ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE ROMÁNICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone. Puedes ampliar a pantalla completa (full screen) para no perderte ni un solo detalle.

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)

4.- Alguna anécdota o historia relacionada con la obra.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

EJEMPLO.

"Imagen .........X (el número )

1.- Titulo: Vista exterior de la iglesia de San Martín de Frómista (Palencia).

2.- País o región. Etapa o cronología. España, antiguo reino de Castilla, segunda mitad del siglo XI.

3.- Dos ideas características mínimas:

- Destaca sus originales torres campanarios de forma circular y las puertas laterales que son posiblemente una influencia del románico alemán.

- La planta del edificio responde al modelo más habitual de planta basilical en la que se inserta un transepto, que se nota en altura, creando una cruz latina.

- El cimborrio en el corazón encierra una cúpula sobre trompas."

4.- Alguna anécdota o historia relacionada con la obra. Fue totalmente restaurada a finales del siglo XIX (1894-1904), haciéndole desaparecer numerosos añadidos para dejarla como podría ser en su origen, de ahí que tenga un aspecto tan puramente románico.

Empieza el juego.

IMÁGENES YA DESVELADAS

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Ana O. (1) inicia el juego y se asegura el primer comodín responidendo a la IMAGEN 10 .

En esta imagen podemos ver la catedral de San Saturnino de Toulouse, que se trata de un edificio del arte románico, concretamente de la arquitectura francesa, se encuentra en Francia y data del siglo XII. Se trata de un modelo de iglesia de peregrinación, debido a sus grandes proporciones, con girola o deambulatorio y tribuna, con planta de cruz latina, y un transepto del cual sobresale una torre – cimborrio. Además, podemos decir de este edificio que es la catedral más grande de esta arquitectura francesa. Esta basílica era, en sus comienzos, colegial, una iglesia con un colegio de canónigos dirigidos por un abad. Entonces recibía numerosas visitas de peregrinos a través del caminos de Santiago. La construcción comenzó en el año 1080 por el ábside detrás de la capilla y dieciséis años después, el papa Urbano II consagró el altar. Este edificio continuó siendo una sencilla iglesia escolar hasta 1778, cuando finalmente fue consagrada como basílica.

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Sergio Campana (2) responde con extensión, como a él le gusta, a la imagen nº 6 y gana el segundo comodín

Catedral de Santiago de Compostela (Galicia), que comenzó a ser construida alrededor del año 1075
En la imagen se muestra el interior de la catedral, donde se ven los pilares cruciformes, las tribunas y los arcos peraltados de las naves laterales. Consta de una planta en cruz latina de tres naves. La altura en la nave central es de veintidós metros en todo su recorrido y alcanza los treinta y dos de máximo en la bóveda del crucero. El cimborrio, situado sobre el centro del transepto, es gótico y sustituye el antiguo de estilo románico. Cerca del altar mayor, la girola está compuesta por diversas capillas románicas absidales, la central de planta cuadrada, y también tiene dosábsides en cada uno de los brazos del crucero. Sobre las naves laterales se encuentra un triforio con cubierta de cuarto de cañón y balcón de ventanales de doble arquería. La nave central se cubre con bóveda de cañón sobre arcos fajones y las laterales con bóvedas de arista.
En la catedral correspondiente a la sexta imagen se encuentran supuestamente los restos del apóstol Santiago, esta creencia se basa en la leyenda que se difunde a finales del siglo VII por el noroeste de la península según la cual Santiago el Mayor había sido enterrado en esas tierras, después de evangelizarlas. El año 813, ocho siglos después de la muerte del Apóstol Santiago, un ermitaño llamado Pelayo, junto con otros fieles, vio unas luces en las proximidades de un lugar conocido por el nombre de Solovio y lo comunicó a Teodomiro, obispo de Iria Flavia. Después de tres días de ayuno, el obispo y sus acompañantes fueron al lugar y descubrieron entre los matorrales un monumento hecho de losas de mármol, y no tuvieron ninguna duda de que se tratara del sepulcro del Apóstol y de sus dos discípulos, Atanasio y Teodoro. El obispo comunicó el hallazgo al rey de Asturias Alfonso II, que viajó con su corte al lugar y otorgó las tierras cercanas al sepulcro al obispo, más sus correspondientes rentas, y mandó construir una pequeña iglesia encima del cuerpo del Apóstol, junto a un baptisterio y otra iglesia dedicada al Salvador.

Este es el destino final de todos los peregrinos que desde el siglo IX buscan las reliquias del Santo y el "conocimiento de sí mismos".

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Parece que Joel (3) esta vez ha llegado a tiempo de conseguir imagen y comodín . Ha resuelto la imagen 9.

Título de la imagen: Frontal de Santa Julita y su hijo Sant Quirz.

Región y cronología: La obra se encontró en la pequeña ermita de Durro, en el valle de Bohí, en Lérida (España) y data de mediados del siglo XII.

Ideas destacables de la obra: Se trata de una obra pictórica en la que el autor utilizó la técnica del temple sobre la tabla (no es un fresco). Podemos observar rasgos arcaicos como el uso de colores planos, la inubicación de las distintas escenas (fondos neutros), ausencia de focos emisores de luz y, por extensión, ausencia de sombras. En cuanto a la temática, en la obra se narran los suplicios sufridos por Santa Julita y su hijo Sant Quirze (a los que podemos ver en el centro del frontal dispuestos de forma similar a la de la virgen teotokos).

Historia relacionada con la obra: A principios del siglo XX surgió un gran entusiasmo por estudiar las pinturas románicas halladas en la ermita de Durro y en los otros ocho templos cristianos del valle del Bohí que serían nombrados patrimonio de la humanidad por la Unesco en el año 2000. Entre 1904 y 1909 la Junta de Museos de Barcelona llevó a cabo una fiel reproducción de todas estas obras para darlas a conocer al resto del mundo que tuviese que ver con el arte, desatando así el gran deseo de obtenerlas tanto por Museos como por particulares y en 1919 unos intermediarios de compra y venta lograron adquirir muchas de estas réplicas que fueron a parar a EEUU.

Por cierto, esta obra me suena un poco, a lo mejor está explicada en este enlace.

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Silvia (4) ha decido resolver la Imagen 8.

En esta imagen podemos ver la planta de la catedral de Angulema, que se trata de un edificio del arte románico, perteneciente a la arquitectura francesa, se localiza en la región de Angulema en Francia y data del siglo IV. La planta de esta catedral, es de cruz latina formada por el cruce de la nave con el transepto. La catedral se caracteriza por tener una nave central muy larga de 15,24 m de ancho sin naves laterales. Esta nave se forma por la adición de 4 tramos: uno lo constituye el transepto, y los otros tres que constituyen la nave central están cubiertos con tres cúpulas de piedras sobre pechinas y arcos apuntados. El crucero se levanta sobre una linterna con tambor octogonal. La cúpula de esta catedral se encuentra cubierta de madera y se encuentra sostenida por tres elementos diferentes: arco fajón, arco fornero y por un pilar acantonado. Esta catedral fue convertida en un Templo de la Razón durante la Revolución, finalmente fue restaurada en base a un diseño del arquitecto Paul Abadie. Y en el año 2000, comenzaron nuevos trabajos de restauración y embellecimiento que aún continúan, para devolverle su brillo original.

Te voy a dar por válida la respuesta, aunque hay un error cronológico de bulto. La primitiva basílica de Angulema puede que date del siglo IV, pero a la que pertenece esta planta y para que  sea románica la que analizamos es del siglo XII. Ten cuidado con lo que dices. Por otro lado deberías haber resaltado como anécdota la posible influencia bizantina en el diseño o en los elementos decorativos exteriores...

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Ana (5) ha dado con la solución de la IMAGEN 2 y consume su comodín.

En esta imagen aparece la cabecera de la Catedral de Worms perteneciente al arte románico, concretamente a la arquitectura alemana.
Se encuentra en Alemania y su construcción comenzó en 1125, aunque no se termina de rematar hasta finales de siglo.
Esta catedral es muy cercana al gótico, algo que se demuestra con la aparición de rosetones, ya que esto es algo característico del arte gótico. En esta imagen podemos observar dos torres, al igual que el uso de arquerías ciegas y vivas. Además, podemos añadir que este edificio posee dos cabeceras, algo muy característico del arte románico alemán.
Esta catedral fue una sede de importantes eventos como el Concordato de Worms en el año 1122. Además, durante la Guerra de los Nueve Años, cuando las tropas de Luis XIV destruyeron la ciudad, hubo un intento de incendiar la catedral, pero las bombas colocadas en el interior no explotaron, a excepción de dos que hicieron caer parte del techo.

Pues sería un concordato hecho en una construcción anterior puesto que tú misma dices que esta iglesia se empezó a edificar en 1125. En la misma Wikipedia podrías encontrar cualquier anécdota relacionada con el edificio y tiene muchas.

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Alejandra sin entrar en si la obra es la que dices que es (lo que en este caso es lo de menos puesto que no la hemos visto en clase), no te puedo dar  por válido el comentario pues no aportas ni una sola característica artística románica aplicada a la imagen (requisito 3). La finalidad de este juego es aprender a comentar las obras  y por tanto aplicar las características y atenerse a los requisitos que se piden.

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Joel (6) esta vez ha conseguido que no le pisen la foto y logra puntuar con su comentario de la Imagen 7.

Obra: Pórtico de Santa María del Ripoll.
Localización y fecha: Esta obra se localiza en Gerona (España) y data de mediados del s. XII.
Rasgos de la obra: Se trata de un pórtico Románico, realizado en piedra caliza y arenosa, en el que encontramos una puerta de siete arquivoltas cubiertas de relieves (rasgo propio de esta etapa artística) y sujetas por unas columnas. En dos de estas encontramos las representaciones de san Pedro y san Pablo con las llaves y el pergaminos respectivamente. El pórtico se encuentra cubierto en su totalidad por relieves y esculturas que pueden representar adornos con motivos vegetales, representaciones de animales (signos zodiacales), la narración de las vidas de Jonás y Daniel, etc. También en todo el pórtico podemos encontrar símbolos del cristianimos más primitivo (como los crismones). En general estas representaciones resultan un tanto arcaicas debido a la ley de la frontalidad y semifrontalidad, así como la jerarquía de tamaños, rigidez de los cuerpos, etc. La puerta, debido en parte al gran número de arquivoltas, carece de tímpano. Para concluir, decir que este pórtico sigue el modelo de arco del triunfo.
Anécdota: Debido al material de construcción, un incendio sufrido en agosto de 1835 y, además, las contínuas inclemencias del tiempo han provocado en este pórtico una contínua descomposición y desgaste, causando la desaparición de todas las inscripciones que ponían nombre a los temas representados y la notoria reducción del nivel del relieve. Por ello se sustituyó el pórtico por un réplica y el original fue llevado a un museo donde es cuidadosamente vigilado.

Hay un magnífico estudio en en la Wikipedia.

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Ante la insistencia de todos los que comentan la imagen 1 (Victor, imagen 1 y no 3) en tratar la obra exclusivamente desde el punto de vista narrativo o de identificación pura y dura y no desde el punto de vista estilístico... tomo la decisión de descatalogar la obra. No se puede comentar más sobre la misma, queda desierto su premio.

Se presenta en el Museo del Prado desde el 5 de Julio y hasta el 25 de septiembre la exposición "Roma. Naturaleza e Ideal. Paisajes 1600-1650". Es la continuación de la que se celebró en el  Grand Palais de París entre marzo y junio de 2011. En ella participan, además de los museos del Prado y del Louvre como promotores, cerca de otras 45 instituciones prestadoras.

Que nadie vaya confundido. La exposición no pretende hacer una retrospectiva sobre el género del paisaje en general. Ni siquiera sobre el paisaje del siglo XVII, puesto que para ello habría que haberse sumergido en Flandes, Holanda y Venecia, ámbitos donde había ido madurando el género desde el siglo XV. La muestra busca reflexionar sobre el origen y la evolución de un tipo de paisaje muy concreto, el paisaje clasicista, tomando como objeto pictórico la misma ciudad de Roma, fundamentalmente las ruinas, y su entorno natural. En el vídeo que he elaborado podéis hacer una idea de las obras y los artistas representados.

Hasta finales del siglo XVI los artistas italianos, siguiendo a Rafael y a Miguel Ángel, concentraron el interés principalmente en la figura humana. Aunque diferentes artistas habían reivindicado el paisaje desde distintos presupuestos (los paisajes arqueológicos de Polidoro da Caravaggio, las perspectivas idealizadas de Baldassare Peruzzi, así como los fondos más naturalistas y poéticos de obras de Giorgione o Tiziano), todavía era considerado un género menor por parte de los mismos pintores y, por supuesto, de los teóricos del arte. Esta concepción va a cambiar en Roma en la primera mitad del siglo XVII. Allí durante estos años se darán cita artistas de diferentes nacionalidades y tendencias que intercambiarán ideas que van a dar como fruto lo que conocemos como el paisajismo clasicista. La oportunidad que nos ofrece la exposición  para indagar en este género artístico es excepcional por el número y por la calidad de las obras y de los artistas reunidos (84 pinturas y 19 dibujos de más 30 autores).

Domenichino. Paisaje con huida a Egipto, 1621-23. Detalle.

La muestra está dispuesta en espacios o secuencias cronológicas, con independencia de la nacionalidad del artista, para poner de manifiesto las influencias mutuas y los pasos dados hasta el pleno desarrollo del género.  Comienza en Annibale Carracci, padre del género, hasta finalizar en los pintores franceses Claudio de Lorena y Nicolás Poussin,  los que consagraron definitivamente este género a mediados del siglo XVII en todas las cortes europeas. En el camino no podemos olvidarnos de otros artistas menores y, por supuesto, de algunos de los grandes como el mismo Diego Velázquez que entre 1629 y 1630 visitó Roma y también dejó su contribución al paisajismo en los Jardines de la villa Medici.

Claudio de Lorena. Vista de la Crescenza, 1648-50. La villa está ubicada en los alrededores de Roma en una zona muy frecuentada por Lorena. El lienzo muestra infinitas variaciones de verde, que resaltan gracias a la luz cristalina. La ausencia de árboles en primer plano invita al espectador a entrar en el espacio de la pintura y a dirigir la mirada hacia el edificio. Es posible que el artista pintara esta obra in situ y también que la hubiera hecho para sí mismo.

Estas son las seis secciones en que se organiza el evento:

• La primera está dedicada a los comienzos del género. En ella se destaca la figura de  Aníbale Carracci, pintor que desde su cátedra elaboró el prototipo del paisaje armónicamente estructurado y sereno, inspirado en la naturaleza pero premeditadamente embellecido o idealizado. Pero al mismo tiempo que Carraci se daban cita en Roma pintores nórdicos, fundamentalmente flamencos, como Paul Bril, Jan Brueghel o Sébastien Vrancx, que  aportaron variantes como el paisaje marino, las pequeñas escenas de género introducidas en los paisajes o la precisión topográfica y arqueológica de los entornos. Factor importante en el desarrollo de la pintura de paisaje fue la presencia en Roma entre 1610 y 1620 del alemán Adam Elsheimer, quien introdujo en sus paisajes pequeños personajes y otros aspectos como referencias literarias, así como la tensión dramática propia de los grandes cuadros de historia.

Aníbal Carraci. Paisaje fluvial, c. 1590-1599.

Paul Bril. Vista del Campo Vaccino con la feria del ganado, 1600. Óleo sobre cobre. Bril representa aquí el Campo Vaccino (literalmente, “Campo de Vacas”, nombre dado al Foro Romano desde la Edad Media), con las columnas del templo de Cástor y Pólux y la basílica de Magencio. La introducción de escenas cotidianas entre los monumentos antiguos revela los orígenes flamencos de Bril.

• La segunda sección se dedica a la evolución del paisaje boloñés. El ejemplo de Carracci fue posteriormente desarrollado por sus discípulos boloñeses, como Domenichino o Francesco Albani, quienes enriquecieron el género con referencias literarias.
• La tercera parte corresponde a la evolución del paisaje nórdico y su proyección europea. Su pasión por los efectos atmosféricos y las variaciones lumínicas constituyen un antecedente importante para el paisaje naturalista de Goffredo Wals, Bartholomeus Breenbergh, Cornelis van Poelenburgh y Filippo Napoletano, que inspiraron también a pintores como Carlo Saraceni y Orazio Gentileschi, todos ellos presentes en la exposición a través de obras imprescindibles en sus respectivos catálogos. Características de los paisajes de estos autores son: Temáticamente, personajes contemporáneos, animales que pasean entre las ruinas de la ciudad pagana, y monumentos antiguos adaptados a usos cotidianos;  técnicamente son paisajes más modernos y naturalistas, que aprovechaba las relaciones entre las masas en perspectiva y la luz .

Goffredo Wals. Una carretera rural con una casa, 1619. Detalle. Mientras que algunos pintores nórdicos como Van Poelenburg y Breenbergh quedaron fascinados ante la grandiosidad y el estado ruinoso de Roma, Wals insistió en la representación cotidiana de edificios modestos de volúmenes geométricos.

• A continuación, nos adentramos en la cuarta sala, la impresionante Galería de Paisajes del palacio del Buen Retiro. Es decir, el conjunto de cuadros de gran formato que Felipe IV encargó a los principales pintores que trabajaban en Roma entre 1638 y 1642. La sala está decorada en un atractivo fondo rojo. El tema común son santos y eremitas que se retiraron del mundo. Posiblemente Felipe IV impusiera también el formato vertical y de gran tamaño, que hasta ese momento no se había ensayado.

Sala de la Galería de Paisajes del Palacio del Buen Retiro. Obras de Lorena y Poussin entre otros (1638-42).

• Y finalmente tienen especial importancia las dos secciones dedicadas respectivamente a Claudio de Lorena (h. 1600-1682) y a Nicolas Poussin (1594-1665), los dos máximos representantes del género. Lorena se caracteriza por composiciones de la campiña romana o de un supuesto puerto de Ostia con  luces de atardecer, tonos dorados, sensación de calma. El tema de  los cuadros es sólo un pretexto para recrearse en los edificios y campos idealizados.. Junto a ellos se exponen piezas de otros pintores franceses como Jean Lemaire, quien rápidamente fue valorado en el mercado del arte por sus perspectivas arqueologizantes, o Gaspard Dughet, cuyas ensoñaciones románticas causaron un fuerte impacto en futuros paisajistas, como Courbet..

Claudio de Lorena. Ulises devolviendo a Criseida, 1644. Los edificios se disponen en una manera diagonal y las figuras protagonizan escenas cotidianas, sin que parezca existir un tema claro. La idea de capricho arquitectónico, por la cual un edificio célebre es trasladado a un contexto ajeno, como aquí la orilla del mar, deriva de modelos flamencos.

Nicolas Poussin. Paisaje con edificios, 1648-51, detalle. Vista de un valle surcado por un río, en cuyas orillas se sitúan varios edificios, enmarcados por árboles y montañas en el horizonte. .

Todo sobre la exposición

Esta exposición ha sido organizada por el Museo Nacional del Prado, Exposición coorganizada por: Rmm-Grand Palais (París), Musée du Louvre, Paris. Con la colaboración de la Comunidad de Madrid

La exposición está comisariada por Andrés Úbeda de los Cobos, Jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa del Museo Nacional del Prado.

Seguro que muchos de los que hemos dado clases de historia hemos utilizado en alguna ocasión la obra de Eduardo Mendoza para ilustrar pasajes de nuestra Historia de España del primer tercio del siglo XX. Novelas como “La ciudad de los prodigios” o “La verdad sobre el caso Savolta”, son buenos recursos literarios para contextualizar la Barcelona de las primeras décadas. Hoy os presento otra novela más reciente de este autor, ganadora del premio Planeta de 2010, de título “Riña de gatos”, que podrá servirnos para esa asignatura, pero cuya mayor virtud es que también la podemos utilizar en la de Historia del Arte. A mi juicio es perfecta para recomendarla en la segunda evaluación en 2º de Bachillerato, porque los alumnos la entenderán a la perfección.

Carátula de la novela "Riña de Gatos. Madrid, 1936" de Eduardo Mendoza.

En este artículo os ofrezco una pequeña recensión y una propuesta de trabajo. Ah, y como colofón otras opciones que nos ofrece Paco Hidalgo en su blog ArteTorreherberos o yo mismo en el blog de Algargos, Historia de España, que bien pueden darnos pistas para orientar nuestras lecturas del verano.

La trama o las tramas.

Sin destripar el argumento ni el final os contaré que la novela trata de las peripecias que le acontecen a Anthony Whitelands, un inglés experto en la obra de Diego Velázquez, que llega a Madrid en marzo de 1936 con el encargo de tasar la colección de cuadros de un aristócrata.

Como toda novela que se precie –y más si es de Mendoza-, el protagonista se ve enredado en varias tramas que le conducen a decisiones cada vez más comprometidas y a moverse de un escenario a otro y a conocer a numerosos personajes y ambientes del Madrid convulso de la primavera de 1936.

La novela se mueve en tres planos entrelazados:

1.- Plano artístico.

El eje sobre el que gira todo el embrollo es un cuadro y el protagonista un experto en la pintura de Velázquez. En la novela se desgrana  la vida, el estilo, la temática y las motivaciones personales del pintor del siglo XVII. Whitelands visita varias veces el Museo del Prado para reflexionar delante de alguna obra que en ese momento tiene que ver con su peripecia vital, pero también en sus conversaciones con diversos personajes se explican muchos detalles de otros muchos cuadros y experiencias biográficas del pintor.

Un cuadro parecido al de La Venus del Espejo, hoy en la National Gallery de Londres, es la pieza clave en esta historia. Sería parecido a éste, pero la mujer sí sería reconocible.

Diego Velázquez. Venus del Espejo.

Por su puesto que Velázquez no es la única referencia artística. De alguna u otra forma salen a relucir también: otros artistas como León Leoni o Tiziano; la escultura y  la literatura del Siglo de Oro;  la importancia de los Austrias como mecenas y coleccionistas de arte...

2.- Plano histórico.

Para contextualizar cronológicamente la novela, Eduardo Mendoza escoge uno de los momentos más confusos de nuestra historia: el mes de marzo del año 1936. La II República se debate en tensiones fraticidas que están gestando la Guerra Civil de unos meses después. No puede ser por ello más apropiado el título de la novela que nos recuerda el Cartón para tapiz de Francisco de Goya.

Francisco de Goya.  Riña de gatos. 1786-1787. Cartones para tapices.

A través de las páginas vivimos hechos de la Historia social y política de España:

1. Nos adentramos en el Madrid de la época con sus cafés y tertulias.
2. Entramos en los palacetes de la aristocracia madrileña y bajamos a los barrios humildes.
3. Sentimos los odios políticos que agitan a las dos Españas. Los partidos políticos y las ideologías que enfrentan a los españoles tras la victoria del Frente Popular en las recientes elecciones de febrero luchan en las calles pistola en mano.
4. El protagonista entabla conocimiento con personajes decisivos como José Antonio Primo de Rivera o Manuel Azaña.
5. El complot militar que dará paso al golpe de Julio está en marcha y tienen un protagonismo especial en la novela los generales Emilio Mola, Gonzalo Queipo de Llano y  Francisco Franco.
6. El gobierno británico y la URSS mueven sus hilos tras los confusos sucesos que acaecen en España y en Europa…

3.- Plano literario.

Junto con los planos artísticos e históricos discurre un plano novelesco de intrigas policíacas, espías y enredos amorosos muy al estilo Mendoza, con sus toques de humor, pero a su vez con momentos descarnados. A mi juicio esta parte literaria es la más floja de la obra, incluso he de decir que el final no me ha gustado. Aún así, Mendoza es garantía de suspense y entretenimiento.

Otras novelas utilizadas en la asignatura de arte analizadas en este blog.

- El tapiz Bayeux.

- La Busca de Pío Baroja.

El GIF es un formato de imagen con el que a veces nos encontramos y los que como yo no tenemos mucha idea de informática despreciamos o no le sabemos sacar su potencial. Permite presentar imágenes animadas en los blogs en un bucle. Se utiliza en los blogs y en las páginas web para presentar una animación graciosa o sorprendente, pero creo que si tenemos la herramienta adecuada para su creación también podría sernos muy útiles para los blogs docentes o para las presentaciones en ppt (power point), puesto que es un formato al que se adapta muy bien.

A continuación os ofrezco varias posibilidades didácticas que se me ocurren.

---- En primer lugar un gif sobre La Familia de Carlos IV de Goya identificando a cada uno de los personajes que aparecen en el cuadro. Está hecho con la herramienta Scrapee.net, que es tan sencilla de manejar como:

• 1.- Subir tantas imágenes como queramos en el orden preciso. No es necesario que las imágenes que subamos tengan formato gif como ocurre en otros generadores. Ni tampoco reduce la calidad de la imagen

• 2.- Seleccionar el tamaño que queremos para la animación y la velocidad de transición de una imagen a otra.

• 3.- Darle al botoncito de crear el gif y guardar en nuestro ordenador. Luego podemos copiar la imagen a nuestras presentaciones de ppt o subirlas a un blog o a una web. Si queréis hacer esto último, no os aconsejo, por experiencia, que toméis la dirección que tiene la imagen en Scrapee.net, porque el almacenamiento en esta herramienta de la imagen generada es temporal, no dura más de 24 horas. Yo lo hice así la primera vez con dos imágenes y estuvieron visibles en este blog el primer día y en blanco todo el tiempo después hasta que me di cuenta. Para salvar este problema hay que subir las imágenes gif al archivo de imágenes del blog, si éste admite este formato,  o a un hospedaje externo como he tenido que hacer con el primero y el último gif,  los de La familia de Carlos IV ( 550 kb) y  de La Ultima Cena (300 kb). En el caso de La Coctelera sólo admite imágenes de un peso máximo de 200 kb (no sé lo que sucedera en Blogger o Wordpress), así que para mis imágenes con "sobrepeso"  tenía dos opciones: o reducir su tamaño para que pesaran menos, lo que haría que bajara la calidad de las mismas; o subirlas a un  "Image hosting" gratuito, que es por lo que me he decidio. He utilizado Photobucket para hospedar los gifs con exceso de peso porque te permite hasta 1 mb de peso por foto, tener tu propio espacio, darle nombre a las imágenes y ordenarlas en albumnes. Una última cosa, por evitaros el intento, no se pueden subir gifs a Picassa ni a Flickr (aunque este último dice que acepta este formato), o mejor dicho, sí se pueden subir pero los convierten en formato jpg, con lo que queda una única imagen fija.

---- Debajo os pongo otro ejemplo, que puede ser muy útil para elaborar mapas y planos animados. El mapa va de la extensión del cristianismo en el imperio romano desde el siglo III al V. Para apreciar las distintas velocidades de transición he repetido la imagen en tres de las cinco posibilidades que tiene.

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---- Podemos utilizar imágenes ya existentes o podemos hacerlas nosotros con algún editor y manipularlas para conseguir efectos sorprendentes. En este caso se me ocurren varias maneras de jugar, pretendiendo que los alumnos se impliquen con las imágenes y busquen información sobre ellas:

• 1. Pedir a los alumnos que interpreten con gracia las obras maestras más serias, como por ejemplo se hace en este gif de Los síndicos de los pañeros de Rembrandt, donde uno de ellos brinda a nuestra salud con una jarra de cerveza. Se puede premiar la originalidad o la dificultad del trabajo o del conjunto.

• 2. También podemos jugar a que descubran cuál es la imagen verdadera y que la diferencien de las otras. El alumno debería descubrir cuál es la verdadera e indagar sobre la obra. Veamos un ejemplo sencillo que he elaborado con cuatro imágenes distintas de La Última Cena de Leonardo Da Vinci.

¿Se os ocurren más posibilidades didácticas o lúdicas para esta sencilla herramienta?

He encontrado una herramienta muy interesante para elaborar líneas de tiempo que creo que puede ser muy útil a todos los bloggeros educativos. Se trata de TimeRime. Su versión gratuita te permite elaborar un número ilimitado de líneas de tiempo (LT) con sólo registrarte. En cada LT se pueden introducir hasta 100 entradas de texto, texto con imágenes, con vídeos (youtube), con presentaciones de Slideshare (con el código de Google maps) o con sonido (mp3). La única limitación es que en su versión gratuita sólo te permite un almacenamiento de 50 mb. Yo he hecho una prueba con lo que tenía más a mano. Los datos con los que he trabajado en el artículo último y he quedado encantado. Mirad el resultado.

• La línea de tiempo se puede estirar para alargarla (a lo ancho y a lo alto) y clarificarla en clase.
• Originalmente la información está comprimida, pero si estrecháis los cursores de abajo se puede desplegar la línea de año a año.
• Cada entrada puede ir con un pequeño texto informativo que nosotros pongamos y también con una galería de imágenes o de elementos multimedia (sonido, ppt, videos), que se pueden ver en la página de origen y a gran formato si se pincha sobre ellos.
• Los eventos cronológicos se pueden resaltar más o menos, según interese hasta en 5 niveles de zoom.

La herramienta está en español y es de uso fácil e intuitivo. Qué más se le puede pedir.

Las versiones de pago además te permiten trabajar en pizarra digital, trabajar colaborativamente y hasta cambiar la apariencia y utilizar un propio logo.

Las posibilidades  didácticas que se me ocurren son muchas.

1. Puede ser un instrumento del profesor para realizar a modo de presentaciones y proyectarla como presentación en clase, preferentemente desde la página propia.
2. Se puede mandar algún trabajo a los alumnos, puesto que como ya he dicho es de muy fácil uso. En este caso yo sugeriría repartir artistas o periodos por grupos. También se puede dar una lista de obras o de periodos y encargar a los alumnos que busquen la cronología y luego lo hagan. Como forma de entrega del trabajo sería en link o si los alumnos poseen blog o wiki la inserción en la página correspondiente. También hay la posibilidad de imprimir la LT.
3. Todo lo que pueda clasificarse cronológicamente puede ser utilizado y por tanto es válido en casi cualquier materia, no sólo la historia o el arte. He visto muchos trabajos en la página oficial de literatura, por ejemplo.
4. La precisión es tal que no sólo se puede hacer las cronologías por años, sino que se puede bajar al detalle del mes, el día, la hora y el minuto.

En su afán por ofrecer más a sus usuarios Google ha patrocinado un nuevo proyecto artístico del que seguro podemos sacar mucho provecho en nuestras clases de arte. Se trata de Google Art Project.

La idea es de Google, pero ha sido desarrollada técnicamente, entre otros, por la empresa madrileña Madpixel, y ha contado con la colaboración de algunas de las más prestigiosas pinacotecas del mundo. En este video puedes ver el cómo se hizo.

Su finalidad es que podamos contemplar desde esta página las principales obras de los museos casi como si las tuviéramos en vivo. Yo diría que incluso mejor puesto que la calidad de la fotografía es máxima y además  posee un potente zoom que permite acercarte a los más mínimos detalles de un cuadro. Todo se desvela ante esta lupa digital: texturas, técnica pictórica, pinceladas, tonalidades…

Comprobemos las posibilidades del zoom sobre el cuadro de Hans Holbein Los Embajadores (1533) de la National Gallery, Londres. Os ofrezco una visión del conjunto, un acercamiento a algunos de los objetos que hay sobre la mesita baja y un detalle del globo terráqueo que se encuentra ahí. Y todavía hay otro nivel de ampliación mayor. Impresionante.

Las galerías han aportado (en inglés) para cada cuadro: una ficha técnica, enlaces a otros recursos en vídeo o en texto y apartados donde se comenta la obra en cuestión y se dan datos sobre la biografía del pintor y la posibilidad de acceder a otros cuadros de ese artista que existan en los otros museos asociados.

Para facilitar el trabajo, Google Art ofrece la posibilidad de buscar por museos y en la barra lateral  por autores, facilitando nuestro trabajo.

Si seleccionamos la visita por museos, podemos hacer un recorrido virtual por los mismos, puesto que cada sala ha sido fotografiada con la técnica de Street View en 360º. Con lo que cada uno se mueve según sus intereses por las salas y se detiene ante la obra que desee. Desafortunadamente no todas las salas están disponibles. Sólo se pueden acceder a aquellas en las que aparece activado el color gris en el plano del edificio.

Faltan todavía algunos de los grandes museos, como el Museo del Prado, el Louvre, la Galería de la Academia de Venecia o el Museo Vaticano , pero la nómina ya es impresionante y además se está en conversaciones para poderlos añadir en un futuro. Esta es la lista de los que actualmente están en el proyecto (si pinchas en el enlace aparecerás en una de las salas del museo seleccionado a través de G. Art Proyect):

• Alte Nationalgalerie, Berlin - Germany
• Freer Gallery of Art, Smithsonian, Washington DC - USA
• The Frick Collection, NYC - USA
• Gemäldegalerie, Berlin - Germany
• The Metropolitan Museum of Art, NYC - USA
• MoMA, The Museum of Modern Art, NYC - USA
• Museo Reina Sofia, Madrid - Spain
• Museo Thyssen - Bornemisza, Madrid - Spain
• Museum Kampa, Prague - Czech Republic
• National Gallery, London - UK
• Palace of Versailles - France
• Rijksmuseum, Amsterdam - The Netherlands
• The State Hermitage Museum, St Petersburg - Russia
• State Tretyakov Gallery, Moscow - Russia
• Tate Britain, London - UK
• Uffizi Gallery, Florence - Italy
• Van Gogh Museum, Amsterdam - The Netherlands

Si tienes una cuenta con Google puedes ir seleccionando los cuadros que desees para hacer tu propia colección e incluso añadir comentarios a las obras.

Aplicaciones didácticas de Google Art.

1. Visitas virtuales a los museos. Con las salas que están fotografiadas en 360º podemos:

a) Preparar una visita con los alumnos sabiendo donde encontrar en su lugar exacto cada uno de los cuadros que queremos ver y cómo podemos acceder a ellos.

b) Visitar el Museo desde el aula desde cualquier lugar del mundo sin tener que trasladarnos allí.

2. Planificar trabajos de alumnos. La posibilidad de crear tu propia pinacoteca, añadir comentarios a cada pintura y compartir tu selección con quien quieras convierte a esta herramienta en un interesantísimo instrumento para realizar trabajos colaborativos de clase.

a) Se pueden recopilar imágenes por estilos, por autores, por temas, por escuelas... Si pincháis aquí veréis la colección que he hecho de cuadros de Juan Gris en el museo Reina Sofia.)

b) Se puede pedir que el alumno se cree una pinacoteca seleccionando uno dos cuadros por museo y estilo. De esta manera los alumnos tendrían que recorrer todos los museos. Luego deberían exponer en clase su colección explicando porqué han escogido cada obra y su contexto artístico.

3. Proponer actividades lúdico/didácticas.

a) En el aula se puede proponer una obra, o un detalle si es muy conocida, y organizar la búsqueda del artista por el museo.

b) Planear gimkanas donde los alumnos participen por grupos o individualmente en clase o en cada uno desde su casa a la manera que ya hemos explicado en otros artículos, pero on line. Ver la del Museo del Prado y  la del Museo Thyssen

Beyond the docks de 2009.

Stendhal es el seudónimo del escritor francés Henri Beyle (1783-1842) que se hizo llamar así en memoria del lugar de nacimiento de su admirado J.J. Winckelman, el teórico y crítico de arte que patrocinó el neoclasicismo. Con ese sobrenombre alcanzó las más altas cotas de la literatura universal en la primera mitad del siglo XIX.

Fue un apasionado por el arte y después de la caída de Napoleón Bonaparte tuvo que buscar asilo en Milán. En 1817 emprendió un viaje por toda Italia que luego publicó como novela a la manera de diario de viaje Roma, Nápoles y Florencia.

Apenas cruzó los Apeninos se sintió embargado de inmediato por la emoción de pensar en el placer estético que le esperaba. Todo él  era presa de un gran desasosiego interior al pensar que vería las obras de Miguel Ángel y Leonardo o pasearía por los lugares en donde vivió Dante. Su ansiedad llegó a tal extremo en Florencia que en varios momentos llegó a entrar en un estado de conmoción extrema, casi de éxtasis, al contemplar las obras de arte. En el curso de algunas de estas "crisis nerviosas" llegó incluso a temer por su vida. La más conocida es la que le sobrevino dentro de la iglesia de la Santa Croce.

¿Alucinaciones? ¿Mareos? ¿Síndrome de Stendhal?...

El cuadro clínico del escritor francés no es un caso aislado. El pintor Anselm Feuerbach experimentó síntomas parecidos en 1856.  Durante su visita a los Uffizi y al Palacio Pitti no fue capaz de reprimir las lágrimas y llegó a implorar la ayuda divina para que le hiciera soportar su padecimiento como un hombre. Otro gran escritor alemán, Rainer María Rilke, sintió que se le hacía difícil respirar ante semejante belleza cuando visitaba Florencia en 1898. También sufrió mareos y se sintió angustiado hasta el punto de que "creyó sumergirse en el magno oleaje de un extraño poderío".

El frenesí turístico de querer verlo todo en un día también pasa factura a los turistas de hoy en día.

Este tipo de reacciones no sólo han afectado a los artistas o personas extremadamente sensibles del siglo XIX. En la actualidad siguen ingresando turistas con síntomas parecidos en el psiquiátrico de Santa María Nuova de Florencia. La psiquiatra sicoanalista Graziella Magherini, que fue responsable de este Hospital diagnosticó hasta 107 casos de personas desde 1978 a 1986. En 1989 escribió un libro al que titulo precisamente El Síndrome de Stendhal, describiendo este estado transitorio provocado por una sobredosis de arte.

La causa de este fenómeno es el desmesurado placer estético que produce contemplar en un espacio reducido tantas hermosas obras de arte. La suma de de tanta belleza provoca la pérdida de control en ciertas personas y los sume en un estado de desorientación. Algunos tienen que ser ingresados para superar graves, aunque transitorios,  ataques de euforia, depresión o crisis de pánico. En casos extremos se han producido también alucinaciones. Los pacientes más habituales son los solteros de mediana edad que  viajan solos. Curiosamente el síndrome no ha afectado nunca a un italiano ni a un japonés.

Por último, si queréis deleitaros con algunas imágenes de Florencia y un texto inspirado en el tema del artículo, pinchad en el vídeo de abajo.