El Neoclasicismo fue el estilo dominante en el arte occidental desde mediados del siglo XVIII hasta 1820. Desde entonces cedió ante el arrollador avance revolucionario del romanticismo, cálido y colorista, sensible y poético. Sin embargo, perduró, de alguna manera, a través de las enseñanzas académicas hasta comienzos del siglo XX.

Neoclasicismo e Ilustración.

El Neoclasicismo nació como reacción contra el hedonismo y la frivolidad del rococó. Su impulso inicial no vino de la mano de los artistas sino de los filósofos, los representantes de la Ilustración en Francia. Hombres como Diderot y Voltaire protestaron contra el relajamiento moral del estilo rococó y, por asociación, contra el régimen que lo había engendrado. Reclamaban un arte racional, moral y con principios. Pedían un arte dirigido por la razón y no por el sentimiento, en el que la perfección técnica dominara sobre la improvisación y la imaginación.

David. La cólera de Aquiles, 1819. Kimbell Art museum. Texas.

Neoclasicismo y Antigüedad clásica.

Las normas que el artista ilustrado siguió las encontró en el espíritu de Grecia y de Roma. Los descubrimientos arqueológicos del siglo, como las redescubiertas Herculano (desde 1738), Pompeya (desde 1748) y Paestum, revelan una serie de obras que fueron aceptadas por las Academias como modelos y normas que toda creación artística debía de cumplir. Aún así, las pinturas tardaron en ser estudiadas y divulgadas. Sí que se poseían desde "siempre" las bellas esculturas, atesoradas por los coleccionistas y dibujadas por los pintores como ejercicio académico. Por esta razón, podemos decir sin ningún género de duda que éstas fueron más decisivas en la creación de la pintura neoclásica. También se sacralizó el Renacimiento, como otro periodo en el que había que ver la continuidad del arte supremo del clasicismo. Algunos pintores del Barroco no son desdeñados (Poussin, Lorena, Carracci...) porque supieron mantener las esencias clásicas en medio de la corriente imperante.

Templo de Hera en Paestum, por Antonio Joli, un preneoclásico italiano.

Wincklemann y Mengs, teóricos y precursores.

La semilla de este resurgimiento se plantó en Roma. Johann Wincklemann (1717-1768), un erudito alemán que trabajaba para el cardenal Alessandro Albani, un acaudalado coleccionista de antigüedades, sentó las bases teóricas en sus libros. Sus escritos proclamaban la superioridad del arte griego e invitaba a los pintores a "mojar su pincel en el intelecto". Estas ideas fueron secundadas por Anton Mengs (1728-1779), también afincado en Roma. Mengs pintó un fresco sobre el tema de Apolo y las Musas en el Parnaso (1760-61) en la bóveda de una sala nueva de la residencia Albani. Aunque a ojos del observador moderno pueda parecer insípido, el fresco fue notablemente influyente a la hora de promover el neoclasicismo al encontrarse en uno de los salones más visitados por todos aquellos viajeros que emprendía el Gran Tour por Italia. A diferencia de lo que se venía haciendo en los últimos150 años la imagen reflejaba una escena que aspiraba a la armonía y a la serenidad, alejada de perspectivas atrevidas, escorzos violentos o situaciones morbosas.

Mengs, Anton Raphael. Apolo y las Musas en el monte Parnaso. Villa Albani, Roma, 1761.

Características artísticas del neoclasicismo pictórico.

Al año siguiente Mengs publica su libro Reflexiones sobre la belleza y el gusto en la pintura (1762), donde expresará las ideas esenciales que deben inspirar esta manifestación atística. Del mismo se pueden extraer las siguientes características que definen el neoclasicismo pictórico:

• La principal fuente de inspiración del artista debía ser la naturaleza, pero como esta es imperfecta se debía escogerse de ella lo mejor, sin dar cabida a la fealdad o a la imperfección. Las obras, pues, debían ser  realistas, pero idealizadas. Los personajes debían desarrollar musculaturas perfectas y proporciones canónicas, semejantes a las de las esculturas clásicas griegas. Los escenarios arquitectónicos debían recrear el pasado clásico de forma veraz. Los paisajes naturales habían de ser bellos y tranquilos.

• Falta de expresividad. Los sentimientos no debían ser mostrados o si se mostraran debían ser contenidos y fríos. Cuando había que aportar pasión a la escena, algunos pintores utilizarán recursos teatrales, gesticulaciones grandilocuentes con los brazos, que todos entendían como parte del mensaje trascendente con el que se quería ennoblecer la escena. Pero, la mayor parte de las veces, los rostros adoptaban una actitud contenida e impasible, no importando cuán intenso fuese el sentimiento que podía dominar en el tema, puesto que así conservaban esa belleza ideal, sin que el dolor o la alegría deformara sus rasgos.

Pelagio Palagi, Los deposorios de Amor y Psique, 1808

• Las composiciones eran concebidas de forma geométrica, equilibrada y estática. Cuando en un grupo había que establecer una relación de movimiento, resultaba mesurado y con posturas muy estudiadas. No hay temas anecdóticos que distraigan del motivo principal. Todo acontece en primer plano trasmitiendo rápidamente y sin duda el mensaje.
• La luz era clara y fría, ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría en la obra una sensualidad que se rechazaba en la estética neoclásica. No se renuncia al claroscuro, que sigue utilizándose por algunos autores, porque la luz intensa dirigida permitía aclarar aún más la prioridad compositiva, dejando en penumbra lo más secundario.

• Técnicamente, la factura era impecable; es decir, la superficie del cuadro parecía esmaltada porque difícilmente se apreciaban las pinceladas.
• Predomina el dibujo, la forma, sobre el color. Los colores son pálidos, convencionales, y el dibujo es el objetivo prioritario del pintor. Contornos bien definidos, bellas líneas y cuidado del detalle... buscando una semejanza con la escultura.

Todo ello daba como resultado una estética distante del espectador.

Ribera. Juan Antonio. Cincinato abandona el arado para dictar leyes a Roma, 1806. Museo del Prado.

Características temáticas.

Las principales fuentes de inspiración para los artistas neoclásicos fueron:

• En primer lugar, la Antigüedad clásica, los temas de historia y de literatura- mitología.  Una de las críticas más recurrentes de los filósofos ilustrados era que la visión que se tenía durante el Rococó del mundo clásico giraba en torno a fantasías eróticas y diosas desnudas. Ahora, sin renunciar al desnudo, se pondría en primer lugar la virtud, la moralidad o la heroicidad de la escena. Normalmente el tema escogido era una alegoría para tener en cuenta en el presente, por lo que a la función narrativa del hecho había que añadirle una intención moralizante.

Regnault, Jean Baptiste. El genio de Francia entre la Libertad y la Muerte, 1795.

1. Los dioses mitológicos ahora son virtuosos ahora son virtuosos y se alzan imponentes por encima de los mortales. Los héroes aparecen victoriosos en el momento más trascendente de su hazaña.
2. Los personajes históricos son ecuánimes, pacientes, sobrios y abnegados. Son ejemplos morales de conducta a seguir como Sócrates, los Horacios o Cincinato. Son los "nuevos santos y mártires" que ofrecen patrones de vida morales alejados de la corrupción, el lujo, el egoísmo o la lujuria.

Angelika Kauffmann. Cornelia, la madre de los Graco, presenta a sus hijos comos sus tesoros, 1785. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond.

1. Jacques-Louis David o Ingres hicieron coetáneo el carácter heroico del pasado de Roma con la Revolución francesa. Con Napoleón Bonaparte la pintura se convirtió en un arte al servicio de la propaganda del Imperio y del emperador.

Ingres, Auguste-Dominique (1780-1867).  Retrato de Napoleón en el trono imperial, 1806 (Musée de l'Armée, Paris).

• El segundo género en importancia que se practica es el del retrato. Se busca la captación sicológica del retratado, aunque mostrándole muy idealizado. Poses y escenarios muy estudiados que pretenden trasmitir elegancia y serenidad. Hay pintores especializados en esta temática que consiguen un gran éxito social como François Gerard en la Francia del primer tercio de siglo.

Gérard. Retrato de madame Recamier, 1805.

• El paisaje. Es un género menor que se justifica de forma independiente si es para recrearse en una naturaleza ideal que sirva de fondo a una escena o a una narración. Se pone de moda el paisaje de parajes con restos arqueológico reales  y fingidos que pretender recrear una idílica y melancólica campiña. Las vistas de ciudades con recreaciones costumbristas también son otro de los subgéneros con clientela en la que se especializan algunos pintores italianos y alemanes.

Johannn Chrstian Reinhart. El descubrimiento del capitel corintio por Calimaco, 1844-46.

Esquema de Autores

Os pongo en la pista de los principales pintores que trabajaron a lo largo de su carrerra en el estilo neoclásico. Algunos los podéis ver en esta presentación, pero otros habrá que rebuscar algo más para encontrarlos.

• FRANCIA

1. Robert Hubert (1733-1808). El precursor
   
2. Jacques-Louis David (1748-1825).
3. Jean-Baptiste Regnault (1754-1829)
4. Antoine-Jean Gros (1771-1835).
5. François-Pascal Simon Gerard (1770-1837).
6. Pierre-Paul Prud´hon (1758-1823)
   
7. Anne-Loui Girodet-Trioson (1767-1824).
8. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867).

• ESPAÑA

1. Anton Rafael Mengs (1728-1779). Trabajó en Alemania, Italia y España.
   
2. Luis Meléndez (1716-1780).
3. Juan Antonio Ribera (1779-1860).
4. José Aparicio (1773-1838).
5. Vicente López (1772-1850).
6. José Madrazo (1781-1859).

• ITALIA

1. Giuseppe Borsato (1771-1849).
2. Robert Lefevre (1755-1830).
3. Andrea Appiani (1754-1817).
4. Pelagio Palagi (1775-1860).

• ALEMANIA

1. Angelika Kauffman (1741-1807).
2. Johann Christian Reinhart (1761-1847).
3. Leo von Klenze (1784-1864).

Von Klenze, Leo.  Acropolis, 1846. Neue Pinakothek, Munich.

Os propongo un nuevo juego en el que enlazar dos realidades: arquitectura y paisaje.

La arquitectura no es sólo el arte de crear espacios, sino también de adecuarlos en su entorno. A lo largo de la Historia, las distintas civilizaciones han procurado con mayor o menor éxito que sus construcciones estuvieran integradas en el medio que les rodeaba. A menudo es el material utilizado en la construcción lo que nos permite confundirnos con el medio; otras veces son las líneas generales de las formas del relieve las que han inspirado a los arquitectos para integrarse en los paisajes; los motivos decorativos casi siempre nos ofrecen claves para establecer esta armonía entre creación humana y medio físico...

Por otro lado, el hombre también ha sabido sacar partido de la naturaleza para hacer su obra más espectacular o más bella: un impresionante paisaje de fondo magnifica una obra; la vegetación domada de unos jardines embellece y hace placentero un sitio;  el agua estancada o rugiente sirve para atraparnos y participar en una fantasía; el aprovechamiento de la luz natural crea efectos mágicos...

Objetivamente ¿Qué belleza hay en los desgastados ladrillos rojizos de la Alhambra? ¿Qué grandeza aporta esta construcción desigual? ¿Qué de especial tiene ese bosque y las montañas del fondo? ...  Y, sin embargo, que admirable vista contemplamos cuando apreciamos el  conjunto.

Os invito a recrearos en estas imágenes, a que investiguéis, a que reflexionéis y a que dejéis un pequeño comentario sobre ellas:

1.- Qué edificio (autor si es conocido y civilización o estilo) y qué paisaje estamos contemplando en cada fotografía.

2.- Como se interrelacionan ambos (edificio y paisaje). Qué destacaríais en este aspecto (breve comentario).

A modo de ejemplo.

"Imagen 11

1.- Palacio de la Alhambra de Granada, arte musulmán en España, reino Nazarí. Se encuentra sobre el cerro de la Sabika teniendo a sus pies la ciudad de Granada.  El paisaje de fondo es Sierra Nevada.

2.- Maravillosa integración entre vegetación, edificios, cielo y montañas que crea un rincón de colores y volúmenes armoniosos."

IMÁGENES Y PAISAJES.

Enrique ha resuelto dos imágenes. Os rogaría que os adaptarais exactamente a lo que se pide para que el artículo guarde coherencia.

Imagen numero 3

"Corresponde a la Torre de Hercules en A Coruña. Se trata de un antiguo faro de construccion romana datado en el siglo II d C, de una altura de 68 metros. En 1791 durante el reinado de Carlos IV se hace una restauracion de estilo neoclasico. Esta diseñada con un nucleo de planta cuadrada con tres pisos de cuatro camaras gemelas en torno al cual gracias a una serie de bovedas escalonadas se va enroscando hacia la izquierda modo de una rampa, construido todo con granito escuadrado.
Cabria destacar que es un bello diseño neoclásico que abriga en su alma el original romano, lo que le ha permitido iluminar durante casi 2.000 años a todos los coruñeses, marinos y navegantes."

La costa atlántica gallega en la cercanía de la peligrosa Costa de la Muerte. Las rocas son cuchillas que han destruido durante siglos miles de barcos y de vidas. El faro desafía erguido el viento, las olas y la oscuridad. El granito con el que está construido le otorga una dureza comparable a los arrecifes.

---

imagen numero 1

"Pertenece a la Abadía de Mont Saint Michel en Normandia, Francia. Construida en el año 708 cuando se aparecio en lo alto de un islote el arcangel San Miguel por decisión del obispo de Avranches. En el siglo XIII se construyen nuevos edificios con seis magníficas salas denominadas La Maravilla. En el siglo XV se edifica un nuevo coro de estilo gótico flamígero. En esta abadia nos podemos encontrar con tres estilos arquitectonicos que son romanico, gotico y gotico flamigero.
Una de las caracteristicas curiosas es la visión que tenemos al subir la marea dos veces al dia y que aisla al monte del continente al subir la marea y nos devuelve a tierra firme al bajar."

El mar de nuevo como elemento que convierte en algo especial, en algo mágico, a un edificio. En este caso el movimeinto de las mareas nos acercan o nos alejan de este sueño.

----

Sara se ha atrevido con la imagen número 10.

"- Es el teatro marítimo, en Villa Adriana en Tívoli, cerca de Roma, construido a mediados del Siglo II d.C. Nos encontramos ante una obra de arte egipcia, producto de la fascinación por esta cultura por el emperador Adriano. Además del teatro en sí, podemos ver parte de la fauna de la ciudad y el lago.

- Adriano usaba este lugar como retiro, y no es de extrañar, ya que los árboles que lo rodean y el agua en calma hace de él un lugar muy apetecible para el relax."

Te equivocas al llamar a este espacio el teatro marítimo, este es un estanque que se conoce como el estanque Canopo de Villa Adriana. Era un lugar hecho en memoria del santuario del mismo nombre en Egipto. El estanque simboliza el agua del Nilo. Me ha gustado que hayas sabido apreciar aquello que buscaba Adriano al marchar a Tívoli, el relax... Espacio, vegetación, agua y luz de final de la tarde... Un estanque que refleja esa paz como si fuera un espejo.

Observa las diez imágenes de esta Presentación sobre detalles de obras de arquitectura, escultura  y pintura que hemos visto en esta evaluación.

¿En qué consiste esta vez el juego?

1.- Reconocer el autor, la obra, el estilo y el país de cualquiera de las diez imágenes del Slide.

2.-Dar dos razones argumentadas sobre el porqué atribuirlas a ese estilo o autor basándose en el detalle que se aporta. Me importa el razonamiento, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que no sean convincentes o que no tengan en cuenta el detalle, aunque se reconozca la obra inicial.

Condiciones habituales del juego.

1.- Un comentario por persona, salvo los tres primeros aciertos que tendrán una segunda oportunidad o comodín.

2.- La puntuación será de 0,5 puntos en todas las contestaciones que se acepten como correctas.

IMÁGENES DESVELADAS

Enrique ha iniciado este juego desvelando la imagen numero 9 y ganándose el derecho a un comodín.

"Pertenece sin duda al cuadro de Rembrant llamado Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp. De estilo barroco holandés. Una de las razones que caracteriza este cuadro es el colorido oscuro de la técnica tenebrista, también la austeridad cromática de los trajes de la época que empleaba. Otra razón podria ser la , animada por los cuellos y puños blancos. Obra datada en el año 1632."

Además es un retrato colectivo, tan comunes en la Holanda del siglo XVII y una de las ocupaciones principales de Rembrandt como pintor, al menos hasta mediados de los 40. Si pincháis sobre la imagen podréis verla bien ampliada. No os perdáis las expresiones de cada uno de los retratados, así como la disección del brazo si sois un poco morbosos. Este detalle también hace especial esta cuadro y muy, muy barroco.

--

Ya veo que Cristina no quiere quedarse sin ganarse un puntejo y por eso ha contestado con acierto a la imagen número 10. Hay comodín.

"Casa de la Villa de Madrid realizada por Juan Gómez de Mora en Madrid del estilo Barroco.
Es realizada por Gómez de Mora debido a que es el arquitecto real de Felipe III que le manda hacer un edificio para la administración. Juan Gomez de Mora es discípulo de Juan de Herrera y se ve influido mucho por él en su obra. Hay austeridad debido a la falta de dinero, solamente se colocaba granito en las esquinas y el ladrillo se utilizaba para hacer el muro. Tiene escasa decoración y tiene un chapitel típico de los Austrias. Es un palacete con tres plantas, dos puertas y dos patios para administrar mejor el edificio. "

La Casa de la Villa cumplió hasta hace pocos años la función de ayuntamiento de la villa y corte de Madrid. Es un modelo paradigmático del estilo de los Austrias y de edificio burocrático y de representación.

---

Lorena ganó el tercer comodín al responder a la Imagen 4
"Napoleón coronando a la emperatriz Josefina
Es una obra francesa del pintor J.L David perteneciente al neoclasicismo.
Esta obra se puede decir que es neoclásica, por el uso de la geometría , poniendo a Napoleón en el centro del cuadro para que nuestras miradas vayan directamente a él, y además este cuadro es propagandista, ya que el pintor, es un pintor político de Napoleón y le gusta representar la soberbia del emperador. Se puede decir que el pintor viajó a Italia y tomó características de allí, como el uso del rojo veneciano en la vestido de Josefina."

A lo que llamas uso de la geometría, yo lo llamaría composición. Este es un cuadro histórico que narra el suceso que tuvo lugar en  Notre Dame de París el 2 de diciembre de 1804. Efectivamente, como dice Enrique (ver comentario) el cuadro resulta impresionante con sus más de 9 metros de largo por 6 de alto. Nada que ver con la imagen pequeñita que tenemos que contemplar, aunque si pincháis sobre ella se os desplegará el detalle que nos ha servido para reconocerla a gran tamaño y con alta calidad. Así sí se puede observar los detalles de la Corona, de la "jovencísima Josefina", del Papa bendiciendo y de la madre de Napoleón al fondo.

---

Borja ha comentado la IMAGEN NUMERO 7

"EL CRISTO MUERTO ES UNA OBRA REALIZADA POR MANTEGNA , PERTENECE A LA PINTURA RENACENTISTA CONCRETAMENTE AL QUATROCENTTO ITALIANO , ALGUNAS DE LAS CARACTERISTICAS MAS RELEVANTES QUE PODEMOS DESTACAR SON LOS CONTRASTES ENTRE SERENIDAD Y EXPRESIVIDAD , UTILIZACION DEL ESCORZO PARA CREAR PROFUNDIDAD, VEMOS A UNA VIRGEN MUCHO MAS DEMACRADA POR EL PASO DE LA EDAD ( LO QUE LE DIFERENCIA DE LA IDEALIZACION DE LA VIRGEN REALIZADA POR PINTORES POSTERIORES) ETC..."

El naturalismo es muy violento en la recreación que hace de las heridas provocadas por los clavos y en la decolarición cadavérica del Cristo. Por otro lado, el punto de vista escogido es otra novedad, así como el desequilibrio compositivo. Un grandísimo cuadro de Mantegna de 1490 expuesto en la Pinacoteca Brera de Milán.

---

Fco Javier y Rebeca han coincidido en la misma obra. Y aunque Fco. Javier ha resuelto primero, si observáis, su contestación no es completa, por lo que le concedo el acierto a Rebeca. Le falta el número de la imagen y el autor... un despiste seguramente, pero que siendo justo no puedo dejar pasar. La imagen resuelta ha sido la número 2.

"Detalle del esqueleto que decora la puerta de la tumba de Alejandro VII el papa, en San Pedro del Vaticano (Italia) y elaborado por Bernini y en estilo Barroco. Destacan el simbolismo del esqueleto y la muerte, que trata de decirnos que ésta es ineludible (pues incluso al papa le llega ese momento) y que el tiempo pasa para todos, un tema muy típico del barroco. También es característico el movimiento de las telas (como las que tapan la cabeza del esqueleto) y el uso de bronce y mármol en la misma obra."

El tema de la "vanitas" y el material como juego con el color y las texturas. También tiene razón Fco Javier, en esta obra se respira la influencia de Miguel Ángel y de las tumbas de los Medicis.

---

Alma ha descubierto el edificio nocturno, la Imagen 6
"Se trata del Jefferson Memorial, un monumento en honor a Jefferson que se levantó en Estados Unidos , de estilo neoclásico. Destacan en él la clara inspiración en el Panteón de Agripa-Adriano por su mezcla entre un Tholo griego y un templo octástilo normal. Podemos localizarlo en Estados Unidos por la estatua erigida de Jefferson ,y porque esta clase de propaganda a través del estilo neoclásico de las ideas de independencia y libertad y a quienes las representan es típico de esta etapa."

Doy por correcta la contestación aunque le falte el autor, porque no lo hemos mencionado en clase y no me parecería justo exigirlo. De hecho se construyó entre 1939-43 (¡Siglo XX!) en la ciudad de Washington por John Rusell Pope en un estricto estilo neoclásico inspirado a su vez en el célebre Panteón. Como veis el estilo neoclásico ha dado sus coletazos en el siglo XX.  Forma parte del conjunto de edificios gubernamentales y conmemorativos en estilo neoclásico que posee la capital de Estados Unidos.

---

Haciendo uso de su comodín Lorena ha contestado por segunda vez la Imagen 1.

La bacanal. Obra de Tiziano. Perteneciente al Renacimiento y sobre todo al manierismo italiano.

El cuadro es de tema mitológico, ya que ha representado a Baco y Ariadna. Los colores de la pintura son brillantes y alegres, y las personas están representadas con cierto movimiento contenido. El autor recurre al escorzo, ya que le influenciaron las obras de Miguel Ángel.

.

Hecho en falta una referencia a Venecia y no estoy tan de acuerdo en cuanto al comedimiento o contención de los personajes. Los dos personajes que sirven de detalle para reconocer la obra precismamente están en pleno baile. Hay un artículo monográfico sobre la obra en este mismo blog.

----

Alba Rubio ha acertado la imagen número 3:

"Plaza de San Marcos con catedral
Autor: Canaletto
Estilo: Barroco Italiano siglo XVIII
Razones de por que se la atribuyo a este autor: por representa un paisaje urbano con un efecto de luz mágico además de por un dominio de la perspectiva bastante elevado."

Es una típica y mágica escena veneciana donde se mezcla el costumbrismo y el paisajismo. Desde la plaza de San Marcos podemos ver, de izquierda a derecha, la catedral, el palacio ducal y el Gran Canal.

---

Enrique ha resuelto la imagen número 5.

"Es parte del cuadro La familia de Carlos IV de Goya que se ve en la parte de atras, de estilo rococó fechado en el año 1800. El pintor plasma en su pintura a la familia mostrando la interioridad de cada uno de los personajes; “la reina de rostro desagradable y gesto de amargura y el rey de cara roja, insulso, presuntuoso y lleno de condecoraciones. La obra presenta una gran verticalidad, proporcionada por los personajes, todos de pie, y ayudada por los lienzos ubicados en el fondo de ésta. En este caso, son nulas las diagonales ya que el único cuadrante apoyado por las direcciones y la disposición de las figuras, es el vertical. "

Discrepo contigo en el estilo artístico. Aunque la etapa que trabaja para la fábrica de tapices pueda clasificarse de rococó el retrato de 1800 que aquí tenemos es un claro ejemplo de retrato neoclásico de Goya, con influencias grandísimas de Las Meninas de Velázquez. Es un retrato oficial de la familia real y el pintor tiene el atrevimiento de autorretratarse en la escena.

El Neoclasicismo abarca un periodo complejo y contradictorio a nivel artístico. En un momento clave de la historia europea y americana, los años que engendraron la Revolución Francesa y que dieron comienzo al periodo contemporáneo, se requería un arte diferente del Rococó. Los pintores racionalistas del siglo XVIII  despreciaban el estilo aristocrático porque exaltaba la frivolidad, la voluptuosidad y el decorativismo. Ellos querían una nueva sociedad más justa, basada en valores morales como la libertad, la igualdad, la sobriedad, la sencillez y el progreso. Desde el punto de vista artístico, también querían un nuevo estilo que se distanciara de los excesos sentimentales y de las complejidades compositivas del Barroco. Pero, al mismo tiempo, no querían renunciar al idealismo y a la belleza, la suprema perfección que dirían Winckelmann, ni a la tradición de los pintores clásicos franceses del siglo XVII. Los hallazgos arqueológicos de Pompeya y Herculano les descubrirán el modelo a seguir. Algunos artistas, como Jean Baptiste Regnault o  François Gerard, se quedarán exclusivamente en el aspecto formal de la imitación del espíritu del pasado grecorromano y de la búsqueda de la belleza ideal; pero otros, como David, encontrarán en la Antigüedad, sobre todo en la Roma Republicana, la plasmación de sus ideales estéticos, racionales y políticos.

El Neoclasicismo será, pues,  el fruto de los nuevos tiempos y David con su cuadro El Juramento de los Horacios su máximo exponente y  el manifiesto de la nueva escuela respectivamente.

Jacques-Louis David (1748-1825)

Formado en la escuela de Boucher, uno de los pintores rococós más afamados, es becado en 1774 por la Academia francesa para completar sus estudios en la ciudad de Roma. Allí  se convertirá al neoclasicismo y permanecerá muchos años pintando, entre otros, el cuadro que analizaremos a continuación o también La muerte de Sócrates (1787).En estos cuadros refleja episodios del pasado grecorromano donde aparecen personajes que dieron su vida por defender sus ideas, ejemplos morales de civismo que se enfrentan con estoicismo a un destino injusto.

David. La muerte de Sócrates, 1787.

De vuelta en París tomó parte activa en el Revolución comenzada a partir de 1789. Asistió al plante de la Asamblea Nacional y lo dejó plasmado propagandísticamente en su cuadro El Juramento del Juego de Pelota (1791). Como diputado jacobino será uno de los que condene a muerte a Luis XVI. Una de sus obras más inspiradas de estos momentos será  La muerte de Marat (1793), homenaje al  amigo y "mártir de la Revolución". En este caso, representa al asesinado con gran sencillez e idealización. La luz tenebrista y la postura del difundo recuerdan imágenes religiosas escultóricas, en concreto, el Cristo de la Piedad de Miguel Ángel, con lo que David dota a Marat de un halo casi místico.

David. La muerte de Marat, 1793.

Con la caída de Robespierre será encarcelado durante seis meses, lo que aprovechará para iniciar El rapto de las Sabinas (1795-99), que evoca la lealtad de su mujer durante estos años y el deseo de reconciliación para los franceses. El sentido heróico sigue presente años después cuando en 1814 compone Leónidas y los lacedemonios en las Termópilas para conmemorar a los héroes muertos en la guerra.

David. El rapto de las Sabinas, 1795-99.

Con la ascensión de Napoleón al poder supo adaptarse a la nueva situación y se convirtió en su retratista oficial. Su actitud con él fue de halago constante como se puede apreciar en el retrato ecuestre Napoleón cruzando los Alpes (1801) o en su descomunal La Coronación de Notre Dame (1805-07). Su implicación política con el Imperio le trajo como consecuencia a partir de 1815 el exilio en Bruselas, donde morirá.

David. La Coronación de Notre Dame, 1805-07.

EL CUADRO EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS

1. Ficha Técnica.

- El juramento de los Horacios, de Jacques-Louis David. 1784.

- Neoclasicismo.

- Óleo sobre lienzo (3,30 x 4,25).

- Museo del Louvre. París.

Si pulsas sobre la imagen la podrás ver bien ampliada.

El juramento de los Horacios fue elaborado en Roma y presentado en el Salón de 1785, bajo el reinado de Luis XVI. Obtuvo un gran éxito y posteriormente fue considerado como el manifiesto del neoclasicismo pictórico.

1. El tema. Describe un pasaje de la antigua República romana narrado por Tito Livio en Ab urbe condita. Los tres hermanos Horacios se conjuran ante su padre para luchar por Roma hasta la muerte, si fuera necesario, en su duelo que tendrán contra los tres hermanos Curiaceos de Alba Longa. La actitud marcial y arrogante de los personajes masculinos contrasta con el recogimiento y abatimiento del grupo de mujeres y niños, que premonizan lo que va a suceder. Esta oposición acentúa el dramatismo que ya de por sí tiene el acto del juramento.

1. Finalidad. David no pretendía tratar simplemente el hecho histórico sino transmitir un mensaje patriótico. Era una obra moralizante en la que quería exaltar el deber que tenían los ciudadanos de sacrificarse por su país. Aunque el lienzo no pretendía apoyar la conspiración contra la autoridad del Estado -como demuestra el hecho de que fuera el propio rey Luis XVI quien encargó el cuadro-, en la atmósfera tensa de los años anteriores a la Revolución  su contenido fue interpretado en este sentido.

• Características artísticas.

1. 1. Escena idealizada. Los personajes con sus actitudes transmiten artificialidad y teatralidad. De hecho, el tema además de en la obra de Tito Livio también se basaba en un obra de teatro de 1640, Horace de Pierre Cornielle. Drama truculento que impulsa a la gesticulación, tal y como actuaban los actores de la época. Pese a todo no trasmite emoción, porque sus personajes contienen con frialdad los sentimientos.

1. 2. Sobriedad. La habitación carece de decoración, sólo unas columnas toscanas enmarcan la escena. Los trajes son simples, sin aditamentos especiales. No buscan mostrar lujo, sino sencillez y austeridad, valores de aquellos hombres que hicieron grande a Roma.

1. 3. Dibujo y escultura. Prescinde del aura vaporosa y esfumada que tanto complacía a la pintura rococó coetánea. La pincelada es pulida, evitando que se note. Las figuras se delimitan dibujísticamente. Tanto hombres como mujeres se asemejan a estatuas o mejor, dado el carácter triangular de la composición, a relieves de frontones. Con los dibujos que acompañan estas líneas, que le sirvieron de bocetos, se puede comprender la técnica del pintor.



2. 4. Color. El cromatismo se subordina al dibujo. Los colores tampoco importan especialmente, salvo tal vez el rojo de la túnica del padre, que se convierte en un símbolo de la sangre a derramar en un futuro próximo.
3. 5. La luz. El tenebrismo de Caravaggio está presente en la obra al utilizar la luz de claraboya e iluminar selectivamente la escena. La luz también sirve para proyectar sombras alargadas sobre el suelo, que sirven para crear junto con la cuadrícula de las baldosas el efecto de profundidad. La luz es fría, lo que da solemnidad al conjunto.
4. 6. La composición. Los tres arcos del fondo dividen la composición del lienzo en tres zonas separadas: a la izquierda los tres hermanos; en el centro, el padre; y a la derecha, las mujeres y los niños.  Los personajes aparecen afianzados creando con sus piernas y cuerpos un triángulo. El centro de la composición es la mano del padre que tiende las espadas hacia la que convergen las líneas compositivas y las miradas. El equilibrio es total.

Este es el SEGUNDO de los dos juegos que os propongo para preparar el control sobre la obra de Velázquez y de Goya. En la siguiente imagen hay 6 detalles de estos dos pintores y hay que averiguar sólo

1. 1.-- El Pintor.
2. 2.-- El detalle que se capta de una escena o título de la obra.

CONDICIONES DEL JUEGO.

• La contestación será a través de los comentarios  y habrá que contestar las seis obras de una vez en una lista numerada por orden (imagen 1, 2, 3...). Esta vez no consiste en elegir una única obra y contestar a la misma sino que debe darse solución a las 6 para que la respuesta sea válida.
• El premio es suculento. Todo aquel que conteste correctamente la lista completa obtendrá un punto en el control. No hay otro premio posible: si se falla, aunque sólo sea uno de los seis títulos y se haya contestado bien los seis autores y los cinco títulos restantes, no se obtiene nada.
• Sólo hay una posibilidad de comentario por persona. Por ello,  hasta que no tengáis todo el ejercicio hecho no lo mandéis.
• Vuestros comentarios no aparecerán en el blog hasta el jueves por la tarde. Ese día publicaré todas las contestaciones y diré si hay ganador o ganadores.

RESPUESTAS CORRECTAS Y GANADORES

Saskia y Francisco José "han tropezado sobre la misma piedra". Los dos habéis contestados correctamente la serie de detalles, salvo el número 3

"1- Velázquez: Jardín de la villa Medici.
2 - Velázquez: La fragua de Vulcano.
3 -
4 - Goya: La pradera de San Isidro.
5 - Goya: El pelele.
6 - Velázquez: El aguador de Sevilla. "

Como prometí dar contestación, no puedo establecer ganador y bien que lo lamento. La búsqueda estaba reducida a sólo dos autores y habíais recibido una pista extra que acotaba aún más los cuadros. Sabíais que era un detalle de un retrato e incluso se podía intuir que era de Francisco de Goya por dos razones.

• La primera. Teníais identificado dos cuadros de este autor y tres de Velázquez y teniendo en cuenta que este juego era un "duelo" entre dos pintores, lo lógico era que fuera equitativo el reparto de obras.
• La segunda. El estilo de lo que se veía: un caballo muy parecido a los de La carga de los Mamelucos, unos rostros esbozados y un tanto deformados y un uniforme militar del siglo XIX (pernera, galones, cintas, espada)...

Bueno no me enrollo más. Este era el personaje que había que encontrar. Un arrogante Fernando VII (1814), que   Goya pintó cínicamente a la vuelta de aquél de su exilio dorado en Francia por encargo de la Escuela de Ingenieros. El artista se recrea en el vistoso uniforme y en el campamento militar del fondo. Todo es falso, su gloria militar durante la Guerra de la Independencia consistió en felicitar a su "primo" Napoleón Bonaparte por las victorias sobre aquellos que luchaban defendiendo su derecho al trono en España.

En muchos cuadros de Francisco de Goya se reconoce la honda huella que le dejó Diego Velázquez. Posiblemente lo has descubierto al estudiar la obra de estos dos genios. Aprovechando esta inspiración evidente, hagamos un ejercicio de relacionarlos a  través de las temáticas, la técnica e incluso de las obras concretas.

En la siguiente presentación de Slide (A) te propongo diez cuadros numerados de Velázquez y de Goya.

Seguro que reconoces muchos de ellos sin problemas... pero no podía ser tan fácil... Si te fijas debajo hay otro Slide (B) con otros diez detalles numerados de otros sendos cuadros de los dos pintores. ¿A que reconocer éstos ya no es tan fácil? Aún así si los miras con detenimiento verás elementos que te permitirán reconocerlos.

¿En qué consiste esta vez el juego?

El juego consiste en lo siguiente:

1.- Reconecer el autor (Velázquez o Goya) y el título de cualquiera de las diez imágenes del Slide A.

2.- Relacionarla con una imagen-detalle del Slide B, que ha de ser necesariamente del otro pintor, e identificar a ésta también con autor y título.

3.- Hacer un pequeño comentario de porqué están relacionados ambos cuadros. Deberás dar al menos una razón  argumentada. La relación puede ser muy evidente o algo más compleja. Me importa el razonamiento de porqué se emparejan ambas obras, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que, aunque relacionen correctamente las imágenes, luego no den una razón convincente.

Ejemplo.

Suponed que en el Slide A aparece esta imagen (imagen 11)

y pienso que la única imagen que tiene que ver con ella en el Slide B es ésta otra (imagen X).

Mi repuesta podría ser la siguiente.

"Imagen "11" del Slide A: El cacharerro de Francisco de Goya.

Imagen  "X" del Slide B: Detalle de Vieja friendo huevos de Velázquez.

Razones de la relación:

1. Goya y Velázquez realizaron algunos cuadros de temática costumbrista. En este caso una escena de mercado, el primero, y el interior de una cocina, el segundo.

2. o Goya pone en este cuadro mucho interés en representar la calidad de la cerámica, de hecho el título es lo suficientemente expresivo de la importancia de este tema. Velázquez, en este cuadro o en el Aguador de Sevilla, crea verdaderos bodegones cuyos protagonistas son las vasijas cerámicas.

Cualquiera de las dos razones hubieran sido válidas e incluso otras más imaginativas, siempre y cuando estuvieran razonadas.

Condiciones del juego.

1.- Un comentario por persona, salvo los tres primeros aciertos que tendrán una segunda oportunidad o comodín.

2.- Esta vez la puntuación a efectos de control será de 0,5 puntos en todas las contestaciones que se acepten como correctas.

IMÁGENES DESVELADAS

Francisco Javier (1) ha comenzado a desvelarnos las relaciones entre Velázquez y Goya.

"Slide A imagen número 9: Estamos ante el Cristo Crucificado de Goya

Slide B imagen número 9: Detalla del torso del Cristo Crucificado de Velázquez.

Razones: las razones que podemos dar para decir que la obra de Goya esta influenciada por la de Velázquez es, a simple vista, el color negro neutro de fondo que ambos autores utilizan. Como era común en el barroco el Cristo aparece con los cuatro clavos en ambas imágenes, aparte del soporte de los pies y el letrero de encima de la cabeza con la inscripción “IESUS NAZARENUS REX IUDEORUM” en los tres idiomas que le Santa Escritura dice, hebreo, latín y griego."

Una relación temática muy evidente. Pero también hay motivos técnicos y estilísticos que las unen: el utilizar el tenebrismo como técnica pictórica  o el resaltar un desnudo muy bello, idealizado. No obstante, la imagen de Velázquez evidencia más los signos de la pasión al mostrar las heridas de Cristo y, sobre todo, la sangre, algo que enlaza con la imaginería del Barroco y la obra escultórica de Martínez Montañés. El Cristo de Goya es más  incruento y "está más de pose", de hecho es un estudio de desnudo neoclásico para ingresar en la Academia de San Fernando en 1780.

----

Lorena (2) relaciona dos obras que en un principio no estaban previstas, pero que aún así acepto como válidas. Tienes derecho a comodín.

"Slide a Imagen numero 4. La Venus del espejo VELÁZQUEZ
Slide b Imagen numero 2. Saturno devorando a un hijo GOYA.

Razón: Este cuadro de Goya lo podemos relacionar con el de Velázquez por la mitología, ya que aparece Venus con su hijo Cupido, y en el de Goya, a parte de ser una pintura negra, aparece representado Saturno que está recreando el mito del dios Saturno comiéndose a uno de sus hijos por miedo de ser destronado por uno de ellos".

Efectivamente, el tema mitológico une estos dos cuadros, aunque  cuando puse estas dos imágenes no las enlacé directamente. Razón por la cual siguen disponibles ambas  para encontrar otras posibles relaciones de los dos Slide.

---

Muy bien, Rebeca (3) ha ganado el tercer comodín con la siguiente relación muy bien argumentada.

"Slide A imagen num 2. Autorretrato de Velázquez

Slide B imagen num 10. Autorretrato de Goya
Razón: La temática que los une salta a primera vista: ambos son autorretratos de los pintores y además, en ellos se puede apreciar el retrato psicológico, impulsado primero por Velázquez y que luego Goya heredó de él. Ambos tiene además un fondo oscuro e indefinido, donde la luz se concentra en el rostro y el personaje retratado mira directamente al espectador."

Nada que objetar.

---

Alma (4) resuelve la cuarta unión.

"Slide A imagen 6. Retrato de Manuel Godoy, Goya
Slide B imagen 5. Retrato del conde duque de Olivares, Velázquez
Razón: Se trata del retrato de dos validos de los reyes. En ellos, además, los pintores intentan favoreces la apariencia de los validos y ensalzarles (Godoy aparece con una postura arrogante en su asiento, y el Conde-Duque aparece aupado en su caballo con un aire triunfal). También se ve en ambos cuadros un cielo un tanto crepuscular y oscuro."

Buena relación, aunque en lo del cielo no estoy tan de acuerdo. En ambos casos aparecen halagados como grandes generales vencedores sobre los enemigos de España.

---

Alba Rubio (5) acierta con otra relación "real".

"Slide a: Imágen número 8. Felipe IV cazador VELÁZQUEZ.
Slide b: Imágen número 6. Carlos IV cazador GOYA.

Razón: El cuadro de Velázquez lo podemos relacionar con el de Goya debido a que la temática es la misma retratar a un miembro de la nobleza realizando el mismo oficio es decir, cazando además podemos observar perfectamente que el paisaje que emplean estos dos pintores es el mismo una sierra de fondo. Además podría puntualizar más aún que aparecen retratados con algunas semejanzas como el arma que portan y el perro que les acompaña."

La Sierra del fondo es la de Guadarrama y el bosque el Monte de El Pardo y la afición, más que el oficio, es el mismo, la caza. Dos apasionados de este "deporte" y de los perros. La atmósfera plateada... En fin, son los monarcas para los que trabajaron ambos pintores.

---

Bravo Lorena (6). Buen comentario y, esta vez,  buen uso del comodín.

"Slide a: Imagen 7. La carga de los mamelucos: 2 de mayo en Madrid GOYA

Slide b: Imagen 1. Detalle La rendición de Breda VELÁZQUEZ

Razón: Para que Goya se basara en este cuadro, cogió la idea de Velázquez de este cuadro bélico, aunque realmente es una propaganda política que se centra en la paz, pero sigue tratando de la guerra de Flandes. Además los personajes tienen gran realismo. En el cuadro de Goya, describe la lucha de los mamelucos en la puerta del Sol de Madrid, también tema bélico. Los personajes retratados, también tienen realismo, como lo hacía Velázquez."

El tema bélico une estas dos composiciones, aunque centrados uno en la violencia de la guerra y otro en la caballerosidad entre enemigos. Velázquez realiza este tema histórico con elegancia y mesura, lo que contrasta con el salvaje acometimiento de los madrileños y de los mamelucos del cuadro de Goya. En este último caso los rostros se deforman... Es claramente un alegato contra la guerra, mientras que el cuadro de Velázquez parece que la guerra es algo amable, algo que tiene reglas.

---

Claro que vale Francisco Javier (7). Ya me extrañaba que nadie se decidiera por lo más obvio.

"Slide A: Imagen número 3, Familia de Carlos IV de Goya.

Slide B: Imagen número 7, detalle de Las Meninas de Velázquez.

Razones: nuevamente vemos la influencia del maestro sevillano sobre Goya. Una de las razones que podemos dar es la temática de la representación, puesto que ambos describen una escena familiar de la realeza. Pero es una razón demasiado evidente a simple vista. Razón más contundente puede ser la referencia del autor que se incluye en ambas obras dentro de la misma, autorretratándose a él mismo con la familia, aunque en un espacio de luces menos iluminado, puesto que lo que importa es la familia real con más iluminación."

La diferencia es que Velázquez recoge una escena casual, aunque muy meditada en composición, en la que por entonces princesa heredera asiste  a la pose de sus padres (reflejados en el espejo del fondo) para en retrato oficial que está pintando el autor. En el  cuadro de Goya todos los miembros de la familia real están posando para el retrato. La composición también tiene miga, porque todos los personajes tienen una ubicación peculiar en el cuadro, incluido el pintor que hace un homenaje a  su admirado Velázquez y así mismo... je, je. La perspectiva aérea es un atributo técnico notable en ambos cuadros, aunque hay más profundidad en Las Meninas y más recursos magistrales para captarla.

Esta es mi propuesta cultural para el fin de semana de aquellos que lo pasen en Madrid.

El 29 de Octubre se inauguró en la Real Academia de San Fernando de Madrid la exposición "Carlos III, entre Nápoles y España". La organiza la Embajada de Italia en conjunto con la Academia y la patrocina ENDESA.

Retratos de Carlos III y Amalia de Sajonia por Giuseppe Bonito.

La exposición no es muy extensa, apenas 48 piezas, pero merece la pena ya que están bien seleccionadas y nos permiten conocer el contexto artístico y político de 1759, año en que se produjo la ascensión al trono de Carlos III. Su hermano Fernando VI, había fallecido sin descendencia y Carlos, que ya era rey de Nápoles y Sicilia desde 1734, tiene que asumir la corona española. Dejó tras 25 años de gobierno el reino italiano a su tercer hijo  -Fernando-, que sólo tenía en ese momento 8 años, y partió de Nápoles con el resto de su familia hacia España.

Embarque de Carlos III desde la dársena de Nápoles, 1760, por Antonio Joli.

La muestra nos enseña que Carlos III trajo consigo además unas vivencias artísticas que explican el apoyo decidido del monarca a la transformación del barroquismo de inspiración francesa por un nuevo espíritu neoclásico. Durante su reinado fue el impulsor de las primeras excavaciones de Pompeya y Herculano, pero también -y esto es algo que desconocía- de las ruinas del santuario de Paestum. El cuadro de Antonio Joli alude a esos trabajos de dibujo y catolagación del conjunto de templos mejor conservados de Grecia. El interés por rescatar el mundo grecorromano animará a la transformación artística.

Templo de Hera en Paestum, por Antonio Joli.

El espíritu del neoclasicismo ya se respira en la obra de su arquitecto Luigi Vanvitelli, del que se exponen algunos diseños del palacio que construyó para Carlos en Caserta o de su ideas para el palacio de Oriente de Madrid, que por entonces estaba en construcción.

Proyecto escalera  para el Palacio Real de Madrid, por Luigi Vanvitelli.

Se exponen algunos de los objetos que Carlos III se trajo de Nápoles para iniciar en Madrid una nueva vida: cerámicas de Capodimonte, esculturas, una mesa de piedras duras y, sobre todo, los retratos familiares. De éstos  destacaría los magníficos retratos de Giuseppe Bonito del rey y de su esposa Maria Amalia de Sajonia, que podemos ver en una foto anterior, y los realizados por Francesco Liani de los pequeños príncipes.

Manufactura de Capodimonti. Satiros en porcelana.

Retrato de Antonio Pascual de Borbón, por Francesco Liani.

Giacinto Diano pinta a otros personajes de la corte. Mientras Michele Foschini retrata el acto de renuncia de Carlos III a la corona italiana ante su hijo y la jura posterior de éste como nuevo rey de Nápoles y de Sicilia.

Antonio Joli nos ofrece unas vistas impresionantes de la bahía de Nápoles en el momento de la partida del rey. Los cuadros de Joli son, a mi parecer, el mayor atractivo de la muestra. Razón por la cual vamos a recrearnos un poco en su obra.

Discípulo de Canaletto y experto en decorados teatrales sabe captar los paisajes y las perspectivas como pocos. Con una minuciosidad increible refleja el ambiente que se vivía en la ciudad italiana con la partida del rey. Con mucho acierto se incluye también en la exposición  una de las mejores vistas que realizó de Madrid entre 1750-54. La ciudad que va a acoger al nuevo rey empieza a cambiar su imagen, se están haciendo obras todavía en el Palacio Real. Merece la pena contemplar en directo este gran cuadro y no perderse ni un sólo detalle: las fotos que he conseguido le hacen poca justicia.

Embarque de Carlos III, detalle de la vista desde el otro lado de la bahía. Por Antonio Joli, 1760.

Embarque de Carlos III visto desde la dársena del puerto, detalle. Al fondo se puede ver como testigo del acontecimiento al Vesubio humeante. Por Antonio Joli, 1760.

Vista de Madrid. Antonio Joli, 1750-54.

Vista de Madrid. Detalle del puente de Segovia, la ermita de la Virgen del Puerto, la puerta de Segovia y el Palacio sin la plaza de la Armería (en explanación) ni los jardines del Campo del Moro . Antonio Joli, 1750-54. El "skyline" es muy detallado y se pueden reconocer muchos edificios más.