Esta es mi propuesta cultural para el fin de semana de aquellos que lo pasen en Madrid.

El 29 de Octubre se inauguró en la Real Academia de San Fernando de Madrid la exposición "Carlos III, entre Nápoles y España". La organiza la Embajada de Italia en conjunto con la Academia y la patrocina ENDESA.

Retratos de Carlos III y Amalia de Sajonia por Giuseppe Bonito.

La exposición no es muy extensa, apenas 48 piezas, pero merece la pena ya que están bien seleccionadas y nos permiten conocer el contexto artístico y político de 1759, año en que se produjo la ascensión al trono de Carlos III. Su hermano Fernando VI, había fallecido sin descendencia y Carlos, que ya era rey de Nápoles y Sicilia desde 1734, tiene que asumir la corona española. Dejó tras 25 años de gobierno el reino italiano a su tercer hijo  -Fernando-, que sólo tenía en ese momento 8 años, y partió de Nápoles con el resto de su familia hacia España.

Embarque de Carlos III desde la dársena de Nápoles, 1760, por Antonio Joli.

La muestra nos enseña que Carlos III trajo consigo además unas vivencias artísticas que explican el apoyo decidido del monarca a la transformación del barroquismo de inspiración francesa por un nuevo espíritu neoclásico. Durante su reinado fue el impulsor de las primeras excavaciones de Pompeya y Herculano, pero también -y esto es algo que desconocía- de las ruinas del santuario de Paestum. El cuadro de Antonio Joli alude a esos trabajos de dibujo y catolagación del conjunto de templos mejor conservados de Grecia. El interés por rescatar el mundo grecorromano animará a la transformación artística.

Templo de Hera en Paestum, por Antonio Joli.

El espíritu del neoclasicismo ya se respira en la obra de su arquitecto Luigi Vanvitelli, del que se exponen algunos diseños del palacio que construyó para Carlos en Caserta o de su ideas para el palacio de Oriente de Madrid, que por entonces estaba en construcción.

Proyecto escalera  para el Palacio Real de Madrid, por Luigi Vanvitelli.

Se exponen algunos de los objetos que Carlos III se trajo de Nápoles para iniciar en Madrid una nueva vida: cerámicas de Capodimonte, esculturas, una mesa de piedras duras y, sobre todo, los retratos familiares. De éstos  destacaría los magníficos retratos de Giuseppe Bonito del rey y de su esposa Maria Amalia de Sajonia, que podemos ver en una foto anterior, y los realizados por Francesco Liani de los pequeños príncipes.

Manufactura de Capodimonti. Satiros en porcelana.

Retrato de Antonio Pascual de Borbón, por Francesco Liani.

Giacinto Diano pinta a otros personajes de la corte. Mientras Michele Foschini retrata el acto de renuncia de Carlos III a la corona italiana ante su hijo y la jura posterior de éste como nuevo rey de Nápoles y de Sicilia.

Antonio Joli nos ofrece unas vistas impresionantes de la bahía de Nápoles en el momento de la partida del rey. Los cuadros de Joli son, a mi parecer, el mayor atractivo de la muestra. Razón por la cual vamos a recrearnos un poco en su obra.

Discípulo de Canaletto y experto en decorados teatrales sabe captar los paisajes y las perspectivas como pocos. Con una minuciosidad increible refleja el ambiente que se vivía en la ciudad italiana con la partida del rey. Con mucho acierto se incluye también en la exposición  una de las mejores vistas que realizó de Madrid entre 1750-54. La ciudad que va a acoger al nuevo rey empieza a cambiar su imagen, se están haciendo obras todavía en el Palacio Real. Merece la pena contemplar en directo este gran cuadro y no perderse ni un sólo detalle: las fotos que he conseguido le hacen poca justicia.

Embarque de Carlos III, detalle de la vista desde el otro lado de la bahía. Por Antonio Joli, 1760.

Embarque de Carlos III visto desde la dársena del puerto, detalle. Al fondo se puede ver como testigo del acontecimiento al Vesubio humeante. Por Antonio Joli, 1760.

Vista de Madrid. Antonio Joli, 1750-54.

Vista de Madrid. Detalle del puente de Segovia, la ermita de la Virgen del Puerto, la puerta de Segovia y el Palacio sin la plaza de la Armería (en explanación) ni los jardines del Campo del Moro . Antonio Joli, 1750-54. El "skyline" es muy detallado y se pueden reconocer muchos edificios más.

En este artículo vamos a ensayar el comentario de una obra de pictórica. Recuerda que el comentario tiene dos niveles de profundidad, el que se hace en clase para resolver en 5 o 6 minutos y el que se hace en selectividad donde la pregunta al valer 3 o 4 puntos (según opción), necesariamente tendrá que tener una extensión mayor y debe ser contextualizada en un estilo y en un autor (si se conoce).

Para seguir el comentario ve abriendo la presentación en SCRIBD.

CARAVAGGIO. Vocación de San Mateo.

Presentación técnica y temática:

Estamos frente a un óleo sobre lienzo que representa una escena religiosa, pero con una premeditada ambientación profana y descontextualizada históricamente.

Un grupo de hombres sentados alrededor de una mesa de una taberna, vestidos a la manera italiana de finales del siglo XVI. Uno de ellos está contando monedas, por lo que podemos presuponer que es un recaudador de impuestos. Por la derecha entran dos hombres con atuendos bíblicos. Uno de ellos, Jesús, identificado por la aureola de santidad y la semejanza con el modelo de Cristo siriaco, señala al que cuenta, el recaudador Mateo. Es una invitación a seguirle.

El tema es claramente simbólico y contrarreformista. Se trata de la elección que realiza Cristo (la vocación) sobre cualquier persona, se haya tenido el pasado que fuera, para que le siga, instituyéndose así el sacramento del orden sacerdotal. Este es uno de los sacramentos que cierta parte del protestantismo no considera válido.

Características artísticas y atribución de estilo y de autor.

• Los modelos humanos naturalistas utilizados no son bellos, más bien se trata de gente de la calle, con aspecto vulgar. Ni siquiera Cristo está idealizado. Es más algunos tienen pinta de pícaros y de rufianes. Esta es una característica típicamente barroca, ya que transgredía las normas de la idealización clásica y las normas del Concilio de Trento que exigía tratar a los personajes del cristianismo con decoro. Es Caravaggio el primer pintor que se atreve a romper con esta norma contrarreformista y establece estos modelos como norma de sus cuadros con el afán de llegar al público con personajes más cercanos y de esa manera mover a reflexión a los fieles. Los que en el siglo XVII contemplaban a este Mateo, vestido a la moda de la época y como una persona normal, podían sentir que la llamada de Cristo no se produce a personajes lejanos o ya santos, sino quizá a cualquier pecador y, porqué no, a uno mismo.

• El recurso lumínico del tenebrismo. A través de la luz el pintor concentra la atención en lo que desea de la escena. Un foco de luz proveniente de una claraboya nos ilumina una estancia sin relevancia y unos personajes, cuyos rostros y manos concentran la expresividad. El resto del cuadro queda en oscuridad o penumbra. Es una iluminación artificial, como de focos teatrales. Esta técnica ya se venía ensayando con gran éxito desde el Renacimiento en los retratos (Leonardo da Vinci en su Dama del Armiño; el hombre del turbante rojo de Van Eyck) y en cuadros que se quería dar sensación intimista (Virgen del Gran Duca de Rafael; o adoración de los pastores de Correggio), pero es Caravagggio quien se especializa en esta forma de pintar que llamamos tenebrista o de violentos claro/oscuros.

  

  A partir de él casi todos los pintores del siglo XVII pintarán cuadros de esta manera o al menos tendrán una etapa de notable influencia.

  

• El color amarronado y la pincelada pastosa. Son otras de las características de la obra de Caravaggio. Con ello contribuye a hacer más cotidiano el momento, pues son los colores de la gente de la calle.

• La composición. Los grupos están claramente descompensados en el cuadro. La luz d iagonal genera a través de las manos y de los rostros una línea zigzagueante. Un diálogo que va de la mano de Cristo que dirige a Mateo y la respuesta atónita de la mirada de los que le acompañan y se sorprende ante las palabras de Jesús. La figura de Cristo no se encuentra en el centro de la composición sino en un lateral, incluso uno de los apóstoles de espalda le tapa con su cuerpo y sólo podemos apreciar de él su cara y la mano. La figura de Mateo es confusa puesto que es el que todavía no se ha apercibido de la presencia de Jesús y sigue con la cabeza baja contando monedas, lo descubrimos por los dedos que le señalan.

• No le preocupa ni el fondo ni la perspectiva.

En resumen se trata de una obra religiosa propia de un artista como Caravaggio, pintor italiano del Barroco del siglo XVII, que representa estas escenas con cotidianeidad, recurriendo a la técnica tenebrista y a personajes sacados de la calle.

EN UN COMENTARIO PARA SELECTIVIDAD HABRÍA que completar el estudio de esta obra:

a) Hablando de la producción pictórica de Caravaggio y de algunas características de éste que no se aprecian en esta obra. Hay obras tan trascendentes para la historia de la pintura como la que hemos analizado: La muerte de la Virgen, Los discípulos de Emaús, La crucifixión de San Pedro o La Conversión de San Pablo.

b) También tendríamos que explicar el panorama de la pintura italiana en el siglo XVII, oponiendo la obra de Caravaggio a la obra de los Carracci, deudora de Miguel Ángel, o la de los deslumbrantes frescos de bóvedas que se abren para contemplar triunfos y glorificaciones celestiales como las que realiza el Padre Pozzo.

c) Sería conveniente también destacar a aquellos pintores sobre los que influyó el tenebrismo naturalista de Caravaggio, destacando a Rembrandt y al Velázquez de la primera etapa.