El día 10 de mayo se inaugura - y hasta el 9 de junio- en la Galería Barnadas de Barcelona la exposición "Interior" de la pintora madrileña Alejandra Caballero. Si podéis acercaros en estos días disfrutaréis de un estilo singular, íntimo y bello. Si no podéis os invito a echar un vistazo en el catálogo que ha editado la Galería y en las fotos de este post o en las de la  página del evento.

Interior Alejandra CABALLERO Galería BARNADAS

En este mismo blog ya he tratado su obra en otros artículos, por lo que no creo que sea necesario insistir en la calidad  de la artista ni en su capacidad de conmover con sus cuadros sencillos, pero esenciales. Sin embargo, hoy voy a reflexionar sobre algo que me atrapa cada vez que veo sus cuadros: sobre la serena soledad y el silencio.

Alejandra Caballero. Lectura, 2012. 50 x 81 cm.  Detalle.

Las protagonistas de los cuadros de Alejandra Caballero emanan serenidad, distancia y silencio. Son solitarias que buscan su momento para abstraerse de lo que sucede a su alrededor. Se ausentan del ruido que sufrimos durante el día a día; atesoran la intimidad de su silencio alejadas de todas esas personas que las rodearon en el trabajo y que supusieron la obligación y la tensión. Se encuentran en su santuario, alejadas del trajín vacío, en paz con ellas mismas.

Alejandra Caballero. Habitación azul, 2012. 65 x 84 cm.

Y es que la soledad de sus mujeres no es motivo de tristeza, sino de reflexión. Es una oportunidad para asomarse a ese ser que a menudo ignoramos y que está dentro de cada uno y que las prisas y el ruido de la vida que llevamos no te permiten oír. Es cuestión de detenerse un instante, de hacer un silencio, de confiar en que la inspiración de la pintora tiene que llegar para sacar a la superficie lo que somos: seres especiales y, a la vez, iguales; seres que nacemos, vivimos y morimos.

Alejandra Caballero.  Amanecer, 2011. Óleo sobre lienzo, 45 x 60 cms.

Y cuando algunos de sus personajes se encuentran no se producen silencios incómodos. Cada individuo respeta, como algo natural,  la interioridad del otro, sus fantasías y ensoñaciones. Y se hace cierto el dicho de que de los silencios surgen más frases que de los diálogos forzados. El mismo mundo por el que transitar, pero en vidas paralelas.

Los silencios son roedores de historias en nuestra mente.

Alejandra Caballero. Esplendor, 2012. Óleo sobre lienzo, 81 x 87 cms.

Para conocer mejor su obra podéis consultar además estos links.

- La pintura de Alejandra Caballero. La seducción por lo cotidiano.

- Alejandra Caballero. El inicio del viaje y habitación de hotel.

Tengo el placer de presentaros la obra pictórica de Juan Bautista Nieto, nacido en Lora del Río, Sevilla, en 1963.

Juan Bautista Nieto. La habitación, 2009. Detalle.

Su estilo es inconfundible.

1.- Técnicamente. Parte del hiperrrealismo fotográfico, pero en blanco y negro. Lo que me asombra de su trabajo es que con sólo las distintas tonalidades del gris sea capaz de transmitir tanta emoción a cada uno de sus cuadros. La mayor parte de su obra la realiza con una base de pintura acrílica sobre tabla preparada a la que aplica tinta, grafito y acuarela para conseguir los distintos tonos. El efecto final es una obra entre la fotografía en blanco y negro y el dibujo. En el vídeo se puede comprender cómo trabaja con estos materiales.

2.- Luego, por su puesto, está la calidad en reproducir hasta el más mínimo detalle, con una meticulosidad y un amor propio de un pintor flamenco del siglo XV. Se  podría decir que su intención es introducirse en el objeto para compartir su esencia y mostrarnos la perfección en su simplicidad. Él nos demuestra que una simple taza o una aceitera puede ser bella si somos capaces de contemplarla con amor.

3.- Su temática no es muy variada, se concentra básicamente en dos aspectos:

• Las naturalezas muertas de objetos simples o frutas (peras, granadas y melón) a las que a veces "da vida" con unas manos que las manipulan o las señalan dándoles un significado simbólico. Son manos de magos que juegan con nuestra imaginación al visto y no visto.

• La mujer es su otra dedicación. Mujeres que posan solitarias y  a las que el pintor contempla

El cuadro se llama "Culpa" y es una de sus últimos trabajos. si queréis saber más de su obra. Podéis ira a su web http://www.juanbautistanieto.com/ES/works.html

Allí encontraréis mujeres cocinadas a fuego lento, ensimismadas, en cuarto creciente, pilladas en su intimidad, recortadas por un silencio espeso. Mujeres que son una joya mal guardada, expuestas, sin rostro ni necesidad de la concreción pagana de una boca. Niñas que son una y a la vez son todas, pero, eso sí, sin color ni mirada. Cuerpos generosos, vestidos con ecos de surrealismo, ofrecidos en poses que son meditación sobre el acto mismo de pintar. Cuerpos carnales que gustan y reclaman manos. Cuerpos para el pecado, la curiosidad y la gula: curvas resucitadoras. Cuerpos que, de tan luminosos, no necesitan espíritu que los anime. Y el espejo, como dijo Roque Dalton, para los vampiros.

Ikenaga Yasunari es un artista japonés cada vez más conocido en Occidente. Su espaldarazo a la fama fue la última Art Fair Tokyo de 2011 (abril), en que se vendió toda su obra expuesta el primer día. Sus cuadros representan a hermosas mujeres, cuyas expresiones y posturas sugieren una atmósfera de nostalgia. Son siempre mujeres japonesas modernas, pero tratadas con un estilo de pintura que refleja las antiguas tradiciones japonesas o "Nihonga", lo que da a sus obras una sensación atemporal. Aquí os presento un vídeo con sus últimos lienzos y  espero que su estilo os guste tanto como a mí.

Datos biográficos.

Poco sabemos de Ikenaga Yasunari: que nació en 1965 en la prefectura de Oita y que se graduó en la High School Midorigaoka Universit en 1984. Sus primeras exposiciones son de 2004.

Materiales y técnica.

Las pinturas, ligeramente polícromas, están hechas con pigmentos que obtiene a partir de minerales, conchas, corales e incluso piedras semipreciosas como la malaquita, la azurita y el cinabrio. El aglutinante es la cola de pez. Para darle más sensación de lujo incluye a veces finas láminas de plata y oro. La pintura se extiende con agua y con pinceles especiales Menso, muy pelo muy fino, lo que permite la calidad de detalle.

Ikenaga Yasunari, Sachiko, 2010. Pigmentos minerales, lienzo de lino, cola de pez , tinta china y oro..

Pese a que su pintura se puede definir como tradicional o "Nihonga",  Yasunari introduce algunos elementos extraños a la cultura Japonesa, que proceden de la pintura occidental. El soporte es el primer elemento rupturista de este pintor al utilizar lienzos de tela de lino, en vez del tradicional washi (papel artesanal japonés) o la seda.  También utiliza la técnica del sombreado en algunas partes de los rostros, como labios u ojos, lo que les confiere mayor volumen y expresividad, pero ésto precisamente le aparta del "Nihonga" de planos de color uniformes. Los motivos vegetales que visten o con las que se rodean sus mujeres recuerdan a los diseños de Arts & Crafts y del modernismo, evidentemente influidos éstos a su vez por la moda y la estampa japonesa del siglo XIX.

Ikenaga Yasunari. Makiko. En este detalle se puede ver muy bien el tramado de la tela y los efectos volumétricos del sombreaso en labios y cejas.

Estilo. La belleza de lo efímero.

Yasunari combina el estilo artístico de las antiguas pinturas japonesas con los temas modernos.

Los principios estéticos del arte japonés están presentes en sus obras, como:

• - Kokoro o una especial sensibilidad entre la sensación y el pensamiento racional.
• - Miyabi o estética de líneas elegantes.
• - Mono no aware o empatía hacia las cosas efímeras. Es decir, nostalgia ante la belleza de las cosas que tan pronto las ves desplegadas, como un abanico, como se pierden.

Ikenaga Yasunari. Tomoko, 2004. 33cm x 24,5cm.

• - Yugen o atmósfera de misterio y profundidad, algo que está suspendido entre la presencia y la ausencia. Es más una sugerencia, que un perfil acabado. Es aquello que sólo puede ser sugerido, pero no definido, es una gracia refinada y subyacente.
• - Wabi o convencimiento de que la belleza debe nacer de la simplicidad extrema, que los rostros, por ejemplo, sean serenos en busca del recogimiento interno y no reflejen gestos o sentimientos grandilocuentes.

Ikenaga Yasunari. Yu, 2010.

• - Sabi o estética de la presencia del paso del tiempo en los objetos. Esa pátina de color sepia que tienen los cuadros que hace que pensemos que estamos ante fotografías antiguas
• - Fukinsei o búsqueda de la asimetría en las composiciones.

Ikenaga Yasunari. Natsumi, 2011.

A ello hay que añadir el toque de sensualidad y la atmósfera de ensueño que siempre tienen sus mujeres. Sus expresiones y posturas naturales atraen necesariamente al espectador. Y tan atractivos como sus rostros son las ropas que visten con motivos florales o rayas.

Ikenaga Yasunari. Shima, 2011.

En su  página web podéis seguir viendo su obra, en la que cada cuadro se acompaña de un poema sugerente o haiku, lo que pasa que en japonés (sólo para iniciados). El poema es una invitación a la participación del lector y del espectador. Invitación a que sea él, el que le de un posible sentido a ambos, así cada uno de nosotros rehacemos su significado una y otra vez, sin determinar una única posibilidad.

También podéis ver en este mismo blog:

UKIYO-E, IMÁGENES DE UN MUNDO FLOTANTE. LA PINTURA POPULAR JAPONESA DURANTE EL SHOGUNATO TOKUGAWA.

Alejandra Caballero (Madrid, 1974) nos ha regalado este verano tres nuevas obras cargadas de encanto donde la mujer, captada en momentos íntimos de soledad, sigue siendo el centro de su atención. Son cuadros bellísimos que merecían un nuevo artículo en este blog. Qué mejor forma de agradecer su detalle que ofrecer a una colaboradora y admiradora de su obra, Calíope, que nos deleitara con sus impresiones acerca de los cuadros. Espero que os guste este recorrido poético.

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Si algo caracteriza a Alejandra Caballero es la quietud profunda presente en sus obras. Una cotidianeidad íntima (semejante a la de los flamencos holandeses), acompañada de una pincelada difusa, dan como resultado la impresión de languidez, como si estuviera diluido. A su vez los tonos destilan armonía y suavidad, transmiten paz, sensación de nostalgia, de profunda calma, de serenidad.

Alejandra Caballero. El inicio del viaje, 2011. 81 x 73 cms.

Centrándome en El inicio del viaje es muy característica la negación del rostro de ella, como si estuviera destinada a comenzar a rehacerse, a empezar una nueva vida. La presencia del perro no hace más que acompañar este gesto, pues aunque ella va a emprender su viaje, no abandona esa parte de sí misma que simboliza el mayor amigo del hombre, sino que continúa evolucionando, con el hogar y su trayectoria a sus hombros.

También son significativas las dos puertas presentes en el cuadro. Una, llena de luz, a la que guía el pasillo central abierta de par en par, abre el paso a nuevas expectativas, a un paisaje desintegrado, lo que aún está por vivir, pero que la está esperando. En cambio la puerta que se posiciona tras ella es oscura, como si dejara el pasado o al menos un mal recuerdo atrás.

La misma posición sosegada pero indecisa de ella advierte de ese estado meditabundo que precede a las grandes decisiones. Tocada por la luz, la mujer se deja llevar por esa atmósfera refulgente, ese nuevo mundo, al que curiosamente el perro da la espalda, y ni siquiera hace el ademán de agarrar la maleta, pues se nos revela en ese instante de diálogo con uno mismo. El color blanco de la maleta produce un fuerte contraste con la indumentaria negra de ella, en relación a la sombra que aún la acecha detrás, la puerta ya mencionada, y que aún le cuesta dejar atrás, de la que aún está empapada. Todo este simbolismo aporta al conjunto la sensación de sublimación de la escena, como si fuera onírica, imprecisa, lo que se relaciona con el tema descrito.

A su vez, en el hermoso tapiz que es el suelo (que da cuenta de la diversidad del camino de la vida) convergen los tres tonos vagos e imprecisos que integran el cuadro: el azul pálido (que corona el horizonte y el marco de la puerta de salida), el siena que invade toda la pared y que a veces se torna sangriento pero otras se ve asediado por el blanco sucio o mejor, el gris más puro que irradia la puerta y el exterior y que es hacia donde, como ella, se dirige nuestra vista, al futuro, ese instante de presente que es el cuadro y el pasado que se esconde tras la puerta negra.

Alejandra Caballero. Habitación de hotel, 2011. 81 x 100 cms.

El de La Habitación de Hotel es aún más íntimo si cabe. El momento que Caballero comparte con nosotros es único, tiene un encanto personal, pues aunque es un gesto cotidiano, está tratado de forma natural y ahí se encuentra el hechizo, en esa atmósfera de nuevo borrosa, impresionista, de pincelada temblorosa, palpitante y amplia, que trasmite vacilación y una alta quietud.  De nuevo nos encontramos en un espacio cerrado, concretamente, en el ángulo de unión de dos de las paredes. Si algo rompe el equilibrio de los tonos eso es el rojo, intenso y evocador, de la falda de ella, que vistiéndose, da la espalda a la ventana, punto de luz (que sitúa el desequilibrio del encuadre fotográfico, de nuevo tan impresionista), poniéndose el sujetador, concentrada, con la cabeza gacha. El recurso del espejo rompe la calidez del ambiente con tonos no ocres y rojizos, sino verdosos y pardos, acompañado de un escaso mobiliario que hace notar la estancia en el hotel, (frugal y escasa), así como la tristeza del suelo o lo tenues que son las sombras que proyectan la mujer y la silla.

A destacar por último podemos señalar el pórtico en relieve que sobresale de la pared central, del color de la misma, y que llama la atención tanto por su sencillez rústica como por su presencia. Podría aventurarse que alude a la falta de libertad de ella, que busca la propia soledad dando la espalda a la ventana, así contribuye más a la sensación de un momento tan fugaz (rescatado como bello al igual que la mitificación que los impresionistas hacían de lo más trivial), vivido un instante, pero no por ello menos importante.

Alejandra Caballero. Vacaciones, 2011. 73 x 100 cms.

En Vacaciones, más de la mitad de la obra es un paisaje. De nuevo esos tonos pálidos, azul y amarillo, mar y arena, que se mezclan y encuentran su unión en el cielo, de un azul traqueteado por manchas de un ocre pálido, que se comen los últimos restos del horizonte. En el margen izquierdo la mirada perdida de una figura femenina observa meditativa en un momento totalmente casual, dicho paisaje. Es casual porque vemos que ni ha terminado de salir de un edificio del que solo contemplamos las puertas abiertas de par en par, de nuevo esa liberación, esa salida, esa vida respirable. El propio nombre del cuadro, Vacaciones, es visible en el calzado de ella, en su cabello recogido, su vestido instigado por el viento, su actitud de estar sumida en sus pensamientos, quizá el paisaje la propicia a ello y le sirve como telón de fondo. Se aprecia un blanco edificio empequeñecido por la distancia, de sinuosidades de tierra entrometiéndose en el mar.

Por Calíope.

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Los cuadros se han expuesto en la colectiva de verano (Julio) de la Galeria Jordi Barnadas de Barcelona. Para ver más cuadros de la artista os recomiendo esta presentación y el artículo que le dediqué allá por Mayo.

El Museo Thyssen‐Bornemisza de Madrid presenta desde el 28 de Junio y hasta el 25 de septiembre de 2011 la tan esperada exposición antológica del artista español Antonio López (Tomelloso, 1936). Es un acontecimiento que sólo ha tenido como precedente comparable la exposición que en 1993 tuvo lugar en el Museo Reina Sofía. El propio pintor ha dirigido la selección y el montaje de su obra, lo que convierte a la muestra en casi un manifiesto autobiográfico.  Para que nadie se pueda perder el placer que produce la contemplación de la obra de este pintor he preparado una presentación de ppt con las mejores imágenes y los detalles más cercanos que he podido encontrar. Vedla a pantalla completa para no perderse nada. He añadido algunos cuadros más que no están en la muestra porque los considero importantes para entender el conjunto de su obra.

La exposición.

En la muestra podemos ver  cerca de  130 piezas entre pinturas, dibujos y esculturas, que abarcan todo el devenir de sus 60 años como artista pero sin un orden cronológico continuo. En el siguiente documento tenéis los datos técnicos.

Listado de Obras Antonio López

El recorrido comienza en las salas de exposición de la planta baja del Museo, con un vestíbulo de entrada donde aparecen tres obras a manera de síntesis de su producción. Antonio López ha escogido para  presentarse: unos bustos en escayola copiados del templo de Zeus en Olimpia, con lo que quiere decirnos que se declarara heredero de la tradición clásica; un cuadro de su primera etapa, Carmencita jugando (1959‐1960),  para hacernos saber lo importante que es para él su familia y sus orígenes manchegos; y su primera vista panorámica importante de Madrid, Terraza de Lucio (1962‐1990), que es testimonio de su forma de trabajar -lenta, pero constante- y de la temática que le ha hecho popular, la ciudad que le fascina y que ha pintado decenas de veces, pero también de las cosas sencillas (un muro, una terraza, un rosal...).

Antonio López. Terraza de Lucio, 1962‐1990. Óleo sobre tabla. 172 x 207 cm. Colección privada.

A continuación entramos en la parte de la muestra que se ha querido resaltar: la producción de los últimos veinte años, la que sólo hemos podido ver en exposiciones parciales desde aquella retrospectiva del año 93. Las salas se estructuran a través de tres/cuatro ejes temáticos fundamentales: su  familia; las vistas de Madrid;  las sencillas composiciones hechas en el interior de su casa, de su taller o de su huerto; y la figura humana.

• Su familia (su esposa y sus dos hijas, Carmen y María) y él  nos acompañan en escultura, dibujo u óleo por estas primeras salas. Son como nuestros guías particulares de la exposición.

Antonio López. Mari y Antonio, 1967‐1968. Madera policromada. Hessisches Landesmuseum Darmstadt. Este es uno de los pocos autorretratos del pintor. Le acompaña su mujer.

• Grandes espacios ocupan sus conocidas vistas de la ciudad de Madrid desde Torres Blancas, desde Capitán Haya, desde le Palacio Real, desde Vallecas...Son cuadros en formato apaisado, llenos de matices de luz, de color y  de detalles. Aunque son conocidos no dejan de sorprender cuando se pueden ver in situ y adentrarse en los miles de detalles, que una foto impide resaltar. Por supuesto, que está también su mítica vista del arranque de la Gran Vía. A esta avenida se le dedicada una sala entera, puesto que a este cuadro le acompaña una serie en la que viene trabajando el pintor  desde hace varios años. Se ha propuesto captar vistas de la calle en un día concreto, el 1 de agosto, bajo luces de distintas horas del día. Algunos cuadros están más terminados que otros, pero yo creo que ni el propio pintor sabe cuando se acabarán, pues sólo le valen para pintar 30 minutos de luz de 15 días del año. Estos óleos nos muestran a un Antonio López que ama la ciudad de Madrid, sus edificios y su luz, pero que a su vez la muestra vacía de gente... solitaria.

Antonio López. Gran Vía, 1 de agosto, 13.45 horas. Cuadro inacabado, 2010-2011. Óleo sobre lienzo, 130 x 120 cm. Colección del artista.

• En esta planta baja también hay una sala dedicada a sus otros grandes motivos: sus sencillas composiciones que tienen como objetivo captar la esencia de los objetos y retenerlos en el tiempo. Hay una completa selección de dibujos y pinturas de su taller, de los objetos más triviales y cotidianos como una nevera abierta, y de su huerto. En estas obras podemos seguir reflexionando sobre los conceptos de realismo y cuadro finalizado en la obra en Antonio López. Como muestra sirva el detalle que ofrezco debajo de Nevera nueva donde lo aparentemente perfecto y delimitado se convierte en mancha y esbozo de color.

Antonio López.  Nevera nueva, 1991‐1994. Óleo sobre lienzo. 240 x 190 cm. Colección privada de Florentino Pérez, Madrid. Abajo detalle de la parte inferior de la puerta.

• Y, en último lugar, hay un espacio para la representación de la figura humana, tan importante en su producción tanto en escultura como en dibujo. El desnudo y  la proporción son los protagonistas. Figuras estáticas, personas atemporales que no reflejan los cánones idealizados clásicos, sino los de los seres mortales. Me recuerdan, en cierta manera, a la estatuaria funeraria romana.

Antonio López. Hombre y Mujer, 1968‐1994. Madera policromada. Hombre: 195x59x46 cm. Mujer: 169x42x38 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

La exposición continua en las salas del primer sótano del Museo (salas Moneo) con un recorrido tanto temático como cronológico.

• Aquí están los primeros cuadros de formación de los años 50 en Tomelloso y en la Escuela de Bellas Artes y San Fernando de Madrid. Podemos ver unos inicios con un estilo bien distinto, de pintura más matérica, donde podemos ver retazos de collage y al óleo mezclarse con la ceniza, el papel o la tierra. Los volúmenes de sus figuras son rotundos, incluso tendentes a la geometrización. Temáticamente practica el bodegón y  y el retrato de familiares y amigos de forma individual o por pareja. Sus personajes están absortos, con una mirada distante y de eternidad.

Antonio López. Mis padres, 1956. Óleo sobre lienzo adherido a tabla. 87,3 x 103,9 cm. Centre Georges Pompidou, París.

• Desde finales de los 50 y hasta bien entrados en los 60, su estilo tiende hacia el surrealismo. Cada vez cobran más importancia escenas inquietantes, espacios aparentemente lógicos pero donde suceden hechos extraños o encontramos objetos situados fuera de su contexto habitual. La alacena es uno de esos ejemplos. El abigarrado mueble se encuentra coronado por la cabeza flotante de una mujer y de un candil.

Antonio López. La alacena, 1962‐1963. Óleo sobre tabla. 200 x 100 cm. Colección privada.

• Desde mediados de los sesenta cobran cada vez más protagonismo los paisajes (en el piso superior) y las escenas de la intimidad de madurez del pintor. Me encanta La cena y especialmente los cuadros del cuarto de baño, un lugar a penas captado por los pintores y, sin embargo, es espacio habitual de todos los seres humanos, allí donde  nos encontramos verdaderamente con nosotros mismos en total soledad y reflejados en el espejo.
• En las últimas salas se ofrecen más objetos, flores y los últimos proyectos de su taller entre las que se encuentran los bocetos y las pruebas en escayola de las "cabecitas" de sus nietos. Es el material que le sirvió para realizar las colosales figuras de bronce que se pueden contemplar por ejemplo en la entrada del museo o en la estación del AVE en Atocha. Echamos en falta el prometido retrato de los Reyes que durante mese se anunció como obra reclamo de esta exposición. Creo que Antonio López igual que ha presentado otras obras inacabadas no debería de habernos privado de este retrato que había levantado tantas expectativas.
• En el exterior y en el hall central del museo se exponen sus obras monumentales, la ya mencianada "cabecita" de Carmen dormida y su gigantesca Mujer de Coslada de nada menos 5 metros de altura.

Antonio López. Carmen dormida, 2008. Bronce ed. 2 de 3. 243 x 200 x 228 cm. Cortesía Galería Marlborough. Expuesta en el jardín del museo.

La muestra se completa con la proyección de dos documentales elaborados específicamente para la ocasión con imágenes del trabajo de Antonio López en este último año, tanto en su estudio como en exteriores, así como diversas entrevistas a personas próximas a él. Se quiere indagar con ellos en su lado humano, lo que es fácil, porque es un hombre sincero, que no esconde nada. Su personalidad se refleja además en su obra: hombre apasionado por su trabajo; cordial; de carácter entre reservado y abierto: amante de la vida familiar y de sus amigos de siempre; de costumbres sencillas... Su vida no ofrece episodios novelescos ni bohemios. Es un hombre cabal, del que emana humanidad y normalidad. Como su pintura, es lo que se ve. Como no he podido hacerme con ninguno de estos documetales, os ofrezco el enlace a un reportaje de 15 minutos que le dedicó el programa Informe Semanal de RTVE con motivo de esta exposición, de título "Antonio López.,el maestro español del realismo".

Antonio López pintando en la Gran Vía.

Además, todos los sábados del mes de julio podrá verse en el salón de actos del Museo la película El sol del Membrillo (1990‐1992).  El cineasta Víctor Erice quiso explorar en cómo es el proceso de creación de una obra de arte. No es documental al uso sino más bien un diario que pone en relación cine y pintura. El objeto es contemplar a Antonio López pintando un membrillo en el patio de su casa.

La conclusión a la que finalmente llego al terminar de ver la exposición es que Antonio López no es un pintor realista o hiperrealista, como suele calificársele, sino un hombre que pinta su realidad.

Para saber más sobre la exposición podéis

- Entrar en la página que tiene el museo dedicada a la Exposición de Antonio López .

- Leer esta interesante entrevista realizada por el equipo de Hoy es Arte.

Tendrá un epílogo.

Tras su presentación en Madrid, la exposición podrá verse, en una versión algo más reducida, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, del 10 de octubre de 2011 al 22 de enero de 2012.

Descubrí la obra de la pintora Alejandra Caballero por azar. Navegaba sin rumbo por Internet, es decir, cotilleaba. Las páginas se sucedían a ritmo de rueda de ratón, dejándome llevar de unas a otras y a otras y a otras. Al cabo de media hora me di cuenta de que había una imagen que permanecía impresa en mi subconsciente y que merecía la pena volver atrás para recuperarla. No recordaba la web o el blog donde la había visto, pero sí que era una escena íntima y cercana que de alguna manera me había conmovido. Era La Cena de Alejandra Caballero, una pintora desconocida para mí entonces, y de la que todavía hoy sigo sin saber gran cosa porque hay poca información en la red. Tengo, por tanto, el atrevimiento de hablar de su obra y romper una lanza por ella, espero que sepáis disculparme si cometo algún error de apreciación.

Alejandra Caballero. La Cita (detalle), 120 x 130. 2009.

Lo que sé de Alejandra Caballero.

Nació en Madrid en 1974 y se licenció en 1997 en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.

Su primera exposición individual fue en 1999 en Madrid, pero desde el 2003 en que se afinca en Barcelona expone más habitualmente en las galerías de esta ciudad, especialmente en la galería Jordi Barnadas donde desde septiembre de 2004 acude a la cita cada dos años. Su última exposición la realizó en febrero de 2010 allí con el sugerente título “Yo no te pido…”, prestado del poema de Mario Benedetti. Esta exposición atrajo la atención de algunos medios como el dominical del periódico La Vanguardia (miércoles, 30 de febrero de 2010) que le dedicó un artículo a cuatro páginas. Más información sobre premios y exposiciones realizadas aquí. En Julio de 2011 ha participado en una exposición colectiva con tres nuevos cuadros que podéis ver comentados en este enlace. En Mayo de 2012 ha celebrado una exposición individual en la Galería Barnadas, llamada "Interior", que podéis ver comentada en este enlace.

Se le clasifica dentro de un estilo de figuración poética.

Alejandra Caballero. La piscina, 2009. 89 x 130 cms.

En esta presentación podéis ver algunas de las obras que he podido recopilar de ella. Aunque sin conocer a ciencia cierta la fecha de algunas me atrevería a decir que son en su mayoría de su producción más reciente, de entre 2007 y 2011. Espero que os gusten. Para verlas en todo su esplendor desplegarla a pantalla completa. Si queréis acompañarla con música tenéis una canción de Joan Manuel Serrat al final del artículo que le va al pelo.

Características artísticas y temáticas. Su relación con Hopper.

Es inevitable que la obra de Alejandra Caballero nos recuerde a la de Edward Hopper, porque sin duda le inspira en parte de sus cuadros. Comparte con él:

• - La atracción por lo cotidiano. A menudo la protagonista del cuadro es una mujer que realiza una acción intrascendente: lee, prepara el desayuno, duerme, contempla el exterior de lo que hay más allá de su espacio… Pero en el universo de Alejandra Caballero también tiene cabida la tierna infancia, lo que en la obra del pintor americano no existe, y los animales domésticos, perros y gatos, a los que dota de una expresividad muy humana. Los escenarios más habituales son en los dos casos espacios del ámbito privado, habitaciones, aunque el pintor americano prefiere representar a sus personajes en hoteles de paso y Alejandra en sus propios hogares. El tema del bar y el encuentro/desencuentro que se produce entre las personas que se refugian en ellos también es otro punto común.

Alejandra Caballero. El ángel del Raval, 2009. 50 x 50 cms.

• - Las composiciones simples. Una o dos figuras llenan la escena. No hacen falta más personajes para recrear una impresión. A menudo son personajes ensimismados en una tarea o acción como los de Hopper, aunque sin la carga de soledad o desamparo que tiene las de éste. Coinciden también en utilizar las estructuras arquitectónicas, sin aderezos decorativos, para obtener potentes perspectivas que nos guíen hacia el tema o hacia el espacio exterior. A veces, lo que sucede o, mejor dicho, lo que se sugiere que sucede más allá de la puerta o ventana abierta donde se desarrolla la escena es el verdadero protagonista del cuadro.

Alejandra Caballero, 2009. Amanecer (arriba). Comparación con Sol de amanecer de Hopper, 1952 (abajo).

• - Para ambos el tratamiento de la luz es decisivo para crear sensaciones, pero difieren en la sensibilidad de cómo lo abordan. Nuestra pintora prefiere que la luz inunde todos los rincones, es una iluminación que deja una sensación alegre y positiva. Hopper se sirve de la luz para crear violentos contrastes que dejan profundas y alargadas sombras que acentúan la soledad de sus personajes ante el mundo.

El cuadro "La Cena", 2009. Interpretación.

Una de las características más evidentes de la obra de Alejandra Caballero es que sus figuras aparecen en lugares donde todos podemos reconocernos: un pasillo, la cocina de un piso nuevo, un comedor, el porche de un chalet…, pero a la vez el ámbito resulta impersonal, como sacado de un recuerdo abstracto puesto que carece de detalles. Para ser más preciso diría que selecciona la información gráfica que le interesa según el ambiente que quiere crear o las posibilidades compositivas o expresivas que le den las formas de los objetos o su color.

En su cuadro de La Cena (2009) reconocemos una cocina alargada de cualquier piso moderno que termina en una puerta acristalada de salida a una terraza. Otros enseres comunes nos confirman el espacio: una encimera con su vitrocerámica… pero, incomprensiblemente, la cocina carece de frigorífico y, sin embargo, sí posee una campana extractora de humos. La razón es que la luz que puede emitir este aparato le sirve a la pintora para crear una iluminación cenital como un foco en el lado izquierdo del cuadro, desde donde redireccionar una luz indirecta e intima que necesita la ambientación del resto de la escena. Algo parecido ocurre con el fregadero que con su hueco geométrico y con sus brillos metálicos contribuye a compensar rítmicamente la mancha rectangular de la placa vitrocerámica, pero… sorprendentemente ese fregadero no tiene grifos.

La cocina está impoluta y sin un solo objeto decorativo ni cacharro, sólo un trapo de cocina ¿olvidado? No, se trata de introducir el objeto casual en un mundo tan ordenado y pulcro, algo que haga humano a ese espacio. Es  tan aséptico, un hogar limpio de paredes blancas, una casa recién estrenada que espera ser rellenada de recuerdos.

El ámbito impersonal descrito contrasta con la humanidad del otro foco de luz. Una lamparilla ilumina a un niño que toma la cena. Viste un sufrido babi azul con el que proteger la ropa de las manchas, lo que hace más real el momento familiar. Su madre le vigila amorosamente, pero esta escena queda abierta a la interpretación de cada cual. La madre contempla a su hijo con arrobo y seguramente escucha sus historias infantiles. ¿Pero en qué o en quién esta pensando ella? Su postura parece revivir con nostalgia el pasado… Tal vez el de otro momento parecido que vivió en su infancia junto a su madre o tal vez en su mente esté la pareja ausente que se pierde tan grato instante de paz familiar… Cada uno es libre de continuar la escena.

A través de la ventana vemos las luces de la noche de cualquier ciudad.

Pequeños instantes. La vida pasa tranquila.

Parafraseando a Joan Manuel Serrat "De vez en cuando la vida (:..) se hace de nuestra medida..."

De vez en cuando la vida
nos besa en la boca
y a colores se despliega
como un atlas,
nos pasea por las calles
en volandas,

y nos sentimos en buenas manos;
se hace de nuestra medida,
toma nuestro paso
y saca un conejo de la vieja chistera
y uno es feliz como un niño
cuando sale de la escuela.

De vez en cuando la vida
toma conmigo café
y está tan bonita que
da gusto verla.
Se suelta el pelo y me invita
a salir con ella a escena.

De vez en cuando la vida
se nos brinda en cueros
y nos regala un sueño
tan escurridizo
que hay que andarlo de puntillas
por no romper el hechizo.

De vez en cuando la vida
afina con el pincel:
se nos eriza la piel
y faltan palabras
para nombrar lo que ofrece
a los que saben usarla.

De vez en cuando la vida
nos gasta una broma
y nos despertamos
sin saber qué pasa,
chupando un palo sentados
sobre una calabaza.

Blog y contacto con la pintora.

http://www.alejandracaballero.com/

http://alejandracaballerosantamaria.blogspot.com/

Otros artículos de Alejandra Caballero en este  blog:

• Alejandra Caballero El inicio del viaje, Habitación de hotel  y otros cuadros.
• Alejandra Caballero. Interior. Sobre la serena soledad y el silencio.

La noticia.

El pintor Antonio de Felipe expone en el centro cultural de la Casa de Vacas del parque del Retiro de Madrid desde el día 4 y todavía hasta el 29 de Mayo una serie de pinturas titulada “LPop”.

El nombre resume claramente el hilo temático de la misma: es un homenaje a la música de los últimos cincuenta años a través de la reinterpretación de las carátulas de los disco de vinilo más influyentes del Pop-rock nacional e internacional, desde Los Beatles a nuestros días…, pero sin música (la SGAE seguramente le sacaría un ojo de la cara si lo intentara... Jajaja). El pintor empareja con humor y en su estilo colorista y alegre los iconos–portadas de LPs míticos, que están en el recuerdo de todos, con los propios mitos del pintor.

Cuando ayer contemplaba y tarareaba los cerca de 70 cuadros que se exponen, no dejó de invadirme cierta nostalgia porque en su inmensa mayoría representan la música/imagen que también me acompañó y me acompaña en mi vida. Pero esta sensación desaparecía cuando el pintor se hacía presente sugiriendo con gracia una nueva interpretación a la conocida portada.

El pintor. Breve biografía.

Antonio de Felipe nació en Valencia en 1965. Su vocación por la pintura le viene desde niño y por unos padres que le  impulsaron a estudiar en la facultad de Bellas Artes de Valencia.

Durante la carrera y durante ocho años trabajó en la publicidad, lo que ha dejado plena huella en su estilo y, en cierta manera, sigue practicando ese oficio al colaborar en el diseño de dominicales de periódicos y revistas o realizando cortinillas de continuidad para una cadena de televisión o diseños para vajillas.

Al comienzo de los noventa comienzan sus primeras exposiciones, contándose actualmente como realizadas más de setenta de forma individual y otras tantas de forma colectiva, tanto en España como el extranjero (Alemania, Italia, Suecia o Corea).

Su obra se organiza en torno a series temáticas, creando en cada una de ellas uno o varios iconos mágicos que a partir de su creación han servido para difundir su talento, pero también para que le salgan muchos imitadores y copistas. De entre sus series más importantes podríamos citar:

• MENINAS (1988-1991), donde las figuras femeninas de los cuadros de Velázquez, fotocopiadas a gran formato, eran transformadas en una estética colorista pop.
• MADONNAS (1991-1992). Vírgenes, niños y ángeles del Renacimiento y del Barroco, Murillo sobre todo, reinterpretadas en clave de De Felipe.
• LOGOTIPOS (1993-1996), dedicada al mundo del arte y de la publicidad, con obras como al "In-fanta de naranja" o “El Buen pastor con Norit".

Vaca Coca Cola, 1995.

• ROSTROS (todas las épocas, pero sobre todo 1997). Retratos de artistas, empresarias, actrices y hasta del mismo príncipe Felipe.
• VACAS (1995-1996). Fue su primera gran exposición, precisamente en la Casa de Vacas del Retiro, con cuadros como la "Vaca Top Model (Vogue)" o la escultura "Vaca Coca Cola". Su gran éxito mediático y sus modelos escultóricos dieron lugar a nivel internacional a la idea de las cowparade.
• THE SYMBOL COLLECTION (1999-2003), dedicada a la publicidad y a sus logos.
• CINEMASPOP (2002-2003), centrada en el mundo del cine y en la que rescató a la deliciosa Audrey Hepburn como icono pop, con creaciones tan conocidas como "Black Audrey" o "Desayuno con diamantes para la eternidad". También están aquí su particular homenaje a Marilyn, Bogart o la Guerra de las Galaxias.

Collage de distintas series.

• y POPSPORT (2006-2009), su penúltimo trabajo, dedicada al mundo del deporte, en la que el artista mezcla de forma inverosímil el mundo del arte y los dibujos animados con alusiones a distintas disciplinas deportivas, como en "La Menina de Cibeles".

En este video podéis conocer de forma rápida algo más de este pintor.

Tecnica.

Trabaja varias técnicas.

- La serigrafía.

- la escultura con materiales como cartón-piedra pintado (vacas) y poliéster y fibra de vidrio.

- los cuadros, fundamentalmente los realiza con acrílicos sobre lienzo con pinceles de formatos variados. El acabado técnico es muy pulcro. No así las camisetas del artista, que mientras trabaja no utiliza trapo y limpia los pinceles que utiliza en su camiseta.

Patos al agua, 2009.

El análisis de las obras.

Antonio de Felipe me lo ha puesto fácil para elaborar un análisis más profundo acerca de las influencias artísticas y temáticas que impregnan toda su obra. En esta muestra, se expone justo en el centro de  la sala principal un gran cuadro donde el mismo pintor se autorretrata en medio de sus personajes, "Mi mundo y Yo" (2011): es él con sus mitos o el bagaje personal de toda su vida, como queramos llamarlo.

Mi mundo y Yo, 2011.

La carátula que le inspiró es la del Lp de los Beatles "Sgt. Pepper´s Loney Hearts Clubd Band" (1967) que diseñó Peter Blake, uno de los grandes del pop art británico. El diseño vuelve a ser el mismo, pero casi la totalidad de los personajes del collage han sido sustituidos por los de Antonio. Se conservan de la antigua carátula del Lp las figuras de cera de la izquierda que representan a George Harrison, John Lenon, Ringo Star y Paul McCartney y las centrales reales vestidos de músicos de banda sicodélica, salvo la de Ringo, que deja hueco para el pintor con su camiseta "autoestampada"y sus pinceles.

El artista pone sobre el escenario todo lo que para él es y ha sido importante en su carrera. Os animo a que busquéis cada uno de los personajes o los objetos que describo a continuación sin orden de colocación.

1. - Sus orígenes ligados a la tierra, lo telúrico. Valencia, su ciudad natal, está representada por una fallera con su tocado, a la que ama y a la que debe sus inicios en la pintura y en parte ese deje irónico de su obra engarzado de la tradición del ninot fallero. España es el toro de Osborne, símbolo de nobleza y fuerza, que tiene a gala mencionar en casi todas las series que ha realizado. Las raíces de sus antepasados se identifica con la imagen de la Virgen del Sagrado Corazón de María, patrona del pueblo de sus padres (La Herrrería, Albacete). Su padre, fallecido, figura justo detrás del artista en blanco y negro, la persona que más le apoyó para llegar hasta aquí.

1. - Su infancia. El mismo aparece de niño con unos pantaloncitos cortos con tirantes y junto a él los recuerdos de los comics de papel y de televisión que luego ha plasmado en sus obras: los superhéroes Mazinguer Z y Superman, que representan el bien y su capacidad de vencer; Heidi, la bondad y el sentimiento; Mortadelo el de los mil disfraces; la pantera rosa, elegancia y picardía; Bambi, ingenuidad; unos pequeñísimos David el Gnomo y la Abeja Maya;  Tintín el aventurero; el ratón Mickey sosteniendo un Smile; la rana Gustavo... También aparecen sus juguetes madelmann y geiperman; la muñeca Barbie; sus primeras pinturas, las Alpino, por su puesto; sus primeras lecturas, el Principito; la sota de la baraja española con la que tanto jugamos, que ha cambiado la espada por la raqueta...
2. - La formación académica y artística, referentes "clásicos" en muchos de sus cuadros: Velázquez y la infanta Margarita de las Meninas con un osito; Leonardo da Vinci y su Gioconda; Picasso; Warhol; el David de Miguel Ángel; el Grito de Munch; una gheisa y un personaje de comic que simboliza la cultura japonesa....
3. - Los logos publicitarios, referencias a sus series más famosas.: Apple o la seducción de la tecnología; La Vaca que Ríe de los quesitos; el Michelín neumatizado; el Gigante Verde; el vaquero de Malboro; la botella de Coca Cola; y, por supuesto, Wally.

El taller del artista con algunos cuadros de esta colección. Homenaje a Pink Floyd, Bruce Sprinting, Alaska y Los Pegamoides...

1. - El cine, otra de sus pasiones. Desde la estatuilla del Oscar a sus actores, personajes y directores míticos: Almodovar; Indiana Jones; la guerra de las Galaxias (C3PO y Darth Vader, el señor del lado oscuro); Michelle Pfeiffer como Catwoman; un Tiranosaurio de Jurasic Park; el extraterrestre ET; Su amada Audrey; Marisol; Shirley Temple y Marilyn Monroe; Willliam Holden; Sean Connery como James Bond y Tom Selleck...
2. - Sus músicos. A parte de los Beatles, Alaska, Michael Jackson y Grace Jones.

Son muchos, pero aún faltan cientos más que no caben en el cuadro y que  hay que verlos en el resto de la exposición. Vais a descubrir un universo de relaciones surrealistas que tienen su porqué divertido e irónico.

- La balsa de la Medusa de Gericault que asoma en el mar embravecido de Tubulars Bells.

Tubular Helps, 2010.

- Los relojes blandos y las hormigas de la Persistencia de la Memoria de Dalí en el Lp de Mecano “Hoy no me puedo levantar”.

- Los Beatles atravesando la Gran Vía de Antonio López por su paso de cebra.

Gran Vía Road, 2010.

- David Bowie enmarcado por los tubos de óleo de la Serie negra del Equipo Crónica.

- Bart Simpsons posando junto a Michael Jackson.

- Porky volando junto a otros cerdos sobre la mítica fábrica de Pink Floyd.

- Superratón llevando el desayuno a los pasajeros del disco de Supertramp Breakfast in America.

- Madona en el centro del corro de La Danza de Matisse.

You can dance, 2009.

- La sirenita que acompaña a Boney M a hacer surf.

- Los cliks de famobil de The Police, terribles policías.

- Un largo etc...

No te puedes perder la exposición.

Para saber más.

En su web.

En los siguientes vídeos de "LLums en el Cavallet" PArt 1 PArt 2 y PArt 3

Fotos obtenidas en la web del pintor.

Se abre la oportunidad de repasar lo estudiado estos días y de ejercitarse en el comentario de imágenes.

Aquí hay diez cuadros que tienen en común haber sido realizados en el siglo  XX. Reflejan estilos y temáticas bien distintos. Son de los pintores que había que investigar para el trabajo, aunque no son los mismos cuadros que aparecían en la lista. No obstante, si habéis hecho bien vuestros deberes deberían ser fáciles de atribuir por el estilo a alguno de los pintores estudiados.

Si no eres alumno y no sabes a qué trabajo me refiero, puedes informarte en este link.

La resolución de una alumna del trabajo mandado aquí.

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Como ejercicio os propongo dos actividades:

1. 1.- El comentario de la obra, resolviendo:

a) el título,

b) el autor y su nacionalidad,

c) el estilo y

d) dos características temáticas o artísticas propias del autor o del estilo que se reflejen en el cuadro.

Sólo permitiré un comentario por persona, por lo tanto pensad bien que foto vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Sigue vigente lo del comodín para las tres primeras respuestas correctas.

Ejemplo.

IMAGEN 11

a) Café Express. 1975.

b) Richard Estes, norteamericano.

c) Hiperrealismo.

d) Dos características: Calidad fotográfica que hace dudar si estamos ante una fotografía o ante un cuadro. Refleja en sus cuadros una ciudad de Nueva York ideal, a menudo sin gente, pero con todos los elementos cotidianos de la gran ciudad de los que sabe sacar poesía.

1. 2.- A los más trabajadores les ofrezco la posibilidad de contestar en una lista las diez obras con título, autor y estilo, pero, sobre todo, ordenándolas cronológicamente. El que primero acierte todas y las ofrezca en el orden pedido ganará dos puntos para el control, el segundo un punto y el tercero medio punto.  La lista con todos los cuadros debe ir en un comentario aparte, es decir si contestáis a la primera actividad no escribáis la lista en el mismo comentario

Se abre el juego. Podéis participar a través del apartado de comentarios que viene al final del artículo.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Sara (1) ha empezado a desvelar la imagen 10 y se ha ganado un comodín que utilizará cuando desee.

El sueño. Retrato de Maria Teresa Walter. 1932 de Pablo Picasso, nacido en Málaga (España)

Pertenece a su etapa de retratos que interrumpió su etapa surrealista. En este retrato su estilo está cercano al fauvismo de Matisse. La sensualidad del cuadro y los brillantes colores muestran el nuevo deseo de vivir de Picasso. Esta serie de retratos que comenzó a dibujar eran siempre mujeres rubias, con proporciones armoniosas y equilibradas.

Picasso es un pintor inclasificable en un sólo estilo. A menudo, cabalga uno nuevo o mezcla otros que ha transitado. Corresponde a una etapa en la que se combina el cubismo sintético, el retrato y como bien dices el colorido del fauvismo. La mujer rubia a la que aludes es su jovencísima modelo, amante y luego compañera (cuando se separe de su mujer). Picasso también tuvo una vida sentimental muy compleja, que le influyó mucho en su pintura como apuntas.

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AVISO PARA TODOS. NO SÉ SI HABÉIS LEÍDO TODO EL ENUNCIADO. NO ES NECESARIO PONER LA FECHA DE LA OBRA, PUESTO QUE HAY UN SEGUNDO EJERCICIO EN EL QUE HAY QUE ORDENAR CRONOLÓGICAMENTE. SI PONÉIS LA FECHA Y QUERÉIS OPTAR AL PREMIO ESTÁIS DANDO PISTAS A VUESTROS COMPAÑEROS.

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María (2) se lleva el segundo comodín con su respuesta a la IMAGEN 5.

- Sueño causado por el vuelo de una abeja.
- Salvador Dalí, español
- Estilo surrealista
- Aparece un paisaje plenamente surrealista, con un fondo extraño e infinito. Los elementos del cuadro son típicos en el estilo de Dalí, como los animales exóticos (los tigres). El elefante del fondo es un animal que utiliza en más obras. La escena y la atmósfera de la obra dan la impresión de ser un sueño. El cuerpo desnudo también es un rasgo típico en su estilo.

En realidad el título es un poco más largo y explicaría mejor el cuadro si lo hubieras completado: Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar. Aplica el «método paranoico-crítico», inventado por el pintor,  siguiendo las teorías freudianas de la interpretación de los sueños, según el cual cada imagen o asociación de imágenes podía ser sometida a dobles lecturas. Fue su aportación fundamental al movimiento surrealista.  La impresión del picotazo sobre la piel se logra a través de la expresiva bayoneta que se clava en la piel de la durmiente, que trae a continuación el susto de los tigres, de no entender qué es lo que ha pasado.... jeje. Esto es surrealismo... pura intuición y despropósito onírico. Ah, la mujer es su propia mujer, Gala, que sale siempre en sus cuadros.

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JORGE HA LLEGADO TU MENSAJE A LAS 10 IMÁGENES. NO PUEDO DECIRTE NADA MÁS.

ELISA TE DIGO LO MISMO.

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María (3) no espera más y contesta la tercera obra, pisando el tercer comodín. Es la IMAGEN 4.

- Madrid desde Torres Blancas.
- Antonio López, español.
- Hiperrealismo español
- El cuadro tiene características muy propias de Antonio López como el evidente realismo y calidad de la imagen, que da la impresión de ser una fotografía.
El paisaje urbano del Madrid de la época de posguerra aparece retratado con una calidad y un detallismo increíble. El tema es típico del autor: las calles de Madrid.
La obra sorprende por el realismo detallado, que no es propio del período de las vanguardias del que podría haber tomado influencias.

Algo que matizar: en este caso no es un paisaje de posguerra o ¿es que lo has dicho por despistar a tus compañeros?

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Tamara (4) contesta a la imagen 9

Retrato de Inocencio X

Francis Bacon, británico

Expresionismo figurativo

Versión de un cuadro de Velázquez, el pintor reinterpreta al personaje distorsionando su figura, con objeto de potenciar la sensación de movimiento y de mostrar una vision atormentada de la realidad.

No le interesa el retrato psicológico sino desfigurar el icono que representa el cuadro de Velázquez.

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Beatriz (5) ha respondido a la IMAGEN 2

a) La fuente. b) Marcel Duchamp, francés. c) Dadaísmo. D) EL artista representa un urinario blanco que le dio el seudónimo " R. Mutt". El pretendía que perdiese su sentido práctico dándole un nuevo título y creando un nuevo significado para este objeto.

Es el absurdo traído al arte. Una provocación.

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Ana (6) ha resuelto la IMAGEN 6

-Se trata de una composición del pintor holandés Piet Mondrian conocida como Broadway Boogie Woogie. Pertenece al estilo del neoplasticismo.
El neoplasticismo busca la renovación estética. Tiene una estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. En este estilo, se depuran las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales (líneas, cubos y planos).

Realmente en este cuadro cambia en cierto sentido su estilo, puesto que hace los cuadrados más pequeños y las líneas negras que separaban los grandes rectángulos se convierten en puntitos cuadrados de colores. Es un cuadro de su última etapa en Nueva York, que en el fondo es un homenaje al tráfico, al baile de Boogie y al diseño urbano de la ciudad (jajjaja...). Por cierto la obra realmente se llama Victory, Boogie Woogie. La que tú nombras es otra parecida pero que no tiene el formato romboidal.

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Sara (7) usa su comodín respondiendo a la imagen 1

Imagen 1

Blanco con Manchas Rojas de Antoni Tapies. Informalismo Español. En esta obra mezcla el pigmento con polvo de mármol para darle más solidez, pero al no mezclarla con pegamento tiende a deteriorarse. Debido a esto muestra diferentes texturas, así deja su huella personal en la obra. Con este tipo de obras quería crear algo nuevo.

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Cristina (8) ha sido quien se ha atrevido con este cuadro. Imagen 7

Título: Crak! Now Mes Petits...Pour La France.
Autor: Roy Lichtenstein.
Es una obra perteneciente a la etapa del Pop-Art que recoge la técnica del cómic, ampliando la viñeta al máximo hasta poder apreciar los puntos de los colores de los cuales se ha coloreado el cómic. Además de la inclusión del bocadillo que aporta énfasis y acción a la imagen, junto a los colores chillones que nos provocan una llamada de atención. Estamos ante una técnica innovadora y atractiva al espectador, que llega a ser consumista. La estética y el uso de colores primarios son predominantes en esta imagen.

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LA RESOLUCIÓN DEL JUEGO DE LA LISTA DE CUADROS ORDENADOS CRONOLÓGICAMENTE.

Jorge ha solucionado el conjunto llevándose los dos puntos prometidos. Elisa también ha contestado correctametne por lo que se leva el punto de la segunda posición, además me sirvo de algunos elementos de su comentario para completar la lista de Jorge. El medio punto se lo lleva Sara.

IMAGEN 3
1905
La familia de saltimbanquis
Picasso (España)
Expresionismo. Etapa rosa.

IMAGEN 2
La Fuente
1917
Marcel Duchamp (Francia)
Ready-made

Fuente (Urinario de porcelana blanca firmado bajo el pseudónimo R.Mutt), Marcel Duchamp. La presentó a un concurso como muestra de “arte por el arte”.

IMAGEN 10
1932
El sueño. Retrato de Maria Teresa Walter
Pablo Picasso (España)
Cubismo sintético/Fauvismo

IMAGEN 6
1942-44
Victory Boogie- Woogie
Piet Mondriaan (EEUU)
Neoplasticismo

IMAGEN 5
1944
Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar
Dalí (España)
Surrealismo

IMAGEN 8
1950
Los constructores
Fernand Leger (Francia)
Cubismo

IMAGEN 9
1953
Estudio del Papa Inocencio X de Velázquez
Francis Bacon (Irlanda)
Expresionismo figurativo

IMAGEN 1
1954
Blanco con manchas rojas
Antoni Tàpies (España)
Informalismo español

IMAGEN 7
1964
CRAK
Lichtenstein (EEUU)
Pop-Art

IMAGEN 4
1976-1982
Madrid desde las Torres Blancas
Antonio López (España)
Hiperrealismo