Publicidad:
La Coctelera

Algargos, Arte e Historia


Material didáctico para la asignatura de Historia del Arte.

Categoría: 16.2. Comentarios de Obras

27 Febrero 2010

Joven caballero en un paisaje es una de las obras emblemáticas del Museo Thyssen-Bornemisza. Sin embargo, también es una de las más enigmáticas.

En este artículo voy a dar algunas pistas para el comentario de este lienzo y plantearé algunas cuestiones que cualquiera puede resolver buscando en internet o en libros. Cuando tengas respuestas puedes hacer un comentario al final del post y si son correctas o atinadas las iré publicando en el artículo. EL OBJETIVO ES HACER UN COMENTARIO PARTICIPATIVO DE LA OBRA.

Pinchando sobre la obra la verás en gran tamaño.

.

El autor y la fecha.

Sobre este aspecto hoy en día no parece haber duda. Un cartelito prendido de una rama que hay a nuestra derecha nos indica quién es su autor y en qué fecha fue realizado: «VICTOR CARPATHIUS / FINXIT / M.D.X.» Vittore Carpaccio, 1510. Este dato lo conocemos muy recientemente, dado que dicho cartel apareció junto al otro de la izquierda cuando en 1958 se realizaban las labores de limpieza de los repintes de la obra. Hasta entonces se le había atribuido a Durero.

Averigua:

  • 1.- Quién fue Carpaccio. 2.- Dónde y con quién trabajó. 3.- Cuáles fueron sus obras más importantes.

Enrique ha respondido lo siguiente:"Vittore (o Vittorio) Carpaccio (Venecia, circa 1460 - 1525/1526) fue un pintor quattrocentista italiano. Recibió importantes influencias, directas o indirectas, de Gentile Bellini y de Antonello da Messina. Algunos críticos han especulado acerca de un posible viaje a Oriente, dada su predilección por temas orientalizantes. Sus obras más conocidas son: El rey de Bretaña recibiendo a los embajadores ingleses, 1495; Partida de los embajadores, 1495; Regreso de los embajadores, 1495; Sueño de Santa Ursula, 1495. Anunciación 1504. Joven caballero, 1510; y Disputa de San Esteban, 1514.".

Carpaccio. El rey de Bretaña recibiendo a los embajadores ingleses, 1495.

Averigua:

  • 1.- Quién fue Durero. 2.- Da dos razones por las que se le pudo atribuir esta obra a este autor.

Enrique ha completado la información sobre Durero y  su posible autoría. "Alberto Durero (Núremberg; 21 de mayo de 1471 - Núremberg; 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.

Una de las razones que se le pueden atribuir a Durero: Es el gran parecido con un grabado que se llama El Caballero, la Muerte y el Diablo (1514), en el que se aprecia a un caballero montado a caballo portando una lanza en diagonal y con un perro entre las patas igual que el que esta en el cuadro. Otra de las razones creo que es la firma del retrato, ya que Durero en el grabado firma en un cartel que hay junto a una calavera y es posible que hasta que no se restauró el cuadro hubiera creado esa confusión." Se refiere Enrique a un repinte que había en el cuadro con el signo que utilizaba Durero para firmar sus obras y que se demostró ser posterior al cuadro y que hoy en día ya no existe. Debajo tenéis la comparación del detalle del cuadro de Carpaccio y el grabado de Durero.

.

El retratado y el tema simbólico.

Es el asunto que más literatura ha generado. Hay muchas hipótesis sobre el personaje retratado. Se dice que fue un rey, un duque, un humanista, un santo...

Escucha el vídeo que viene a continuación y apunta los nombres que se han planteado. Luego busca algunos datos sobre ellos.

Joven caballero en un paisaje from museothyssen on Vimeo.

En cualquier caso, lo que el pintor quería mostrar era el ideal de caballero cristiano coronado con todas las virtudes. De hecho, para reforzar esta idea colocó otra cartela en latín  que dice «MALO MORI / QUAM / FOEDARI» o lo que es lo mismo «Prefiero morir antes que mancharme», lo que podríamos interpretar como que el caballero prefería morir antes que el deshonor. El mensaje aún se refuerza más con dos objetos que acompañan a la inscripción: el armiño blanco inmaculado reptando sobre el barro de la charca y las azucenas, ambos símbolos de pureza.

¿Hay algún otro símbolo que refuerce esta idea de virtuoso caballero? Explícalos.

Refundo algunos comentarios que ha hecho Enrique a cerca de los símbolos que aparecen en este cuadro. "El caballero se nos presenta en el Paraíso Terrenal, donde el hombre vivía en un estado de gracia, como tal espacio siempre fue representado como un jardín con vegetación espontáneas fruto de unas fuerzas celestiales donde los animales vivían en libertad. El árbol que esta entre los animales es el del Bien y del Mal. En el jinete de atrás vemos que el corcel en el que cabalga va con la cabeza gacha para resaltar la humildad, también podemos ver encima del  yelmo que hay un pavo real, una alusión a la inmortalidad."

La verdad es que el personaje, aunque aparenta ser un guerrero por su armadura, se desdice de este oficio por todo lo demás: su actitud, ni fiera ni firme; las hechuras delicadas de su cuerpo; la expresión melancólica de su rostro; las manos nada curtidas que desenvainan la espada...

¿Estás de acuerdo con este comentario? Arguméntalo.

Como dice Enrique al representar Carpaccio "la noble figura de este caballero, la nostalgia y la evocación también guiaron su pincel, y con ello procuró mostrarlo en su grandeza y generosidad bien presente en esa mirada, con la que nos dice que por encima de todo debemos contemplar un estilo de vida."

Alfredo:"Su mirada transmite nostalgia por una época ya perdida (estamos en 1510). En esa época los ideales caballerescos de defensa del bien habían quedado sumidos en la leyenda. Los caballeros ya no eran necesariamente guerreros sino que a menudo eran políticos intrigantes, que seguían la máxima atribuida a Maquiavelo , "El fin justifica los medios". Estamos, pues, ante un nostálgico de ese mundo de paladines de las causas perdidas y de la defensa del bien. Esto todavía se veía con agrado o como síntoma de buen gusto en esta primera mitad del siglo XV. De hecho el mismo emperador Carlos V se hará retratar por Tiziano en Mühlberg como caballero con su lanza en ristre. Cervantes años después en El Quijote satirizará sobre ese mundo trasnochado."

Tiziano. El emperador Carlos V en Mühlberg, 1548

.

Los objetos y el paisaje como segundo género.

Si detenemos nuestra mirada en lo que rodea al caballero encontramos que, además de destacar su figura, al artista le interesa representar con minuciosidad y con alto grado de realismo los objetos.

  1. La flora es variada y con la objetividad de un herbario.
  2. La fauna resulta excesiva e intrigante. Sorprende el gran número de aves distintas.

Ayúdame a reconocer las especies y encuentra un sentido a las mismas.

Estas son algunas interpretaciones (refundidas) que ha resuelto Enrique:" En cuanto a la flora tenemos lirios blancos o sinónimos de inocencia o pureza. También vemos lirios azules flor heráldica de la nobleza europea,  símbolo de gloria, riqueza y fecundidad pero a su vez también relacionado con la muerte. Los árboles significan verticalidad, crecimiento hacia el cielo: representa la victoria de la vida sobre la muerte. El árbol que está entre los animales es el del Bien y del Mal.

La fauna: el armiño y el conejo significan pureza y astucia como cazador; los gorriones y las palomas marcas de fe; el ciervo simboliza poder; la garza estilización; el pavo real,  la inmortalidad y el alma incorruptible; los perros de caza simbolizan la fidelidad; el halcón representa una virtud guerrera..."

Carpaccio ha cuidado representar escrupulosamente ciertos detalles como el brillo metálico de la armadura o las construcciones vetustas de la izquierda.

¿Encaja este interés por la realidad extrema en las preocupaciones artísticas de la pintura italiana de la época? Razona tu respuesta. Ten en cuenta que en ese año 1510 Miguel Ángel pintaba La Capilla Sixtina y Rafael La Escuela de Atenas.

El paisaje del fondo también resulta misterioso y atractivo. Evidentemente no se trata de la ciudad de Venecia donde trabaja el pintor. Estamos en una costa agreste, incluso acantilada. La ciudad está fuertemente amurallada. Podemos distinguir perfectamente el sistema de defensa e incluso sus empinadas calles. La sensación de estar ante un paisaje real es total.

Explica como consigue la sensación de lejanía.

6 Febrero 2010

Durante el periodo que abarca de 1300 a 1350 la pintura de la Toscana dominó el arte europeo. La pintura igualó los logros alcanzados por los escultores durante los cincuenta años precedentes, rompiendo con una tradición bizantinista que  hacía que todavía en el siglo XIII las iglesias italianas se decoraran con mosaicos a la "maniera greca".

Cimabue. Mosaico del ábside de la catedral de Pisa, 1301-02.

El proceso de ruptura comienza a finales del siglo XIII con artistas como Cavallini o Cimabue que, desde Roma y Florencia respectivamente, empezaron a abandonar la bidimensionalidad del estilo bizantino y se encaminaron hacia un mayor realismo, pero hay en ellos todavía mucho de la iconografía greca. Obras como la deesis del ábside de la catedral de Siena (1301-02) están realizados todavía bajo modelos humanos y técnicas del mosaico bizantino, pese a que el fresco, junto con la tabla al temple, ya iban ganando terreno como soportes.

Habrá que esperar al florentino Giotto di Bondone para inaugurar una verdadera nueva forma pictórica. Su obra convivirá con la de la escuela Sienesa, más ligada a la tradición bizantina. Duccio Buonisegna (1260-1319) y  su discípulo Simone Martini (1284-1344), sus máximos representantes, también se dejarán influir por la obra de Giotto.

Giotto di Bondone (1266-1337).

Tradicionalmente se le considera el iniciador de la pintura moderna y el precedente del Renacimiento porque rompe con la pintura bizantinista. Su personalidad tan intensa se refleja en la reafirmación que hace de su valía al firmar sus obras o al hacer fortuna y gozar de gran popularidad en vida sólo por su genio creador. Este rasgo le aleja también de la Edad Media y le acerca al Renacimiento.

Trabajó en Asís, Roma, Florencia, Nápoles, Bolonia, Milán y Padua, siendo en esta ciudad donde realizó su obra maestra los frescos de la capilla de la Arena o de los Scrovegni (1303-1305). Analicemos las características más significativas de su obra sobre estos frescos, tomando como base (siempre que sea posible) la escena del Lamento sobre Cristo muerto, del ciclo de la Pasión, Muerte y Resurrección de Cristo.

Lamento sobre Cristo muerto, 1305. Mide 200 x 185 cm.

  • 1.- La principal aportación de Giotto a  la Historia de la pintura, tal vez sea, la de superar la representación plana de los objetos para lograr la tercera dimensión, es decir,  crear una ilusión de volumen veraz. El pintor comprende que a través de tonos cromáticos se puede crear efectos de luces y sombras que doten a los cuerpos de relieve. En la imagen inferior las grados de verde, violeta y amarillo modelan el volumen de los personajes adquiriendo una presencia real, casi escultórica.

  • 2.- La profundidad le interesa, pero en los planos inmediatos al espectador, no en los fondos (que ya analizaremos). En esta escena crea una sensación de verdadera profundidad al utilizar simultáneamente los siguientes recursos, que puedes ver gráficamente en las imágenes inferiores:

--- las espaldas de los personajes del primer plano crean un vacío, que sirve para que el espectador pueda ver con distancia la escena principal. Los personajes no se precipitan sobre nosotros, como era habitual en el gótico.

-------  las figuras  se solapan escalonadamente para ganar otros cuantos metros de profundidad. No lo hacen como era habitual en las tablas de la época en la que aparecían grupos de personas extrañamente superpuestas en altura unas por encima de otras.

------------ el escorzo de los brazos extendidos de San Juan proyecta aún otro par de metros más allá el espacio. Este recurso será muy utilizado por el Renacimiento y supone un alarde técnico para un pintor.

  • 3.- En esta escena podemos apreciar como Giotto también pretende captar los sentimientos. Cada personaje que contempla a Cristo muerto expresa una reacción única de mayor o menor intensidad y sinceridad dramática.

-- Los discípulos de la derecha ponen gestos apesadumbrados, pero conteniendo su dolor.

-----Hay ángeles que se desesperan, gritan y lloran violentamente, mientras que otros maldicen.

------ Las mujeres de la izquierda están estremecidas por el suceso: una se recoge sobre sí misma como no creyéndose lo que está viendo y otra como San Juan gesticula con los brazos de desesperación.

--------- María Magdalena recoge con amor los pies de su maestro.

----------- La Virgen María abraza compungida el cadáver de su hijo para besarle, su corazón está roto.

  • La composición. La escena principal no tiene que estar necesariamente en el centro. En este caso las figuras de Cristo y de la Virgen están desplazadas en el lateral izquierdo. Pese a romper la regla de la simetría como elemento de equilibrio, la obra resulta bien clara por varios motivos.

--- Todas las figuras confluyen con sus miradas en los rostros de Madre e Hijo.

------ Las figuras-bulto de primer plano, que ya hemos dicho, sirven para que nuestra atención no se detenga en el primer plano y se oriente, casi resbale por su espalda, hacia el foco temático que está en el segundo plano.

----------- La diagonal creada por la ladera de la montaña también nos está señalando el motivo principal.

------------------ No hay historia secundaria que distraiga nuestra atención.

  • El fondo es para él como un telón teatral de arquitecturas y paisajes casi abstractos, donde ubicar sus figuras, que es lo que realmente le interesa. Aún así no se puede decir que desprecie la ubicación espacial.

--- Los cielos azules suponen un avance sobre los fondos dorados bizantinos.

-------- Las rocas descarnadas y los árboles solitarios y desnudos, como el que aparece en la escena del Lamento, intensifican el dramatismo y el dolor de los personajes.

-------------- En las habitaciones intenta crear una perspectiva intuitiva con las líneas rectas de las estructuras arquitectónicas y de los muebles. En la Anunciación, que tenemos debajo, los balcones, el techo y el reclinatorio proyectan líneas que se alejan hacia la izquierda.

--------------------- Los paisajes ciudadanos demuestran un amor por la realidad cotidiana que no existía anteriormente.

Árbol y montaña de la Lamentación sobre Cristo. Interior y exterior de un edificio en la Anunciación.

  • Modelo humano. Rompe con los cánones estilizados y elegantes bizantinos. Sus figuras son un tanto achaparradas y gruesas. Sus rostros son estereotipados con ojos rasgados.
  • No hay jerarquía de tamaño. El personaje de Cristo es proporcional al resto de las figuras. El único elemento distintivo de su importancia es el halo, que por otra parte también tienen el resto de las figuras consideradas santas. Este elemento arcaico es una licencia que se permite Giotto para aclarar aún más la escena.

25 Enero 2010

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE ROMÁNICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien
jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone. Puedes pausar la imagen si colocas el cursor encima o si das al signo de pausa que hay arriba. Si buscas una imagen concreta y no quieres esperar al bucle, la puedes localizar rápidamente en la regleta de abajo.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

EJEMPLO.

"Imagen .........X (el número )

1.- Titulo: Vista exterior de la iglesia de San Martín de Frómista (Palencia).

2.- País o región. Etapa o cronología. España, antiguo reino de Castilla, mediados del siglo XI.

3.- Dos ideas características mínimas:

- Destaca sus originales torres campanarios de forma circular y las puertas laterales que son posiblemente una influencia del románico alemán.

- La planta del edificio responde al modelo más habitual de planta basilical en la que se inserta un transepto, que se nota en altura, creando una cruz latina.

- El cimborrio en el corazón encierra una cúpula sobre trompas."

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

ESTE JUEGO HA SIDO COMPLETADO, NO OBSTANTE, SI ERES CAPAZ DE NO HACERTE TRAMPAS, PUEDES INTENTAR AVERIGUAR LAS IMÁGENES Y LUEGO MIRAR LA SOLUCIÓN QUE VIENE A CONTINUACIÓN PARA COMPROBAR TUS ACIERTOS.

TAMBIÉN PUEDES APORTAR TUS COMENTARIOS Y SUGERENCIAS YA QUE EL ARTÍCULO SIGUE ABIERTO PARA AQUEL QUE LO DESEE.

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva.

Mesopotamia y Persia.

Egipto.

Prehelénico y Grecia.

Roma.

Al Ándalus y Bizancio.

Gótico

IMÁGENES YA DESVELADAS

Empieza el juego.

Borja resuelve la imagen nº 1 (0,1) y la concedo con peros...

"Corresponde a la fachada de Platerías de la Catedral de Santigo de Compostela (Siglo XII). Como vemos aparecen 2 puertas románicas con tímpanos historiados. En la puerta de la izquierda aparecen unos relieves que narran la Tentación de Jesús en el desierto y tambien aparece una mujer semidesnuda con una calavera la cual hace referencia a un mito de una mujer que se quedó embarazada sin contactar con ningún hombre y por ello sus padres la mataron y una vez enterrada parió esa calavera que predice el futuro de los humanos. En la otra puerta aparece la adoración de los Reyes Magos y escenas de la pasión. En el friso vemos la figura de Abraham y otras escenas , en la jamba izquierda aparece el Rey David tocando un instrumento y por último junto a la puerta de la izquierda Adán y Eva en el paraíso."

Mis peros son los siguientes:

1.- La obra es de finales del siglo XI.

2.- Sólo encuentro una razón temática con mucho rollo, pero me falta la otra razón, que podría ser, por ejemplo, los arcos lobulados que se ven por encima, propios de la influencia del arte musulmán en el románico español.

Tienes una segunda oportunidad, pero esta vez no quiero errores.

---

Lorena resuelve la imagen nº 4 (0,2), aunque como el comentario de Borja tiene errores o lapsus que luego comentaré.

"Es la iglesia de San Clemente de Tahull, en Lérida (vista exterior) del siglo XII.
Es una iglesia representativa por el minarete (...!!!!!....) de gran tamaño que se piensa que los constructores podrían proceder de Italia. Está hecha con piedra, material arcaico. Por dentro tiene una pintura románica importante, el pantocrátor en el ábside.
También en el interior, su adintelamiento está hecho de madera, y los ábsides son abovedados. En el minarete, aparecen arquerías vivas.
"

Te lo concedo pero seré estricto en tu segunda oportunidad. Has confundido un campanille con un minarete ¿Eso puede ser un lapsus o un error?. Falta precisión en la descripción del material: sillarejo. Por otro lado, hay un elemento decorativo más significativo que las arquerías vivas, los arquillos y bandas lombardas.

----

Francisco Javier me deja sin palabras al solucionar la imagen 6 (0,3).

"La iglesia de San Miguel de Hildesheim, vista desde el exterior (Alemania).

País o región. Etapa cronológica: esta iglesia pertenece al románico dado en Alemania y fue construida en el siglo XI. Para concretar más, fue construida como iglesia abacial entre el 1001 y el 1031, bajo la dirección del obispo Bernward de Hildesheim, como capilla para su monasterio benedictino.

Razones: dos de las razones más claras que podemos presentar para incluir esta iglesia en el románico son:

- Por una parte, su forma estructural exterior. Vemos como la iglesia no tiene pies, es decir, las iglesias están formadas por su una nave central (que puede estar dividida en 3 o 5 naves más) y el crucero o transepto. La parte inferior de la nave es denominada pies, desde el punto de vista de la anatomía humana. Puesta iglesia destaca por ser una de las primeras que carece de estos, puesto que la zona que correspondería a los pies es un duplicado de la cabeza de la iglesia. Es decir, es una iglesia con dos transeptos, dos ábsides principales y en resumen un duplicado de casi todos los elementos arquitectónicos.

- Otra razón que podríamos dar, es que los vanos o ventanas que se abrían hacia el exterior son muy escasos y en algunas ocasiones, como aquí vemos, de pequeño tamaño. Por lo que podemos dar otra razón, que es la austeridad decorativa, dado que el románico estaba empezando a surgir. Por eso se dice que esta iglesia es un edificio e transición entre el prerrománico y el románico mismo. "

Correctísimo y bien merecido el tercer comodín. Ojo, recordad que la nave lateral es gótica.

----

Alba Pérez contesta con brevedad, pero con acierto la imagen 3 (0.4 puntos).

"Titulo: Cristo de don Fernando y doña Sancha
País o región. Etapa o cronología: España, Reino de Castilla. Siglo XI
Dos ideas características: Es un Cristo indoloro mostrando así una imagen divina, de cuatro clavos e ingrávido.
"

Muy bien. El Cristo Todopoderoso de los cuatro clavos es uno de los modelos iconográficos típicos del románico. También se puede distinguir el material lujoso  en que está hecho, el marfil, lo que explica que fuera parte de la ofrenda del matrimonio formado por los reyes Fernando I de León y Castilla y su esposa doña Sancha de León (mirad sus nombres en la parte inferior de la cruz) a la iglesia de San Isidoro de León.

----

Enrique ha querido resolver la imagen 7 pero ha dicho que lo hacía de la  9.  No puedo concederle el acierto por la confusión, más habiendo contestado Francisco Javier en uso de su comodín correctamente... por tanto,  el acierto para este último (0,5). No obstante, coloco los dos comentarios y algunas pinceladas propias.

Enrique: "Creo que es el castillo de Laorre (Huesca). Construido en el siglo XI por orden del rey Sancho III. Las características que creo que destacan entre otras son: Una la pequeña capilla que hay a la entrada, la otra la iglesia del castillo en la que llama la atención la cúpula poco habitual en el arte románico. También dicen que es la fortaleza mejor conservada del románico de Europa en la que también se ha rodado una película llamada El reino de los cielos y un programa de televisión."

Francisco Javier: "Castillo románico de Loarre, situado en la sierra de Loarre y cerca de Huesca.

País o región. Etapa cronológica: el castillo, como hemos dicho antes, esta situado una la sierra de Loarre (a unos 35 kilómetros de Huesca), España. Fue un castillo construido en el siglo XI POR ORDEN DE Sancho III. La construcción inicial fue ampliada y la que actualmente conocemos es la del reinado de Sancho Ramírez. Su función fue el servir de avanzadilla para organizar los ataques contra Bolea. Destaca en este caso la ausencia de foso, pero es que la misma naturaleza forma ese foso, ya que el castillo esta construido en una media pendiente.

Razones: las razones más simples que podemos dar son, la escasa decoración, dado que el románico estaba empezando, de arcos y bandas lombardas. Como segunda razón, y para justificar la remodelación del castillo, vemos como se combina esa escasa decoración de arcos y bandas lombardas, con la destacable capilla circular (presente en la imagen) que ya presenta una decoración propia de final del siglo XI y principios del XII. Así vemos ventanas abocinadas con decoración de arcos y columnas decorativas. Para asegurar el comentario, podríamos destacar la utilización del sillarejo irregular como material primitivo del románico."

Yo mismo. Este es un castillo románico auténtico con su complejo defensivo de murallas externas con cubos y almenas y su ciudadela interior, la  parte propiamente de vivienda del señor feudal que defendía la frontera. La foto nos permite comprobar como domina kilómetros sobre el paisaje del entorno desde su altura. La parte habitable tiene una iglesia y, sobre todo, la torre del homenaje, que sobresale en altura. Discrepo en la afirmación que hace Enrique de que no era habitual la cúpula en las iglesias románicas, eso no es del todo así. Toda iglesia mediana tenía su cúpula en el crucero. En cuanto a la decoración no era habitual en los edificios defensivos.En la iglesia no hay ni sillarejo ni arquillos lombardos y sí sillares, columnas adosadas de refuerzo y arcos ciegos, como puedes ver en esta otra foto de más detalle.

---

Silvia se decanta por la imagen 10 y lo hace con maestría, como siempre.

"Pórtico de la Gloria. Catedral de Santiago de Compostela.
Santiago de Compostela (España). Segunda mitad del siglo XII.
El Pórtico de la Gloria, realizado por el Maestro Mateo, constituye el ejemplo más importante del periodo románico en la Península Ibérica. Encontramos una figuras de gran viveza y movimiento, cuyos referentes en la decoración los encontramos en conjuntos franceses como los de Vezelay y Autum.
La escultura que encontramos en este pórtico se desliga poco a poco del marco arquitectónico y nos muestra figuras como la de Daniel, que anticipan a los ángeles de la sonrisa que encontramos en el gótico pleno. En el parteluz se encuentra el apóstol Santiago, que recibe al peregrino
."

En concreto estamos ante la entrada a la nave principal desde el nártex. Al fondo se ven los pilares cruciformes y los arcos formeros de medio punto que dividen la nave central de la lateral. Estos arcos están peraltados para alcanzar mayor altura. Encima de la nave lateral se encuentra una tribuna con su triforio. Escultóricamente, lo que se ve son las esculturas-columnas de las jambas con los profetas intercesores y el mainel con el Santo Patrón venerado en la iglesia. Éste sostiene un dintel con tímpano y arquivoltas donde también se aprecian los reyes- jueces-músicos del Juicio Final, puesto que lo que está representado en el tímpano es el Pantocrátor.

---

Enrique ha las tres imágenes siguientes y no le he concedido la última porque no ha aportado razones a su atribución.

La imagen numero 2

"Pertenece al relieve del Monasterio de Santo Domingo de los Silos (Burgos). Llamado el encuentro de Emaus, datado en los siglos XI y XII. En este relieve Cristo viene connotado como un peregrino más que regresa de realizar el camino de Santiago. Colgada muchas veces en su zurrón, el caminante jacobeo traía la concha, a su regreso del viaje."

Echo en falta una razón más para identificar o caracterizar la obra. Aún así la doy por válida. Este relieve se encuentra en los pilares esquineros del claustro de Santo Domingo de Silos, junto con otros que tiene como temática la pasión muerte y resurrección de Cristo. Estilísticamente se pueden aplicar las características plenas del románico: desproporción y estereotipación de las figuras, rigidez, inexpresión, jerarquía de tamaño...

La datación a comienzos del siglo XII.

---

la imagen numero 8

"Es el Cristo de Pantocrátor del Panteón de San Isidoro de Leon. Datado en los siglos XI y XII. El tema se enmarca por una orla de llamas, nubes u olas. En el centro, como es habitual, Cristo en Majestad, dentro de la mandorla (almendra) mística bendiciendo y con el libro, con fondo de bóveda celeste, el alfa y la omega. En torno a Él el Tetramorfos (símbolos de los cuatro evangelistas) con sus nombres. "

Efectivamente, el tema es el más tópico del románico. Lo extraño es que se encuentra en la cripta de la iglesia decorando la bóveda de arista central, rodeado de otras escenas más conocidas como La anunciación del ángel a los pastores. Los tetramorfos recuerdan las figuras de los Beatos.

El siglo XII es en el que se pintaron estos frescos sin duda; eso sí, hay teorías que los sitúan a comienzos y otras a finales, pero nunca en el s. XI.

---

La numero 5

" Es la Catedral de Angulema, Francia. Construida entre los años 1105 y el año 1128. Este modelo de catedral tiene similitudes con el arte bizantino, esto se debe a los contactos con el norte de Italia por donde se expandió el Imperio Bizantino. Se trata del modelo de cúpula sobre pechinas más antiguo, inspirado en modelos de Oriente."

A San Pedro de Angulema le hace también muy característico para su reconocimiento la profusión de decoración escultórica y arquitectónica de la fachada, así como el remate cónico con escamas de torres y cúpula.  La iglesia es de planta de cruz latina con una sola nave toda ella cubierta de cúpulas semiesféricas sucesivas, el peso de las mismas recae en fuetes pilares compuestos internos y los contrafuertes robustos que apreciamos en el lateral de la iglesia.

---

Enrique acabó con este juego al solucionar la imagen 9

"San Zenón de Verona data del siglo XII, tiene de planta basilical y su estilo es románico-lombardo. En el exterior destaca la ornamentación de la fachada, a base de bandas lombardas y arquerías y la alternancia de ladrillo y piedra en la parte inferior de los laterales y de la torre del campanario de 72 metros de alto, Destacan las puertas del pórtico, construidas en bronce con escenas bíblicas. En el interior destaca su sobriedad y la altura de la nave, cubierta con bóveda cañón. Las paredes se encuentran cubiertas con frescos pintados entre el siglo XII y XIV. En la parte izquierda de la iglesia hay un pequeño claustro."

Esta iglesia tiene muchos elementos que destacar para atribuirla al románico italiano. Enrique ha mencionado los arquillos y bandas lombardas, pero además hay una arquería ciega de pequeño tamaño que cruza el ancho de la fachada,; un porche sobre la puerta sostenido por dos leones símbolos protectores y de San Marcos; el campanille no sólo es muy alto, es único (no tiene gemelo), no se encuentra en los pies del edificio y está exento. El gran rosetón de la fachada nos da la clave cronológica de cuando se terminó la iglesia (segunda mitad del siglo XII).

GRACIAS A TODOS LOS QUE HABÉIS PARTICIPADO EN ESTE JUEGO DE RECONOCER Y COMENTAR IMÁGENES DEL ROMÁNICO. ESPERO QUE EN LA BÚSQUEDA HAYÁIS DISFRUTADO Y APRENDIDO. PRONTO HABRÁ MÁS.

23 Noviembre 2009

FICHA TÉCNICA.

Autor: Pablo Picasso.

Título: Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912.

Estilo: entre el cubismo analítico y el cubismo sintético.

Técnica, soporte y dimensiones: collage de óleo, hule y pastel sobre tela, 27 x 35 cm.

Localización: París, Museo Picasso.

El cuadro que vamos a comentar es un bodegón realizado por Picasso, que anuncia el final del estilo que conocemos como cubismo analítico y los primeros pasos en la etapa sintética. Además es la primera exploración en serio del artista en el collage.

Descripción formal.

La primera impresión al mirar esta obra es de confusión.

  • Podría ser un típico cuadro analítico donde los objetos aparecen descompuestos en multitud de facetas. Hay una parte que así está tratada reconociéndose algunos objetos diseñados en el ya consolidado lenguaje cubista de representarlos desde varios puntos de vista: una copa de cristal, una boquilla de pipa, un periódico, una rodaja de limón... Pero en la parte inferior izquierda  tenemos el trenzado de rejilla de una silla perfectamente detallada y definida.
  • Los colores son austeros como todos los de la serie analítica, en tonos pardos para no distraer al espectador en la reconstrucción mental de los objetos.
  • Aparecen signos tipográficos. Se puede leer las letra "JOU", inicio de "Journal". Este hecho resulta novedoso puesto que su existencia no funciona como símbolo o testimonio del objeto, como en otras ocasiones lo utiliza Picasso. El artista utiliza las letras como un efecto más para equivocar a los ojos del espectador. La "U" incluso parece sobrevolar la imagen al salir del periódico.
  • El formato es ovalado, no muy usual en la obra de Picasso. La forma no es casual: crea un campo visual concentrado y al mismo tiempo asemeja a un espejo que refleja unos objetos depositados en una silla.

Juego visual con el cuadro.

Si nos acercamos un poco más descubrimos más elementos extraños.

  • El marco es una cuerda de cáñamo elegida por el pintor en su creación. El pintor ha querido intervenir hasta en el espacio circundante del lienzo y romper hasta en esto con la tradición.
  • El óleo ocupa la zona superior, pero la zona inferior, la de la rejilla,... es un hule. Braque y Picasso ya habían incorporado papeles, periódicos o cartones pegados en otras obras cubistas, pero por primera vez se introduce el material plástico estampado. Para integrar este material en el cuadro el pintor ha camuflado los bordes y ha manchado con trazos de pintura la superficie lisa del hule. El resultado es que hasta que no estamos encima no descubrimos la existencia del propio collage.

Trascendencia de la obra.

La combinación del pla no grande y las facetas resulta chocante y muy expresiva, abriendo la puerta a nuevas posibilidades del cubismo que indagará Picasso en los siguientes años ya con el nombre de sintético.

El juego con óleo y materiales de la vida cotidiana convertidos en objetos artísticos, también será de gran repercusión en otros movimientos y artistas del siglo XX. Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo, Abstracción Matérica, Arte Povera... aprovecharán este descubrimiento en sus futuras esculturas-pinturas, cuadros-objetos y ensamblajes.

Los manchas en diagonal sobre el plástico, junto con  los trazos oblicuos y las facetas de los objetos, crean un  efecto dinámico,  como si éstos se movieran. Tal descubrimiento ya había sido utilizado por Marcel Duchamp en Desnudo bajando por una escalera de diciembre de 1911.

17 Noviembre 2009

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE ROMANO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien
jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales".  No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte ROMANO.

Nuevo juego

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla."

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

ESTE JUEGO HA SIDO COMPLETADO. PUEDES, NO OBSTANTE, PROPONERTE RESOLVERLOS SI TIENES FUERZA DE VOLUNTAD Y NO MIRAS LAS RESPUESTAS QUE VIENEN A CONTINUACIÓN.

LOS COMENTARIOS SIGUEN ABIERTOS POR SI QUIERES APORTAR ALGO MÁS.

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva.

Mesopotamia y Persia.

Egipto.

Prehelénico y Grecia.

Roma.

Al Ándalus y Bizancio.

Gótico.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Borja, Borja... has sido muy rápido y has cometido un error de localización del monumento. He pensado mucho si concederte el acierto o no. Al final me he decidido por dártelo, dado que el resto del comentario está bien.

Acierto para Borja (1)

"imagen 2.

Pertenece al puente de Alcántara "(actualmente en Toledo)" -(los entrecomillados son míos)-. Fue construido entorno al año 100 d.C. se caracteriza por ser un puente construido por los romanos. En cuanto a la construcción se caracteriza por ser totalmente horizontal, esta construido por una especie de almohadillado y principalmente compuesto de sillares, está compuesto en comienzo del pilar por la parte posterior por una especie de estructuras triangulares que permite que la acción del agua contra la roca impacte de menor manera, además en la parte de arriba se encuentra un arco de triunfo dedicado a Trajano."

Este puente romano de Alcántara está en Cáceres sobre el río Tajo. Fue construido entre los años 105 y 106 por el arquitecto romano Cayo Iulio Lacer en la Vía que comunicaba Norba -actual Cáceres- con Conimbriga - hoy Condeixa-a-Velha-, por lo que no es un acceso a ninguna ciudad. Tu confusión es lógica puesto que existe otro puente de Alcántara en Toledo sobre también el río Tajo, pero de dimensiones más reducidas y además hecho en época medieval (siglo XIII, la reconstrucción definitiva). Es el que se puede ver debajo dando acceso a la ciudad desde el castillo de San Servando. Lo que me extraña es que te hayas decidido por ubicarlo en Toledo y aplicarle datos de época de Trajano... Uhm, No sé que  pensar.

Puente de Alcántara en Toledo

Por cierto la estructura triangular bla, bla, bla... tiene una definición "tajamar". Y la parte de arriba es la calzada o vía.

----

Acierto para Francisco Javier (2)

"Imagen 7.

Título de la obra: es un fragmento, en concreto el pie derecho, de la escultura llamada " El coloso de Constantino " el cual procede de la Basílica Majencia y es conservado en el Palacio de los Conservadores, Roma.

Etapa y Cronología: Pertenece a la época del Bajo Imperio ( s IV-V )

Razones: una de las razones es que durante el s. IV desapareció la representación de barba en las esculturas y otra fue la pérdida de técnica: los rostros se hacen mas inexpresivos y menos idealizados - con ojos agigantados y alguna que otra desproporcionalidad."

Perfecto. Ninguna objeción, salvo que a mí me parece que es el pie izquierdo (je, je). He aquí la imagen.

----

Tercer comodín para Lorena (3)

"Imagen 6

-Foro Romano
-La etapa es la República
-Dos características de este foro son: tiene un Arco de triunfo y también está compuesto por templos(uno de ellos es el de la Concordia)".

Correcto, aunque un tanto parco en explicaciones. El Arco del Triunfo que se ve es el Septimio Severo. Hay además otros templos, basílicas (Emilia y Julia) y columnas conmemorativas (los rostras). Dominado en altura este espacio la colina Capitolina con el templo de la Triada.

---

Lo siento Cristina. Puede que hayas reconocido la obra y hayas dicho cosas ciertas acerca de ella, pero hay varias contradicciones/errores en tu comentario y además no das razones contundentes para atribuir la obra a Roma. No puedo darte como correcto el comentario. Otra vez será.

---

Acierto para Francisco Javier (4). Muy "currado" y en un sprint con Enrique.

"Imagen Número 3:

Título: Augusto de Prima Porta - personificado como toracato, es decir, jefe supremo del ejército romano -. Es conveniente aclarar que se trata de una réplica en mármol de la original que estaba hecha en bronce y que se conserva a día de hoy en los Museos Vaticanos.

Etapa y Cronología: pertenece a la época imperial (s. I-III d.C.).

Razones: una de las razones más contundentes y, la cual hace que la obra sea reconocible dentro del periodo imperial, es el pelo "despeinado" que es habitual en todas las esculturas de periodo imperial. También lo podemos incluir en este periodo por sus vestimentas como toracato. Cabe mencionar como dato de interés los relieves que muestra su coraza con temas mitológicos, y la parecida postura al Doríforo de Policleto y sus influencia en esta escultura."

Ojo Francisco Javier, decir época Imperial es decir del siglo I al s. V d. C. Hay que precisar algo más. La obra muestra rasgos que has apuntado de la escultura Alto Imperial del siglo I d. C. Como has dado tantas razones  he pasado por alto esta imprecisión. También hay que describir con precisión y lo que se veía era un detalle de la escultura.

Dice Enrique además que la obra se data en el año 20 d. C. y que estaba policromada (quedan restos), lo que es cierto y sirve para completar el comentario de esta imagen.

---

Lo siento Enrique, mis alumnos se te han adelantado esta vez y te han pisado la imagen. Ya sabes, sólo  un comentario. No obstante, añado algún detalle de tu comentario al de Francisco Javier.

----

Lo siento Borja.  Ya te dije que iba a ser más riguroso contigo. En el comentario que haces de la imagen 4 hay varios errores e imprecisiones (¿El Altar de la Paz bélico? ¿la cacarra?). Tampoco me convencen las razones para atribuir la obra. Hay muchas razones temáticas y técnicas, que dimos en clase, porque es la obra más representativa del RELIEVE, no grabado, romano.

----

Acierto para Enrique (5).

"imagen numero10.

Se trata del templo de la Fortuna Viril. Erigido entre los años 70 a.C. y 40 a.C., se alza en el Foro Boario, cerca del Tíber. Es de orden jónico y hexástilo, es decir tiene seis columnas en el pórtico. Llamado posteriormente Templo de Fortuna Viril, estaba dedicado a Portunus, dios romano de los puertos. Se diferencia del estilo griego porque las columnas que lo rodean están adosadas al muro de la cella."

En otras condiciones no habría aceptado este post (como ya he explicado en los comentarios del artículo), pero como Enrique no tenía clara las condiciones del juego y dado que ya hemos tenido el control del tema, no está de más tener resuelta otra imagen.

Enrique, difiero contigo en el número de columnas del pórtico, ahora soy yo el que ve dos columnas menos... El templo es tetrástilo (cuatro columnas) y como tú apuntas  jónico y semiperíptero. Faltaría un segundo argumento que haga distinto a este templo romano de uno griego. Por ejemplo, que es de  próstilo profundo, de escalinata frontal o que está levantado sobre podium en vez de sobre estereóbato.

-----------

Acierto para Enrique (6).

"La imagen numero 4

pertenece a un edificio que se llama Ara Pacis ( Altar de la Paz). Aunque la foto parece una imagen virtual, es un monumento conmemorativo de la época del Imperio romano. Se halla en Roma y fue construido entre el 13 y el 9 A. de C. por decisión del Senado, en acción de gracias por el regreso del emperador Augusto tras sus victoriosas campañas en Hispania y Galia. Está hecho de mármol de Carrara, tiene una planta rectangular con unas dimensiones de 11 x 10 x 4'60 metros y no está cubierto. En el interior el friso está ocupado por guirnaldas y bucráneos. La procesión de los frisos laterales representa a Augusto, su familia, amigos magistrados y senadores. Las ideas que llevan a pensar que es romano, una que el mármol es de Carrara y la otra es el friso con la cara de entre otras del emperador Augusto."

Es la obra magna del relieve romano. Canta a la paz y la prosperidad traída por Augusto a Roma. Es todo un compendio de propaganda laudatoria y glorificación del soberano y de su familia. Efectivamente esta imagen está coloreada como se cree que estaba en su momento, cuando se construyó el edificio. Si quieres más información sobre ello, colgué hace meses un artículo, que se puede ver pinchando en este enlace. Para que se vean más imágenes voy a colgar a quí la presentación en slide que hice en su momento.

---
Enrique acertó la imagen numero 9
"Consulta de una bruja de Dioscórides de Sarrios (Museo Arqueológico Nacional, Nápoles). Este mosaico hallado en la Villa de Cicerón en Pompeya posiblemente fuera una escena de una comedia de Menandro."
Echo en falta un argumento más que explique la obra, como por ejemplo, que usa la técnica de mosaico de opus vermiculatum con la que el artista ha conseguido crear volumen y profundidad.  También le falta el elemento cronológico... seguramente es obra del siglo I a. C. reproduciendo una obra griega en tabla anterior de etapa helenística.
---
En dos intentos Enrique ha solucionado el misterio de la "domus embrujada", je, je..
Imagen número 5
"Atrio con mosaicos de la Casa de Paquio Proculo, en Pompeya. En el centro de esta imponente y lujosa casa pompeyana, cuya decoración corresponde al denominado cuarto estilo, se encuentra la abertura del impluvium. El atrio era el espacio central de la casa romana. Era un cuarto grande con una abertura o un compluvium en el techo para que la luz y la lluvia entren. Directamente debajo de azotea la abertura era una piscina o un impluvium baja para coger el agua de lluvia."
El atrio era un patio con estanque desde donde se repartían todas o casi todas las dependencias de la casa. En las domus pompeyanas a veces encontramos dos atrios fruto de las ampliaciones de la vivienda que hacían los más poderosos. El que tenemos aquí estaba especialmente decorado con mosaicos de motivos geométricos y figurativos. Muy bello.
-----
¡Ave, Enrique! Quiero decir Hola Enrique efectivamente ya puedo darte por válida la imagen número 1. Refundo tus cometarios.
"Es el retrato de Paquio Proculo y su esposa. Encontrado en una casa de Pompeya en el siglo I entre los años 50 y 74 d. de Cto. La casa donde fue encontrado el retrato del matrimonio pompeyano fue atribuida al panadero Publio Paquio Próculo, representado junto a su esposa." (...)"Se encuentra en el, Museo Nacional de Nápoles. El retrato se caracteriza por un extraordinario realismo enfatizado por los rasgos que presentan los protagonistas."
La imagen es un fresco que nos muestra con extraordinaria viveza estos rostros reales de dos de nuestros antepasados. Es una buena muestra del grado de calidad alcanzado en la pintura romana, pese a ser la obra en fresco (soporte menor para la pintura romana). En él podemos ver cómo la pintura romana era capaz de obtener un modelado de los cuerpos creíble a través de la gradación de colores. Desde el punto de vista temático era más frecuente el retrato funerario que este, que en principio no tiene que ver con los difuntos.
---
Enrique terminó de descubrir la última de las imágenes, la número 8
"El Coliseo Romano anfiteatro situado en el centro de la capital italiana, es una edificio que data su construcción entre el año 70 d.C. y el 80 d.C. Su función era servir de recinto para diversos espectáculos romanos. Tiene tres arquerías sobre pilares con columnas adosadas en tres órdenes superpuestos, dórico-toscano, jónico y corintio, con áticos de poca altura intercalados entre los órdenes. También la fachada fue de mármol travertino"
El edificio se conoce popularmente como Coliseo porque se edificó junto a la estatua colosal de Nerón, aunque su nombre oficial era anfiteatro Flavio, porque fue levantado por esta Dinastía a mayor gloria. Es el ejemplo en pie más paradigmático de la arquitectura romana.Lo que se ve en la imagen es el primero de  los pasillos internos circulares o deambulatorios que servían para dirigir al público hasta las gradas. Está cubierto por una bóveda de cañón anular. El material que se ve es travertino, pero éste era la cara vista, porque en sus estructuras internas se emplearon básicamente  ladrillos y hormigón que es lo que se ve al llegar al graderío.
GRACIAS A TODOS POR VUESTRA COLABORACIÓN. CREO QUE NOS HA QUEDADO UN BONITO PASEO POR 10 OBRAS REPRESENTATIVAS DE ROMA.

13 Noviembre 2009

Te propongo un nuevo juego.

He estado viajando el último año y he visitado distintos lugares y museos de España y del mundo. Al llegar a casa y ver las fotos me he dado cuenta de que pasé demasiado rápido  por muchos sitios y ahora soy incapaz de  poner en algunas de ellas un pie de foto. Literalmente, he olvidado dónde las tomé ¿podrías ayudarme a identificar estas diez fotografías?

Si quieres jugar deberás resolver dos cuestiones...

1.- Identificar con precisión el lugar o el museo (hay museos muy grandes y que tienen obras desde la prehistoria hasta el siglo XXI, por lo que se debería, si es el caso, precisar la sala o la colección).

2.- Indicar qué obra u obras de arte te han llevado a descubrir el lugar. Haz un breve comentario de la misma que contenga como mínimo:

  • Título o nombre de la obra u obras que habéis reconocido.
  • Autor (siempre que sea conocido)
  • Estilo artístico o cronología.

¡Ojo! porque algunas imágenes creo recordar que las tomé en exposiciones temporales, por lo que puede que la obra no encaje con el museo o donde debería estar.

Iré colgando vuestros comentarios bajo estas líneas, siempre y cuando me convenzan de que son correctos y completos. Con vuestra ayuda completaremos e ilustraremos este álbum de fotos.

Pincha aquí para descubrir otros juegos didácticos

COMIENZA EL JUEGO

Montse se ha decidido por una de las imágenes más claras.

"Imagen 3:

Bailarina de catorce años de Degas, expuesta en el Museo D'Orsay (París); estilo impresionista, mostrada en 1881.

Había tres obras que nos ponían sobre la pista: la que ha descubierto Montse y también los dos cuadros que se ven detrás: un Renoir, titulado El baile de 1883, y el otro está más borroso pero creo reconocer un Cezanne?, aunque también podría ser un paisaje de Renoir por coherencia con la obra segura de al lado... El caso es que estamos en una sala del museo que expone la mayor cantidad de obras del impresionismo francés. La obra de Degás tiene un trasfondo inquietante y escabroso que en otro momento contaré, aunque si alguien lo conoce y  quiere adelantarse que lo haga (lo publicaré a continuación).

16 de Noviembre de 2009

Vaya, Silvia acababa de pasar por Sevilla este fin de semana y parece que lo ha aprovechado divinamente.

"Imágen número 10
Se trata del Patio de las Doncellas, situado en los Alcázares Reales de Sevilla. Fueron realizados para el rey Pedro I el Cruel a mediados del siglo XIV, en estilo mudéjar. Es un lugar bellísimo, donde se observa muy bien ese concepto del arte tan particular que tenían los musulmanes y que los reyes cristianos aprovecharon para sus construcciones, como la unión de la arquitectura a través de la naturaleza con los jardines y fuentes. Las arquerías que rodean el patio por sus cuatro lados, son muy elaboradas y ricas, aportando monumentalidad al conjunto. Una de las obras más bellas del arte bajomedieval de la Península."

Efectivamente, ya veo que has disfrutado visitando esa bellísima ciudad y no te has podido engañar con su semejanza con otros palacios mudéjares o con la misma Alhambra.

------

Enrique tampoco ha estado ocioso, aunque al parecer este fin de semana ha viajado más por internet, como hemos hecho otros. Ha resuelto dos obras de una tacada. Estas son las obras resueltas y sus comentarios:

"La imagen numero 6

pertenece al Museo Egipcio de El Cairo, que se encuentran en las salas centrales 23- 28- 33, Imperio Antiguo. Están datadas en el año 1350 A de C. Es evidente que lo que se ve. es el faraon y su esposa. Se trata del faraón Amenhotep III, su esposa Tiyi y una hija. Por lo que he leído tuvo un reinado de lo más prospero y constructivo de la historia, aunque se ve que le iba bastante la marcha con el asunto de las mujeres. También he leído que este año se han descubierto dos estatuas suyas en Luxor."

No podía esperar que esta imagen os causara ninguna dificultad, puesto que es la más representativa del interior del Museo Egipcio de El Cairo. La acumulación de obras es tal que no podía ser la última en ser descubierta.

----

"La escultura numero 7

se llama No violencia. Hecha en bronce por el artista sueco llamado Karl Fredrik Reutersward y regalo de Luxemburgo. Se trata de una replica de un revolver calibre 45. Se encuentra en la plaza del edificio de la Asamblea General, frente a la Primera Avenida a la altura de la calle 45. Parece ser que es de un estilo surrealista -dadaísta."

La clasificación estilística no me convence mucho, pero es que en verdad que es de un expresionismo inclasificable y a la vez tiene algo de absurdo y alegoría onírica contra la violencia. Es un homenaje del escultor a su amigo John Lenon, asesinado de cinco disparos de revolver en 1980 y no muy lejos de allí.  Echo en falta que no hayas nombrado la ciudad donde se encuentra. Parece que pasearas todos los días por la Primera Avenida...  de Nueva York. Si se había visto la imagen antes, es fácil identificarla porque es tan curiosa que no se olvida. Aquel que no la hubiese visto tenía como otras pistas los rascacielos y la hilera de banderas delante del edificio de la ONU.

----

17 de Noviembre de 2009

Enrique sigue empeñado en la búsqueda y ha descubierto una nueva imagen.

"Imagen numero 4,

es la catedral de San Romualdo de Malinas (Belgica). Construida en honor a un misionero irlandés del sigo VII. Se comenzó en el año 1200 se prolongó hasta comienzos del siglo XVI. De hecho la torre fue construida entre los años 1452 y 1520. Es de estilo gótico brabantino, también a causa de su larga duración de la construcción hay elementos de otros estilos. La torre cuenta con una altura de 97,28 m. y 540 escalones Cuenta con un carrillón formado por 49 campanas. Alberga esculturas y pinturas. El detalle que me ha llevado a descubrir la imagen ha sido la bandera de encima de la torre, la del león, que tengo que decir que me ha confundido con Holanda"

Me maravilla la vista que tienes. Es Malinas, su catedral y la plaza del Mercado, con las típicas viviendas del siglo XVII de los Países Bajos, que pensé podían ser la clave más directa para ir a la zona. La torre es alta como tú bien dices, pero se llegó a pensar levantarla hasta los 160 metros. Se pararon al llegar a los casi 100 por problemas económicos. Con este tipo de torres se buscaba crear edificios-estandartes de la ciudad. En el interior hay una maqueta con el diseño de lo que se pretendía. Se puede subir a la torre, si no os desaniman las escaleras, desde lo alto se tiene una vista de la ciudad espléndida. También podéis hacer ese mismo recorrido sin moveros del asiento sólo pinchando en este enlace . Con él accedéis a la página oficial de la Torre de San Romualdo que os permite  una visita virtual de 360º  e ir a dónde deseéis, meteros entre las campanas y por supuesto subir a lo más alto para contemplar la vista de la ciudad. (muy recomendable)

Imagen tomada desde la visita virtual. Los controladores de dirección son fáciles y la ascensión divertida.

---

6 de Febrero de 2010

Enrique sigue empeñado en darme trabajo y es incansable en su búsqueda de la imagen perdida. Ha tenido muy buen ojo al acertar la IMAGEN 1.

"La bodega Ysios en La Guardia (La Rioja). La bodega, concebida como templo consagrado al vino, se inauguró en 2001 y se convirtió en la “bodega de autor” pionera en La Rioja. El proyecto arquitectónico, inspirado visualmente en una copa de vino, fue desarrollado por Santiago Calatrava. El efecto visual, la sublimación de una hilera de barricas, es una composición vanguardista y perfectamente acoplada con el paisaje, hasta el punto de convertirse en un símbolo paisajístico en el entorno. ( Una pequeña critica, aunque Calatrava es paisano mio como arquitecto será brillante pero no hay ningun proyecto que yo sepa que se ajuste al presupuesto inicial, todos se le disparan pero largo, largo.) Se me olvidaba lo que me ha llevado a descubrir que es una bodega son las cepas que hay en la foto."

La foto es muy oportuna porque permite que la puerta principal se convierta en una cumbre más de la sierra del fondo. Por otro lado, la madera con la que están forradas las paredes integra el tejado de alumnio en la tierra.

---

Domingo 7 de Febrero de 2010

Hemos dado de nuevo con otra obra, Enrique es el "culpable". En dos comentarios ha resuelto la imagen numero 2.

" Es de una de las doce nuevas salas del Museo del Prado. Hechas para albergar las obras pictóricas de artistas ibéricos del siglo XIX. Y acabar así con el vacío artístico de la pintura española del XIX tras permanecer más de un siglo en distintos depósitos por falta de espacio en el Museo."

"Se trata de la sala 75 (Galería Sur de la planta 0) llamada "Goya, el neoclasicismo y el origen del Museo del Prado". Ampliación hecha por el arquitecto Rafael Moneo. La figura que me ha llevado a reconocer la sala es la escultura que se vé, que es Isabel de Braganza, esposa de Fernando VII.
Realizada por José Álvarez Cubero en el año 1826."

Un pequeño matiz, el estilo de la escultura es neoclásico, imitando los retratos que hizo Antonio Canova de la familia imperial de Napoleón, en concreto el de la madre. Gran parte de las esculturas son de Álvarez Cubero. Al fondo se ven cuadros de Goya, José de Madrazo y Vicente López.

8 Noviembre 2009

BODEGÓN CON ZANAHORIA Y CARDO

Ficha técnica.

Fray Juan Sánchez Cotán (Orgaz (Toledo), 1560 - Granada, 1627).
Óleo sobre lienzo. 62 x 82 cm.
Fechado entre 1603 y 1627. Probablemente de 1610.

Procede de la Cartuja de la Asunción, Granada. Actualmente en el Museo de Bellas Artes de Granada.

Temática. El bodegón ascético.

En el barroco los temas de bodegones y naturalezas muertas tuvieron gran predicamento.

Son sólo seis las naturalezas muertas acreditadas que se conservan de Sánchez Cotán. Es característico de ellas la representación de una serie de vegetales humildes, bien dibujados y con gran exactitud en la plasmación de sus pormenores, que se colocan en una ventana o fresquera. Sus objetos no son escogidos por su belleza per se, sino por su sencillez y por su significado de pobreza. Clave para entender el tema es saber que en 1603 ingresó en la orden de los cartujos. Esta orden se distinguía especialmente por su austeridad y la búsqueda de Dios a través del recogimiento interior, la soledad y el  silencio. Desde 1612 se trasladó a La Cartuja de Granada, donde vivió ascéticamente y  pintó hasta su muerte en 1627.

La imagen trasmite por tanto:

  • Austeridad. Los representados  no son exquisitos manjares y no tienen siquiera un  llamativo colorido. No importa que las zanahorias estén pasadas y ennegrecidas, porque son frutos de la tierra. Dios ha dado a los hombres estos alimentos no para su disfrute goloso, sino para permitirle la subsistencia. El huir de los placeres de la carne, la privación corporal, es una de las formas que tienen los cartujos de ofrecerse a Dios.
  • Soledad y silencio. La estantería medio vacía y la luz selectiva crean la sensación de no haber nada más  que los objetos y el vacío. Contemplándolos nos sumimos en la meditación interior, porque nada nos perturba, ni un ruido, ni una voz ,ni un movimiento.

Técnica artística.

Técnicamente hay que destacar cuatro recursos que utiliza Sánchez Cotán a la perfección.

  • La delicadeza en la plasmación de los detalles y de la calidad de los objetos. Escoge el tono justo y sobrio en las hortalizas. La penca de cardo va del blanco al rosado en una magistral graduación. La sensación de las distintas texturas también está perfectamnte conseguida.
  • Un sistema de iluminación tenebrista que le sirve para destacar los objetos con una fuerte luz, que da a los objetos casi un volumen escultórico. Hay que tener en cuenta que no conoció a Caravaggio y que incluso parte de sus bodegones los realizó antes que los primeros cuadros del maestro italiano que popularizaron esta técnica.
  • La composición en diagonal es sencilla, pero cuidadosamente estudiada. Los objetos y la luz llenan el triángulo formado en la esquina inferior derecha, dejando un enorme vacío negro en la mitad opuesta que compite en protagonismo con la parte figurativa. El contraste resulta impactante.
  • El juego de apariencia o trampantojos ("trompe l´oeil"), en el que las zanahorias, colocadas al borde del alféizar, parecen querer traspasar el plano pictórico e invadir el espacio del espectador. El bodegón se encuadra en un marco de ventana dibujado en perspectiva, que termina en un absoluto vacío: de nuevo el juego del engaño con el que contempla la obra. Las sombras de las hortalizas también contribuyen a este efecto.

Otros pintores españoles de bodegones del Barroco. Trascendencia de su obra.

La pintura barroca española dio otros pintores sublimes del bodegón. Algunos como Cotán, Juan van der Hamen y León y Francisco Palacios en el siglo XVII y Luis Meléndez en el XVIII desarrollaron gran parte de su carrera en torno a este género. Otros, en cambio, como Francisco de Zurbarán o Diego de Velázquez, sólo hicieron  incursiones en el género o  manifestaron en sus cuadros un gusto especial por  realizar objetos de gran calidad en sus obras.

Juan van der Hamen y León. Cajitas de dulces y objetos de cocina. 1621.

5 Noviembre 2009

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES FUNDAMENTALES DE LAS ARTES PREHELÉNICAS Y GRIEGAS.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien
jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales".  No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte prehelénico y griego.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- Civilización y etapa o cronología. Por civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega. Etapas para la civilización griega con precisión cronológica.

3.- Autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej.  los escultores de etapa clásica).

3.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona (ved excepción en el siguiente párrafo), por lo tanto pensad bien que foto vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego.

Excepción. He modificado ligeramente el sistema para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo. Los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen.

Pongamos un ejemplo. El  que conteste correctamente el primero sabe que obtiene una décima para el control, pero además que podrá resolver otra segunda imagen con un segundo comentario que realizará cuando le convenga (pero dentro del plazo fijado). Así  si resulta que acierta además la sexta obtendrá otras 6 décimas. En total,  ganará para el control 7 décimas, 1 por la primera imagen resuelta  más 6 por la segunda.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Bravo por Enrique. Primer acierto y con una contundencia documental apabullante. Ponemos sus propias palabras:
" número 4
se llama KORE DEL PEPLOS del periodo arcaico de la Antigua Grecia con influencias dóricas. Esta datada en el año 530 A. de C. el autor es anónimo aunque se le atribuye al mismo escultor que hizo El Jinete Rampin. Esta hecha de mármol de Paros con policromías. Tiene 121cms de altura se encuentra en el Museo de la Acrópolis de Atenas. Se le atribuye al periodo este por el tipo de atuendo que lleva y por el parecido con otras esculturas egipcias aunque éstas son mas toscas el trabajado."
Acierto para Borja (2) y comodín para resolver una segunda imagen cuando quieras.
"Imagen número 1 .
Dicha escultura conocida como " El Espinario" data de una copia romana realizada hacia el siglo III-II a.C. Pertenece dentro de la civilización griega a la época helenística . En dicha obra podemos observar las característica propias de dicha época como son: la representación de un niño como medio para hacer públicidad y poder darse a conocer el autor, la serenidad del muchacho propia de la etapa , tiene un cierto idealismo , se rompe con el canon tratando otros temas como he mencionado anteriormente , es decir, la intrascendencia del tema etc... "
Lo que no he entendido muy bien es eso de que el escultor hace publicidad (creo que no entendiste bien el ejemplo que puse). La representación de niños provoca en quien la contempla una reacción sentimental normalmente de atracción y de ternura (esa es una de las razones de porqué la publicidad actual  utiliza niños en cualquier producto que nos quiera vender). El artista griego busca, por tanto, provocar un sentimiento más allá de la contemplación de la perfección de la belleza formal.

Acierto para Francisco Javier (3) y tercer comodín.

"Imagen a comentar: 6

Titulo o descripción: Se trata de un altar, resultado de la evolución de los templos griegos dedicado al dios Zeus o a la diosa Atenea, en Pérgamo.

Civilización y etapa cronológica: Pertenece a la civilización griega en concreto a la Etapa Helenística (s.III-II a.C).

Razones: Dos de las razones pueden ser la utilización de columnas del orden jónico que constituye el elemento de sostén de todo el edificio y su elevación en un podio. También resalta la colocación de acróteras en las esquinas de dicho altar, todo típico de la civilización griega."

Tus razones no son de mucho peso. Yo hubiera destacado más los elementos de ruptura helenística, que es lo exclusivo, que los elementos que le hacen ser griego. Pero tampoco está mal lo que has hecho.

Lo siento Borja creo que te has equivocado de número, la imagen 3 no coincide con tu descripción. Por otro lado también contenía un error cronológico que la invalidaría. Has desperdiciado tu segunda oportunidad, ten más cuidado la próxima vez porque el resto estaba bien. Casualmente tres minutos después ha llegado el mensaje de Lorena contestando la imagen que tu debías querer resolver  y por justicia tengo que darle el acierto a ella.

Acierto para Lorena (4). Estas son sus palabras.

"Imagen 5

Titulo: Atenea Pártenos
Pertenece a la civilización griega, a la etapa clásica (segunda mitad del siglo V a.C.- al siglo IV a.C.)
Su autor es Fidias

Dos de las razones, pueden ser: una idealización corporal, con un canon proporcional, el cual no tiene imperfecciones y la pose trascendente y digna propia de un dios."

Dos matizaciones: la cronología exacta es segunda mitad del siglo V a. C. y la obra se encuentra en el interior del templo dórico del Partenón de Atenas, que también se aprecia en la imagen y por tanto en un comentario más extenso también habría que citar y explicar. El material en que está realizada la diosa también debería ser objeto de análisis.

Acierto para Enrique (5).

Tienes razón y haces bien en utilizar tu comodín. Como no te puedo premiar como a mis alumnos con décimas en los controles, he decidido otorgarte un premio honorífico al colaborador más fiel y persistente, que pudes descargar en esta dirección. Espero que te guste.

"numero 7.

Se llama "el doríforo" (portador de lanza) de Policleto, hecha entre los años 450 y 455 A. de C identificable con el mítico héroe de Aquiles. A pesar de que esta considerada como clásica conserva rasgos de un cierto arcaísmo. Tallada con cierta rudeza los pectorales son casi planos y las líneas de las caderas está perfectamente marcadas. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.
Se le atribuye a Policleto porque responde a
canon de belleza de las 7 cabezas que es la proporción ideal del cuerpo humano. Aunque las que he encontrado son mas claras que tu imagen ¿Pueden ser replicas de mármol y la de tu imagen ser de bronce?"

Te doy por correcto tu comentario, pero te falta más claridad en la atribución de la obra. Toda la descripción que haces de la postura del atleta se resume en la expresión "movimiento contenido". Efectivamente esta imagen se acerca mucho más a la realidad del Doríforo que estamos acostumbrados a encontrar en los libros de arte, porque el original (que no se conserva) era en bronce. El problema con las copias romanas es que ha deformado mucho la percepción que tenemos de la etapa clásica.

Acierto para Alba Pérez (6). Este es su comentario.

"Imagen 10
Título: Artemisa cazadora
Pertenece a la
civilización griega, a la segunda mitad de la etapa clásica (siglo IV a.C.).
Su autor es
Leocares.
Dos de las razones son
la teatralidad de sus gestos y el movimiento no contenido, ambas características de su autor."

Sólo completar diciendo que la estatua es una copia romana y se encuentra en el Louvre,

Nuevo acierto para Francisco Javier (7), que ha utilizado sabiamente su comodín. Su nuevo comentario:

"Imagen 2.

Creo que tengo el tercer comodín por la corrección del profesor así que elijo esta imagen.

Titulo o descripción: se trata de un relieve de dos leones llamado La puerta de los Leones, en Micenas.

Civilización y cronología: pertenece a la civilización micénica (1700 a.C.).

Razones: la utilización de falsos arcos, como aquí vemos, por la aproximación de sillares y también cabe destacar en el centro del relieve la columna, representada en tamaño reducido y como elemento decorativo - no como elemento de sostén-. También con formas geométricas en el friso -círculos-."

Correcto. Éste es un ejemplo de imagen que a la hora de comentar nos ofrece la posibilidad de centrarnos en el relieve, porque es lo que se trata en primer plano, o del lugar donde se encuentra, ya que es un elemento decorativo de un edificio (la puerta principal de la muralla de Micenas). Debemos actuar con sentido común, como ha hecho Francisco Javier, en este caso analizando el relieve y el edificio. No obstante, me extraña que al referirte a la columna no hayas utilizado la palabra capitel y cómo éste influye sobre el dórico griego.

Acierto para Rebeca (8).

"Imagen número 9.

Se trata del Erecteion, templo erigido el héroe fundador de la ciudad de Atenas, en la acrópolis de Atenas. Pertenece a la civilización Griega, más concretamente a la etapa clásica pero se sale del esquema de cualquier otro templo de esta etapa. El uso del orden jónico con su capitel de volutas y su friso corrido lo sitúan en la civilización griega, destaca la tribuna de las cariátides, esculturas en bulto redondo de mujeres que tomaban función de elemento de sostén, como columnas"

Muy bien, pero ¿qué siglo? Segunda mitad del siglo V a. C.

Acierto para Alma (9).

"Imagen 8:
T
itulo: Fresco de un pescador que lleva su pesca.
Civilización: Minoica
Razones: La intranscendencia y la cotidianeidad del tema, y la cintura de avispa típica de la pintura minoica, es la etapa en la que se da el arte por el propio arte, y la pintura tiene una función artística, decorativa."

Coral ya lo intentó y estuvo cerca, incluso aportó que era de Akrótiri. Tal vez deberías compartir con ella las nueve décimas (je, je). No obstante le falta  algo al comentario para ser completo... la cronología: siglo XV a. C.

--

Enrique ha completado el juego de reconocer imágenes, al resolver la número 3

"una maqueta del Templo de Afaia,de orden dórico, es uno de los tres templos del triángulo sagrado del Partenón, Sunión y Afaia. Está situado en la isla argosarónica de Egina. Fue durante mucho tiempo considerado como el templo de Zeus. Es períptero y hexástilo dórico. Esta hecho de toba calcárea local. Data del final del siglo VI a. C. o del principio del siglo V a. C. Se considera que se halla entre el período arcaico y el clásico del arte griego. Sus frontones se conservan en la Gliptoteca de Múnich."

Sobre Algargos, Arte e Historia

Hola, encantado de conocerte, visitante.

Me llamo Alfredo García.

Te encuentras ante un blog educativo de un profesor que busca ilustrar y completar la asignatura de Historia del Arte de 2º de Bachillerato.

Imparto mis clases en el instituto "Dionisio Aguado" de la ciudad de Fuenlabrada en Madrid.

SI ERES ALUMNO O COMPAÑERO, en este blog tienes donde sacar imágenes, materiales didácticos y algunos textos, no eruditos, que te ayudarán en tus clases. Ayúdate del índice de categorías que puedes encontrar al final de esta barra lateral. Te será muy útil pinchar sobre los capítulos de cada tema que pongan índice, pues en ellos encontrarás en un esquema los enlaces que te dirijan a todos los artículos que hay en este blog sobre el tema concreto.

SI SÓLO TE ACERCAS COMO PASEANTE, creo que te puedes llevar bellas sorpresas y que no saldrás decepcionado porque terminarás aprendiendo y disfrutando.

Si este blog te ha gustado puedes dejar un comentario y si lo deseas puedes continuar tu camino en otros dos blogs que tengo blog de Geografía de España y blog de Historia de España, donde también serás bien recibido.



If your language is not Spanish, try to translate this blog with the help of this translator.





http://profesorfrancisco.wikispaces.com/file/view/circulocultural3.gif/123530605/circulocultural3.gif



ARTE EN LOS BLOGS


Loading


Visit ARQUEOLOGOS



Visit CLIO EN RED


miarroba.com

Dale al play


BATALLA DE TEOTOBURGO
Música de la Electric Light Orchestra

Cortesía de Frodocomarca67





STAR WARS EMPIRE AT WAR

Cortesía de Luisite 8




PÁGINAS HERMANAS




LOS BLOGS QUE SIGO





ALGUNOS ARTÍCULOS





ImageChef.com - Custom comment codes for MySpace, Hi5, Friendster and more


SÍGUE ESTE BLOG A TRAVÉS DE FACEBOOK Y DE TWITTER



Alfredo Algargos | Crea tu insignia




CALENDARIO PARA ALUMNOS





Categorías