BODEGÓN CON ZANAHORIA Y CARDO

Ficha técnica.

Fray Juan Sánchez Cotán (Orgaz (Toledo), 1560 - Granada, 1627).
Óleo sobre lienzo. 62 x 82 cm.
Fechado entre 1603 y 1627. Probablemente de 1610.

Procede de la Cartuja de la Asunción, Granada. Actualmente en el Museo de Bellas Artes de Granada.

Temática. El bodegón ascético.

En el barroco los temas de bodegones y naturalezas muertas tuvieron gran predicamento.

Son sólo seis las naturalezas muertas acreditadas que se conservan de Sánchez Cotán. Es característico de ellas la representación de una serie de vegetales humildes, bien dibujados y con gran exactitud en la plasmación de sus pormenores, que se colocan en una ventana o fresquera. Sus objetos no son escogidos por su belleza per se, sino por su sencillez y por su significado de pobreza. Clave para entender el tema es saber que en 1603 ingresó en la orden de los cartujos. Esta orden se distinguía especialmente por su austeridad y la búsqueda de Dios a través del recogimiento interior, la soledad y el  silencio. Desde 1612 se trasladó a La Cartuja de Granada, donde vivió ascéticamente y  pintó hasta su muerte en 1627.

La imagen trasmite por tanto:

• Austeridad. Los representados  no son exquisitos manjares y no tienen siquiera un  llamativo colorido. No importa que las zanahorias estén pasadas y ennegrecidas, porque son frutos de la tierra. Dios ha dado a los hombres estos alimentos no para su disfrute goloso, sino para permitirle la subsistencia. El huir de los placeres de la carne, la privación corporal, es una de las formas que tienen los cartujos de ofrecerse a Dios.

• Soledad y silencio. La estantería medio vacía y la luz selectiva crean la sensación de no haber nada más  que los objetos y el vacío. Contemplándolos nos sumimos en la meditación interior, porque nada nos perturba, ni un ruido, ni una voz ,ni un movimiento.

Técnica artística.

Técnicamente hay que destacar cuatro recursos que utiliza Sánchez Cotán a la perfección.

• La delicadeza en la plasmación de los detalles y de la calidad de los objetos. Escoge el tono justo y sobrio en las hortalizas. La penca de cardo va del blanco al rosado en una magistral graduación. La sensación de las distintas texturas también está perfectamnte conseguida.
• Un sistema de iluminación tenebrista que le sirve para destacar los objetos con una fuerte luz, que da a los objetos casi un volumen escultórico. Hay que tener en cuenta que no conoció a Caravaggio y que incluso parte de sus bodegones los realizó antes que los primeros cuadros del maestro italiano que popularizaron esta técnica.
• La composición en diagonal es sencilla, pero cuidadosamente estudiada. Los objetos y la luz llenan el triángulo formado en la esquina inferior derecha, dejando un enorme vacío negro en la mitad opuesta que compite en protagonismo con la parte figurativa. El contraste resulta impactante.
• El juego de apariencia o trampantojos ("trompe l´oeil"), en el que las zanahorias, colocadas al borde del alféizar, parecen querer traspasar el plano pictórico e invadir el espacio del espectador. El bodegón se encuadra en un marco de ventana dibujado en perspectiva, que termina en un absoluto vacío: de nuevo el juego del engaño con el que contempla la obra. Las sombras de las hortalizas también contribuyen a este efecto.

Otros pintores españoles de bodegones del Barroco. Trascendencia de su obra.

La pintura barroca española dio otros pintores sublimes del bodegón. Algunos como Cotán, Juan van der Hamen y León y Francisco Palacios en el siglo XVII y Luis Meléndez en el XVIII desarrollaron gran parte de su carrera en torno a este género. Otros, en cambio, como Francisco de Zurbarán o Diego de Velázquez, sólo hicieron  incursiones en el género o  manifestaron en sus cuadros un gusto especial por  realizar objetos de gran calidad en sus obras.

Juan van der Hamen y León. Cajitas de dulces y objetos de cocina. 1621.

El cine puede ser otro instrumento para profundizar en temas de arte e historia.

He escogido  cinco escenas de la película Alatriste de Agustín Díaz Yanes para ilustrar cómo se inspira el cine en el arte. En este caso la serie de novelas de Arturo Pérez-Reverte sobre Las Aventuras del capitán Alatriste, que son la base del guión, ya daban muchas pistas. Las escenas seleccionadas en este pequeño vídeo pueden servir  para ver los siguientes aspectos:

-las salas de un aristócrata coleccionista de arte;

-la biblioteca de El Escorial y la reencarnación de Felipe IV y del Conde-duque de Olivares, siguiendo los retratos de Velázquez;

-una ambientación tenebrista de una habitación a lo Caravaggio;

-y  dos cuadros de Velázquez, El Aguador de Sevilla y La Rendición de Breda, que tienen protagonismo visual en la película.

ESCENAS DE LA PELÍCULA ALATRISTE DE A. DÍAZ  YANES

La película además de narrarnos la emocionante historia de Alatriste, soldado esporádico y espadachín a sueldo, puede ser aprovechada para ilustrar varios aspectos:

• Acontecimientos históricos del reinado de Felipe IV.

• Escenarios reales y recreados del Madrid de los Austrias.

• Protagonistas de la historia, encarnados por actores caracterizados para parecerse a las imágenes que nos proporcionan  los pintores de la época, fundamentalmente de Velázquez, el gran retratista de la Corte.

• La pintura de la época, puesto que la película utiliza desde la luz hasta cuadros concretos para estructurar varias escenas.

ACONTECIMIENTOS HISTÓRICOS DEL REINADO DE FELIPE IV

La película se ubica cronológicamente en un periodo que va desde los primeros años del reinado de Felipe IV (1621-1665) hasta mediados de su reinado. Dos son los hechos históricos que nos permiten precisar fechas.

- El episodio folletinesco, pero que ocurrió realmente, protagonizado por el  heredero de la corona británica, el príncipe Carlos, y su amigo y valido del rey inglés George Villiers, el duque de Buckingham. En 1623 se presentaron en Madrid de incógnito para conocer a la prometida del primero, Ana María de Austria, hermana de Felipe IV, y negociar su matrimonio. El enlace al final no se produjo por las extralimitaciones de la pareja inglesa que escandalizaron a la corte española, puesto que en su apasionamiento romántico llegaron a escalar una tapia para ver a la princesa. Arturo Pérez-Reverte utiliza este curioso episodio para dar arranque a las aventuras de Alatriste, un hombre con un pasado importante detrás.

- El acontecimiento que cierra la película es la batalla de Rocroi en 1643 entre las tropas españolas, donde combate Alatriste, y el ejército francés. Esta batalla es considerada el punto de inflexión del poder militar de España en Europa porque por primera vez en doscientos años los Tercios españoles eran derrotados en batalla a campo abierto.

Hay más episodios históricos como los lances de la guerra en los Países Bajos, entre los que destaca la caída de la ciudad de Breda en 1625.

ESCENARIOS REALES  Y RECREADOS DEL MADRID DE LOS AUSTRIAS

La película Alatriste se ambienta en escenarios reales y en escenarios posibles pero recreados donde discurre la acción.

El escenario real del que más partido se saca es del palacio de El Escorial, que sin nombrarlo viene a ser la localización de varias escenas. La más reconocible es la dependencia de la Biblioteca (que hemos destacado en el vídeo), pero también aparecen un plano en picado de la fachada de la basílica, los pasillos porticados de uno de los claustros y las dependencias de los archivos. El edificio también sale  como fondo de una escena de cacería del monarca.

Se recrearon las callejuelas, las plazas, los palacios y los conventos del Madrid de los Austrias filmando en otras localizaciones repartidas por la geografía española, entre ellas Úbeda, Cádiz, Sevilla y Valencia.

También aparecen recreaciones de otros espacios interiores que sirven para ilustrar la España del siglo XVII, como un corral de comedias, la Cárcel de Corte, diversas tabernas, palacios nobiliarios y varias habitaciones.

PROTAGONISTAS DE LA HISTORIA

A lo largo de la película aparecen personajes reales y ficticios. La inspiración para la recreación de los reales suelen ser los retratos de Diego de Velázquez como podemos comprobar en esta selección de planos comparados con los cuadros que sirvieron de inspiración a los caracterizadores.

Don Diego de Barberana por Velazquez (1631) y el secretario Luis de Alquézar.

Angélica de Alquézar y La Dama del Abanico (1640) por Velazquez.

El conde Duque de Olivares y Felipe IV. Abajo los mismos por Velazquez.

Don Francisco de Quevedo y su retrato por Velázquez.

LA PINTURA DE LA ÉPOCA

A través de la película también podemos analizar la pintura de la época desde distintos puntos de vista.

El coleccionismo.

Uno de los personajes centrales de la historia, el duque de Guadalmedina, es soldado, político y amante del arte. Este Grande de España se ufana de tener una buena colección de pintura y de tener buen ojo para los pintores jóvenes. En el vídeo podemos ver que dice que ha comprado a Velázquez el cuadro conocido como El aguador de Sevilla, que tiempo después cuelga junto a La Dama del Armiño de El Greco entre otros. Las salas de su palacio es un auténtico museo.

El tenebrismo de Caravaggio.

La fotografía de la película emula en todo momento la obra de pintores de la primera mitad del sigo XVII.

A menudo la iluminación de los interiores nos recuerda la teatral técnica del tenebrismo que populariza Caravaggio al comienzo de siglo. Las luces asoman por una esquina superior, como si estuviéramos en un semisótano, atrapando con un  extraño color amarillento el polvo del ambiente. En el vídeo o en la foto de abajo podemos ver además como con la luz selecciona los objetos y los detalles que le interesa resaltar, dejando en penumbra lo secundario. Premeditadamente el director quiere crear la impresión  al comenzar ciertas escenas de que el espectador está contemplando un cuadro costumbrista de la época que gracias a la magia del cine poco a poco comienza a tomar movimiento y vida.

Este mismo plano nos puede servir también para explicar otro concepto pictórico de la época como es el naturalismo. Por otra parte el "cuadro" es en sí una naturaleza muerta.

La obra de Velázquez.

Como hemos podido comprobar gran parte del ambiente y de los personajes de la película están montados sobre los cuadros de Velázquez. Sin embargo, hay dos que tienen protagonismo por sí mismos en varias secuencias (ver el vídeo) y que marcan la luz y el color de distintos momentos de la película.

-  El Aguador de Sevilla marca el estilo preciosista y realista. En él se inspiran también la iluminación de interiores con tonos amarronados  y amarillentos, así como los tremendos claroscuros tenebristas.

- La Rendición de Breda sirve para ambientar el colorismo frío de azules y la neblina de los hechos narrados en los Países Bajos.

ACTIVIDADES

Os propongo las siguientes actividades:

- que investiguéis especialmente sobre estos dos cuadros últimos de Velázquez y  en menor medida sobre los citados anteriormente. Haced una ficha artística de los mismos.

- Volváis a ver la película e intentéis aplicar más semejanzas entre cuadros de este genial pintor y la película. Los cuadros propuestos serían: El triunfo de Baco, Los bufones, Las Meninas, Felipe IV cazador...

Los 82 años de la vida de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) abarcan un amplio y trascendente espacio de la vida española. No ha habido ningún pintor en la historia de España tan comprometido con su tiempo, que dejara una visión tan mordaz y tan profunda. Y es que le tocó vivir dos épocas muy distintas, que casi coinciden con sus etapas vitales: la del optimismo de la Ilustración y la del pesimismo de la guerra y el oscurantismo. Hay un Goya sano, alegre y esperanzado que confía en la razón para cambiar el mundo en el que vive  y un Goya enfermo que se duele de la tragedia de la invasión napoleónica, el fracaso liberal y el enfrentamiento entre las dos Españas.

Aquí os ofrezco un breve esquema de sus etapas pictóricas y de su vida, que podéis completar con el breve apunte en Scribd que viene a continuación.

• El Romanticismo. Admira su atrevimiento temático.
• El impresionismo. Recoge sus aportaciones técnica sobre la pincelada.
  
• El expresionismo. Pocos pintores han trasmitido tanto de su interior a través del color o la deformidad de sus personajes como Goya.
• El fauvismo. Le interesa cómo en su etapa final libera el color de su dependencia de la realidad.
• El surrealismo. El mundo de los caprichos o de los disparates es una inmersión en el mundo de las pesadillas.

VALORACIÓN DE LA TRASCENDENCIA DEL ARTISTA.

Diego Velázquez es el pintor más genial del conocido como “Siglo de Oro de la Pintura Española”. Son varios los factores por los que se convirtió en el pintor más trascendente de este siglo XVII:

- La habilidad portentosa con los pinceles, que le permiten obtener calidades difícilmente insuperables en todos los géneros que trata.

- La variedad temática de su obra, incluyendo géneros no muy comunes en España como la mitología o el género histórico.

- La influencia que ha ejercido en pintores nacionales e internacionales también muy notables como Goya, Manet, Turner, Picasso…

- La protección y el mecenazgo, que tuvo de la monarquía de Felipe IV, que le permitió conocer la pintura de los grandes pintores a través de las colecciones del monarca o de sus viajes a Italia.

- Precisamente por trabajar para la monarquía fue uno de los extraños pintores que tuvo a mano a lo largo de su vida la mayor parte de su obra y, dado el carácter perfeccionista del pintor, pudo rectificarla años después si algo no le agradaba.

ETAPAS ARTÍSTICAS.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació en Sevilla en 1599.

Etapa sevillana (1610-23). Después de pasar por varios talleres, terminó recalando en el del que sería su suegro Francisco Pacheco. Con él aprenderá las técnicas pictóricas y el amor por la obra de Caravaggio.

Cuando se independiza (1617) pinta escenas costumbristas y algún cuadro de temática religiosa como Vieja friendo huevos, El aguador de Sevilla o la adoración de los Reyes Magos.

Primera etapa madrileña. Su ascenso en la Corte (1623-28).

Al subir Felipe IV al trono en 1621 y con él el sevillano conde-duque de Olivares, Velázquez viaja a Madrid para prosperar. Tendrá que esperar al año 1623 para instalarse definitivamente en la Corte donde tendrá taller en palacio hasta su muerte. El pintor se convirtió en pintor de cámara y por tanto tenía que realizar retratos de la monarquía y de paso cuadros para satisfacer el gusto del monarca. De esta época son los retratos de un joven Felipe IV o el cuadro de El triunfo de Baco. Velázquez no desaprovecha el tiempo y sigue aprendiendo pintura de la observación de la colección de lienzos de la escuela veneciana (especialmente le interesa Tiziano) que posee la monarquía y no desperdicia la ocasión para ver trabajar y conversar con uno de los pintores más grandes coetáneos Pedro Pablo Rubens, que visita Madrid en 1628.

Primer viaje a Italia. Sigue aprendiendo (1629-30).

Es Rubens quien anima al joven pintor a viajar a Italia para seguir formándose. En Venecia, Roma y Nápoles conoce de primera mano a los grandes del Renacimiento y del barroco italiano. Se puede decir que con ello completa su formación, lo que se refleja en cuadros como La fragua de Vulcano, de cuidada composición y factura.

Segunda etapa madrileña. La madurez pictórica. (1630-49).

Durante esta época realiza infinidad de cuadros de encargo para el rey que necesita decorar sus nuevos palacios. Para el Salón del Trono del palacio de Buen Retiro, realiza cuatro retratos ecuestres de Felipe III y Felipe IV con sus esposas, además de uno más pequeño del que por entonces era el príncipe heredero Baltasar Carlos. Planea cubrir esa misma sala de cuadros de gran formato con las principales victorias militares de los Austrias. El se reserva el episodio de La Rendición de Breda. Para la Torre de Parada del Palacio de El Pardo, pinta a la familia real como cazadores. Otros retratados de esta época serán el valido, la nobleza cortesana y los bufones, en los que se recrea dándoles la misma dignidad que a la aristocracia.

Segundo viaje a Italia. Maestro reconocido (1649-51).

Este segundo viaje es distinto al anterior. Velázquez pisa Italia como pintor consagrado y admirado y no como estudiante. Pinta el retrato del papa Inocencio X y pinta temas que le atraen como paisajes de la Villa Medicis o temas mitológicos como la Venus del Espejo.

Tercera etapa madrileña. Las obras más geniales (1651-60).

Los últimos años de Velázquez son de duro trabajo y de desgaste personal, que le llevará a la muerte. Realiza muchísimos cuadros de la familia real y sobre todo de los herederos en los que se ponen todas las esperanzas, primero la infanta Margarita y luego el pequeño y malogrado Felipe Próspero. De esta época son dos de sus cuadros fundamentales en donde demuestra todas sus capacidades técnicas: Las hilanderas y Las meninas.

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS.

Velázquez trabajó exclusivamente al óleo, con cuidado, pero con alteraciones frecuentes (pentimenti), dado que solía trabajar sin boceto previo y tenía oportunidad de retocarlos hasta años después.

En Velázquez se aprecia una evolución técnica muy notable:

- Hasta mediados de los años 20 (época sevillana y gran parte de los primeros años en Madrid) está muy influido por Caravaggio en el tenebrismo lumínico y en el naturalismo figurativo . El dibujo es enérgico y plasma con gran precisión la naturaleza de cacharros o comestibles. Las composiciones son simples.

Vieja friendo huevos y detalle del cántaro del Aguador de Sevilla

- Desde que conoce la obra de Tiziano y de Rubens y posteriormente viaja a Italia, gana en colorismo, en luminosidad  y  en elaboración compositiva.

- Desde los años 50 su pincelada se hace más suelta e imprecisa creando sensaciones muy cercanas al impresionismo. Juega con la luz para crear los efectos de perspectiva aéra y movimiento.

CARACTERÍSTICAS TEMÁTICAS.

En la obra de Velázquez encontramos casi todo los géneros:

• Destaca el del retrato porque es su oficio para Felipe IV. El retrato oficial de Velázquez es realista: no enmascara ni los rasgos físicos afeantes de los austrias ni la edad. A través de ellos podemos ver la realidad psicológica y vital de un rey que envejece con el mismo pintor. Aún así cumple con la función de este tipo de cuadros en el Barroco que es exaltar a la monarquía absoluta, pero sin la adulación francesa. Hay varias maneras de retratar al rey: de cuerpo entero (escoge un punto de vista bajo para sobreelevarle) con o sin fondo, de busto  o ecuestre (como ya lo había hecho Tiziano). Las mujeres e hijos del monarca aparecen protocolariamente vestidos con sus mejores galas y con postura muy rígidas, aunque procura destacar la dulzura en los niños.

Retrato de Felipe IV y de Maria Teresa de Austria.

• Otros retratos para la corte, sus modelos masculinos aparecen impasibles y majestuosos con trajes muy severos sobre fondos de color gris verdoso. Las damas presentan trajes de gran riqueza cromática. Muy pocos accesorios, apenas un guante, un papel o un abanico.
• A los personajes de menor condición les da también un tratamiento muy digno como es el caso de los bufones y enanos. En estos cuadros el pintor se siente mas libre para innovar.
• Los temas religiosos. La producción en este género es escasa, habida cuenta que su clientela principal es la Corte y no la Iglesia. No obstante, ha dejado obras de gran conmoción como  El Cristo crucificado, que nos recuerda la iconografía de su amigo el escultor Juan Martínez Montañés.
• El paisaje lo utiliza como complemento a ciertos cuadros como los retratos reales en cacería o como fondo a los retratos ecuestres o La rendición de Breda, En ellos se muestra colorista e intentando captar parajes reales. Capítulo aparte son los dos pequeños cuadros sobre la Villa Medicis que anuncian la pintura del impresionismo decimonónico.
• Los temas mitológicos. Son un pretexto para ensayar el desnudo y los resuelve humanizando a los dioses en momentos nada gloriosos. Véase El triunfo de Baco, el dios Marte o La venus del espejo.
• Bodegones y escenas costumbristas. Cuadros preciosistas de la primera etapa como la Vieja friendo huevos nos presentan a un Velázquez tan interesado por las figuras como por el objeto nimio pintado con realismo.