Observa las diez imágenes con detalles de obras de arquitectura, escultura  y pintura que hemos visto en esta evaluación. Para no perderte nada despliega la presentación en pantalla completa.

¿En qué consiste esta vez el juego?

1.- Reconocer el autor, la obra, el estilo y el país de cualquiera de las diez imágenes del Slide.

2.-Dar dos razones argumentadas sobre el porqué atribuirlas a ese estilo o autor basándose en el detalle que se aporta. Me importa el razonamiento, por lo que no daré por correctas aquellas contestaciones que no sean convincentes o que no tengan en cuenta el detalle, aunque se reconozca la obra inicial.

Condiciones habituales del juego.

1.- Un comentario por persona, salvo los tres primeros aciertos que tendrán una segunda oportunidad o comodín.

2.- La puntuación será de 0,5 puntos en todas las contestaciones que se acepten como correctas.

IMÁGENES DESVELADAS

Nuria (1) responde la primera y gana su comodín, para que lo utilice cuando desee. La IMAGEN Nº 7

Autor: Juan de Herrera.

Obra: Monasterio y Palacio del Escorial.

Estilo: Renacimiento. Manierismo (tercer tercio del siglo XVI).

País: España (Madrid).

Es la fachada principal del palacio, en ella vemos rasgos característicos del momento como son por ejemplo las “bolas” que se encuentran decorando los tres picos del frontón (solo se han utilizado en el Renacimiento). Los elementos escultóricos que aparecen en el piso superior son: la escultura de San Lorenzo porque el Rey tenía como protector al santo y el escudo real de Felipe II, en esa época se ponían los escudos en los edificios. Los elementos rehundidos son muy típicos en esta etapa porque crean sombras y rompen con la monotonía, se ve muy claro con las columnas en primer plano y las hornacinas vacías en el segundo. Posee una decoración externa muy austera llena de muros y macizos.

Las razones no están muy bien explicadas y sobre todo no son lo suficientemente significativas. Por ejemplo, lo de las bolas graníticas será un recurso utilizado a partir de esta obra bastante en la arquitectura española... pero más importante es señalar la austerirdad y el colosalismo que trasmite el edificio como mensaje que quiere trasmitir el propio Felipe II. Por cierto, se trata de la combinación de "vanos" (no muros) y macizos uno de esos recursos expresivos de la obra.

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Alejandra (2) se atrevió con el detalle de la Imagen nº 3 y obtuvo comodín.

Autor: Ibn Ali Musa
Obra: Es la mezquita del Cristo de la cruz (Ibn al Mardum).
Estilo: arte islámico
País: España, Toledo.

Este edificio pertenece al periodo Cordobés. En su exterior podemos observar una fachada con tres portadas, utilizando en cada una de ellas un arco diferente: medio punto, polilobulado y herradura. Se utiliza también la técnica de arcos entrecruzados. Está construido en ladrillo combinado con mampostería. Hay una inscripción que no es del todo clara y se deduce que la obra se construyó en el año 999 y hace referencia a Ibn Ali Musa como el arquitecto.
Estas son algunas características típicas del arte de Al-Andalus y por eso se llega a la conclusión que pertenece a esta época, más específicamente a periodo Cordobés.

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Víctor (3) analiza la Imagen nº2 y gana el tercer comodín.

"Esta obra realizada por Velázquez es la famosa Vista del jardín de la Villa Médicis de Roma, que actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid.
Velázquez realizó un segundo viaje a Italia en el año 1649 y en su estancia se dedicó a realizar paisajes. Su calidad retratista es paralela a sus dotes extraordinarias para el paisaje. En este cuadro es capaz de anticiparse hasta dos siglos a la técnica del impresionismo.
Capta la vibración lumínica mediante pequeños toques. La transparencia ligera del aire, la sutil vibración luminosa (que no la volveremos a encontrar hasta el impresionismo) y esa actitud de melancólica sensibilidad frente a la naturaleza en abandono, hacen que los personajes no dejan de ser más que una anécdota, ya que lo interesante lo constituyen los efectos luminosos realizados a base de pequeñas pinceladas. Los efectos de la luz del sol a través de las hojas de los árboles, son magistralmente conseguidos."

Me imagino que ha sido un olvido el no comentar que es una obra del Barroco español.

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Sergio C. (4) es escueto y a punto ha estado de que no le de por correcta la Imagen 9.

Autor: Simón de Colonia
Obra: Bóveda perteneciente a la Catedral de Burgos
Estilo: Gótico
País: España
En la imagen se reconoce una bóveda calada (trabajada con calados, como su propio nombre indica) que aporta una luz cenital al recinto, un tipo de bóveda que definirá la arquitectura burgalesa de este periodo. Este tipo de bóveda tiene una inspiración islámica muy acorde con el estilo de fusión que utilizará Simón de Colonia en toda su trayectoria.

Olvidaste decir el siglo, segunda mitad del siglo XV, final del gótico. lño que es también otra razón de su complejidad de nervios y su forma de estrella.

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Lo siento Ana, tu mensaje llegó repitiendo la imagen comentada por Víctor.

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Alejandra (5) y Silvia realizan el comentario de la Imagen nº 8

Autor: Lorenzo Ghiberti

Obra. La puerta del paraíso, creación de Adan y Eva.

Estilo: escultura renacentista perteneciente al Quattrocento (s.XV)

País: Italia, Florencia.

Esta puerta se encuentra en Italia, es la puerta del Baptisterio de la catedral de Florencia. Las escenas de esta puerta pertenecen al Antiguo Testamento y estaba construido en bronce. Se puede observar el desnudo de algunos personajes y la proporcionalidad de los mismos. Esta obra transmite movimiento. Estas son algunas de las características de la obra que nos hacen deducir que esta obra pertenece a la escultura renacentista.

Alejandra, el comentario es muy flojo. Reconoces la obra, pero no argumentas con suficiente claridad las razones. Como Silvia ha contestado bastante bien esta parte, aunque su mensaje llegó minutos después del tuyo, decido que voy a repartir las cinco décimas entre las dos.

Este es el comentario de Silvia.

Se  trata de un amplio panel con forma rectangular que le permitió al autor (Ghiberti) crear escenas más pictóricas, los personajes que aparecen en esta obra están inspirados en los modelos clásicos, Dios Padre es un fornido Júpiter; Adán nos recuerda a un kuros; y Eva es una bellísima Venus. Las figuras son proporcionadas, idealizadas y de posturas y expresión variadas. Ghiberti utiliza la distinta profundidad del relieve en bronce para crear efectos de claridad compositiva: altorrelieves sobresalientes para resaltar en primer plano escenas cercanas y bajorrelieves, e incluso grabados, para las más lejanas. Con ello consigue además crear el efecto pictórico. La perspectiva, el paisaje y los elementos arquitectónicos sugieren profundidad espacial. Están representados según las reglas de la perspectiva, que descubrió Brunelleschi y que Ghiberti aplica al relieve.

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Víctor (6) resuelve la Imagen nº1

Autor: Jan van Eyck

Obra: Díptico de la Anunciación

Estilo: Gótico flamenco (siglo XV)

País: Se conserva en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Nos encontramos ante un díptico formado por dos tablas que representa el tema de la Anunciación del arcángel Gabriel (en la foto no aparece) a María. Las inscripciones realizadas en los marcos son muy frecuentes en sus tablas y aquí aluden al tema ya mencionado. Los rasgos góticos son, en primer lugar, el hecho de que las figuras imiten esculturas en nichos, luego la curva que presentan las dos figuras, en este caso la de la Virgen, y finalmente el tratamiento de los pliegues de las vestiduras. La figura y el pedestal que eleva a ésta, está realizada en grisalla, es decir, en una gama de blancos y grises. Los nichos están constituidos por dos partes: una es la parte pintada, que consiste en un fondo plano de un negro brillante, que imita el mármol y que actúa como superficie reflectante, y en unas molduras góticas imitando piedra. La otra parte está integrada por unas sencillas molduras talladas en la madera, que constituyen el marco de cada tabla a la vez que el del nicho. Da la impresión de una verdadera obra tridimensional, salvo por la paloma, que evidentemente nunca podría estar esculpida en solitario, sin nada que la sustentase.

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Nuria (7) utiliza el comodín y responde a la IMAGEN Nº 4.

Obra: Pantocrátor con tetramorfos.

Estilo: Románico.

País: Palencia (España).

Es un relieve en la fachada de la iglesia de San Juan Bautista (Moarves de Ojeda). El Pantocrátor rodeado del tetramorfo es un tema muy típico del Románico, ya que los temas religiosos tienen una finalidad y es difundir a la población analfabeta los verdaderos mensajes de la fe cristiana. El pantocrátor se encuentra rodeado de la almendra mística. A los lados encontramos a los apóstoles metidos en arquerías polilobuladas (influencia musulmana). Se aprecia la jerarquía de tamaño en los apóstoles que son más pequeños que el pantocrátor. Las caras de los apóstoles son inexpresivas y en cuanto a la decoración típica del Románico vemos el uso de canecillos.

Le faltaría el dato cronológico. Es estilo románico del siglo XII y he corregido un fallado de lapsus: tú pusiste "Palencia (Madrid)" y yo he corregido Palencia (España). Por lo demás muy bien.

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ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE ROMÁNICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone. Puedes ampliar a pantalla completa (full screen) para no perderte ni un solo detalle.

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)

4.- Alguna anécdota o historia relacionada con la obra.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

EJEMPLO.

"Imagen .........X (el número )

1.- Titulo: Vista exterior de la iglesia de San Martín de Frómista (Palencia).

2.- País o región. Etapa o cronología. España, antiguo reino de Castilla, segunda mitad del siglo XI.

3.- Dos ideas características mínimas:

- Destaca sus originales torres campanarios de forma circular y las puertas laterales que son posiblemente una influencia del románico alemán.

- La planta del edificio responde al modelo más habitual de planta basilical en la que se inserta un transepto, que se nota en altura, creando una cruz latina.

- El cimborrio en el corazón encierra una cúpula sobre trompas."

4.- Alguna anécdota o historia relacionada con la obra. Fue totalmente restaurada a finales del siglo XIX (1894-1904), haciéndole desaparecer numerosos añadidos para dejarla como podría ser en su origen, de ahí que tenga un aspecto tan puramente románico.

Empieza el juego.

IMÁGENES YA DESVELADAS

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Ana O. (1) inicia el juego y se asegura el primer comodín responidendo a la IMAGEN 10 .

En esta imagen podemos ver la catedral de San Saturnino de Toulouse, que se trata de un edificio del arte románico, concretamente de la arquitectura francesa, se encuentra en Francia y data del siglo XII. Se trata de un modelo de iglesia de peregrinación, debido a sus grandes proporciones, con girola o deambulatorio y tribuna, con planta de cruz latina, y un transepto del cual sobresale una torre – cimborrio. Además, podemos decir de este edificio que es la catedral más grande de esta arquitectura francesa. Esta basílica era, en sus comienzos, colegial, una iglesia con un colegio de canónigos dirigidos por un abad. Entonces recibía numerosas visitas de peregrinos a través del caminos de Santiago. La construcción comenzó en el año 1080 por el ábside detrás de la capilla y dieciséis años después, el papa Urbano II consagró el altar. Este edificio continuó siendo una sencilla iglesia escolar hasta 1778, cuando finalmente fue consagrada como basílica.

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Sergio Campana (2) responde con extensión, como a él le gusta, a la imagen nº 6 y gana el segundo comodín

Catedral de Santiago de Compostela (Galicia), que comenzó a ser construida alrededor del año 1075
En la imagen se muestra el interior de la catedral, donde se ven los pilares cruciformes, las tribunas y los arcos peraltados de las naves laterales. Consta de una planta en cruz latina de tres naves. La altura en la nave central es de veintidós metros en todo su recorrido y alcanza los treinta y dos de máximo en la bóveda del crucero. El cimborrio, situado sobre el centro del transepto, es gótico y sustituye el antiguo de estilo románico. Cerca del altar mayor, la girola está compuesta por diversas capillas románicas absidales, la central de planta cuadrada, y también tiene dosábsides en cada uno de los brazos del crucero. Sobre las naves laterales se encuentra un triforio con cubierta de cuarto de cañón y balcón de ventanales de doble arquería. La nave central se cubre con bóveda de cañón sobre arcos fajones y las laterales con bóvedas de arista.
En la catedral correspondiente a la sexta imagen se encuentran supuestamente los restos del apóstol Santiago, esta creencia se basa en la leyenda que se difunde a finales del siglo VII por el noroeste de la península según la cual Santiago el Mayor había sido enterrado en esas tierras, después de evangelizarlas. El año 813, ocho siglos después de la muerte del Apóstol Santiago, un ermitaño llamado Pelayo, junto con otros fieles, vio unas luces en las proximidades de un lugar conocido por el nombre de Solovio y lo comunicó a Teodomiro, obispo de Iria Flavia. Después de tres días de ayuno, el obispo y sus acompañantes fueron al lugar y descubrieron entre los matorrales un monumento hecho de losas de mármol, y no tuvieron ninguna duda de que se tratara del sepulcro del Apóstol y de sus dos discípulos, Atanasio y Teodoro. El obispo comunicó el hallazgo al rey de Asturias Alfonso II, que viajó con su corte al lugar y otorgó las tierras cercanas al sepulcro al obispo, más sus correspondientes rentas, y mandó construir una pequeña iglesia encima del cuerpo del Apóstol, junto a un baptisterio y otra iglesia dedicada al Salvador.

Este es el destino final de todos los peregrinos que desde el siglo IX buscan las reliquias del Santo y el "conocimiento de sí mismos".

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Parece que Joel (3) esta vez ha llegado a tiempo de conseguir imagen y comodín . Ha resuelto la imagen 9.

Título de la imagen: Frontal de Santa Julita y su hijo Sant Quirz.

Región y cronología: La obra se encontró en la pequeña ermita de Durro, en el valle de Bohí, en Lérida (España) y data de mediados del siglo XII.

Ideas destacables de la obra: Se trata de una obra pictórica en la que el autor utilizó la técnica del temple sobre la tabla (no es un fresco). Podemos observar rasgos arcaicos como el uso de colores planos, la inubicación de las distintas escenas (fondos neutros), ausencia de focos emisores de luz y, por extensión, ausencia de sombras. En cuanto a la temática, en la obra se narran los suplicios sufridos por Santa Julita y su hijo Sant Quirze (a los que podemos ver en el centro del frontal dispuestos de forma similar a la de la virgen teotokos).

Historia relacionada con la obra: A principios del siglo XX surgió un gran entusiasmo por estudiar las pinturas románicas halladas en la ermita de Durro y en los otros ocho templos cristianos del valle del Bohí que serían nombrados patrimonio de la humanidad por la Unesco en el año 2000. Entre 1904 y 1909 la Junta de Museos de Barcelona llevó a cabo una fiel reproducción de todas estas obras para darlas a conocer al resto del mundo que tuviese que ver con el arte, desatando así el gran deseo de obtenerlas tanto por Museos como por particulares y en 1919 unos intermediarios de compra y venta lograron adquirir muchas de estas réplicas que fueron a parar a EEUU.

Por cierto, esta obra me suena un poco, a lo mejor está explicada en este enlace.

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Silvia (4) ha decido resolver la Imagen 8.

En esta imagen podemos ver la planta de la catedral de Angulema, que se trata de un edificio del arte románico, perteneciente a la arquitectura francesa, se localiza en la región de Angulema en Francia y data del siglo IV. La planta de esta catedral, es de cruz latina formada por el cruce de la nave con el transepto. La catedral se caracteriza por tener una nave central muy larga de 15,24 m de ancho sin naves laterales. Esta nave se forma por la adición de 4 tramos: uno lo constituye el transepto, y los otros tres que constituyen la nave central están cubiertos con tres cúpulas de piedras sobre pechinas y arcos apuntados. El crucero se levanta sobre una linterna con tambor octogonal. La cúpula de esta catedral se encuentra cubierta de madera y se encuentra sostenida por tres elementos diferentes: arco fajón, arco fornero y por un pilar acantonado. Esta catedral fue convertida en un Templo de la Razón durante la Revolución, finalmente fue restaurada en base a un diseño del arquitecto Paul Abadie. Y en el año 2000, comenzaron nuevos trabajos de restauración y embellecimiento que aún continúan, para devolverle su brillo original.

Te voy a dar por válida la respuesta, aunque hay un error cronológico de bulto. La primitiva basílica de Angulema puede que date del siglo IV, pero a la que pertenece esta planta y para que  sea románica la que analizamos es del siglo XII. Ten cuidado con lo que dices. Por otro lado deberías haber resaltado como anécdota la posible influencia bizantina en el diseño o en los elementos decorativos exteriores...

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Ana (5) ha dado con la solución de la IMAGEN 2 y consume su comodín.

En esta imagen aparece la cabecera de la Catedral de Worms perteneciente al arte románico, concretamente a la arquitectura alemana.
Se encuentra en Alemania y su construcción comenzó en 1125, aunque no se termina de rematar hasta finales de siglo.
Esta catedral es muy cercana al gótico, algo que se demuestra con la aparición de rosetones, ya que esto es algo característico del arte gótico. En esta imagen podemos observar dos torres, al igual que el uso de arquerías ciegas y vivas. Además, podemos añadir que este edificio posee dos cabeceras, algo muy característico del arte románico alemán.
Esta catedral fue una sede de importantes eventos como el Concordato de Worms en el año 1122. Además, durante la Guerra de los Nueve Años, cuando las tropas de Luis XIV destruyeron la ciudad, hubo un intento de incendiar la catedral, pero las bombas colocadas en el interior no explotaron, a excepción de dos que hicieron caer parte del techo.

Pues sería un concordato hecho en una construcción anterior puesto que tú misma dices que esta iglesia se empezó a edificar en 1125. En la misma Wikipedia podrías encontrar cualquier anécdota relacionada con el edificio y tiene muchas.

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Alejandra sin entrar en si la obra es la que dices que es (lo que en este caso es lo de menos puesto que no la hemos visto en clase), no te puedo dar  por válido el comentario pues no aportas ni una sola característica artística románica aplicada a la imagen (requisito 3). La finalidad de este juego es aprender a comentar las obras  y por tanto aplicar las características y atenerse a los requisitos que se piden.

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Joel (6) esta vez ha conseguido que no le pisen la foto y logra puntuar con su comentario de la Imagen 7.

Obra: Pórtico de Santa María del Ripoll.
Localización y fecha: Esta obra se localiza en Gerona (España) y data de mediados del s. XII.
Rasgos de la obra: Se trata de un pórtico Románico, realizado en piedra caliza y arenosa, en el que encontramos una puerta de siete arquivoltas cubiertas de relieves (rasgo propio de esta etapa artística) y sujetas por unas columnas. En dos de estas encontramos las representaciones de san Pedro y san Pablo con las llaves y el pergaminos respectivamente. El pórtico se encuentra cubierto en su totalidad por relieves y esculturas que pueden representar adornos con motivos vegetales, representaciones de animales (signos zodiacales), la narración de las vidas de Jonás y Daniel, etc. También en todo el pórtico podemos encontrar símbolos del cristianimos más primitivo (como los crismones). En general estas representaciones resultan un tanto arcaicas debido a la ley de la frontalidad y semifrontalidad, así como la jerarquía de tamaños, rigidez de los cuerpos, etc. La puerta, debido en parte al gran número de arquivoltas, carece de tímpano. Para concluir, decir que este pórtico sigue el modelo de arco del triunfo.
Anécdota: Debido al material de construcción, un incendio sufrido en agosto de 1835 y, además, las contínuas inclemencias del tiempo han provocado en este pórtico una contínua descomposición y desgaste, causando la desaparición de todas las inscripciones que ponían nombre a los temas representados y la notoria reducción del nivel del relieve. Por ello se sustituyó el pórtico por un réplica y el original fue llevado a un museo donde es cuidadosamente vigilado.

Hay un magnífico estudio en en la Wikipedia.

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Ante la insistencia de todos los que comentan la imagen 1 (Victor, imagen 1 y no 3) en tratar la obra exclusivamente desde el punto de vista narrativo o de identificación pura y dura y no desde el punto de vista estilístico... tomo la decisión de descatalogar la obra. No se puede comentar más sobre la misma, queda desierto su premio.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE DE PRERROMÁNICO Y DE AL-ÁNDALUS.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y pero también está abierto para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes y vayan adquiriendo un método.
3.- Utilicen la herramienta informática, buscando imágenes e información en la red.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone.

Aplica este formulario a cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- Civilización. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Ejemplo

"Imagen .........11

1.- Titulo. Vista del palacio de la Alhambra de Granada.

2.- Civilización. Etapa o cronología. Construcción musulmana en Al Ándalus realizada en el periodo final de la dominación musulmana de la península (siglos XIII a XV),  reinando en esta Taifa la familia Nazarí.

3.- Dos ideas destacables.

a) Esta obra es un ejemplo magnífico de cómo la arquitectura musulmana integra armoniosamente la construcción humana y la naturaleza, lo que se aprecia en los materiales que utiliza (el ladrillo rojo), así como la interacción simbiótica entre el paisaje natural (bosque y montañas de fondo) y el paisaje humano (las torres y murallas recortadas).

b) La  disposición un tanto anárquica de alturas y espacios del palacio-alcazaba contrasta con la regularidad rectilínea y geométrica del Palacio de Carlos V, que también asoma entre las construcciones de esta vista." .

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona, aunque los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen, un comodín. Pensad bien, por tanto,  qué foto vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis  o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto, ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Empieza el juego.

Sergio C. (1) inicia el juego respondiendo a la Imagen 2 y obtiene el primer comodín.

"Mezquita de Córdoba
Construcción musulmana que comienza a ser edificada a principios del s. VIII por Abderramán I
La imagen muestra las columnas prestadas inconfundibles de esta mezquita, apoyadas sobre un pilar para aumentar la altura del edificio. Las dovelas de los arcos de medio punto y de herradura de entibo son bicolores hechas en ladrillo y piedra."

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Joel, además de que no identificas tu imagen, cometes algunos errores y omisiones que no me permiten darte la imagen. Lo siento.

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Jesús (2) resuelve la Imagen 4 y gana su comodín.

Santa María de Naranco en Oviedo.
Pertenece al arte prerrománico que abarca los ss VI-X. Concretamente es del arte astur-leones.
Fue iniciada como palacio. El material utilizado son sillares y sillarejos. Los contrafuertes no son tan sobresalientes como en el arte visigodo, sostienen una bóveda interna. La bóveda de cañón esta reforzada con arcos fajones que canaliza el peso hacia los pilares. Tiene planta de salón y la parte inferior estaba dedicada a las termas del rey. Posee vanos como balcones y ventanales. En la parte superior esta el camarín al que solo se accede desde el exterior. Se dice que servia bien para guardar reliquias o como habitáculo de un ermitaño.

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Ana Belén Cerro (3) contesta a la imagen número 9 y se gana el derecho a repetir comentario con el tercer comodín.

"Se trata de la iglesia de San Julián de Prados en Oviedo.

Esta obra pertenece al prerrománico astur-leonés ( S.IX-X) .Es un templo de planta de cruz latina de tres naves, separadas por pilares cuadrados que sostienen arcos de medio punto y, presenta una similitud con un arco triunfal. Se trataría más bien de un templo monástico y no palatino, si bien se reservaba para el rey una tribuna en el transepto. De las tres entradas al templo hoy en día dos están tapiadas. Estaba decorada por frescos sin motivos. Para sostener el peso se colocaban pilares que son rectangulares, como elemento de sostén también están las columnas angulares. Contiene espadañas en su lateral que hace función de campanario, está construida de piedra y tiene un sistema adintelado."

No me ha gustado el comentario porque en lo que deberías centrarte es en describir primero lo que ves... lo que te ha permitido reconocer la obra, y no en las características de la iglesia en su interior, que no se ven. Lo que tendrías que haber descrito es que tiene una cabecera de ábside plano y sobre ella el camarín, o el material de construcción, los contrafuertes, o las ventanas con celosías de piedra....además de insistir en lo que te he subrayado en color. Hay además muchos detalles matizables (construido en piedra= ¿sillarejo, mampostería, sillar?;  tiene un sistema adintelado= ¿dónde?), indefinidos (¿qué son frescos sin motivos?¿columnas angulares?), cuando no erróneos (¿dónde ves las espadañas laterales?). Aún así te he dado el comentario por correcto, pero en la siguiente imagen que comentes no seré tan benévolo.

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Reparto la imagen número 1 entre los tres que han contestado mientras no estaban publicados los comentarios. Las razones son varias: al comentario de Silvia (4) le falta algo fundamental, que es decir que la obra es del pueblo visigodo (sin atribución concreta a un estilo la imagen no es totalmente válida). Alejandra (4) sí ha dicho ésto y ha reconocido la obra pero se ha hecho un poco de lío en el comentario y no tiene muy claro que se trata de una corona votiva. La contestación de Mary of Silence, en cambio, es perfecta y es la que se haría merecedora de premio, pero llegó en tercer lugar y como Mary no concursa para premio... Tomo, por tanto una decisión salomónica y reparto las cuatro décimas entre dos y publico el comentario de Mary.

"Corona votiva de Recesvinto.
Arte visigodo (653-672)

Esta joya del rey Recesvinto es un notable ejemplo de la calidad de la orfebrería visigoda. La corona consta de un arco de oro decorado en la parte exterior con motivos vegetales y geométricos repujados e incrustaciones de piedras preciosas, como zafiros o perlas de tamaño y formas irregulares que, trabajadas de un modo un tanto tosco, deslucen en cierta medida el lujoso conjunto.

El aro cuelga de cuatro cadenas en oro decoradas también con motivos vegetales y, a su vez, de ella caen 22 letras doradas con colgantes de piedra en las que se puede leer “RECESVINTHVS REX OFFERET” (Ofrecida por el rey Recesvinto). Este detalle denota el objetivo primordial de la obra: la ostentación de poder por parte de Recesvinto. La joya no estaba concebida para adornar la cabeza del monarca, sino para quedar suspendida en lo alto de la iglesia, costumbre ésta tomada de los bizantinos, de modo que los fieles tomaran buena cuenta del prestigio de su rey y, al mismo tiempo, suponían una ofrenda de tipo religioso, por ello son calificadas de ‘votivas’.
Pertenece al Tesoro de Guarrazar y se encuentra un el Museo Arqueológico Nacional"

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Concedo a Ana (5) la IMAGEN 5, que no concedí  a Joel. Esta vez se referencia el número de imagen y sobre todo se menciona el moçarabe como motivo decorativo más llamativo y original de este edificio. aunque creo que la iamgen daba para sacar alguna idea más de los elementos decorativos (paño de sebka y epigrafía), falsos arcos, materiales como el yeso que permiten trabajar tan detalladamente...

"En esta imagen podemos ver unos arcos que forman un pórtico situado en el Patio de los Leones de la Alhambra de Granada.
Pertenece al arte de Al-Ándalus, concretamente a la etapa del Reino Nazarí (S. XIV y XV).
Podemos deducir que se trata de esta obra y de esta etapa debido a que los arcos situados entre las columnas, que tienen un fuste fino, son arcos peraltados y con elementos decorativos como el mocárabe o ataurique, algo muy característico de esta etapa."

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Rubén (6) ha sabido descubrir la imagen 3.

Título: Interior de la iglesia de San Juan de Baños, Palencia. Ábside y nave central. Etapa: Construcción arquitectónica visigoda del siglo VII.

Dos ideas: Iglesia rural en la que destaca el influjo romano (materiales). Predomina lo macizo y la mampostería. Destacan las ventanas abocinadas por donde entra la luz, los arcos de herradura (característicos del mundo visigodo), el ábside y la bóveda de herradura. La planta es de cruz latina.

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Jesús (7) ha vuelto para utilizar el comodín que ganó y contestar a la imagen 8.

"Se trata de la iglesia de San Miguel de la Escalada en Leon.
Pertenece al arte prerrománico (ss. VI-X), concretamente al mozárabe. Posee una planta basilical, con tres naves separadas por arquería, con sus respectivos ábsides en forma de herradura. Las columnas son de motivos vegetales y sostienen arcos de herradura. Aparece el altar en la imagen. Tiene una entrada lateral y una iconostasis."

Habría que precisar que el siglo concreto de la construcción de este edificio es el siglo X y, tal vez, contar que las peculiaridades de este estilo están determinadas por el origen de la población mozárabe, cristianos procedentes de Al Ándalus.

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Sergio C. (8) ha decidido no esperar más y utilizar su comodín para publicar su comentario sobre la  Imagen 10

Mezquita de Ibn al Mardum (Cristo de la Luz), Toledo
Pertenece a la época del Califato de Córdoba, civilización musulmana y fue construida en el año 999
La fotografía muestra una bóveda de arco entrecruzado perteneciente a esta mezquita de inspiración mudéjar y construida en ladrillo. Esta bóveda octogonal cuenta con varios arcos que se cruzan entre sí sin pasar por el centro de la misma. Hasta con 9 bóvedas de esta clase tiene dicha mezquita.
Además Ibn al Mardum cuenta con numerosos motivos decorativos geométricos (puntos de sierra) y en las paredes superiores epigrafía y modillones.

Este es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales". No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte prehelénico y griego.

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Observa las siguientes imágenes del arte prehelénico y griego  y luego contesta según la fórmula que te propongo. Puedes ver las imágenes en pantalla completa para verlas con detalle.

IMAGEN "X"

• 1.- Titulo de la obra o descripción temática o funcional del edificio.

• 2.- Civilización y etapa o cronología. Por civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega. Etapas para la civilización griega con precisión cronológica.
  

• 3.- Autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej. los escultores de etapa clásica) y lugar donde se encontró o se encuentra en la actualidad (museo).
  

• 4.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona, por lo tanto pensad bien que obra vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o contestáis de forma incompleta no hay segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella. Cada vez que esto suceda aparecerá un mensaje del administrador retirándola del juego. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente.

IMÁGENES RESUELTAS.

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Jesús (1) inaugura el juego y se gana el primer comodín al contestar la imagen 10.

"Venus saliendo de las aguas.

-Pertenece a la etapa helenística (ss III-II) de la civilización griega.

-Actualmente está en el British Museum.

-Muestra erotismo característica de la etapa helenística. Muestra un momento intrascendente y serenidad en el rostro."

Jesús "estírate" un poco más en las explicaciones.

1. Erotismo, desnudo, femenino...
   
2. Qué momento elige y porqué decimos que es intrascendente. Además falta dónde se encontró la obra.

Esto que te digo ahora lo tendré en cuenta para la siguiente imagen a la que tienes derecho por comodín, así que esfuérzate para que te la dé por válida.

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Silvia (2) ha sido más rápida que Alejandra y se ha ganado el segundo comodín con la imagen nº 1

Puerta de los leones de Micenas
Civilización micénica (c.1350-1300 a.C.)
Está situada a 90 km al sudoeste de Atenas, en el nordeste de la península del Peloponeso (Grecia).
Esta imagen pertenece a la civilización micénica, puesto que la ciudad de Micenas era una ciudad amurallada que poseía bloques ciclópeos, se encontraba decorada, con esta puerta monumental, ya que servía de puerta de entrada a dicha ciudad, en ella podemos observar la aparición de dos leones afrontados apoyando las patas delanteras sobre un pequeño podio de manera que están ligeramente levantados adaptándose a la forma del triángulo. Entre ellos hay una columna que parece que están adorando y que tiene un claro simbolismo. Por último, la decoración sólo da al exterior, ya que el interior del triángulo está liso.

Me permito sugerir algunos elementos significativos más: sistema adintelado en la puerta, falso arco creado por aproximación de hiladas para enmarcar el relieve, relieve con animales protectores en las puertas (influencia oriental), columna del relieve que puede ser identificada como típicamente minoico-micénica...

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Sara (3) ha desvelado  el misterio de la Imagen 3 y obtiene el tercer comodín.

Vaso de los pulpos

Arte minoico o cretense. Se encontró en el santuario de Kamarés. Aprox. 1500 a.C.

Es la llamada cerámica de Camarés, que lleva el nombre del santuario donde fue encontrada. La arcilla está trabajada de tal forma que se permite una precisión mayor en las formas. Consiste en fondos oscuros y brillantes con figuras pintadas de color blanco normalmente, pero también rojos, naranjas o amarillos. En esta cerámica, también llamada de palacio, se representan o figuras geométricas o representaciones más naturalistas, que suelen ser toda clases de animales marinos, como en este caso. También es frecuente la representación de plantas. La calidad de esta cerámica es indiscutible Son muchas las vasijas que han llegado representando a este cefalópodo, el dominio de esta isla sobre el mar hacía que fuera idóneo pintar animales acuáticos.

Comprendo la dificultad que tiene comentar esta foto y doy por válida la aportación, aunque estrictamente no se trata de una cerámica de Kamarés típica, como tú mismo las describes, sino de una cerámica del periodo minoico final de fondos claros y temas de fondos marinos.

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Ana (4) ha contestado a la IMAGEN 6.

Se trata de una escultura, que representa a Atenea, que forma parte del frontón del templo de la diosa Afaia.
Pertenece al arte griego, concretamente a la etapa de la transición a la época clásica, primera mitad del siglo V a. C.
Se dice que Charles Robert Cockerell excavando en Egina, encontró unas estatuas de mármol que son las que forman este frontón. Actualmente se conserva en la Gliptoteca de Múnich.
Algunas de las razones por la que he atribuido esta obra a la civilización griega son, que la escultura está hecha en mármol, algo muy característico de esta etapa; y además la figura presenta una perfección y belleza muy propia de esta etapa, al igual que muestra un gran realismo.

Ana te voy a aceptar la respuesta pero creo que no contestas a la cuestión principal: las razones de atribuir la obra a la etapa de transición de la primera mitad del siglo V. Que esté hecha en mármol o que busque la perfección y la belleza no son razones suficientes. Esta imagen de la diosa Afaia en concreto todavía muestra gran frontalismo, rigidez y pliegues de los paños artificiales... lo que contrasta con el conjunto en el que se encuentra donde los guerreros que la rodean adoptan posturas en movimiento y un estudio anatómico que tiende al realismo. En un examen no habría pasado del 5 pese a que reconoces la obra.

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Sergio Campana (5) acierta con la Imagen número 2, consume su comodín y arrebata su oportunidad a Joel, que contestó la misma imagen.

"Templo de Atenea Niké Áptera.
Construido en el siglo V a. C., hacia el año 425 a.C., bajo el mandato de Pericles
Proyectado por Calícrates, se encuentra en acrópolis ateniense (Grecia)
De orden jónico con columnas de basa, fuste acanalado y capitel con volutas y el friso corrido que le rodea. Desde el punto de vista de la forma y el tamaño: anfipróstilo (dos pórticos) y tetrástilo (cuatro columnas en el pórtico). El material utilizado es el mármol pentélico y se recoge en él las reglas de las armonía y de las proporciones, creando un edificio de gran belleza pese a su tamaño y a haber perdido los frontones, el tejado y parte de friso."

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Mary of Silence (6) contesta con total corrección a la IMAGEN 4. Esto me permite desvelar el comentario que realizó Alejandra algunas horas antes sobre esta imagen, que no estaba mal, pero que hacía por segunda vez después de que el primero se lo hubiese "pisado" por poco Silvia. Ya sabéis, esto es un juego y si resulta que se os han adelantado en comentar la imagen, pues se siente, no hay segunda oportunidad.

Koré ("joven fémina") en mármol perteneciente al periodo arcaico de la escultura griega (siglos VII y VI a. C.), datada aproximadamente en 510 a.C. De autor desconocido, la obra fue encontrada en la Acrópolis de Atenas. Aunque la figura mantiene abundantes detalles característicos de su período, como cierta rigidez e hieratismo, los ojos almendrados o la ley de la frontalidad, rasgos que denotan la persistencia de la influencia de las representaciones egipcias, la obra se distingue de sus contemporáneas por la belleza que aporta el detallismo y el cuidado dedicado al atuendo y a los ornamentos, así como por la elegancia preciosista que desprende la figura, a la cual contribuía sin duda la policromía, de la que tan sólo podemos apreciar algunos restos en el vestido, perdida por el paso del tiempo.

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Ana Belén (7) se ha atrevido con la Imagen numero 7.

"Título: Mausoleo de Halicarnaso
Civilización: pertenece a la civilización griega.350 a.c.
Autor y lugar donde se encuentra en la actualidad: fue encargada a los arquitectos Satiros y Piteos. Actualmente alguna estatua superior y algún friso que se salvó están en el museo Británico en Londres.

Rasgos característicos: estructura rectangular de 30 por 40 m, sobre ella 117 columnas jónicas en dos hileras sosteniendo el techo en forma de pirámide escalonada, y sobre este último la estatua de una cuadriga con las efigies del rey y la reina, alcanzando en conjunto unos 50 m de altura. No era muy común este tipo de edificios en esa época. Se construyo como tumba para mausoleo."

Se trata de una tumba para Mausolo, sátrapa de la Caria dependiente del emperador persa, por lo que es una obra hecha por griegos pero para ensalzar a un personaje. Esto es lo que no es normal. La obra se consideró por su grandiosidad, lujo y belleza escultórica una de las 7 maravillas del mundo antiguo.

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Silvia (8) ha utilizado el comodín y ha respondido a la Imagen 8.

Relieve de los caballeros
Etapa clásica (2º mitad del siglo V a.C.) (447-432 a.C.)
El escultor de este relieve es Fidias
Este relieve se encontraba situado en el friso de las Panateas del Partenón de Atenas.
Sobre él podemos observar una gran vitalidad y una gran fuerza, ambas contenidas por el sereno equilibrio de la razón humana. Por otro parte, cabe destacar la capacidad de crear profundidad a partir de la superposición de los personajes, además de una idealización corporal, unos rostros que presentan serenidad, y la técnica del movimiento contenido que se ve reflejada tanto en el brazo de uno de los caballeros, como en los cuerpos y las patas de ambos caballos.

Falta que hubieras explicado en qué consistía la fiesta de las Panateneas para así entender este detalle del friso. Se atribuye al taller de Fidias y en la imagen de los dos caballos podemos comprender que responden a dos manos diferentes (fijaos en las crines). El relieve se encuentra en el Museo Británico.

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Jesús (9) ha hecho caso de la advertencia y resuelve su segunda oportunidad con  un "poco" más de profundidad en sus explicaciones (tampoco mucho más). Su  Imagen es la 9.

-Templo de Segesta en Sicilia.
-Fue construido a finales del S. V por lo que pertenece a la etapa clásica.
-Se cree que lo construyo la gente de Elimia, pero no es seguro. Actualmente está situado en Sicilia, la antigua "Magna Grecia".
-Esta en un lugar espectacular, en un valle, para conseguir armonizar el templo con la naturaleza. Esta inacabado y es uno de los templos griegos mejor conservados. Se trata de un templo hexástilo, períptero y con columnas de orden dórico.

¿Por qué no completas la explicación? ¿No te has fijado que la columna dórica tiene basa y fuste liso? ¿Es eso normal?

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Y el último comentario es para Cristina (10) que ha resuelto la imagen 5

1.- Columnas del Partenón.
2.- Perteneciente a la civilización griega, a la etapa de la Grecia Clásica, construido entre los años 447 y 432 a. C.
3.- Se encuentra en Atenas, dentro de la Acrópolis, y Pericles empezó la obra, continuada por Fidias quien también realizó los trabajos escultóricos de la obra.
4.- La columna y friso de orden dórico, con aristas vivas, y un capitel sencillo jónico. Es un templo dedicado a la diosa Atenea, hecha de mármol pentélico. Con 17 columnas en sus laterales.

Me imagino que ha sido un lapsus el decir que la columna es dórica y a continuación que su capitel es jónico. La clave para saber de qué edificio estamos hablando es ver el friso jónico de detrás donde asoman lo caballeros del desfile de las Panateneas.

En este artículo vamos a analizar varias imágenes para reconstruir entre todos la historia y las características de los templos egipcios, en concreto, las aplicaremos sobre unos sobradamente documentados, los dedicados a  Amón en los santuarios de Karnak y de Luxor, Tebas.

Observa cada imagen y comenta  sólo una de ellas para puntuar.

• Sigue el guión o la sugerencia de comentario que te propongo para analizar la imagen.
  
• Que tu comentario no supere las 20 líneas de texto en documento de word (Times New Roman 12).
• Sintetiza y hazlo personal.
  
• Si encuentras alguna fotografía que pueda ilustrarlo apórtala a través de su dirección como enlace en el mismo comentario, también se valorará.

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EL CONTEXTO GEOHISTÓRICO.

1.- La ciudad de Tebas. Habla de su ubicación en Egipto, de cuándo tomó protagonismo y por qué. ¿Que  edificios podríamos encontrar allí en su momento de máximo esplendor a ambas orillas el Nilo? ¿Cuándo comenzó su decadencia y por qué?

Joel (0,5 pts.), que se impacientaba, ha realizado un meritorio comentario por su trabajo de síntesis personal y nos ha hablado de la Historia de la Ciudad de Tebas.

La ciudad de Tebas está situada en una extensa llanura cortada por el Nilo en tres islas, por lo que era un lugar estratégico. Su parte principal estaba situada en el Este, donde moraban la nobleza, los funcionarios y el clero. El oeste estaba reservado a los templos funerarios y a la necrópolis real (Valle de los reyes).

Fue una población modesta durante el Imperio Antiguo y sobresalió a raíz de la unificación de Egipto que llevó a cabo el monarca Mentuhotep (XI dinastía), cuando éste trasladó aquí la capital desde Memphis. La dinastía XX trasladó al delta sus residencias y de esta manera perdió su importancia política, pero no religiosa ni cultural.

La ciudad fue saqueada varias veces por reyes asirios, entre los que destaca Asurbanipal, originando su declive. Será conquistada por Alejandro Magno en el s. IV a.C. y más tarde por Roma. Fue destruida por un terremoto. Se cree que en su momento de máximo esplendor pudo llegar a albergar más de 60.000 personas.

En la ribera oriental hay dos poblaciones: Luxor y Karnak, en la que encontramos los santuarios de Amón, los cuáles se encuentran unidos entre sí por medio de por un paseo procesional flanqueado por una hilera de esfinges. En la parte occidental, encontramos el llamado Valle de los reyes y el Valle de las reinas (necrópolis) y un gran conjunto de templos funerarios, como el de Ramsés II, el llamado Ramesseum. También encontramos aquí los colosos de Memnón.

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EL TEMPLO COMO PARADIGMA.

Tebas congregó importantísimos templos funerarios donde se daba culto a los faraones fallecidos, pero, sobre todo, fue una ciudad decisiva como centro espiritual al levantarse en él dos grandes santuarios dedicados al dios Amón, que de divinidad local pasó a ser el más importante del culto estatal, lo que los constituyó en ejemplo o paradigma de lo que debía ser un templo egipcio.

2.- Analiza la imagen. Reconoce el templo escogido (no es el de Karnak) y habla de forma general acerca de cada una de las dependencias que se enumeran. Explica para qué servían o qué características tenían.

Muy bien Ana Belén, justo lo que pedía.

Se trata del templo de Amón en Luxor,Imperio Nuevo de Egipto, construidos en la orilla occidental del Nilo a su paso por Tebas por faraones de las dinastías XVIII, XIX y XX.

Las dependencias que se numeran son las siguientes:

1. 1. Avenida de las esfinges: eran leones con cabeza de hombre que están recostadas. Eran idealizadas por los antiguos griegos y formaban parte de su mitología. Símbolo de la realeza, ya que representaban la fuerza y el poder del león, y la vida después de la muerte. Las esfinges estaban hechas de roca caliza.
   
2. 2. Muralla: protegía el templo de los guerreros.
   
3. 3. Pilono: flanquea la entrada principal ,entre ambos se encuentra la puerta de acceso. En la decoración se incluye el poema de Pentaur que glorifica el valor del faraón en la batalla.
   
4. 4. Patio porticado: última parte de acceso público del templo.
5. 5. Sala hipóstila: de cubierta adintelada y estaba sostenido por columnas gruesas. El suelo está más alto que el del patio central y el interior está en penumbra. Se iluminaba a través de las ventanas de la parte superior. Se celebraban aquí distintos ritos y ceremonias. Las inscripciones y relieves solían estar policromados.
   
6. 6. Lago sagrado: es artificial. Se utilizaba para las labores de ablución y baño del clero. En él se criaban aves que posteriormente se ofrecían en sacrificio a Amó.
   
7. 7. Santuario sagrado: está dedicado al dios Amón, al que se accedía por un pasaje situado en el muro exterior.
   
8. 8. Graneros.
   
9. 9. Embarcadero sagrado: comunica el templo con el canal que llega del Nilo. Se empleaba como acceso al Nilo de las barcas sagradas durante las fiestas religiosas. Al lado del templo había una zona para custodiar la barca de Amon, que efectuaba la visita a los templos durante la Hermosa Fiesta del Valle.

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EL SANTUARIO DE AMON EN KARNAK.

3.- Se trata posiblemente del mayor templo levantado en Egipto. Haz un breve resumen de su historia. De cómo fue creciendo y de qué faraones intervinieron en su construcción. Usa esta página Digital Karnak: Timemap de la universidad de California, Los Ángeles.  Habla también de cómo ha sido reconstruido parcialmente tomando como excusa la litografía de abajo.

Alejandra, no te puedo dar el medio punto completo aún así te publico lo que has enviado. No es exactamente lo que pedía por varias razones:

1. Te excedes en las dimensiones del texto.
2. No hablas de las tareas de restauración contemporáneas.
3. No has consultado la página que dije se consultara.
4. No aportas imágenes.
5. No citas la fuente de donde has tomado la información y hay párrafos literales. La bitácora de Arístides.

El Templo de Amón dedicado al dios Karnak. Además de ser el más grande de Egipto, es considerado también como uno de los más antiguos. Originalmente se llamó Ipet-Sut (“el más perfecto de los lugares”). El templo de Amón (1530-323 A.C.) se construyó en diferentes fases que se dilataron en el tiempo. Está situado entre el Nilo y el templo de Luxor. A mediados del siglo XIX fue descubierto. Fue construido por diferentes faraones y épocas. Durante la XIX dinastía, 81.322 personas entre sacerdotes, guardianes, obreros y campesinos trabajaban para el templo de Amón. Varios faraones se sucedieron en la realización de la sala hipóstila: Amenofis III mandó erigir las 12 columnas de la nave central que sostienen los arquitrabes; Ramsés I dio comienzo a la decoración, que fue continuada por Seti I y Ramsés II. La parte principal del conjunto la constituye el gran templo de Amón, que probablemente se inició en el Imperio Medio, aunque adquirió dimensiones imponentes en la época de la XVIII Dinastía.
Puesto que casi todos los faraones desearon ampliar y embellecer el templo, en ocasiones destruyendo y reutilizando construcciones y estructuras precedentes, la arquitectura del edificio resulta más bien complicada. Comprende cuatro patios, diez pilonos, un lago sagrado y numerosos edificios. El último faraón que llevó a cabo importantes trabajos fue Nectánebo I, en la época de la XXX Dinastía: a él se deben el enorme pilono y la avenida de esfinges con la cabeza de carnero (uno de los animales consagrados a Amón), a través de la cual se accede aún hoy al templo.

Entre los elementos arquitectónicos ya citados, los más importantes fueron:
-Obelisco de Hatshepsut:. Es el mas alto de Egipto y su cúspide estuvo realizada de electro.
-Sala Hipóstila: estuvo cubierta con un techo de madera y ventanas de celosía que permitían el paso de la luz. Está compuesta por 134 columnas de las que 12 tienen un espesor de 3,6 m de diámetro. Éstas y los muros están decorados con relieves, donde se narran batallas, escenas domésticas y ritos religiosos. Los sucesivos faraones fueron alterando los jeroglíficos con el fin de encumbrar sus linajes. Abarca 5.500 m. cuadrados.
-Lago sagrado: es artificial. Se utilizaba para las labores de ablución y baño del clero. En él se criaban aves que posteriormente se ofrecían en sacrificio a Amó.
-Avenida de las Esfinges de piedra con cuerpo de león y cabeza de carnero (animal sagrado de Amón). Están alineadas una a continuación de otra y sujetan entre sus patas la imagen del faraón que sostiene las llaves de la vida (simbolizan la eternidad). La efigie del Dios Amón era llevada en solemne procesión por la avenida donde emprendía peregrinación a otros templos sagrados.
Pilonos: se construían mediante rampas de adobe y arena por donde se aupaban los bloques de piedras. Entrada al templo.
-Santuario:en su interior se encontraba la efigie sagrada de Amón, a la que se ungía, bañaba y se le ofrecía comida. Es curiosa la presencia de 20 columnas únicas en Ejipto, que fueron levantadas con la parte superior más ancha que la base.
-Sala botánica: en la más antigua del templo se encuentra la sala de Tutmosis III, decorada con plantas y animales exóticos. Su autor los recopiló en las campañas de Siria y es una ofrenda a su Dios Amón.

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LA SALA HIPÓSTILA

4.- El elemento más imponente de este santuario tal vez sea su sala hipóstila principal. Recaba información sobre ella y realiza un comentario sobre  esta imagen en la que aparezca descrito y comentado lo que ves con orden: las columnas, el elemento sostenido, el elemento decorativo... y que aparezca explicado para qué servía esta sala y qué característica peculiares tiene ésta en concreto.

Sergio Campana (0,5 pts.) nos habla sobre la sala Hipóstila. No lo cita pero en gran parte es de  Egiptología. org.

La sala hipóstila, construida en varias fases, es la parte más impresionante de todo el recinto, con unas dimensiones de 102 x 53 metros. Los relieves con los que se decoraba representaban escenas de las ceremonias religiosas que se practicaban en el templo. El acceso a la sala hipóstila estaba restringido a los altos funcionarios, escribas y gente noble. El techo, actualmente desaparecido, reposaba sobre 134 columnas en forma de papiro, de las cuales 12, pertenecientes al pasillo central, son mayores (15 metros de circunferencia) y con capiteles abiertos o campaniformes, y las menores, de capiteles cerrados, apoyan sobre esa amplia superficie una losa de piedra, el dintel. Están construidas con sillares y algunas de ellas están decoradas con relieves.

Algún tramo del capitel estaría más elevado y se rompería al descansar el peso del dintel sobre esa parte. Por ello, precisaban apoyar el dintel sobre una superficie completamente lisa, de menores dimensiones. En forma de cubo. Se aprecia la cornisa que delimitaba la avenida principa. También se ve que el dintel que une la avenida con el pilono está férreamente reforzado. Fueron construidas por Amenhotep III. Estas 12 columnas elevan el techo en esta zona hasta los 23 metros de altura. El resto de columnas, unidas por los cimientos, son obra de Horemheb y tienen una altura mucho menor. Constan de capiteles papiriformes cerrados y la decoración se debe a Ramsés I, Sethy I, Ramsés II y Ramsés IV. El exterior está decorado con escenas de la batalla de Qadesh y campañas militares de Sethy I en Palestina y Siria y contra los libios y los hititas.

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LA DECORACIÓN SOLEMNE DE UN TEMPLO.

5.- Te ofrezco uno de los relieves que decoran el edificio de Karnak. Explica qué tratan los relieves y aplica las características de las artes figurativas egipcias en el comentario de la imagen.

Silvia (0,5 puntos) desarrolla el comentario sobre los relieves del templo de Karnak.

La finalidad del relieve era proclamar las virtudes y poderes de los dioses, exaltar las hazañas del faraón y mostrar los trabajos y esfuerzos cotidianos de los egipcios. Para su mayor compresión suelen ir acompañados de escritura jeroglífica.

Los relieves de este templo son obra de Sethy I y Ramsés II. Suelen tratar escenas de la batalla de Qadesh y de las campañas militares de Sethy I en Palestina y Siria, además de las campañas militares contra los libios y los hititas.

La imagen de este relieve, está representada con una perspectiva plana, a través de la ley de frontalidad, según la cual se representaba la cabeza de perfil pero con el ojo de frente, y el tronco de frente pero con la parte inferior del cuerpo de perfil.

En esta imagen se puede observar a tres figuras, que buscan la perfección y la eternidad, poseen cuerpo atlético, representan la juventud, además adquieren hieratismo en sus rostros como signo de respeto y divinidad. Por otro lado, presentan rigidez, al igual que asumen el paso ritual, la jerarquía de tamaños, y la estereotipación.

No obstante, podemos observar la representación del dios Atón en la parte izquierda del relieve, en la que aparece representado realizando un movimiento contenido con su brazo.

Los relieves solían tener una función religiosa, además de una función política en la representación pública del faraón y el material más utilizado en los relieves, fue la piedra tallada.

Este es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

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Mira las siguientes imágenes de la prehistoria europea y de las civilizaciones mesopotámicas y egipcia y luego contesta según la fórmula que te propongo. Puedes ver las imágenes en pantalla completa para verlas con detalle.

Obsérvalas con detenimiento e indica para cada una de las fotos numeradas:

1.- Título (real o aproximativo) o descripción.

2.- Civilización, pueblo o lugar donde pudo realizarse y época o cronología.

3.- Dos rasgos distintivos propios (artísticos o temáticos) de ese pueblo o de ese periodo prehistórico.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de la obra.

Mira el ejemplo debajo de esta foto.

• "IMAGEN ....X
  
• 1.-  Título. Sección de la cámara funeraria de la pirámide de Keops.
• 2.- Civilización y cronología. Civilización egipcia, Imperio Antiguo, hacia el 2570 a. C.
  
• 3.- Dos rasgos propios. Está construida con grandes sillares de piedra; usa el sistema adintelado para techar la cámara; la pirámide es un tipo de tumba exclusivo de esta civilización para enterrar a sus reyes que querían con ello hacerles una tumba/casa para la eternidad..."

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona, por lo tanto pensad bien que obra vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o contestáis de forma incompleta no hay segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella. Cada vez que esto suceda aparecerá un mensaje del administrador retirándola del juego. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente..

IMÁGENES RESUELTAS.

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Lo siento Silvia has sido la primera pero ni has puesto el número de la obra que comentas ni  tampoco parece que veamos las mismas obras, porque aspectos muy importantes de lo que me cuentas no son correctos para la imagen que más se puede asemejar. También lo siento porque has perdido tu oportunidad.

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Muy bien, Rubén Fernández (1), te has ganado 0,1 para el control y además el comodín que te da derecho a hacer otro nuevo comentario cuando desees. Aprovéchalo para sacar más puntuación. La imagen comentada ha sido la número 2, por lo que ésta queda ya retirada y no podrá ser contestada por nadie más.

"Imagen 2
Título: Pintura rupestre perteneciente a Sierra Madrona, Ciudad Real.
Esta obra pertenece al Neolítico (7.000 al 3.000 a. C.)
Es una escena incomprensible ya que tiende a fijar la idea, el concepto, la sustancia de las cosas, ( a crear símbolos en vez de imágenes) y aparece el sol, seres humanos y animales."

No es una respuesta muy elaborada pero puede valer. Tal vez te faltaría decir que no es una pintura realista, sino de signos o hasta casi abstracta, para diferenciarla de las otras pinturas rupestres prehistóricas con las que podíamos confundirla. Es la esquematización de seres humanos o astros. También se puede argumentar que la finalidad de la obra podría ser mágica o de delimitación de espacios tribales...

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Jesús has repetido la misma imagen que Rubén, que ya había contestado dos horas antes. Hay que mirar los comentarios anteriores para no repetirse, porque has perdido tu oportunidad. Sorry. No hay ni puntos ni tampoco comodín , aunque sí lo tengo en cuenta como actitud porque la contestación es correcta.

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Sergio Campana (2) ha resuelto la imagen nº 4 y ha obtenido el comodín correspondiente para contestar una segunda vez.

"Imagen número 4.
Título: Micerinos y su esposa. IV Dinastía
Pertenece a la civilización egipcia (2548-2530 a. C.)
Esta escultura es un arquetipo idealizado que busca la perfección y por tanto la eternidad. En la obra cabe destacar la juventud, el atletismo de los cuerpos, la rigidez, el geometrismo y la estereotipación."

No estaría de más que ya que se pedían dos rasgos distintivos que alguno de los que apuntas los hubieras explicado un poco. En concreto, ¿Qué significa juventud? ¿Por qué el cuerpo es rígido?¿Dónde se aprecia el geometrismo de la obra? ¿Qué quiere decir que son estereotipos?

También se podría haber hablado de la función que cumplía este tipo de estatuas. En concreto ésta representa a un faraón y se encontró en una tumba, por lo tanto tenía una finalidad religiosa: la escultura estaba hecha para servir de soporte físico de su alma en el reino de los vivos... La creencia en la eternidad o en la vida en el más allá se basa en que el difunto tiene que dejar presencia de su memoria en el mundo; por lo que,  la escultura, la pintura, su nombre, su momia, su tumba... son todo elementos para garantizar su vida eterna.

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Joel (3) ha resuelto la imagen número 9 y se hace acreedor del tercer comodín.

"Imagen nº 9
Título: Estela de los buitres
Civilización y época o cronología: Civilización Mesopotámica, más concretamente, pueblo sumerio. III milenio a. C. (2450 a.C.)
Dos rasgos distintivos propios: Modelo humano uniforme (cara rechoncha, nariz aquiliforme, representados con faldilla) y rasgos artísticos arcaicos (ausencia de proporcionalidad, formas geométricas, hieratismo, etc.)."

También se podía haber explicado un poco más en qué consiste alguno de esos rasgos artísticos que has apuntado o haber hablado de qué es una estela, del cuneiforme, del tema representado, de la interpretación de la profundidad, de la jerarquía de tamaño....

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Sergio Campana (4) ha utilizado su comodín con la imagen nº 5.

"Imagen número 5.
Título: Gran Zigurat o Etemenanki
Perteneciente a la civilización mesopotámica, Babilonia (1792-1750a.C)
En el complejo templario de Nanna, dedicado al dios Marduk. Disponía de tres niveles en disminución desde el inferior, en la cima estaba el santuario propiamente dicho. Medía más de 60 metros de longitud por 45 de anchura y su altura origina sería de unos 21 metros. Se componía de una sólida masa de adobes recubierta con una capa de de dos metros de espesor de ladrillos cocidos unidos con betún. Las paredes se inclinaban en forma de talud y se reforzaba además con contrafuertes anchos, pero poco profundos. El Etemenanki fue popularmente identificado con la Torre de Babel."

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Víctor (5) ha sido un poco más rápido que Joel y se ha adelantado por unos minutos a contestar la imagen nº 7, por lo que es él quien se lleva los puntos y lamentablemente Joel ha perdido su comodín.

Imagen nº 7
Título: Cabeza de Sargón.
Esta obra pertenece a la civilización mesopotámica, más concretamente al arte acadio.
Sus rasgos más característicos son que está hecha en bronce con incrustaciones que se han perdido. Se podría decir que está hecha a tamaños casi naturales. Es procedente de Nínive y se dice que representa probablemente a Naramsin, el nieto de Sargón que reinó durante los años 2255 a.C. al 2218 a.C. Esta obra muestra el realismo que los artistas dieron en sus obras plásticas, haciendo así muestra de los labios que son representados muy carnosos, y la nariz y pómulos marcados aunque con suavidad de formas. Destaca el hieratismo.

Te la doy por válida aunque esperaba algo más de comentario acerca de los rasgos físicos del estereotipo acadio, que la imagen representa, o sobre la exaltación del soberano oriental, que es la finalidad de la estatua.

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Alejandra (6) ha contestado a la imagen nº  4 y aunque no ha identificado la obra con exactitud, lo importante es que identificara el estilo y lo caracterizada, por lo que se lo doy por válido.

Imagen nº 4
Columnas de la Sala hipóstila del Templo de Karnak en Luxor, Egipto. Pertenece al arte egipcio y fue construido bajo las dinastías XVIII y XIX egipcias. Ramsés II hizo construir esta impresionante sala.
Podemos destacar la gran dimensión de las columnas. Las columnas del centro son más altas que las otras y las ventanas permiten que la luz entre. Están construidas con sillares y algunas de ellas están decoradas con relieves.

Se trata de la sala hípetra del templo de Jonsu en el santuario de Amón en Karnak, Tebas. Es el patio descubierto de entrada a la sala hipóstila. También podías haber hablado del tipo de columna que es lo más significativo que aparece o del uso del sistema adintelado. Los relieves son rehundidos.

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Hola Sara (7), me alegra verte por aquí. Efectivamente, has acertado con la imagen nº 1.

Relieve del Palacio Norte de Asurbanipal Civilización asiria, Mespotamia. 668-631 a.C. (Período Neoasirio) en Nínive. El soporte es una estela y es característico de todo el arte mesopotámico. En la escena se muestra la caza, un deporte de reyes, los relieves más impresionantes sobre esta temática que usaban los asirios para mostrar lo poderosos que eran, una clara exaltación de la violencia. El rey caza con el arco a unos leones recién puestos en libertad, pero uno de sus sirvientes le protege con un escudo. En el rostro del rey se ve claramente la etnia semita, con una gran larga barba rizada y una musculatura muy marcada. Los leones están llenos de rabia y dolor al ser ejecutados, pero los rostros de los asirios aparecen impertérritos. La imagen también goza de un gran detallismo, que se puede apreciar en las bestias asesinadas y las que asesinan.

Sólo un "pero" por ser más precisos. No se trata de una estela, aunque haya sitios de internet en donde se pueda calificar así. La estela es una única piedra monolítica, a menudo vertical, con texto escrito y de carácter conmemorativo, es decir una estela es la de Narasim, por ejemplo. Esta escena forma parte de un conjunto decorativo de los zócalos que revestían las salas del palacio de Nínive. Por lo demás, correctísimo.

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Cristina (8) ha contestado a la imagen nº 8. La respuesta no es del todo correcta, aún así voy a tenerla en cuenta como acierto. La explicación debajo.

Imagen nº8.
-La cueva de Lascaux, Francia, pintura de caballos.
-Prehistoria, es pintura rupestre del Paleolítico. -Pintado con tintes naturales (pigmento), con palos posiblemente, es característica porque representa caballos y bisontes. Además de que están en completa serenidad, sin movimiento.
Los usaban como rituales, seguramente para la caza.

No se trata de la cueva de Lascaux, sino de la de Tito Bustillo en Asturias y tampoco veo bisontes por ningún lado. Es un panel con un tipo de caballo muy singular, como acebrado. Pero esto no es lo más importante para que haya estado a punto de no concederte la imagen, lo que más te ha bajado la consideración es que simplemente te hayas limitado a encuadrar esta obra en el Paleolítico. El Paleolítico es un periodo inmenso, al menos tendrías que haber mencionado Paleolítico Superior. Tampoco me ha gustado que dijeras que pintaban con palos. Pintarían con pinceles hechos de cerdas de animales o con la misma mano.

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Javier Buacho (9) contestó a la imagen 6.

Tutankamón y su esposa Ankesenamón, es una imagen que se encontraba en el respaldo del trono ceremonial de Tutankamon. Es una pintura del arte egipcio. Data de principios del siglo XIV. Como características podemos destacar el hieratismo de los rostros, los ojos mirando de frente aun teniendo la imagen de perfil, y la sensación de movimiento en los gestos y en la forma en que ondea el pañuelo que tiene Tutankamón en el cuello.

Como podemos ver en la foto donde se abre todo el conjunto Javier tiene razón. Pero falla al decir que es una pintura, realmente es una obra entre mosaico y relieve, un trabajo de orfebrería hecho con oro y piedras semipreciosas. La riqueza de este sitial es buena muestra del poder económico y refinamiento que tenían los faraones. Este objeto nos ha llegado gracias a que la tumba apenas fue saqueada y que fue descubierta  a comienzos del siglo XX. Lo más notable desde el punto de vista artístico es que aunque cumple leyes de representación egipcia típicas, también se pueden apreciar elementos excepcionales más propios del periodo de Akenatón, como el estereotipo humano más sensual e incluso la presencia del propio dios Atón representado como disco solar con rayos irradiando su energía y la cruz de la vida eterna o Anj.

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Sara ha contestado a la última y preciosa imagen, la número 10.

Interior de Tumba de Sennefer o tumba de las viñas

Tebas, Dinastia XVIII 1450 – 1425 a.C. Imperio Nuevo, período de Amenhotep II. Civilización Egipcia.

Pinturas decorativas de una tumba o su casa para la eternidad, ya que estas escenas amorosas de los esposos también sirven como reflejo en la tierra tras muerte y que una parte de ellos mismos quede sobre la tierra. Se trata de pintura al temple, las pinturas en exteriores se han deteriorado con el tiempo, pero no los relieves rehundidos que ingeniosamente idearon para que su arte no fuera dañado por el desierto, goza de policromía, con los colores más característicos de la pintura egipcia, negro, blanco, rojo, bronce, dorado... los contornos estñan fuertemente marcados de negro. Su función es religiosa y funeraria.
En lo referente a la figuración se ve representados al alcalde Sennefer y a su esposa Meryt y ambos se muestran idealizados, intentando imitar al faraón, ser perfecto por ser un Dios. Las escenas parecen ser cotidianas, nada de pasajes del libro de los muertos. Se aplica la ley de frontalidad, el cuerpo está en una posición imposible con el propósito de enseñar todo lo posible del cuerpo, no parece haber ley de jerarquización en la imagen que se ve de frente.
La tumba está formada por túneles, usando una falsa bóveda, ya que no manejaban la bóveda y confiaban más en el dintel.
Los túneles están plagados además de escenas figurativas de la escritura egipcia, jeroglífico.

Yo añadiría que en este caso no pretenden crear una falsa bóveda sino un efecto premeditado en relieve de emparrado en ese techo desigual. Si es notable esta tumba es por las hojas y racimos de parra que simulan un patio de una vivienda nobiliar. Los esposos aparecen amorosamente enlazados, no hay entre ellos diferencias sociales ni de tamaños. Una visión idílica de paz conyugal y armonia.

Como ya hemos visto en un artículo anterior se van a celebrar en Madrid durante el mes de agosto varios acontecimientos culturales de importancia con motivo del JMJ-2011. A mi juicio, destaca sobre todos ellos el préstamo que el Museo Vaticano ha realizado de la obra maestra de Caravaggio, El Descendimiento, que se puede ver desde el 22 de Julio hasta el 18 de septiembre en la sala 4 del  Museo del Prado (salas de Pintura italiana). Cualquier información a cerca de horarios o del recorrido artístico, "La palabra hecha imagen. Pinturas de Cristo en el Museo del Prado",  lo podéis ver en el enlace anterior. Aquí voy a hablar del lienzo.

Caravaggio. El Descendimiento. Óleo sobre lienzo, 306 x 214 cm. 1602-1604. En la sala 4 del Museo del Prado.

Ficha técnica.

El Descendimiento o Santo Entierro.

Michelangelo Merisi da Caravaggio. 1602-1604.

Óleo sobre lienzo, 306 x 214 cm.

Ciudad del Vaticano, Museos Vaticanos.

Su ubicación original sería sobre el altar mayor de la capilla que la familia Vittrice poseía en la  iglesia romana de Santa María in Vallicella, también conocida como Chiesa Nuova, perteneciente a la Congregación de los Oratorianos de san Felipe Neri. La obra fue trasladada a París durante la ocupación napoleónica. Al ser devuelta en 1817 ya no se volvió a alojar en la iglesia, pasando a formar parte de la Pinacoteca Vaticana. Actualmente en la capilla hay una copia de la pintura (véase foto inferior) que nos sirve para hacernos una idea del contexto arquitectónico para el que se diseñó la obra, algo fundamental para entender la pintura barroca.

El Descendimiento en qué debemos fijarnos.

Puede que ningún otro pintor haya contravenido hasta tal punto las convenciones artísticas y sociales de su época como Caravaggio (1571-1610). Su biografía parece más bien un informe policial, ya que era conocido por su iracundo e insoportable temperamento y a menudo entró en conflicto con la justicia. Su arte no era menos espectacular y estableció unas directrices completamente nuevas en la pintura europea.

• El Naturalismo. A diferencia de otros pintores que trabajan en la misma época en Roma como los Carracci, que seguían los ideales del clasicismo y del Cinquecento, Caravaggio no partía de la imitación de pintores anteriores ni se ciñó  a los convencionalismos de los géneros pictóricos. Su objetivo era pintar sus personajes con realismo, pero no sólo consiguiendo reproducir correctamente las proporciones o los movimientos anatómicos (cosa conseguida desde el siglo XV), sino trabajando con modelos de aspecto vulgar que encontraba en la calle y en las tabernas. Sus santos e historias bíblicas, en vez de representar figuras extasiadas y acontecimientos supraterrenales, reflejaban personajes de carne y hueso que podían ser sucios, afeados y grotescos, eso es lo que se conoce como naturalismo. Por este motivo a menudo sus obras eran furibundamente criticadas e incluso reprobadas por quienes las habían contratado.

Caravaggio. El Descendimiento. 1602-1604. Detalle de Nicodemo y San Juan Evangelista.

• Pese a todo lo dicho en el punto anterior, puede que estemos ante la excepción que confirma la regla, el único cuadro alabado por todos desde el mismo momento que se expuso en 1604. ¿Cuál ha sido la razón de esa unanimidad? Pues, tal vez sea porque en la obra conjugó naturalismo e idealización, es decir, además de reflejar a tipos populares como era propio de la obra de Caravaggio, también se dejó inspirar por la belleza de un clásico. En el detalle que tenemos encima podemos observar el contraste entre la figura y el rostro de Nicodemo, que vuelve su rostro compungido y lleno de arrugas hacia nosotros, un rostro real, y el desnudo bello de Cristo, un cuerpo idealizado. El primero es posible que se trate del retrato de Pietro Vittrice, titular del patronato del oratorio de San Felipe Neri, muerto en 1600, y el segundo es un modelo inspirado en la tradición que comienza en La Piedad de Miguel Ángel y que continúa en el Santo Entierro de Tiziano, como se puede ver en la foto de debajo. El resto de los personajes son populares, aunque no premeditadamente afeados.

Comparación. Detalles del brazo y del desnudo de Cristo muerto en La Piedad de Miguel Ángel, el Santo Entierro de Tiziano y El Descendimiento de Caravaggio.

• El tenebrismo como recurso expresivo y narrativo. El paisaje prácticamente no jugaba ningún papel en sus cuadros ni siquiera cuando la escena se desarrollaba al aire libre como en este caso: a lo sumo un matojo asoma en el margen inferior. Las figuras se disponen sobre un fondo oscuro y son iluminadas por un potente foco que parece deslumbrarles. Con este recurso el pintor consigue que el espectador se concentre sobre aquellos detalles que especialmente le interesa resaltar, creando además un fuerte impacto monumental y dramático. Cuatro son básicamente los detalles que me llaman la atención:
  

1. El retrato de Pietro Vittrice como Nicodemo, del que ya hemos hablado.
2. El catálogo de reacciones de dolor ante la muerte de Cristo desde las más extremas hasta las más contenidas: la joven María de Cleofás alza los brazos hacia el cielo y grita desesperadamente; María Magdalena se enjuga las lágrimas; la Virgen María con dolor silencioso y sereno; San Juan Evangelista intenta una última caricia al cuerpo del Maestro amado y Nicodemo nos mira entre resignado y compungido.

Caravaggio. El Descendimiento. 1602-1604. Detalle María de Cleofás.

Caravaggio. El Descendimiento. 1602-1604. Detalle de la Virgen y la Magdalena.

1. El cuerpo de Cristo que parece dormir apaciblemente, como si no hubiese sufrido la pasión. Caravaggio no quiere mostrarnos el dolor a través de él, aunque se reserva un detalle morboso, que confirma que es un cadáver lo que llevan a enterrar: la mano de San Juan Evangelista no puede evitar asir el cuerpo por la llaga del costado. Esta simple referencia es la que nos habla del dolor físico de Cristo.

Caravaggio. El Descendimiento. Detalle de Cristo sostenido por San Juan.

1. El mensaje simbólico religioso. En la obra de Caravaggio siempre es muy importante hacia dónde apunta las manos. Hacia el cielo en La Conversión de San Pablo, hacia Leví en La Vocación de San Mateo. Aquí el brazo caído de Cristo y la piedra son los verdaderos y silenciosos protagonistas del cuadro. La mano nos la señala y ella aparece en diagonal proyectándose hacia nosotros. Es la losa bajo la que reposará la esperanza de la salvación de la humanidad en espera de la Resurrección, pero es a la vez la piedra angular sobre la que se edificará la Iglesia. El cuadro dispuesto para ser el fondo de un altar, como vemos en la primera foto del artículo, conseguiría todo su efecto simbólico en el momento en el que el sacerdote al consagrar elevara la ostia hasta la altura de los dedos de Cristo y la piedra.

Caravaggio. El Descendimiento. 1602-1604. Detalle mano.

• Composición. El esquema compositivo es muy compacto que traza a través de la luz y las posturas de los personajes una diagonal que va desde la esquina inferior izquierda de la tela hacia la opuesta superior. Iluminación y composición recuerdan a un fotograma cinematográfico.

Caravaggio. El Descendimiento. 1602-1604.

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Otras interpretaciones del Descendimiento de Cristo por otros pintores en artículos de este blog:

1. - Pontormo.
2. - Van der Weyden.

El curso está a punto de acabar. Hemos viajado por la Historia del Arte durante estos últimos meses y hemos visto muchas cosas... pero tal vez todas han sido demasiado serias. Por eso ahora os propongo que usemos nuestro conocimiento adquirido en imágenes para contemplar nuestra vida cotidiana de otra manera y descubrir en lo que nos rodea muchas inspiraciones artísticas.

Sí, son los Simpsons. No podéis ni imaginar la cantidad de referencias artísticas que sus creadores han utilizado en sus capítulos. Os propongo que para ganar algo más de nota de evaluación comentéis cualquiera de los cuadros del siguiente Slide. Todos se inspiran en uno o dos de los cuadros y artistas que entraban en esta evaluación. Tal vez haya un par de ellos que no lo hacían, pero es igual, no me he podido resistir a ponerlos y también son motivo de comentario.

Alba hha comenzado y recibe un comodín por resolver la imagen 1

Se me olvido comentar la relación con la serie. Lo único con lo que se relaciona es que Homer va a visitar el museo y de espaldas se ven los cuadros de Picasso.

No me convence mucho el otorgarte el comodín porque: falta datación a una de las obras, el guitarrista (1903), y, sobre todo, el comentario relacionado con los Simpsons es mínimo. Al menos di si están bien captadas las esencias de los cuadros. El próximo comentario no seré indulgente.

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Tamara (2) ha optado por comentar la Imagen 4 y se lleva por ello un comodín . Me ha encantado el comentario porque lo has sabido integrar.

Leonardo Da Vinci. La ultima cena

Finales del siglo XV 1495-1497. Renacimiento

Se encuentra en la pared del refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie en Millan, Italia

Leonardo ilumina la escena con luz artificial, prescinde de la iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo. En este caso la figura de cristo representada en Homer se supone que esta iluminada con la luz que refleja el aparato por encima de su cabeza.

La composición está muy calculada para que, siendo muy estricta en el orden y las jerarquías, parezca algo casual. Los doce amigos de Homer se sitúan cuatro a cada lado de él y repartidos por grupos de dos. La figura de Homer aparece en el centro, con una forma triangular o piramidal propia del pleno clasicismo renacentista y muy usada por Leonardo en otras obras. Los apóstoles no lo tocan, ni siquiera se acercan, permanece sólo, no interactúa con el resto.

Las líneas de fuga también hacen que resalte su figura como la principal del cuadro. Su figura es lánguida con la cabeza torcida y un cuerpo redondo entrado en carnes. El estar comiendo y bebiendo puede hacer referencia a la sangre representada en la cerveza y el cuerpo de cristo en lo que se este comiendo ambos símbolos importantes del cristianismo.

En esta obra, aplica la técnica del "sfumato" diluyendo todos los contornos y prescindiendo del uso de la línea.

Composición, luz, posturas y simbolismo... magníficas relaciones. Lo único a matizar es que los amigos de Homer no son doce sino ocho.

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Sara (3) ha comentado la Imagen 9 en dos tiempos alcanza y para un comodín.

1. Autor Pablo Picasso. Título Guernica

2. Cubista y Expresionista. España. 1937

3. Museo Nacional Centro d Arte Reina Sofía (Madrid)

4. El tema de la obra es una denuncia política, concretamente el bombardeo de la ciudad de Guernica a manos de los aviones alemanes que estaban probando sus armas en la Guerra Civil Española. Consigue plasmar perfectamente el horror y la destrucción de la guerra mediante un lenguaje entre el cubismo y el expresionismo. La gama cromática es pobre, solo emplea el negro, el blando y el gris, esto se debe a una influencia de los periódicos. Recoge múltiples influencias, una de las más directas es el cuadro de La Matanza de los Inocentes de Reni.

Nelson, el macarra, ha dibujado el cuadro, con las caras de sus profesoras, parece que quiere ponerlas en el mismo bombardeo del Guernica, aunque también se distingue al conductor del autobús.

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Nuria P. (4)  ha comentado la imagen15. Parece que Picasso os ha gustado como a los creadores de la serie.

- Pablo Picasso "Los tres músicos"
- Pertenece al cubismo sintético. Siglo XX-1921
- Al haber más de una versión encontramos que una está en el Museo de Arte de Filadelfia y otro en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Estados Unidos.
- Picasso hace este cuadro al conocer a la bailarina Olga Joklova en su “época rosa”. En él aparecen un arlequín con una guitarra, a veces de identifica el artista con él, un pierrot con un saxo y un monje con una partitura.
El cuadro está hecho con la técnica del collage (lo vemos en la composición de los trajes de los músicos, esta técnica da vida y movimiento al cuadro), que luego será traspasada esa técnica al óleo. Podemos apreciar que los músicos están de perfil y de frente a la vez y esto es debido a la superposición de los planos.
Aparece Homer (que se encuentra en un museo) a nuestra izquierda estático mirando a las tres figuras y da la sensación de que parece que no forman parte de un cuadro sino que son reales los músicos.

O es del cubismo sintético o es de su época rosa... Decídete. En cuanto a Homer está sufriendo una pesadilla en el museo. Las figuras son tan reales que cobran vida y sacan unas ametralladoras con las que le disparan.

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Sara (5) comenta la Imagen 7

2 cuadros. El que está mirando Homer es la lata de sopa Campbell de Andy Wharhol del Pop- Art, en EEUU. Pertenece a la década de los 60.
Es una representación totalmente cotidiana de un producto muy frecuente en América en los años 60. Es de fácil comprensión, ya que no hay más interpretación que la que se ve.
Homer se detiene a ver este cuadro y parece que le entró hambre al verlo, ignorando el cuadro siguiente que es una composición de Modrian.
El segundo es una Composición de Modrian, líder del Neoplasticismo. 1929 en América
El blanco es el color predominante, las líneas rectas dan armonía al cuadro, sobre el que se sitúan figuras geométricas de colores primarios y vistosos.

Te perdono el que no hayas intentado localizar los cuadros, que es lo que te falta, porque hay varias versiones de los mismos. Mondrian es holandés y esa composición no la realiza en América.

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Pedro (6) se atrevió con la IMAGEN Nº 2 y ha puesto una graciosa interpretación del cuadro de los Simpsons a lo Picasso.

1. Dalí. Persistencia de la memoria

2.Estilo surrealista pintado en 1931

3. MoMA, Museo de arte moderno, Nueva York

4. Como en otros muchos cuadros, el fondo es la bahía rocosa de Port Lligat, la composición total del cuadro provoca el asombro del espectador por su aspecto. Se puede observar su retrato en primer plano en forma de caracol arrastrándose. Dos de los relojes (oro y plata) se adaptan al cuerpo del caracol. El único reloj que permanece intacto es el rojo a la izquierda que, parece ser devorado por unas hormigas. El tema principal del cuadro es la fugacidad de la vida representada en los relojes que se deforman y en la descomposición del cuerpo de caracol que, como ya he dicho, es el retrato del mismo pintor. Así mismo, el reloj rojo tiene otro tema y es, una alarma sobre el acecho de la muerte.

En los Simpson, en lugar de los relojes, aparece la cara de algunos de los personajes principales como Homer que, coincide con el retrato de Dalí en el cuadro original. La persistencia de la memoria se representa con la figura de Lisa Simpson, la hija intelectual que saca buenas notas, en este caso las hormigas no se comen al reloj rojo si no a la rosquilla que representa el tiempo dulce de la vida. Otro detalle no casual es que, el reloj de fondo marca las 6.00 pm, hora de transmisión de la serie en U.S.A.

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Tamara (7) consume su comodín resolviendo la Imagen 10

René Magritte El hijo del hombre
Surrealismo de 1964
Bélgica propiedad privada
Magritte pintó este cuadro como un autorretrato, aunque el personaje está representado de forma anónima ya que su rostro se tapa con una manzana. El mar y un cielo nublado están a las espaldas del personaje, podría simbolizar el estado anímico del personaje.
La manzana, representa la tentación, siendo el personaje el hijo de Adán, según el título del cuadro. En este caso Bart también tiene la manzana delante de su autorretrato simboliza la tentación hacia la travesura y este hecho también se ve reflejado en la sonrisa tan picara que tiene en su rostro. También se diferencia en que el cielo no es tormentoso sino despejado y no porta el bombín del cuadro original, aunque si lleva el traje algo que es muy raro que lo lleve Bart.
Según las propias palabras del artista, hizo este cuadro para denunciar lo fácil que es para nosotros rellenar lo que no conocemos. El hombre para él tiene muchas cosas que no da a conocer, que se tapan, al igual que en el cuadro.

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Cristina V (8) ha respondido a una de las imágenes de un pintor que no había que estudiar para este control y recibe un plus de medio punto además de las 8 décimas que le correspondían por contestar en octavo lugar. La imagen resuelta es la 12. Este comentario contiene un error de datación, la obra no es de mediados del siglo XX sino de 1897.

1. La gitana dormida de Henri Julien-Félix Rousseau. 2. Simbolismo, pintada en Francia, mitad del siglo XX.

3. Se encuentra en New York, en el Museum of Modern Art.

4. La escena se sitúa de noche por lo cual la luz de la luna le da como tema el sueño, además de la aparición de la gitana dormida, juega con la tenue iluminación y los bordes de las figuras. Dándole color a la gitana para destacarla, además del tamaño desproporcionado puesto que es más grande que el león. Son cuerpos con un volumen extraño, como podemos apreciar en la guitarra. En la imagen encontramos a Homer Simpson, esta capturada de uno de los capítulos en el que Homer cree que se introduce dentro de los cuadros y aquí el león le esta lamiendo la cabeza, para la serie han adaptado el fondo del cuadro, el león y la manta sobre la que se acuesta, colocando encima destacándole a Homer Simpson.

Al ser un pintor autodidacta y no tener en cuenta las proporciones ni las reglas de entonación, resulta una imagen muy apropiada para una serie de comics de  televisión.

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¡Bravo, Anabel! Bonito comentario a la  Imagen nº3 e interesante la relación que encuentras entre el cómic y la serie.

"1.Desesperanza, cuyo autor es Lichtenstein.
2. Este cuadro pertenece al Pop art, Nueva York , década de los 60.
3. Este imagen de un comic se encuentra en el Kunstmuseum.
4. Es una obra muy expresiva que pretende introducir al espectador en el mismo centro del problema. El rostro de la muchacha no guarda relación con ningún otro, esto es algo muy característico de este autor. Los detalles que nos ofrecen intentan informar sobre las cosas, no detallarlas.
Las palabras textuales de la muchacha son las siguientes: "debería haber comenzado de otra manera. Ahora ya no hay esperanza. Con esta sencilla y enigmática exclamación parece dar fin a una historia apasionada de amor...
Lisa Simpson, en esta obra dice: "ser una artista sensible en esta familia no tiene remedio".
Ambas protagonistas de estos cuadros están desesperadas, el personaje de Lichtenstein por haber acabado con una apasionada historia de amor, mientras que Lisa está desesperada por haber nacido en una familia en la cual no se siente comprendida."

Yo añadiría algún detalle técnico que les relaciona íntimamente, como el uso de colores planos, sin matices, si acaso con el punteado granulado propio de los comics, que unen perfectamente ambos estilos contemporáneos.