Posiblemente has descubierto al estudiar la obra de estos tres genios que hay elementos en ella que comparten: que Francisco de Goya buscaba a menudo su inspiración en Diego Velázquez y que Pablo Picasso, pese a su rupturismo con la pintura anterior también consideraba como sus maestros a Velázquez y a Goya. Aprovechando esta conexión evidente, hagamos un ejercicio de comentario algo más profundo de lo que hemos hecho hasta ahora.

Juego comentario Velázquez, Goya y Picasso.

¿En qué consiste esta vez el juego?

El juego consiste en lo siguiente:

1.- Elige una de las 10 imágenes propuestas con un número en la presentación, reconócela y comenta la obra : autor (Velázquez, Goya o Picasso) pon el título, etapa y cronología, rasgos propios…

2. Compárala con la obra propuesta por el profesor de otro de los grandes genios. Intenta obtener la relación lógica que me ha llevado a pensar en esa propuesta. Deberás dar al menos una razón  argumentada. La relación puede ser muy evidente o algo más compleja. Me importa el razonamiento de porqué se emparejan ambas obras, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que, aunque relacionen correctamente las imágenes, luego no den una razón convincente. Esta segunda obra también se comenta como la primera.

3. Atrévete a proponer e introducir en el comentario otra u otras obras del tercer pintor que no está mencionado y establece relaciones con las anteriores.

Ejemplo.

Suponed que  apareciera esta imagen  como imagen 11.

Y que la propuesta del profesor  fuera la siguiente: Velázquez. Cristo crucificado,1632.

Un posible comentario sería.

"1. La Imagen "11" representa la obra de Pablo Picasso. La crucifixión, de su etapa etapa surrealista (1930). Se trata de una obra de temática religiosa donde Picasso, pese a ser agnóstico declarado,  nos muestra cómo la religión cristiana todavía tiene un fuerte influjo en España y en su obra. De hecho el tema cristológico aparece en la obra de Picasso en momentos especialmente críticos de su vida como metáfora de la muerte y del dolor y convierte a Cristo en símbolo del propio sufrimiento del artista. Así, La Crucifixión de 1930 viene a coincidir con un periodo de desasosiego en la vida del artista, de separación de su mujer Olga Koklova.

2. La imagen propuesta por el profesor es una de  Velázquez. Cristo crucificado (etapa madrileña, 1632), por lo que relación temática es más que evidente. En Velázquez encontramos otra forma de sentir la religión, más profunda, pero también más idealizada: el cuerpo de Cristo resulta hasta bello pese a su muerte. El tenebrismo de la escena resalta la bella anatomía y en absoluto el dolor sufrido.

3. La imagen propuesta por el alumno: Goya. Cristo crucificado, 1780. La conexión es evidente con la obra de Velázquez del que tomó la idea del fondo oscuro y del cuerpo luminosos y bello. Lo realizó como obra maestra para ser admitido como miembro de la Academia de Bellas Artes."

COMIENZA EL JUEGO.

Sergio (1) responde el primero, soluciona la Imagen 10 y gana un comodín.

1. Se trata de Las Meninas de Picasso, correspondiente a la etapa posterior a la II Guerra Mundial, concretamente a 1957, donde lleva a cabo varias interpretaciones de obras de los grandes maestros de la historia del arte, en este caso de Las Meninas de Velázquez. Picasso no realiza esto por agotamiento creativo, sino como una forma de medirse estilísticamente con los gigantes artísticos del pasado aportando su interpretación personal. Es como un diálogo entre artistas que se miden de igual a igual. La interpretación que hace de esta pintura constituye un estudio exhaustivo de ritmo, color y movimiento, así como un constante juego de imaginación. Aunque el respeto a la atmósfera de Velázquez se mantiene.
2. La imagen propuesta por el profesor es una de Velázquez, Las Meninas, que corresponde con la etapa final del pintor (1656). Este cuadro sirve de inspiración para el anterior, por lo que la relación es evidente. En la composición, el maestro nos presenta a once personas. Pero el verdadero misterio está en lo que no se ve, en el cuadro que está pintando Velázquez. Algunos autores piensan que el pintor sevillano está haciendo un retrato del Rey y de su esposa a gran formato, por lo que los monarcas reflejan sus rostros en el espejo. Otros consideran que nos encontramos ante una instantánea de la vida en palacio, una fotografía de cómo se vivía en la corte de Felipe IV. La pincelada empleada por Velázquez no puede ser más suelta, trabajando cada uno de los detalles de los vestidos y adornos a base de pinceladas empastadas, que anticipan la pintura impresionista. Predominan las tonalidades plateadas de los vestidos. Pero lo que verdaderamente nos impacta es la sensación atmosférica creada por el pintor, la llamada perspectiva aérea, que otorga profundidad a la escena a través del aire que rodea a cada uno de los personajes y difumina sus contornos, especialmente las figuras del fondo, que se aprecian con unos perfiles más imprecisos y colores menos intensos. También es interesante la forma de conseguir el efecto espacial, creando la sensación de que la sala se continúa en el lienzo, como si los personajes compartieran el espacio con los espectadores.

3. La familia de Carlos IV de Francisco de Goya (1800) es mi propuesta. Hay que destacar que ambos cuadros muestran un retrato colectivo de la familia real contemporánea a los autores, dispuestos en forma de friso. Este cuadro lo realizan los dos artistas desde su posición de pintor de cámara. Goya concibe un juego de luces y perspectivas tan complejo como el de Las Meninas. Aunque Goya concibió la escena en esta ocasión de un modo más moderno, al representar al infante de perfil, sentado ante una mesa cubierta, rodeado por los miembros de su familia junto con algunos amigos y sirvientes en amigable tertulia. Pero al mismo tiempo supo mantener las distancias, retratándose a sí mismo (como lo hiciera Velázquez). Otros rasgos que recuerdan a Las Meninas son la presencia de dos cuadros en la pared del fondo Pero Goya se distanció de la obra maestra de Velázquez, a la que sólo en estos detalles circunstanciales se asemeja, por la escasa profundidad de la habitación y la ausencia de alusiones conceptuales barrocas. El aragonés sitúa a sus personajes en un espacio hermético y con poca iluminación que no les favorece.

La propuesta me parece bien, pero creo que mezclas dos cuadros. El de la familia del infante Don Luis y el de la Familia de Carlos IV, los dos de Goya.

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Joel (2) ha dejado resuelta la imagen 7 y se lleva el segundo comodín .

IMAGEN Nº 7
1. Es una pintura de Pablo Picasso por el título Masacre en Corea. Esta obra, que pertenece a su última etapa donde trata el tema del antibelicismo militante, data de 1952.
Este cuadro expresionista presenta un paisaje desolado (recuerdo de Hiroshima) del que forma parte un río que separa las dos Coreas, así como a los civiles y soldados. Mientras que los civiles (todos ellos niños y mujeres) aparecen dibujados de frente, desnudos y de forma curvilínea, los soldados aparecen en oposición, con el rostro oculto y trazados con líneas rectas y más geométricas como forma de evocar la agresividad y la violencia. Este cuadro de alto contenido político pretendía culpar de la guerra de Corea solo y exclusivamente a EEUU, así como criticar el poder en occidente. Esto también se aprecia en los cascos de los soldados, que por la forma intentan reflejar la obcecación ideológica y una manipulación de su conciencia por parte de un líder político. Dicho líder aparece en escena, a la derecha del todo, disociado del resto, influyendo a los demás sin correr riesgos y con los pies girados, preparados para huir de la guerra.

2. Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808: Esta obra fue una influencia para Picasso a la hora de pintar la obra anterior de forma que ambas siguen esquemas muy similares. La disposición de ejecutores y ejecutados se dispone de la misma manera: los civiles aparecen a la izquierda de la imagen y su rostro, el cuál podemos ver sin problemas, refleja el miedo; y en cuanto a los soldados, aparecen dando la espalda al espectador y en oposición a los civiles, esto es, a la derecha de la imagen. También se puede observar, al fondo, un paisaje desolador, de una ciudad ocupada y destruida. Además, en la otra escena aparece la figura de un líder listo para huir, en esta obra, a pesar de ser sabido que los fusilamientos fueron directamente ordenados por Joaquín Murta (cuñado de Napoleón), éste no aparece por ninguna parte. En esta obra la pincelada de Goya es totalmente suelta, creando una estética tétrica a través de las luces, colores y humos.

3. La rendición de Breda: Escojo esta obra no sólo por las similitudes que pueda guardar con las obras anteriores, sino por otros rasgos que aparecen en perfecta oposición permitiendo, pues, la relación con dichas obras. Las tres obras representan un momento producido tras un conflicto bélico (ya sea un levantamiento o una batalla) que tiene un claro vencedor sobre otro. Rasgos similares son, por ejemplo, la disposición de los personajes: a la derecha el bando vencedor y en la izquierda los vencidos. Un fondo desolador, donde podemos ver un paisaje de ciudades destruidas de donde salen largas columnas de humo. Además Velázquez ya introdujo la presencia de un río de forma sepenteante que aparecería años después en la obra de Picasso aunque con más protagonismo. Aunque, tal vez, sea más interesante ver como contrasta la obra de Velázquez con la de los autores anteriores y para ello tendríamos que destacar la función de dicha obra: mientras Picasso y Goya pintaron para criticar la guerra y al vencedor (EEUU y Francia, respectivamente), Velázquez intentó ensalzar los tercios españoles así como su victoria. Ello explica por qué si aparece el líder y en el centro de la escena además, ganando un gran protagonismo.
Se podría decir, como conclusión de todo, que mientras Picasso y Goya pintaron una obra para los vencidos, Velázquez lo hizo para los vencedores y de ahí que los rostros de los soldados españoles sean los que se pueden apreciar sobre el resto.

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Rubén (3) comentó la Imagen 9.

1º Isabel de Borbón a caballo (1635/36), Velázquez. La reina Isabel de Borbón sería la pareja del retrato ecuestre de Felipe IV en una de las paredes menores del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Sobre la puerta que separaba ambos cuadros se situaba el retrato ecuestre de su hijo Baltasar Carlos. El vestido de su majestad y la gualdrapa del caballo están realizados tan minuciosamente que no corresponden con el estilo que hace gala Velázquez por esos años. Se piensa que la obra la iniciaría el maestro antes de irse a Italia en 1629, la continuaría otro autor en un estilo diferente y la finalizaría el sevillano en 1635, especialmente la cabeza de la reina y la del caballo. Precisamente en ambas zonas se aprecia la soltura característica de Velázquez en la década de 1630, destacando el mechón de pelo que cae sobre la cabeza del animal. El fondo de paisaje también podría ser de mano del maestro, al haberse conseguido el efecto de profundidad típico del Cinquecento Italiano.

2º Goya, Retrato ecuestre de la reina Maria Luisa de Parma (1799).
Goya continúa la estela del retrato ecuestre español que Velázquez puso de moda para el Palacio del Buen Retiro. Goya se inspiró en el retrato de Isabel de Borbón, aunque el caballo goyesco quizá sea más verosimil al adquirir mayor volumen. En la composición de la obra se puede observar la influencia que Velázquez tuvo en la producción de Goya, con la disposición de la figura en primer plano sobre un fondo de paisaje.

3º Muchacho conduciendo un caballo (1906), perteneciente a la etapa rosa de Picasso. Las tres obras, son ecuestres y muestran dos figuras sobre un fondo, aunque este cuadro de Picasso no tiene un lugar real ni un sentido del tiempo. El personaje de la pintura tampoco tiene identidad verdadera alguna, a diferencia de las pinturas de Goya y Velázquez. El rostro del niño no posee personalidad ni muestra alguna emoción.

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Alejandra (4) ha apostado por el detalle de la Imagen número 3.

1.Es “La Fragua de Vulcano” de Diego Velázquez. Fue pintado hacia 1630 en su primer viaje a Italia, fue posteriormente comprado por Felipe IV en 1634. Esta obra está inspirada en las Metamorfosis de Ovidio: Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para contarle la infidelidad de su esposa, Venus, con Marte. En esta obra Velázquez demuestra su dominio con las figuras, ya que representa a los ayudantes de Vulcano en diferentes formas y posiciones. Muestra y consigue el efecto espacial, recurriendo a colocar figuras en diferentes planos, ocupando todo el espacio. La luz ayuda a modelar los cuerpos, dándose a mostrar los músculos y huesos bajo la piel.

2.La propuesta por el profesor es “ Las señoritas de Avignon” (1907) de Picasso. Como podemos observar en este cuadro aparecen cuerpos desnudos. La gran similitud de ambos cuadros, es la representación de cuerpos desnudos. Son dos cuadros con una gran carga de sensualidad, donde los pintores juegan con la luz para modelar los cuerpos, aunque Picasso es cubista y los cuerpos representados son más lineales. Ambos consiguen ocupar todo el espacio, sin apenas dejar ver el fondo de la escena, colocando las figuras en diferentes planos.
3. Por citar otro pintor, citaremos a Goya con su gran obra “La maja desnuda”, que fue pintada entre 1790-1800. En esta obra, podemos observar una vez más, la representación de un cuerpo desnudo. Esta sería la gran similitud con las dos obras anteriores, que son obras donde se puede apreciar la representación de cuerpos desnudos. Lo que le diferencia a esta obra del resto, es que en esta obra solo aparece una mujer desnuda y no un colectivo como anteriormente. También hay que decir, que es un retrato, se dice que puede ser de la Duquesa de Alba. Y además, Goya no ocupa tanto el espacio con figuras como las obras anteriores.

Tu imagen propuesta no tiene apenas comentario. Creía que te darías cuenta de cómo la postura de la maja, con las manos detrás de la cabeza, inspiró a las dos señoritas centrales de Picasso.

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Cristina R. (5) ha indagado sobre la propuesta de la Imagen 2.

1.Es una pintura de Francisco de Goya el titulo de la obra es Dos Viejos Comiendo sopas esta obra pertenece a las llamadas “pinturas negras “ que realiza en la Quinta del sordo hacia 1819- 1823 nos muestra una alucinante deformación de la figura humana para expresar la esencia de la vejez, la pobreza, la soledad y la decrepitud. La escena representa a dos ancianos de los que su sexo no está claro, con aspecto, sobre todo el de la derecha, de calavera, simbolizando lo poco que le queda por vivir, reflejando tal vez la visión que el pintor tenía de la vejez que ya lo acompañaba, con el consiguiente deterioro que ésta trae consigo. La obra puede sin duda considerarse como un claro precedente del expresionismo del siglo XX, tanto por su asunto, como por su técnica.
En las pinturas negras, muestra un mundo de seres extraños, grotescos, fantásticos, con brujas, procesiones siniestras, viejos repugnantes, visiones, en definitiva en las que triunfa lo expresivo sobre la belleza de las formas. Lo Feo, el Mal y adquieren un carácter convulsivo. Salen a la luz las feroces y desencantadas visiones que el artista había ido acumulando a lo largo de su vida, puesto que hay que tener en cuenta que cuando Goya inicia esta serie cuenta ya con más de setenta años, en los que sobre todo su sordera ha ido acumulando recelos, resentimientos y sospechas de todo lo que le rodeaba. Técnicamente, estas pinturas suponen un dominio total de la materia plástica con una audacia asombrosa que anuncia la libertad del arte contemporáneo, puesto que la mancha negra hace desaparecer la línea y gran parte de los colores y los símbolos desplazan a las formas concretas y reales. Las pinceladas se hacen pastosas, gruesas, largas, rápidas y expresionistas, llegando a utilizar la espátula para aplicar el color crea una atmósfera de crítica social.

2. La imagen propuesta por el profesor es el Almuerzo 1617-19 (Velázquez) perteneciente a su Etapa Sevillana (1599-1623) Este cuadro sirve de inspiración para el anterior por lo que la relación es evidente. En la composición el autor nos muestra una escena de vida cotidiana que era una de las escenas más comunes. Aparecen tres hombres que representan las tres edades del hombre: adolescente, adulto y anciano. Están sentados alrededor de una mesa que tiene alimentos y bebida encima de un mantel blanco: un plato de mejillones, un vaso de vino y pan. En cuanto a la expresión de las figuras se aprecia que los dos hombres situados a la derecha presentan alegría en sus rostros y dirigen su mirada hacia el espectador, mientras que el anciano que está en la parte izquierda se muestra alejado de la interacción con el espectador y atento a la comida que esta sobre la mesa.
Los colores oscuros que emplea Velázquez en El almuerzo es una característica que le acompañara en su etapa sevillana.
3. Mi propuesta es La Comida Frugal (Picasso) realizada en 1904 (hay que destacar que ambos cuadros muestran lo feo y miserable de la pobreza) perteneciente a la etapa azul donde temas elegidos en esta etapa son personajes alegóricos famélicos y desolados, mendigos, prostitutas… en este cuadro se aprecia a una pareja flaca, casi demacrada, está sentada a una desolada mesa donde sólo quedan restos de pan y un poco de vino. Aunque sus largos dedos la abrazan tiernamente, el hombre, que parece ser ciego, aparta de la mujer su rostro angustiado, entreabriendo los labios con expresión afligida. Ella apoya la barbilla en una mano, al parecer más resignada y abstraída en sus pensamientos. Revela su atención a la humanidad, y sobre todo, a los pobres y otros marginados sociales. Personajes obscenos y solitarios, a menudo gentes de los circos ambulantes.

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Silvia (6) se atreve con la imagen 4.

1- representa la obra de Pablo Picasso. Mujer con el pelo amarillo, pertenece a la etapa surrealista del autor 1925-1935. Se trata de un retrato de Marie-Thérèse Walter, amante y modelo de Pablo Picasso desde 1927 hasta aproximadamente 1935. Marie-Thérèse Walter, aparece retratada dormida, puesto que al autor le pareció una de las más íntimas representaciones. Se la reproduce como una mujer elegante, que descansa todo su cuerpo junto con su melena amarilla sobre una especie de camilla, que aparece coloreada de tonos verdosos, rojizos y negros. Que crean un contraste de color, con el cuerpo de Marie-Thérese ya que aparece sombreado con un tono rosado, más templado que los tonos de la mesa. El cuerpo de Marie Thérese, aparece desnudo provoca un tanto de sensualidad acompañado de esas líneas curvilíneas que rodean su cuerpo. Su organismo, está plasmado con un gran volumen, algo macizo y por último el fondo sobre el que aparece es imparcial, dado que está teñido por un color cálido. Así, la Mujer con el pelo amarillo viene a coincidir con un periodo de alegría en la vida del artista, debido a que su situación personal es inmejorable porque está al lado de la mujer que quiere en ese momento.

2- La imagen propuesta por el profesor es una de Goya, retrato de Jovellanos (retrato de la Corte y sus amistades, 1798). En Goya, observamos un retrato más íntimo del personaje, sorprende que Jovellanos aparece vestido sencillo con una elegante casaca gris, puesto que a Goya no le interesa destacar la categoría social de su retratado. Jovellanos aparece posado, sobre una mesa la cual tiene encima una estatua de Minerva que le protege con su mano. Y lo más elemental de este cuadro, es que el ministro Jovellanos está caracterizado por una postura melancólica y soñadora.

3- La imagen propuesta por el alumno es el Príncipe Baltasar Carlos, Velázquez pintor de cámara, 1639. La conexión es evidente con la obra de Goya, puesto que ambos representan personajes de la nobleza cortesana. Emplea fondos oscuros, como Goya, además de tonos cálidos como los rojizos, ocres y negros. La obra de Picasso, se diferencia de la de Velázquez y la de Goya porque en ese cuadro, el personaje que aparece retratado está desnudo y forma parte de la familia del artista, mientras que los personajes de los otros cuadros son un aristócrata y un hijo de un rey, protagonistas relacionados con la Casa Real. Además, de que los personajes retratados tanto por Goya como por Velázquez, muestran un mayor realismo que el retratado un tanto abstracto que originó Picasso de la que fuese su amante en ese momento de su vida Marie Thérese. Por último, tanto Picasso como Goya dotan a sus retratados de una postura melancólica.

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Sergio C. (7) hace uso del comodín para enfrentarse ante la propuesta de la Imagen 5.

1. “La rendición de Breda” de Velázquez es el que aparece en la imagen número 5. Pintado después de su primer viaje a Italia, en su etapa como pintor de cámara y madurez en Madrid (1635). Las tropas españolas aparecen a la derecha, tras el caballo, representadas como hombres experimentados, con sus picas ascendentes. A la izquierda se sitúan los holandeses, hombres jóvenes e inexpertos, cuyo grupo cierra el otro caballo. Al fondo aparecen las humaredas de la batalla y una vista en perspectiva de la zona de Breda. La composición está estructurada a través de dos rectángulos: uno para las figuras y otro para el paisaje. Los hombres se articulan a su vez a lo largo de un aspa en profundidad, cerrando dicho rectángulo con los caballos de los generales. La técnica pictórica que utiliza aquí el artista no es siempre la misma sino que se adapta a la calidad de los materiales que representa, pudiendo ser bien compacta, como en la capa de la figura de la izquierda, bien suelta, como en la banda y armadura de Spínola.

2. “El Guernika”, de Picasso, pintado durante la Guerra Civil española (1937) es la propuesta del profesor, que se relaciona con el anterior por su temática de guerra, mostrando ambos distintos momentos de un conflicto bélico. En la parte superior del lienzo cuelga una bombilla eléctrica que arroja una fría luz aserrada. Como si esta luz eléctrica no fuera suficiente, una mujer porta en su largo brazo un candil de petróleo, iluminando así hasta el último escondrijo del cuadro. En el lienzo aparecen otras tres mujeres: bajo el toro, posible símbolo de la República, una que porta un niño muerto; en el extremo derecho, otra que levanta los brazos ante el fuego de su hogar; en primer plano, una tercera mujer arrodillada, presumiblemente embarazada, con los pechos desnudos y unos llamativos pezones en forma de chupete. Bajo la luz eléctrica se encuentra el caballo malherido que relincha y a sus pies se hallan los restos descuartizados de un hombre-estatua, en cuya espada rota renace una flor como símbolo de esperanza. Guernika es un manifiesto contra la guerra y cualquier tipo de brutalidad humana.
3. Mi propuesta es “La carga de los mamelucos” (1814) de Goya. La Guerra de la Independencia supone para Goya, igual que para Picasso con el ataque de Guernika, y a Velázquez con el asedio de Breda, una profunda reflexión sobre la guerra, que pretenden plasmar en sus cuadros. Goya ha querido representar aquí un episodio de ira popular: el ataque del pueblo madrileño, mal armado, contra la más poderosa máquina militar del momento, el ejército francés. En el centro de la composición, un mameluco, cae muerto del caballo mientras un madrileño continúa apuñalándole y otro hiere mortalmente al caballo, recogiéndose así la destrucción por sistema, lo ilógico de la guerra. Al fondo, las figuras de los madrileños, con los ojos desorbitados por la rabia, la ira y la indignación acuchillan con sus armas blancas a jinetes y caballos mientras los franceses rechazan el ataque e intentan huir La ejecución es totalmente violenta, con rápidas pinceladas y grandes manchas, como si la propia violencia de la acción hubiera invadido al pintor. El colorido es vibrante. Pero lo más destacable del cuadro es el movimiento y la expresividad de las figuras, que consiguen un conjunto impactante para el espectador.

La actitud ante la guerra. Goya y Picasso son paradójicamente más realistas porque se horrorizan ante ella, mientras que Velázquez muestra la escena como algo caballeroso y hasta bello.

Observa las diez imágenes de esta Presentación sobre detalles de obras de arquitectura, escultura  y pintura que hemos visto en esta evaluación.

¿En qué consiste esta vez el juego?

1.- Reconocer el autor, la obra, el estilo y el país de cualquiera de las diez imágenes del Slide.

2.-Dar dos razones argumentadas sobre el porqué atribuirlas a ese estilo o autor basándose en el detalle que se aporta. Me importa el razonamiento, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que no sean convincentes o que no tengan en cuenta el detalle, aunque se reconozca la obra inicial.

Condiciones habituales del juego.

1.- Un comentario por persona, salvo los tres primeros aciertos que tendrán una segunda oportunidad o comodín.

2.- La puntuación será de 0,5 puntos en todas las contestaciones que se acepten como correctas.

IMÁGENES DESVELADAS

Enrique ha iniciado este juego desvelando la imagen numero 9 y ganándose el derecho a un comodín.

"Pertenece sin duda al cuadro de Rembrant llamado Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp. De estilo barroco holandés. Una de las razones que caracteriza este cuadro es el colorido oscuro de la técnica tenebrista, también la austeridad cromática de los trajes de la época que empleaba. Otra razón podria ser la , animada por los cuellos y puños blancos. Obra datada en el año 1632."

Además es un retrato colectivo, tan comunes en la Holanda del siglo XVII y una de las ocupaciones principales de Rembrandt como pintor, al menos hasta mediados de los 40. Si pincháis sobre la imagen podréis verla bien ampliada. No os perdáis las expresiones de cada uno de los retratados, así como la disección del brazo si sois un poco morbosos. Este detalle también hace especial esta cuadro y muy, muy barroco.

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Ya veo que Cristina no quiere quedarse sin ganarse un puntejo y por eso ha contestado con acierto a la imagen número 10. Hay comodín.

"Casa de la Villa de Madrid realizada por Juan Gómez de Mora en Madrid del estilo Barroco.
Es realizada por Gómez de Mora debido a que es el arquitecto real de Felipe III que le manda hacer un edificio para la administración. Juan Gomez de Mora es discípulo de Juan de Herrera y se ve influido mucho por él en su obra. Hay austeridad debido a la falta de dinero, solamente se colocaba granito en las esquinas y el ladrillo se utilizaba para hacer el muro. Tiene escasa decoración y tiene un chapitel típico de los Austrias. Es un palacete con tres plantas, dos puertas y dos patios para administrar mejor el edificio. "

La Casa de la Villa cumplió hasta hace pocos años la función de ayuntamiento de la villa y corte de Madrid. Es un modelo paradigmático del estilo de los Austrias y de edificio burocrático y de representación.

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Lorena ganó el tercer comodín al responder a la Imagen 4
"Napoleón coronando a la emperatriz Josefina
Es una obra francesa del pintor J.L David perteneciente al neoclasicismo.
Esta obra se puede decir que es neoclásica, por el uso de la geometría , poniendo a Napoleón en el centro del cuadro para que nuestras miradas vayan directamente a él, y además este cuadro es propagandista, ya que el pintor, es un pintor político de Napoleón y le gusta representar la soberbia del emperador. Se puede decir que el pintor viajó a Italia y tomó características de allí, como el uso del rojo veneciano en la vestido de Josefina."

A lo que llamas uso de la geometría, yo lo llamaría composición. Este es un cuadro histórico que narra el suceso que tuvo lugar en  Notre Dame de París el 2 de diciembre de 1804. Efectivamente, como dice Enrique (ver comentario) el cuadro resulta impresionante con sus más de 9 metros de largo por 6 de alto. Nada que ver con la imagen pequeñita que tenemos que contemplar, aunque si pincháis sobre ella se os desplegará el detalle que nos ha servido para reconocerla a gran tamaño y con alta calidad. Así sí se puede observar los detalles de la Corona, de la "jovencísima Josefina", del Papa bendiciendo y de la madre de Napoleón al fondo.

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Borja ha comentado la IMAGEN NUMERO 7

"EL CRISTO MUERTO ES UNA OBRA REALIZADA POR MANTEGNA , PERTENECE A LA PINTURA RENACENTISTA CONCRETAMENTE AL QUATROCENTTO ITALIANO , ALGUNAS DE LAS CARACTERISTICAS MAS RELEVANTES QUE PODEMOS DESTACAR SON LOS CONTRASTES ENTRE SERENIDAD Y EXPRESIVIDAD , UTILIZACION DEL ESCORZO PARA CREAR PROFUNDIDAD, VEMOS A UNA VIRGEN MUCHO MAS DEMACRADA POR EL PASO DE LA EDAD ( LO QUE LE DIFERENCIA DE LA IDEALIZACION DE LA VIRGEN REALIZADA POR PINTORES POSTERIORES) ETC..."

El naturalismo es muy violento en la recreación que hace de las heridas provocadas por los clavos y en la decolarición cadavérica del Cristo. Por otro lado, el punto de vista escogido es otra novedad, así como el desequilibrio compositivo. Un grandísimo cuadro de Mantegna de 1490 expuesto en la Pinacoteca Brera de Milán.

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Fco Javier y Rebeca han coincidido en la misma obra. Y aunque Fco. Javier ha resuelto primero, si observáis, su contestación no es completa, por lo que le concedo el acierto a Rebeca. Le falta el número de la imagen y el autor... un despiste seguramente, pero que siendo justo no puedo dejar pasar. La imagen resuelta ha sido la número 2.

"Detalle del esqueleto que decora la puerta de la tumba de Alejandro VII el papa, en San Pedro del Vaticano (Italia) y elaborado por Bernini y en estilo Barroco. Destacan el simbolismo del esqueleto y la muerte, que trata de decirnos que ésta es ineludible (pues incluso al papa le llega ese momento) y que el tiempo pasa para todos, un tema muy típico del barroco. También es característico el movimiento de las telas (como las que tapan la cabeza del esqueleto) y el uso de bronce y mármol en la misma obra."

El tema de la "vanitas" y el material como juego con el color y las texturas. También tiene razón Fco Javier, en esta obra se respira la influencia de Miguel Ángel y de las tumbas de los Medicis.

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Alma ha descubierto el edificio nocturno, la Imagen 6
"Se trata del Jefferson Memorial, un monumento en honor a Jefferson que se levantó en Estados Unidos , de estilo neoclásico. Destacan en él la clara inspiración en el Panteón de Agripa-Adriano por su mezcla entre un Tholo griego y un templo octástilo normal. Podemos localizarlo en Estados Unidos por la estatua erigida de Jefferson ,y porque esta clase de propaganda a través del estilo neoclásico de las ideas de independencia y libertad y a quienes las representan es típico de esta etapa."

Doy por correcta la contestación aunque le falte el autor, porque no lo hemos mencionado en clase y no me parecería justo exigirlo. De hecho se construyó entre 1939-43 (¡Siglo XX!) en la ciudad de Washington por John Rusell Pope en un estricto estilo neoclásico inspirado a su vez en el célebre Panteón. Como veis el estilo neoclásico ha dado sus coletazos en el siglo XX.  Forma parte del conjunto de edificios gubernamentales y conmemorativos en estilo neoclásico que posee la capital de Estados Unidos.

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Haciendo uso de su comodín Lorena ha contestado por segunda vez la Imagen 1.

La bacanal. Obra de Tiziano. Perteneciente al Renacimiento y sobre todo al manierismo italiano.

El cuadro es de tema mitológico, ya que ha representado a Baco y Ariadna. Los colores de la pintura son brillantes y alegres, y las personas están representadas con cierto movimiento contenido. El autor recurre al escorzo, ya que le influenciaron las obras de Miguel Ángel.

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Hecho en falta una referencia a Venecia y no estoy tan de acuerdo en cuanto al comedimiento o contención de los personajes. Los dos personajes que sirven de detalle para reconocer la obra precismamente están en pleno baile. Hay un artículo monográfico sobre la obra en este mismo blog.

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Alba Rubio ha acertado la imagen número 3:

"Plaza de San Marcos con catedral
Autor: Canaletto
Estilo: Barroco Italiano siglo XVIII
Razones de por que se la atribuyo a este autor: por representa un paisaje urbano con un efecto de luz mágico además de por un dominio de la perspectiva bastante elevado."

Es una típica y mágica escena veneciana donde se mezcla el costumbrismo y el paisajismo. Desde la plaza de San Marcos podemos ver, de izquierda a derecha, la catedral, el palacio ducal y el Gran Canal.

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Enrique ha resuelto la imagen número 5.

"Es parte del cuadro La familia de Carlos IV de Goya que se ve en la parte de atras, de estilo rococó fechado en el año 1800. El pintor plasma en su pintura a la familia mostrando la interioridad de cada uno de los personajes; “la reina de rostro desagradable y gesto de amargura y el rey de cara roja, insulso, presuntuoso y lleno de condecoraciones. La obra presenta una gran verticalidad, proporcionada por los personajes, todos de pie, y ayudada por los lienzos ubicados en el fondo de ésta. En este caso, son nulas las diagonales ya que el único cuadrante apoyado por las direcciones y la disposición de las figuras, es el vertical. "

Discrepo contigo en el estilo artístico. Aunque la etapa que trabaja para la fábrica de tapices pueda clasificarse de rococó el retrato de 1800 que aquí tenemos es un claro ejemplo de retrato neoclásico de Goya, con influencias grandísimas de Las Meninas de Velázquez. Es un retrato oficial de la familia real y el pintor tiene el atrevimiento de autorretratarse en la escena.

La pintura holandesa de paisaje del siglo XVII constituye uno de los capítulos más brillantes y originales de la historia de la pintura barroca.

Tradicionalmente se ha visto en ella una voluntad de realismo; este punto de vista se ha expresado por ejemplo diciendo que por medio de sus paisajes los pintores holandeses hacían un fiel y apasionado retrato de su país. Desde los pintores flamencos del siglo XV, especialmente desde Van Eyck, encontramos en esta tierra la devoción por registrar de forma realista lo que les rodeaba. Aunque el paisaje apareció en Flandes propiamente como género durante el siglo XVI con pintores como Joaquín Patinir y Peter Brueghel el Viejo, no será hasta el siglo XVII en  Holanda donde alcance la categoría de representación real de una nación, de una tierra y de sus gentes.

Pieter Brueghel. La cosecha, 1565.

Es irónico que un  pueblo que vive en un pequeño lugar tan acuoso, llano y gris haya conseguido un registro tan variado y bello de su medio. Ello es explicable conociendo el contexto histórico. El pintor holandés demuestra el orgullo por su patria, que ha conseguido la gesta de afirmarse como nación en este siglo frente a enemigos tan poderosos; y también siente orgullo por vencer en la batalla diaria de arrebatarle tierra al mar con sus polders o por poseer un alto nivel de vida, alcanzado gracias a su trabajo y a los negocios lucrativos del comercio internacional. Sólo desde el orgullo, por tanto, es capaz de entenderse cómo supieron mostrar al mundo a través de sus cuadros la belleza de sus vastas llanuras y cielos cubiertos, el trazado regular de sus canales y ríos llenos de meandros, sus polders y diques, sus playas, sus ciudades y pueblos y, por supuesto, sus espectaculares mares tempestuosos.

Jacob Ruisdael. Vista de Harleem, 1668

La visión holandesa del paisaje no es tan fiel como en principio se puede pensar, sino que selecciona y reforma la naturaleza y el medio humano para representarlos de modo ejemplar y mejorado. El pintor salía a pasear por el campo, tomaba apuntes de esa realidad y a la vuelta, en su estudio, componía una imagen manipulada mezcla de lo visto y de las licencias artísticas que le permitían crear algo armónico. Por otro lado, a menudo, en esta pintura hay mensajes codificados de contenido proverbial o religioso y una idea bucólica de "urbanitas", que contempla el medio rural como lugar ideal para la reparación mental.

Hobbema. Avenida de Milderhamis, 1689.

El gran desarrollo alcanzado por la producción paisajística también fue consecuencia del crecimiento de una clase burguesa que demandaba este tipo de género para decorar sus viviendas. Muchos de los cuadros intimistas de Vermeer de Delf o de Gabriel Metsu nos muestran deliciosos momentos de la vida cotidiana enmarcados en habitaciones que se decoran con este tipo de temática, para solaz de sus dueños.

Vermeer de Del. Detalle de Carta de amor, 1667. En la pared cuelgan un paisaje con camino y paseante y una marina.

La pintura de paisajes fue tan popular que generó una competencia entre los pintores que obligó a casi todos a terminar especializándose en algún aspecto para ser conocidos. Había que buscar el éxito en parcelas concretas: Hendrick Avercamp pintó casi exclusivamente escenas de invierno; Aert van der Neer añadió los temas nocturnos y crepusculares a su especialidad de paisajes de invierno; Willen van der Velde retrató la mar y la navegación; Jan Van Goyen y Salomon Ruysdael los estuarios y los caminos y las granjas entre las dunas; hubo pintores, como Paulus Bril o Cornelius van Poelenburch, que seducidos por el paisajismo italiano de los Carracci o de los pintores franceses como Poussin y Lorena, pintaron a corteses pastores en escenarios de campiñas con ruinas clásicas; Rembrandt prefirió pintar tenebrosos paisajes imaginarios de efectos lumínicos expresionistas; Paulus Potter fue ante todo un pintor de animales pastando en paisajes muy bellos; Vermeer de Delf hizo su incursión en el paisaje urbano con las vistas de su propia ciudad; Meindert Hobbema creó agradables caminos entre hileras de árboles por los que paseaban los ciudadanos; Philips Koninck pintó mayoritariamente panorámicas llanuras... A continuación tienes una buena exposición de algunos de los autores y paisajes más interesantes.

Jacob van Ruisdael (1628-1682).

El más dotado y versátil de todos lo pintores paisajistas holandeses fue sin lugar a dudas Jacob van Ruisdael, que cultivó casi todas las ramas anteriormente mencionadas, salvo las vistas italianizantes.

Nació en Haarlem en 1628 en el seno de una familia de pintores de la que podemos destacar a su padre Isaack y a su tío y a su primo Salomon. Todos ellos firmaron sus cuadros como Ruysdael, con "y" en vez de con "i" como lo hizo Jacob en un intento de distinguirse.

Sus primeras obras datadas son del año 1646, donde se nos muestra como un joven pintor muy dotado y un gran observador del detalle botánico. Los protagonistas de los paisajes de esta primera época son los árboles que aparecen en primer plano recortados contra el cielo gris que ocupa dos tercios del cuadro. Los ríos y los caminos serpentean. También realizó alguna Vista panorámica de Naardem con rayos de sol que asoman entre las nubes iluminando selectivamente la llanura por un instante.

Ruisdael. Orilla del río, 1649.

En 1651 viajó a Westfalia y pintó al menos doce veces El castillo de Bentheim. El artista monumentalizó la escena deliberadamente buscando un efecto de grandeza. Transformó la escasa elevación sobre la que se asentaba el castillo en una verdadera montaña sin que con ello se perdiera su apariencia natural. También exageró la altura de las torres para crear el efecto de fortaleza imponente. Hay una lectura simbolista de la obra que interpreta que el castillo es la "fortaleza celestial", los árboles caídos el símbolo de la vanitas y los viajeros diminutos aquellos que buscan la salvación.

Ruisdael. Castillo de Bentheim, 1653.

Desde 1653 pintará una serie de anónimos molinos de agua. Le atrae del tema las sencillas y típicas construcciones de paja y la violencia del agua al golpear sobre los cangilones de madera. No cabe duda de que Ruisdael monumentalizó intencionadamente los molinos recurriendo a situar el punto de vista bajo y les dotó de una atractiva apariencia de decadencia al resaltar el descuidado y podrido tejado o su ruinosa pared. Juega con el espectador haciéndole presagiar la inminencia de la destrucción erosiva del agua.

Ruisdael. Dos molinos de agua con la compuerta abierta, 1653.

Hacia 1656, Ruisdael se trasladó a Ámsterdam donde su arte alcanzó todavía mayor grado de riqueza y de complejidad. Pintó un buen número de escenas de bosques en los que se abrían claros y el paisaje simbólico más claro de entre los pintados, su famoso Cementerio judío de 1567. El lugar no es real: une las ruinas de la abadía de Egmond, una montaña y un arroyo con unas tumbas del cementerio judío de Ouderkerk. El motivo, así como el árbol marchito y el arco iris, constituyen una alegoría que exhorta al espectador a meditar sobre la transitoriedad de la vida y el paso del tiempo. El tema será retomado en el Romanticismo.

Ruisdael. El cementerio judío, 1657.

En 1670 pintó su célebre Molino de Wijk, que hoy se considera casi como el emblema de Holanda. El artista ajustó la elevación y la apariencia real del cilindro de la torre para potenciar su fuerza expresiva. La luz, de nuevo, y el ambiente mágico de la tormenta resaltan el dramatismo de la escena.

Ruisdael. Molino de Wijk, 1670.

También entre las décadas de los 60 y 70 hizo importantes constribuciones a la representación de:

• Escenas de playa: grandes extensiones de sorprendente colorido.
• Escenas de invierno, con un toque de tristeza característico y la creación de sensaciones de humedad y frío por medio de un cielo encapotado y de la nieve.
• Vistas panorámicas de Haarlem y de Alkmar, como ya pintó a finales de los 40, donde el cielo toma el protagonismo y la línea del horizonte queda extremadamente baja. Las ciudades se recortan en la lejanía creando la impresión de majestuosidad ilimitada.
• Cataratas que nunca pudo contemplar, puesto que no existía en la geografía de la zona
• Marinas de aguas agitadas en los estuarios del río Y, donde el viento empuja las olas y las velas de los barcos.

Ruisdael. Escena invernal.

Desde aquí podéis acceder a las presentaciones de Pintura Barroca, exceptuando la española, que he ido publicando en Slideshare estos días. Muy útil si sólo quieres ver las imágenes. Si quieres algo de texto explicativo tendrás que buscar los artículos a través del índice de categorías (no están todos).

En este artículo, aunque tenga la tentación, no quiero teorizar sobre las interconexiones entre arte y publicidad, creo que sería muy largo y ya hay tesis doctorales que se ocupan de ello.

En este artículo quiero demostrar que cosas de nuestra vida cotidiana como los anuncios publicitarios pueden ser otro instrumento didáctico en manos de un profesor para enseñar historia del arte.

Los dos anuncios que te ofrezco a continuación son ejemplos de como se utiliza las obras de arte en marketing y cómo nosotros podemos aprender de ellos, aunque esa no sea la finalidad del anunciante.

El primer ejemplo se trata de la campaña de Mastercard en España para finales del año 2008. Es todo un homenaje a la cultura española, de ahí que la titulen “genios”. La genialidad del título hay que compartirla con los creadores del anuncio porque en apenas 37 segundos de spot podemos encontrar referencias a pintores como Sorolla, Picasso o Dalí, arquitectos como Gaudí y a escritores como Cervantes y García Lorca (la música de fondo es la Nana de Sevilla tocada por el mismo Federico al piano y susurrada por la Argentinita). Sorprende tanta densidad artística en este anuncio que claramente está destinado a un consumidor culto que al menos capta alguna de estas referencias, pero que difícilmente puede captar todas de una pasada y querrá volver a ver el anuncio para descubrir más imágenes ocultas.

Contempla el anuncio y continúa leyendo después.

Martercard, genios españoles de comienzos de siglo Sorolla, Gaudí, Picasso, Dalí

Te ofrezco los fotogramas más interesantes relacionados con algún artista y te pido que investigues a qué obras de los mismos se refieren y si están captadas de alguna forma especial para hacer referencia al mismo tiempo al estilo artístico al que pertenecen. Haz un pequeño trabajo de comentario comparativo. En el trabajo introduce la imagen de la obra que sirve de inspiración. Hay alguna obra muy obvia y otras un poco más difíciles.

El segundo ejemplo anuncia la nueva imagen que desde 2009 quiere dar La Lechera de Nestlé de sus productos lácteos. La campaña publicitaria quiere potenciar en el consumidor la idea de que sus recetas son tradicionales y que por ello poseen el sabor auténtico de antes. Para comunicarla han recurrido a una estética del siglo XVII y al pintor Vermeer de Delf y su cuadro de La Lechera, como imagen de fuerza de la campaña.

La recreación del cuadro de La Lechera de Vermeer no está muy bien conseguida en el spot, un poco largo y confuso. Sin embargo, es de una evidencia total en los envoltorios de los productos, como podéis comprobar en la composición en la que aparece el cuadro y la tapa de las natillas.

Investiga sobre la obra de Vemeer de Delf . Busca más relaciones entre la obra de este pintor y la publicidad o el cine. Haz un pequeño trabajo.

En definitiva, la publicidad puede ser otro camino para conectar nuestra vida cotidiana y el arte a poco que nos fijemos en los anuncios televisivos o de revistas.

Si por casualidad eres un lector curioso y has descubierto algunas otras referencias de obras de arte convertidas en objeto publicitario te ruego que dejes un comentario y a ser posible un link donde recoger la imagen. Gracias.