temas son claramente contrarreformistas, es decir, imágenes u escenas hechas con la intención propagandística de conmover al cristiano o al que contempla. la obra. Sin embargo,

- Bernini también abordó el género mitológico y el del retrato, tanto en su faceta de retrato áulico como de retrato funerario. Cuestión aparte es su producción de esculturas fuentes con la que decoró muchas plazas de Roma.

- Gregorio Fernández sólo tratará el género religioso. En concreto se especializa en temas de la pasión de Cristo donde pretende mostrar el lado humano de Cristo como ser doliente y mortal (Cristos en la cruz, Cristos yacentes, Cristos torturados) , de la virgen como intercesora de los hombres ante Dios (primer modelo de la Inmaculada Concepción, la Dolorosa, la Piedad), y de la vida de los santos y sus martirios ejemplos que han de servir de guía a los cristianos. (primero en representar a Santa Teresa o San Ignacio de Loyola).

 

Sus modelos humanos. Tratamiento de la anatomía, del rostro y de los paños.

- Para Bernini la pasión de la escena debe acentuarse en los rostros y en el cuerpo. Su rostro ha de mostrar el “pathos” helenístico, es decir, la pasión, el dolor, el gozo, la pena, la esperanza… los sentimientos. El cuerpo debe acompañar con movimiento estos sentimientos. Muy importante precisamente para crear esta sensación es el uso de paños de bruscos pliegues que provocan juegos visuales de claroscuros.

- Gregorio Fernández anhela representar cuerpos bellos, de anatomías perfectas. Sus desnudos de Cristo son excepcionales, pero su belleza se contrarresta con los impactantes estigmas de la pasión: llagas abiertas, cuerpo tumefactazo por los golpes, sangre coagulada. Los rostros expresan dolor sincero y sufrimiento. También juega con unos paños muy acartonados para acentuar el mensaje con luces y sombras.

 

Marco escenográfico.

-Bernini es un escultor muy preocupado por el efecto teatral, que ya se apuntaba desde el manierismo. Crea un escenario altar donde se combina la arquitectura, la escultura y el teatro a través de la luz. La iluminación selecciona aquello que más interesa al artista.

- Gregorio Fernández también da importancia al lugar donde se instalan sus obras, pero cuando lo hace para una capilla busca una impresión intimista, individual, no con la grandilocuente puesta en escena de Bernini, sino una figura solitaria de un cadáver apenas entrevisto hasta el último momento. Frente a esta forma de representar también es capaz de crear grandes retablos narrativos. Sin embargo, el verdadero escenario está en la calle, donde son exhibidos sus pasos procesionales. Allí la masa popular participa en el drama conmoviéndose y exteriorizando de una forma exaltada el sentimiento religioso ante el paso de sus imágenes.

Otros rasgos artísticos barrocos.

- Movimiento. En la obra de Bernini las figuras se mueven buscando diferentes visiones, como ya era común en Italia desde que Miguel Ángel indaga sobre el retorcimiento y la línea serpentinata. Tal vez el movimiento es más intenso, es más pleno, y se acentúe al utilizar ropajes agitados y ondulantes.

A Gregorio Fernández no le interesa tanto el movimiento, salvo el que genera al retorcerse la propia figura sobre sí misma o la actitud grandilocuente de algunas de sus vírgenes y sayones de los pasos procesionales.

- Composición. En Bernini y Fernández predominan las composiciones abiertas de líneas diagonales o en aspa tan propias también de la pintura barroca.

 

Hasta aquí la comparación de estos dos genios de la escultura del Barroco, en otros artículos ya habrá tiempo de reflexionar sobre sus obras

Sobre Algargos, Arte e Historia

Hola, encantado de conocerte, visitante.

Me llamo Alfredo García.

Te encuentras ante un blog educativo de un profesor que busca ilustrar y completar la asignatura de Historia del Arte de 2º de Bachillerato.

Imparto mis clases en el instituto "Dionisio Aguado" de la ciudad de Fuenlabrada en Madrid.

SI ERES ALUMNO O COMPAÑERO, en este blog tienes donde sacar imágenes, materiales didácticos y algunos textos, no eruditos, que te ayudarán en tus clases. Ayúdate del índice de categorías que puedes encontrar al final de esta barra lateral. Te será muy útil pinchar sobre los capítulos de cada tema que pongan índice, pues en ellos encontrarás en un esquema los enlaces que te dirijan a todos los artículos que hay en este blog sobre el tema concreto.

SI SÓLO TE ACERCAS COMO PASEANTE, creo que te puedes llevar bellas sorpresas y que no saldrás decepcionado porque terminarás aprendiendo y disfrutando.

Si este blog te ha gustado puedes dejar un comentario y si lo deseas puedes continuar tu camino en otros dos blogs que tengo blog de Geografía de España y blog de Historia de España, donde también serás bien recibido.



If your language is not Spanish, try to translate this blog with the help of this translator.





http://profesorfrancisco.wikispaces.com/file/view/circulocultural3.gif/123530605/circulocultural3.gif



ARTE EN LOS BLOGS


Loading


Visit ARQUEOLOGOS



Visit CLIO EN RED


miarroba.com

Dale al play


BATALLA DE TEOTOBURGO
Música de la Electric Light Orchestra

Cortesía de Frodocomarca67





STAR WARS EMPIRE AT WAR

Cortesía de Luisite 8




PÁGINAS HERMANAS




LOS BLOGS QUE SIGO





ALGUNOS ARTÍCULOS





ImageChef.com - Custom comment codes for MySpace, Hi5, Friendster and more


SÍGUE ESTE BLOG A TRAVÉS DE FACEBOOK Y DE TWITTER



Alfredo Algargos | Crea tu insignia




CALENDARIO PARA ALUMNOS





ALGUNOS DE MIS VÍDEOS





Categorías