Este es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales". No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte prehelénico y griego.

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Observa las siguientes imágenes del arte prehelénico y griego  y luego contesta según la fórmula que te propongo. Puedes ver las imágenes en pantalla completa para verlas con detalle.

IMAGEN "X"

• 1.- Titulo de la obra o descripción temática o funcional del edificio.

• 2.- Civilización y etapa o cronología. Por civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega. Etapas para la civilización griega con precisión cronológica.
  

• 3.- Autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej. los escultores de etapa clásica) y lugar donde se encontró o se encuentra en la actualidad (museo).
  

• 4.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona, por lo tanto pensad bien que obra vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o contestáis de forma incompleta no hay segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella. Cada vez que esto suceda aparecerá un mensaje del administrador retirándola del juego. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente.

IMÁGENES RESUELTAS.

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Jesús (1) inaugura el juego y se gana el primer comodín al contestar la imagen 10.

"Venus saliendo de las aguas.

-Pertenece a la etapa helenística (ss III-II) de la civilización griega.

-Actualmente está en el British Museum.

-Muestra erotismo característica de la etapa helenística. Muestra un momento intrascendente y serenidad en el rostro."

Jesús "estírate" un poco más en las explicaciones.

1. Erotismo, desnudo, femenino...
   
2. Qué momento elige y porqué decimos que es intrascendente. Además falta dónde se encontró la obra.

Esto que te digo ahora lo tendré en cuenta para la siguiente imagen a la que tienes derecho por comodín, así que esfuérzate para que te la dé por válida.

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Silvia (2) ha sido más rápida que Alejandra y se ha ganado el segundo comodín con la imagen nº 1

Puerta de los leones de Micenas
Civilización micénica (c.1350-1300 a.C.)
Está situada a 90 km al sudoeste de Atenas, en el nordeste de la península del Peloponeso (Grecia).
Esta imagen pertenece a la civilización micénica, puesto que la ciudad de Micenas era una ciudad amurallada que poseía bloques ciclópeos, se encontraba decorada, con esta puerta monumental, ya que servía de puerta de entrada a dicha ciudad, en ella podemos observar la aparición de dos leones afrontados apoyando las patas delanteras sobre un pequeño podio de manera que están ligeramente levantados adaptándose a la forma del triángulo. Entre ellos hay una columna que parece que están adorando y que tiene un claro simbolismo. Por último, la decoración sólo da al exterior, ya que el interior del triángulo está liso.

Me permito sugerir algunos elementos significativos más: sistema adintelado en la puerta, falso arco creado por aproximación de hiladas para enmarcar el relieve, relieve con animales protectores en las puertas (influencia oriental), columna del relieve que puede ser identificada como típicamente minoico-micénica...

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Sara (3) ha desvelado  el misterio de la Imagen 3 y obtiene el tercer comodín.

Vaso de los pulpos

Arte minoico o cretense. Se encontró en el santuario de Kamarés. Aprox. 1500 a.C.

Es la llamada cerámica de Camarés, que lleva el nombre del santuario donde fue encontrada. La arcilla está trabajada de tal forma que se permite una precisión mayor en las formas. Consiste en fondos oscuros y brillantes con figuras pintadas de color blanco normalmente, pero también rojos, naranjas o amarillos. En esta cerámica, también llamada de palacio, se representan o figuras geométricas o representaciones más naturalistas, que suelen ser toda clases de animales marinos, como en este caso. También es frecuente la representación de plantas. La calidad de esta cerámica es indiscutible Son muchas las vasijas que han llegado representando a este cefalópodo, el dominio de esta isla sobre el mar hacía que fuera idóneo pintar animales acuáticos.

Comprendo la dificultad que tiene comentar esta foto y doy por válida la aportación, aunque estrictamente no se trata de una cerámica de Kamarés típica, como tú mismo las describes, sino de una cerámica del periodo minoico final de fondos claros y temas de fondos marinos.

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Ana (4) ha contestado a la IMAGEN 6.

Se trata de una escultura, que representa a Atenea, que forma parte del frontón del templo de la diosa Afaia.
Pertenece al arte griego, concretamente a la etapa de la transición a la época clásica, primera mitad del siglo V a. C.
Se dice que Charles Robert Cockerell excavando en Egina, encontró unas estatuas de mármol que son las que forman este frontón. Actualmente se conserva en la Gliptoteca de Múnich.
Algunas de las razones por la que he atribuido esta obra a la civilización griega son, que la escultura está hecha en mármol, algo muy característico de esta etapa; y además la figura presenta una perfección y belleza muy propia de esta etapa, al igual que muestra un gran realismo.

Ana te voy a aceptar la respuesta pero creo que no contestas a la cuestión principal: las razones de atribuir la obra a la etapa de transición de la primera mitad del siglo V. Que esté hecha en mármol o que busque la perfección y la belleza no son razones suficientes. Esta imagen de la diosa Afaia en concreto todavía muestra gran frontalismo, rigidez y pliegues de los paños artificiales... lo que contrasta con el conjunto en el que se encuentra donde los guerreros que la rodean adoptan posturas en movimiento y un estudio anatómico que tiende al realismo. En un examen no habría pasado del 5 pese a que reconoces la obra.

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Sergio Campana (5) acierta con la Imagen número 2, consume su comodín y arrebata su oportunidad a Joel, que contestó la misma imagen.

"Templo de Atenea Niké Áptera.
Construido en el siglo V a. C., hacia el año 425 a.C., bajo el mandato de Pericles
Proyectado por Calícrates, se encuentra en acrópolis ateniense (Grecia)
De orden jónico con columnas de basa, fuste acanalado y capitel con volutas y el friso corrido que le rodea. Desde el punto de vista de la forma y el tamaño: anfipróstilo (dos pórticos) y tetrástilo (cuatro columnas en el pórtico). El material utilizado es el mármol pentélico y se recoge en él las reglas de las armonía y de las proporciones, creando un edificio de gran belleza pese a su tamaño y a haber perdido los frontones, el tejado y parte de friso."

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Mary of Silence (6) contesta con total corrección a la IMAGEN 4. Esto me permite desvelar el comentario que realizó Alejandra algunas horas antes sobre esta imagen, que no estaba mal, pero que hacía por segunda vez después de que el primero se lo hubiese "pisado" por poco Silvia. Ya sabéis, esto es un juego y si resulta que se os han adelantado en comentar la imagen, pues se siente, no hay segunda oportunidad.

Koré ("joven fémina") en mármol perteneciente al periodo arcaico de la escultura griega (siglos VII y VI a. C.), datada aproximadamente en 510 a.C. De autor desconocido, la obra fue encontrada en la Acrópolis de Atenas. Aunque la figura mantiene abundantes detalles característicos de su período, como cierta rigidez e hieratismo, los ojos almendrados o la ley de la frontalidad, rasgos que denotan la persistencia de la influencia de las representaciones egipcias, la obra se distingue de sus contemporáneas por la belleza que aporta el detallismo y el cuidado dedicado al atuendo y a los ornamentos, así como por la elegancia preciosista que desprende la figura, a la cual contribuía sin duda la policromía, de la que tan sólo podemos apreciar algunos restos en el vestido, perdida por el paso del tiempo.

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Ana Belén (7) se ha atrevido con la Imagen numero 7.

"Título: Mausoleo de Halicarnaso
Civilización: pertenece a la civilización griega.350 a.c.
Autor y lugar donde se encuentra en la actualidad: fue encargada a los arquitectos Satiros y Piteos. Actualmente alguna estatua superior y algún friso que se salvó están en el museo Británico en Londres.

Rasgos característicos: estructura rectangular de 30 por 40 m, sobre ella 117 columnas jónicas en dos hileras sosteniendo el techo en forma de pirámide escalonada, y sobre este último la estatua de una cuadriga con las efigies del rey y la reina, alcanzando en conjunto unos 50 m de altura. No era muy común este tipo de edificios en esa época. Se construyo como tumba para mausoleo."

Se trata de una tumba para Mausolo, sátrapa de la Caria dependiente del emperador persa, por lo que es una obra hecha por griegos pero para ensalzar a un personaje. Esto es lo que no es normal. La obra se consideró por su grandiosidad, lujo y belleza escultórica una de las 7 maravillas del mundo antiguo.

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Silvia (8) ha utilizado el comodín y ha respondido a la Imagen 8.

Relieve de los caballeros
Etapa clásica (2º mitad del siglo V a.C.) (447-432 a.C.)
El escultor de este relieve es Fidias
Este relieve se encontraba situado en el friso de las Panateas del Partenón de Atenas.
Sobre él podemos observar una gran vitalidad y una gran fuerza, ambas contenidas por el sereno equilibrio de la razón humana. Por otro parte, cabe destacar la capacidad de crear profundidad a partir de la superposición de los personajes, además de una idealización corporal, unos rostros que presentan serenidad, y la técnica del movimiento contenido que se ve reflejada tanto en el brazo de uno de los caballeros, como en los cuerpos y las patas de ambos caballos.

Falta que hubieras explicado en qué consistía la fiesta de las Panateneas para así entender este detalle del friso. Se atribuye al taller de Fidias y en la imagen de los dos caballos podemos comprender que responden a dos manos diferentes (fijaos en las crines). El relieve se encuentra en el Museo Británico.

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Jesús (9) ha hecho caso de la advertencia y resuelve su segunda oportunidad con  un "poco" más de profundidad en sus explicaciones (tampoco mucho más). Su  Imagen es la 9.

-Templo de Segesta en Sicilia.
-Fue construido a finales del S. V por lo que pertenece a la etapa clásica.
-Se cree que lo construyo la gente de Elimia, pero no es seguro. Actualmente está situado en Sicilia, la antigua "Magna Grecia".
-Esta en un lugar espectacular, en un valle, para conseguir armonizar el templo con la naturaleza. Esta inacabado y es uno de los templos griegos mejor conservados. Se trata de un templo hexástilo, períptero y con columnas de orden dórico.

¿Por qué no completas la explicación? ¿No te has fijado que la columna dórica tiene basa y fuste liso? ¿Es eso normal?

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Y el último comentario es para Cristina (10) que ha resuelto la imagen 5

1.- Columnas del Partenón.
2.- Perteneciente a la civilización griega, a la etapa de la Grecia Clásica, construido entre los años 447 y 432 a. C.
3.- Se encuentra en Atenas, dentro de la Acrópolis, y Pericles empezó la obra, continuada por Fidias quien también realizó los trabajos escultóricos de la obra.
4.- La columna y friso de orden dórico, con aristas vivas, y un capitel sencillo jónico. Es un templo dedicado a la diosa Atenea, hecha de mármol pentélico. Con 17 columnas en sus laterales.

Me imagino que ha sido un lapsus el decir que la columna es dórica y a continuación que su capitel es jónico. La clave para saber de qué edificio estamos hablando es ver el friso jónico de detrás donde asoman lo caballeros del desfile de las Panateneas.

En el siglo IV a. C., los escultores griegos empezaron a experimentar una estética nueva que mostrase una preocupación más humana, más realista o, por ser más exactos, menos idealizada. No buscan mostrar tipos aislados en su perfección, sino seres vivos ocupados en una acción determinada con una estética nueva. Praxíteles será el escultor más conocido de esta época que sucede al clasicismo puro de Mirón, Policleto o Fidias. Es también el único en el que se puede entrever la evolución del arte generando, no imitando, nuevas formas.

Praxíteles. Cabeza de Afrodita de Cnido.

Praxíteles (aproximadamente, del 400 al 330 a.C.) consagró su obra casi exclusivamente a la estatuaria, individual o de grupo, y prefirió el mármol al bronce. Su temática fundamental fue la de los dioses, como el gran Fidias, aunque a diferencia de éste los representó como seres  humanos, alejados de la pose trascendente.

Nació su vocación e hizo su aprendizaje en el taller de su padre Cefisodoto de Atenas, escultor de renombre, de quien conocemos al menos una obra importante: Eirene elevando en sus brazos a su hijo Pluto (La Paz y La Riqueza). Esta escultura es la traducción plástica de una alegoría que conmemoraba el tratado de paz entre Esparta y Atenas (374 a. C.), pero, sobre todo, es la obra que supuso una nueva mentalidad a la hora de concebir la escultura, alejada de la escuela de Fidias.

Cefisodoto de Atenas. Eirene elevando en sus brazos a su hijo Pluto, 374 a. C. Glyptotheka Munich.

• La figura de Eirene sigue modelándose siguiendo el tipo clásico de mujer, vestida incluso con el peplos, moda ya en desuso en el siglo IV, pero Cefisodoto busca en el ropaje el efecto ornamental de más flexibilidad  y riqueza y, sobre todo,  concentra el atractivo en el contacto psicológico del cruce de miradas, en captar un sentimiento  maternal y dulce hacia el niño.
• El niño, por su parte, tiene, aunque sólo sea parcialmente, formas realmente infantiles, rompiendo con la tradición que hacía representar a los niños como jóvenes en tamaño reducido.

Praxíteles, influido sin duda por la especulación platónica, se dedicó a la escultura con la ambición de definir la idea de la belleza humana de una forma más accesible a los hombres de su tiempo. Su punto de partida es el tipo de Policleto del Diadúmeno, del que conserva el principio de equilibrio y el ritmo esencial. Pero, como demuestra una de sus primeras obras, El Sátiro Escanciador, alarga las proporciones, hace más flexibles las formas y estira las líneas.  Con el ondular de las formas da una sensación absolutamente nueva: el gesto de verter el vino desde la jarra de la mano derecha a la vasija de la izquierda hace que nuestra mirada ascienda por todo el perfil de la figura hasta el codo y la mano levantada, para después bajar por la cara hasta la otra mano: en una palabra, Praxíteles sugiere la preeminencia de los perfiles y la ligereza de las formas allí donde Policleto afirmaba las masas musculares y su estabilidad. .

Praxíteles. Satiro escanciador 370-60 a.C. Copia romana. Museo arqueológico de Palermo.

Estas primeras búsquedas figurativas le conducen a su Apolo Sauróctono. El ritmo de Policleto adquiere entonces un valor musical infinitamente sutil, gracias a la continuidad de la línea que parte del pie derecho y se prolonga en amplias ondulaciones hasta la extremidad de la mano izquierda. El suave torso, por vez primera en la estatuaria griega, se desequilibra hasta no poderse sostener por sí solo: la ondulación del cuerpo se deshace en una bella curva continua, la curva praxitélica, que un árbol debe soportar. Por otra parte, la actividad adquiere un nuevo significado. Praxíteles tuvo en cuenta los resultados de sus predecesores inmediatos: el gesto y la mirada son naturales, y Apolo se dispone realmente a herir al lagarto con la flecha que sostendría en la mano derecha. ¿Qué significa el lagarto? Posiblemente el mal, pero hay en el rostro del dios un deje de deleite sádico en pinchar al animal. Falta todo sentido heroico, todo carácter épico: ¿Apolo matando a un pobre lagarto!

Praxíteles. Apolo sauróctono.

Otra novedad: la imagen de Apolo no es la de un adulto atlético, sino la de un adolescente, alejado de toda actividad física que haya dejado huella de esfuerzo en su cuerpo. El significado religioso del tema se revela en la antítesis que forma la resplandeciente y suave belleza del dios de la luz con el reptil miserable que simboliza el genio malhechor de las divinidades subterráneas.

Praxíteles. Hermes y Dionisos niño. Hermes de Olimpia.

Este naturalismo simbólico aparece aún más claro en el Hermes de Olimpia o  también conocido como Hermes con Dionisos niño, que está considerado por los especialistas como original. Esta obra pertenece al último periodo de su carrera, pero se inspira en la obra de su padre que ya he analizado. El dios Hermes, el adulto, le ofrece desde su brazo desaparecido un racimo de uvas a Dionisos niño, que sintiendo la atracción por la fruta de la que se saca el vino se abalanza a cogerlo. Hermes sonríe maliciosamente ¿Qué lección moral hay en la escena? ¿Qué sonrisa irónica nos aparece en el rostro al comprender la situación que están viviendo estos dioses? Esta es la mejor prueba de la desmitificación que hace Praxíteles de los dioses.

Praxíteles. Afrodita de Arlés o Afrodita Tespia.

Y por si fuera poco, queda por comentar la obra maestra que despertó en la antigüedad más viva admiración y más dura controversia. Me refiero a la Afrodita de Cnido (460-450). Le precedió otra Afrodita, la Afrodita Tespia, que posiblemente sea la copia romana conocida como Venus de Arlés, que se conserva en el Museo del Louvre. Esta sería un primer ensayo hacia el 470 del canon femenino y, por tanto,  la primera aproximación al desnudo.

Praxíteles. Afrodita de Cnido.

De una a otra Afrodita se ha verificado una verdadera metamorfosis: las piernas se alargan, la pelvis y el busto se ensanchan; y, sobre todo, Praxíteles definió su ideal femenino diseñando curvas armoniosas: plenitud sin pesadez, flexibilidad sin blandura. En la Afrodita de Cnido, por primera vez, un escultor se atreve a representar en plena desnudez a una divinidad femenina. Para permitirse esta licencia, Praxíteles escogió como pretexto el momento en que ésta sale del baño, haciendo un acto plenamente humano. Afrodita se convierte en el modelo ideal y de la que arranca el desnudo femenino en el arte griego. Sin embargo, sabemos, además, que el escultor tenía ante sus ojos una maravillosa modelo, la célebre prostituta Friné lo que escandalizó a la sociedad ateniense del momento. Las copias y versiones encontradas son numerosísimas.

Praxíteles. Afrodita de Cnido. CarlsbergGlyptothek, Copenhague.

En la acrópolis de Atenas se levantaron en el siglo V a. C., bajo el mandato de Pericles, los edificios más afamados de la civilización griega. En este artículo voy a centrarme en uno de los más pequeños, el que se elevó para la diosa Atenea sobre uno de los bastiones que flanqueaban los propíleos de entrada, el templo que es conocido como de Atenea Niké Áptera.

El gracioso templete es un paradigma del orden jónico clásico con sus columnas de basa, fuste acanalado y capitel con volutas y el friso corrido que le rodea. Desde el punto de vista de la forma y el tamaño se le puede definir con otras dos palabras: anfipróstilo (dos pórticos) y  tetrástilo (cuatro columnas en el pórtico). El material utilizado es el mármol pentélico y se recoge en él todas las reglas de las armonía y de las proporciones, creando un edificio de gran belleza pese a su tamaño (su cella sólo mide 4 x 4 metros) y a haber perdido los frontones, el tejado y parte de friso. En esta imagen le podemos ver los elementos esenciales.

Descansa sobre el  antiguo espacio suroeste que ocupaba un antiguo torreón (pyrgos) que controlaba el acceso a la acrópolis. Se levantó para conmemorar las victorias sobre los persas de la primera mitad del siglo V, en concreto se decía que se orientaba en dirección hacia Salamina, pero también para rendir homenaje a los caídos en la primera fase de la Guerra del Peloponeso. El edificio albergaba una pequeña estatua de la diosa protectora de la ciudad caracterizada como victoriosa (Niké), pero a la que se le había quitado las alas (áptera) con la vana esperanza de que la victoria no abandonase nunca a Atenas. Las ceremonias rituales se desarrollaban al aire libre sobre un altar.

La historia del templo es muy curiosa. Fue proyectado por Calícrates, el arquitecto del Partenón hacia el año 449 a. C., aunque no fue terminado hasta el 425 ó 421 a. C., después de continuos aplazamientos y pausas. La causa de este retraso se debió al boicot que Pericles ejerció sobre él  por la rivalidad que existía entre éste y su promotor, el general Cimón. De hecho la edificación no fue posible hasta la muerte del primero. Se conservaba en muy buen estado hasta que a finales del siglo XVII fue desarmado pieza a pieza para utilizar sus bloques de mármol en la fortificación de la acrópolis e instalar en su lugar un cañón. Fue reconstruido hasta la altura de la cornisa en la década de los 30 del siglo XIX, después de conseguir la independencia Grecia, siguiendo la técnica arqueológica de la anastilosis. Pero debió ser restaurado un siglo después entre 1935-40. En 1999 volvió a ser desmantelado como la totalidad de los edificios de la acrópolis para realizar un trabajo de recuperación más moderno y profundo. En concreto, se retiraron las grapas de unión de los sillares que al ser de hierro se habían oxidado para cambiarlas por unas de titanio y se sustituyó el hormigón que se utilizó en 1935 para suplir los sillares que faltaban por mármoles nuevos que contrastan por su pátina blanca con la piedra antigua. El resultado es la polémica restauración que finalizó en 2009 y que podemos ver en una de sus fases en la imagen que tenemos debajo.

El friso jónico está muy arruinado, pero aún se pueden ver cualidades de un clasicismo ático. Se atribuye al taller de Agocrático y narraba escenas de las guerras entre griegos y persas en los lados norte y sur y entre atenienses y griegos filopersas por el lado oeste. Estos relieves se encuentran parte in situ y parte en el British Museum, al igual que los mármoles de Partenón.

Alrededor del templo se colocó un elegante parapeto de  mármol para delimitar el témenos y para protección de los fieles. Éste estaba decorado con bajorrelieves que representaban una procesión, personificando a la Victoria, Atenea Niké, mientras la diosa asiste a un sacrificio o en acciones más simples como abrochándose una sandalia. Este relieve se fecha sobre el 410 a. C, ya que se supone que conmemoraban las victorias logradas por Alcibíades, y se le atribuye a Calímaco, refinadísimo escultor de la escuela de Fidias.

Las más perfectas de estas figuras, al menos de las pocas que están bien conservadas, recuerdan el modelo de Afrodita Genitrix  o de una ninfa por la elegancia del gesto, por la gracia de las líneas y, sobre todo, por el virtuosismo en el trabajo de los ropajes transparentes. El bellísimo relieve que se encuentra en el Museo de la Acrópolis, que podemos ver debajo, es una buena muestra de este trabajo.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES FUNDAMENTALES DE LAS ARTES PREHELÉNICAS Y GRIEGAS.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales". No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte prehelénico y griego.

Observa las fotos numeradas del Slide de arriba e indica:

1.- Titulo de la obra o descripción temática.

2.- Civilización y etapa o cronología. Por civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega. Etapas para la civilización griega con precisión cronológica.

3.- Autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej. los escultores de etapa clásica).

3.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona (ved excepción en el siguiente párrafo), por lo tanto pensad bien que foto vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto, ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego.

Excepción. He modificado ligeramente el sistema para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo. Los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esto es lo que llamaremos un comodín.

Pongamos un ejemplo. El que conteste correctamente el primero sabe que obtiene una décima para el control, pero además que podrá resolver otra segunda imagen con un segundo comentario que realizará cuando le convenga (pero dentro del plazo fijado). Así si resulta que acierta además la sexta obtendrá otras 6 décimas. En total, ganará para el control 7 décimas, 1 por la primera imagen resuelta más 6 por la segunda.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Ha habido mucha prisa por contestar las primeras, pero lamentablemente las tres primeras contestaciones son de la misma imagen. Aunque la respuesta de Alba es la primera y no tiene errores, no se la puedo dar por válida porque no es completa. Así que la décima y el comodín se lo doy a Nuria (1) que ha contestado lo siguiente de la Imagen número 8.

"1.Escultura en bulto redondo de la victoria de Samotracia, que debe su nombre a que se encontró en la isla de Samotracia y actualmente se encuentra en el museo del Louvre (Paris).

2.Pertenece a la civilización griega,en concreto a la etapa helenística del siglo III-II a.C.

3.Elaborada en mármol, material en el que se elaboraban la gran parte de la escultura griega. Se diferencia de otras etapas por la expresión máxima del movimiento, propia del espíritu helenístico,que representa dicha acción en su cúspide o momento glorioso como este caso. La sensación de movimiento causada por la técnica del paño mojado (propia de Fidias),en el que las alas estan extendidas en pleno vuelo y el vestido de la diosa agitado por el aire se adhiere al cuerpo, dejando ver la anatomia de la diosa y al mismo tiempo el canon de cuerpo atlético y juvenil femenino en Grecia."

Lo siento Ana, demasiado tarde.

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Sara (2) ha acertado con la Imagen 2 y por ello se gana este comodín para que pueda hacer otra imagen, aunque para el siguiente te exigiré que argumentes un poco más las dos razones, la segunda sobre todo me ha parecido de poco peso y la he compensado con la afirmación de que es una koré.

"1.- Titulo de la obra o descripción temática. Es una Korés. Dama de Auxerre
2.- Civilización y etapa o cronología. Civilización griega, aproximadamente del S. VII a.C. Época arcaica
3.- Autor : Dédalo
3.- Dos razones exclusivas para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor. En la figura podemos observar una rígida postura vertical con los brazos pegados al cuerpo y el rostro triangular con poca frente, ambas características del arte dedálico."

Hay razones mucho más evidentes en esta  imagen para atribuirla al periodo arcaico  como el canon desproporcionado, el geometrismo de la obra, la inspiración en las obras egipcias...

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Nuria (3) contesta correctamente la tercera imagen  (no hay más comodines).

"Imagen número 9

1.Escultura en bulto redondo del Apolo Sauróctono.

2.Perteneciente a la civilización griega,en concreto a la etapa clásica del siglo IV a.C.

3.Del escultor Praxíteles.

4.Se muestra a un dios Apolo más juvenil (casi adolescente), con una anatomia propia del canon griego pero menos marcada, destaca también la curva praxitélica, propia de dicho autor, en la que la cadera derecha esta más subida que la otra, los hombros ligeramente inclinados hacia ese lado y la pierna izquierda un poco doblada hacia delante; rompe con la temática puesto que nos muestra la desmitificacion de un dios (Apolo),en un momento intrascendente,intentando clavarle una de sus flechas a un animal."

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Sara (4) gasta su comodín con acierto.

"Imagen 7
1.- Titulo de la obra o descripción temática. Propileos de Atenas, que eran las puertas monumentales de entrada al Acrópolis.
2.- Civilización y etapa o cronología. Civilización griega. Es del S. V a.C. de la época Clásica, durante el gobierno de Pericles.
3.- Autor es el arquitecto ateniense Mnesicles.
3.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor. Tenía dos fachadas hexástilas, es decir, con 6 columnas, dóricas. En el interior se usaban columnas jónicas. Por la puerta más grande era por donde discurría la vía sagrada que recorrían las procesiones de las Panateneas. Está hecha en Mármol. "

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Enrique (5) ha contestado con tino.

"Imagen número 4

Pertenece al palacio de Knosos. Construido hacia el año 2000 a de C. por el rey Minos del cual deriva el nombre de la civilización minoica. Una de las razones que se le atribuyen es la forma de las columnas que son invertidas, es decir que son mas delgadas en la base. Otra de las razones tambien es la forma de construir de los minoicos, añadiendo habitaciones progresivamente, estos corredores no guardan una disposición rectilínea, sino que está lleno de quiebres siguiendo un recorrido tortuoso. "

De hecho, el mito griego del laberinto del minotauro parece tener su base histórica en el diseño de estos palacios arquitectónicamente anárquicos.

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María (6) ha cometido un error que en otra ocasión sería imperdonable... ha comentado sin decir a qué imagen se refiere. Menos mal que por la descripción no hay duda y por esta vez se lo paso.

Imagen 6

"1.- Sacerdotisa en una ceremonia de Cnossos.

2.- Civilización minoica. La cronología de la etapa minoica es del segundo milenio. Este fresco de ubica en Cnossos.

3.- Pertenece a esta civilización porque tiene unos rasgos característicos que son la frontalidad y semifrontalidad y el hieratismo. También destacan otros rasgos como el colorido simbólico (la mujer es de piel blanca y los hombres tienen un tono tostado por el Sol), la estereotipación y la falta de volumen."

Hay además unos rasgos étnicos  muy singulares o propios como el modelo humano de cintura de avispa y largos cabellos rizados y el vestido de la mujer que deja sus pechos al aire, que es lo que realmente hace distinto a este fresco de uno egipcio, por ejemplo. Los elementos que tú has destacado son comunes a ambas civilizaciones.

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Cristina Vicente (7) gana sus décimas con este comentario sobre la Imágen nº 3.

"Linterna de Lisícrates, es un edificio conmemorativo para festejar, que el maestro del coro ganador se le había concedid un trípode y su patrocinador levantaba un pequeño templo, en Olimpia.
Está en Atenas, cerca de la Acrópolis, eregida por el corego Lisícrates.
Pertenece a la civilización griega, año 335-334 a.C.
Es el primer monumento de orden corintio.
Se le atribuye a el orden corintio por capiteles corintios decorados con motivos florales, que normalmente se usaba en el interior de los templos y aquí se muestra al exterior.
Es un templo, "tholos" y de bulto redondo, es decir que es igual por todos los lados, no tiene una referencia frontal."

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Enrique ha decidido que había que terminar de desvelar las obras que quedaban y una vez pasado el plazo que tienen mis alumnos para ganarse su nota para el control de clase, no existe límite de un comentario por persona.

La imagen numero 1

"Tramo de un friso de interior del Partenón concretamente el bloque número XLIII de la cara norte expuesto en el museo británico, de estilo clásico alto de la escultura ática, de entre 447 y 438 a de C. Construido bajo la dirección de Fidias. Una de las características a que se le pueden atribuir a este estilo es la innovación del uso de los drapeados como expresión de movimiento, también fue el descubrimiento de las posibilidades expresivas del cuerpo humano."

Narra un tema muy importante que es la procesión de las Panateneas, la fiesta principal de la Ciudad de Atenas en la que todos sus ciudadanos se dirigen al santuario de la acrópolis a rendir culto y ofrendas a la diosa Atenea. Una aportación muy novedosa, que se puede ver en este detalle, es que se empieza a emplear el solapamiento de personajes como recurso para crear profundidad, aunque el trabajar el relieve en casi el mismo plano dificulta la comprensión de la escena.

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La imagen numero 7

"Templo de Poseidón en Paestum, de mitad del siglo V a de C época arcaica también llamado Hera II, pudo haber sido consagrado a Apolo.Es un templo de estilo dórico, es hexástilo y períptero. Tiene una particularidad en la decoración del collarino del capitel está dispuesta con hojas y vainas en el equino rodeado por flores de loto y rosetas, tambien la coronación del templo estaba realizada en terracota pintada de falsos canalones con cabeza de león y terminaba con antefijas en forma de palmeta"

El templo tal y como lo describes es más clásico que arcaico. Realmente los elementos arcaicos son casi imperceptibles, si no se es un especialista,  se limitan a un exagerado éntasis del fuste y a un ábaco excesivamente sobresaliente.

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La imagen numero 10

"Pasadizo o galeria de las murallas de la fortaleza de Tirinto siglo XIII a de C., periodo micenico. Sus elementos mas notables son el palacio y sus pasadizos y dos anillos de murallas ciclópeas.Las murallas se conocen como las casamatas de Tirinto, son piedras sin tallar unidas por argamasa unas encima de otras formando unas falsas bóvedas. que son caracteristicas de la arquitectura micenica. a parte que construian sus fortalezas en lo alto de las grandes colinas como sistema defensivo .Tambien siguiendo el modelo minoico las columnas son grosor descendente, basa de piedra y fuste acanalado."

Lo único a comentar es que las falsas bóvedas y las falsa cúpulas también las utilizaban en sus tumbas o Tesoros. Por otro lado, esas fortalezas a las que te refieres las podemos llamar acrópolis, ciudad en lo alto.

CABEZA, TRONCO Y EXTREMIDADES

Aquí tenemos el primer juego que os propongo para investigar sobre Grecia. Para ver el segundo pincha aquí.

En este habrá que

1.- Reconocer a quien representan estas imágenes (Título) y a su autor (si debemos conocerle).

2.- Donde se encontraron y en que museos se hallan ahora.

3.- Ofrecer el resultado ordenando cronológicamente las obras.

CONDICIONES DEL JUEGO.

• La contestación será a través de los comentarios y habrá que contestar las seis obras de una vez en una lista numerada por orden cronológico (ej. imagen 3, 6, 4...). Esta vez no consiste en elegir una única obra y contestar a la misma sino que debe darse solución a las 6 para que la respuesta sea válida y dar el resultado ordenado por criterio cronológico.
• El premio es suculento. Todo aquel que conteste correctamente la lista completa obtendrá un punto en el control. Si se falla, aunque sólo sea una de las seis obras y se hayan contestado a las cinco restantes, no se obtiene nada.
• Sólo hay una posibilidad de comentario por persona. Por ello, hasta que no tengáis todo el ejercicio hecho no lo mandéis.
• Vuestros comentarios no aparecerán en el blog hasta el viernes por la tarde. Ese día publicaré todas las contestaciones y diré si hay ganador o ganadores.

RESPUESTAS CORRECTAS Y GANADORES

Han sido varios los ganadores. Os agradezco el esfuerzo a todos y espero que hayáis visitado muchos museos y muchas webs hasta encontrar las soluciones. Ha habido algunos concursantes que no han cumplido el requisito del orden cronológico y otros que no han encontrado alguno de los datos pedidos, pero como el conjunto estaba completo al 90 por ciento lo puedo dar por válido.

Desvelemos las esculturas escondidas en estos detalles expuestos y hagamos unos breves comentarios con la aportación de todos. El orden es el cronólógico para apreciar la evolución del bulto redondo griego en 500 años.

Dama de Auxerre, 650 a. X (Imagen nº 6)

La dama de Auxerre, también conocida como Kore de Auxerre, es una escultura griega de pequeño tamaño (75 cms.) de la etapa arcaica (s. VII a.C), realizada en piedra calcárea. Fue hallada en 1909  por un empleado del Museo del Louvre en un pequeño museo de la ciudad de Auxerre, desconociéndose cómo había llegado a ese lugar. Hoy se encuentra en el Museo del Louvre, en París.

Las Korai eran representaciones femeninas típicas de la cultura griega desde la época arcaica. Podían ser sacerdotisas o damas que se ofrecían a una diosa, de ahí la mano sobre el pecho en señal de exvoto. La de Auxerre es una de las más antiguas y refleja rasgos de la civilización prehelénica como el modelo humano ( cintura de avispa), como de la cultura egipcia (rigidez y geometrismo de las formas). A ello hay que añadir detalles propios de un momento primitivo del arte griego como los ojos almendrados y  la enigmática expresión o sonrisa arcaica. Lleva un vestido ceñido a su cuerpo con un manto sobre sus hombros. Realmente no se ven las formas, sino que simplemente es un bloque de piedra tallado para insinuar casi como si fuera una abstracción, el cuerpo humano.

Jinete Rampin, 550 a. C. (Imagen nº 1).

El Jinete Rampin, también llamado Caballero Rampin, es una escultura perteneciente al Período arcaico de Grecia (550 a. C), realizada en mármol de Paros. La cabeza de la escultura fue hallada en el año 1877, el tronco y el caballo en el año 1886, ambas partes procedían de la zona sur de las ruinas de la Acrópolis de Atenas. Fue esculpida por un artista de los talleres de Ática.

Técnicamente refleja una evolución considerable con respecto a la Dama de Auxerre. Se trata de un kuros, la versión masculina de la estatua oferente, pero es algo distinto a los habituales puesto que se le representa ecuestre. El hombre además rompe con la frontalidad al girar ligeramene la cabeza hacia su hombro izquierdo. El deatalllismo geométrico de su cabello y la sonrisa eginética denotan su pertenencia a la escuela jónica.

Guerrero de Riace “A”, 460 a. C. (Imagen nº 2).

El Guerrero de Riace “A” (ya que hay dos y al mas joven se le denomina A y al mas viejo B) que no se sabe a ciencia cierta a quien representan, aunque se les supone héroes mitológicos por el casco de uno y la empuñadura de lanza y escudo de otro. También se desconoce quien pudo ser su autor y dónde y para dónde pudieron ser hechos, aunque se data la pareja hacia el 460 a. C, por lo que son uno de los bronces originales que nos han llegado milagrosamente de la etapa de transición entre la etapa arcaica y la etapa clásica. El bronce fue encontrado en un pecio submarino en 1972 en las cercanías de la localidad de Riace, en la provincia de Regio de Calabria. En la actualidad, se exponen en el Museo Nacional de la Magna Grecia de Regio de Calabria.

Como características artísticas hay que destacar en primer lugar la gran maestría demostrada para realizar la obra a cera perdida, técnica especialmente compleja, en unas figuras de casi dos metros de altura. El artista demuestra además un perfecto conocimiento de la anatomía y del comportamiento de la musculatura. En esta obra podemos encontrar ya los cuatro rasgos que constituyen la escultura clásica: idealización corporal, bella, joven y atlética; serenidad o equilibrio emocional, que se refleja en un rostro calmo; movimiento contenido, el cuerpo gira en contraposto a la cabeza y una pierna carga el peso de la figura mientras que la otra se adelanta ligeramente; y, por último, la pose es digna, merecedora de un héroe.

Hermes y Dionisios niño de Praxíteles, 360 a. C. (Imagen nº 4)

Hermes con el niño Dioniso es una escultura griega de mármol de 2,12 ctms., atribuida al escultor Praxíteles realizada entre el 360 al 340 a.C. Se encuentra en el Museo Arqueológico de Olimpia habiendo sido hallada en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera donde, sabemos por Pausanias, era parte de la ornamentación, por lo que podría ser la obra original.

El cuerpo de Hermes refleja un modelado más suave, menos musculado que el guerrero de Riace. La exagerada curvatura de la cadera es un rasgo muy particular de Praxíteles. El tema desmitifica a los dioses puesto que el artista satiriza la historia de Dioniso, al presentarnos a un dios niño que ya se avalanzaba sobre el racimo de uvas que le presentaría Hermes en el desaparecido brazo derecho.

Ares Ludovisi de Lisipo, año 320 a. C. (Imagen nº 5)

Esta representación del dios Ares perteneció a la familia Ludovisi, de la que recibio el nombre. Es copia romana del escultor  Lisipo, fechada de 320 a.C. Perteneció a la decoración dell templo de Marte en Roma. Se conserva en el Museo de las Termas de Roma aunque también hay otra copia de la misma obra en el Museo de Nápoles.

Representa irónicamente al dios griego de la guerra de manera poco digna, desarmado y relajado, víctima del amor que se enreda entre sus pies. El resto de la figura encaja en los rasgos más clásicos: idealización corporal, serenidad y movimiento contenido.

Boxeador de las Termas, 100-50 a. C. (Imagen nº 3)

El púgil de las Termas es una escultura de bronce de la etapa helenística. Fue encontrada en 1885 en las ruinas de las termas de Constantino. No se sabe con certeza quién fue el autor de esta genialidad escultórica ni con exactitud la fecha de su fundición. Actualmente se conserva en el Museo Nacional Romano.

La figura representa a un boxeador, un kuros, en posición de reposo sentado sobre una roca. Las manos están enguantadas. Su cuerpo parece cansado y su rostro jadeante refleja las heridas de la pelea. La crudeza realista de su cara con cortes sangrantes y la nariz partida es el rasgo más distintivo que le identifica con el helenismo.

Al morir Alejandro Magno (323 a.C.) su imperio se fragmenta en varios reinos. El poder se desplaza entonces hacia Oriente, más rico y próspero, donde se hallan las ciudades de Alejandría (Egipto), Antioquía (Siria) y Pérgamo (Asia Menor). Estas urbes cosmopolitas y llenas de vitalidad gracias a la industria y al comercio, se convierten en los nuevos focos artísticos del periodo helenístico. Sustituyen a las polis clásicas, autónomas y cerradas, que iniciaron su decadencia con la unificación realizada por Filipo de Macedonia. Atenas pierde su hegemonía y sus artistas emigran a tierras lejanas a trabajar para los reyes que se distribuyeron el imperio de Alejandro.

El Mediterráneo y Oriente. Los reinos helenísticos hacia el 200 a. C.

Breve historia del reino de Pérgamo.

La ciudad de Pérgamo, aunque había sido fundada por griegos eólidas en el siglo VIII a. C.,  no destacó en la historia de Grecia hasta el III siglo a. C. cuando, convertida en capital de un pequeño reino, Atalo I (241-197 a. C.) detuvo las invasiones de un grupo de tribus galas que acabaron asentándose en el centro de Anatolia. Tal hazaña se  inmortalizó con  la erección de sus famosos grupos escultóricos que representan a los galos moribundos.

Reconstrucción  hipotética y copias romanas del grupo escultórico de los galos moribundos, 230-220 a. C.

La dinastía atálida se vinculó a la República Romana en contra de los reyes griegos de Siria y Macedonia y gracias a esta alianza el reino pudo triplicar sus territorios en pocos años. Su cenit se alcanzó bajo Eumenes II (197-158 a. C.) y su hermano Atalo II (158-138 a. C.). La bonanza de estos años les permitió llevar a cabo un ambicioso programa constructivo, que analizaremos en este artículo. En el año 133 a. C., el rey Atalo III murió sin descendencia dejando su reino a los romanos, que convirtieron el reino en su provincia de Asia y a Pérgamo en su gran ciudad desde donde controlar el Egeo, los estrechos y el Ponto.

La ubicación de Pérgamo entre el Egeo y las rutas hacia el Mar Negro.

La ciudad de Pérgamo.

La ciudad  se concibió prácticamente de nuevas en el siglo II a. C. siguiendo las directrices de planificación racional y funcional que ya se ensayaban en las urbes de nuevo trazado desde el siglo V, pero también buscando la espectacularidad de un escenario arquitectónico como telón de fondo. Se distingue claramente dos zonas:

1. En el llano se erigieron las barrios residenciales, trazados en manzanas regulares con calles que se cruzaban según diseños ortogonales o hipodámicos como los de Mileto o Alejandría. El centro de esta zona lo constituía un ágora secundaria, hoy bajo la ciudad turca de Bergamo, en torno al cual se encontraban edificios como el gimnasium o el Serapeum. A tres kilómetros de allí existía un famoso  santuario dedicado a Asclepio que se unía con la ciudad a través de una ancha avenida pavimentada.

Vista de la llanura y de la actual ciudad de Bergamo desde el Trajaneo.

1. En un alto promontorio fortificado se levantaba la acrópolis con  los edificios más emblemáticos de la ciudad. En la maqueta y en el dibujo que hay abajo puedes verlos. Todos, salvo el santuario y templo de Trajano (Trajaneo), fueron construidos en el periodo helenístico. Para crear una vista espectacular se construyeron sobre terrazas artificiales escalonadas que se exponían como asomándose para ser bien contemplados desde abajo. El resultado es tan impactante que la solución es retomada por los arquitectos romanos que crearon los santuarios de Praeneste, Terracina y Tívoli en el Lacio (siglo I a. C.).  Los restos arqueológicos y el desnivel que hay que salvar para llegar a la cima todavía hoy en día siguen impresionando al visitante.

Maqueta con los principales edificios de la acrópolis de Pérgamo. Debajo, el promontorio con las ruinas actuales y una reconstrucción pictórica del impresionante efecto escenográfico creado.

Los elementos formales básicos de la arquitectura y de la escultura clásica no varían en el helenismo, pero sí su espíritu. Tal cosa  puede comprobarse perfectamente en el conjunto monumental levantado en Pérgamo entre los siglos III y II a. C.. Analicemos sus estructuras más significativas conocidas por las campañas arqueológicas de Carl Humann (1871 a 1886), que sirvieron a Otto Puchstein para reconstruirlas en parte en el Museo de Pérgamo de la Berlín.

El Altar de Zeus y Atenea Victoriosa.

Con el Helenismo las proporciones de los edificios experimentan un cambio notable. Los altares, que antiguamente eran pequeños y se erigían ante los templos, ahora se convierten en construcciones independientes que buscan la monumentalidad. Son la manifestación escenográfica del poder absoluto de los monarcas.

El altar dedicado a Zeus y a Atenea Victoriosa se construyó durante el reinado de Eumenes II, entre los años 180 y 160 a. C.  Se encontraba expuesto en el centro de una plaza que se abría hacia el barranco que daba a la ciudad para que de esa manera pudiese ser contemplado desde allí. No se sabe a ciencia cierta quien pudo ser su arquitecto, aunque bien pudiera ser Menécrates de Rodas.

El ara propiamente dicha se levanta sobre una escalinata de planta casi cuadrada (38,6 x 36 m). Sobre ella se aúpa un zócalo que sostiene una columnata jónica que cierra, a modo de telón, el espacio creado alrededor del altar propiamente dicho. Dos muros porticados se adelantan dando al conjunto una forma de" u" invertida que acoge y a su vez impresiona al que asciende por la escalinata.

La columnata jónica se proyecta sobre la escalinata.

El arquitecto que diseñó el edificio innovó además una nueva forma de presentar el friso jónico. En vez de ubicarlo en altura sobre el entablamento jónico lo bajó al zócalo para que fuera más fácil contemplarlo. Sus dimensiones son cerca 120 metros de largo por 2,28 metros de alto. En él se representa en altorrelieve la batalla que libraron los dioses Olímpicos contra sus predecesores, los titanes, lo que es conocido como la Gigantomaquia. El tema es, en el fondo, la alegoría del triunfo de las nuevas dinastías helenísticas sobre las antiguas polis griegas. Si pulsas aquí o sobre la siguiente imagen puedes ver desplegado todo el friso.

Estilísticamente, este relieve es  uno de los mejores ejemplos para poder explicar algunas de las rupturas estilísticas del helenismo con respecto a la etapa clásica.

• Las dioses y los titanes, de un tamaño superior al natural, parecen querer salir desde el edificio hacia el espectador para hacerle partícipe de la lucha.
• La multitud de figuras entrelazadas no caben en el formato, es tan densa que casi cubre por completo el fondo o los cuerpos quedan cortados, sin poder aparecer por entero en el encuadre.
• El movimiento es desenfrenado: sus músculos se tensan y sus cuerpos se tambalean, vuelan o se debaten en angustiosa agonía.
• La serenidad expresiva y el equilibrio espiritual no existen.

Hay mucho de esta obra en otra de las obras helenísticas por excelencia hecha décadas después, La muerte de Laoconte y sus dos hijos.

Hay un segundo friso más pequeño insertado en el muro que hay detrás de la columnata que narra la historia de Telefo, hijo de Hércules.

El Santuario de Atenea.

Pese a la relevancia del Altar estudiado, el conjunto más importante de la acrópolis era el Santuario de Atenea, diosa que había dado tantas victorias a la ciudad. El templo se construyó en el siglo III a. C. en orden dórico, como todos los templos solemnes y principales. El recinto fue completado en tiempos de Eumenes II con una plaza con tres pórticos de dos pisos a los que se accedía a través de un propileo monumental, que podemos ver abajo en la foto. En este pórtico vemos superpuestos por primera vez, antes de que lo repitieran los romanos, los órdenes dórico y jónico.

Propileo del santuario de Atenea en Pérgamo. Museo de Pérgamo de Berlín.

En las salas situadas detrás del muro norte, tras el peristilo, se encontraba la famosa biblioteca de Pérgamo. Ésta era la segunda en importancia de la Antigüedad, después de la de Alejandría, ya que según Plinio llegó a reunir más de 200.000 volúmenes copiados en pergamino (rollo de cuero tratado y fabricado en la ciudad).

A los pies del complejo de Atenea se deslizaba ladera abajo el graderío del teatro, también de época de Eumenes II. Era muy empinado debido a la adaptación al relieve  y no completaba el espacio ultrasemicircular. Se calcula que tenía una capacidad para 10.000 espectadores. Debajo del mismo se construyó una plataforma alargada y porticada, una stoa, que actuaba como contrafuerte y como mirador y  paseo procesional para acceder al templo dedicado a Dionisos.

Maqueta de Pérgamo. Hay una calle ancha que conducía consecutivamente a todos los edificios.

Otros edificios importantes eran el ágora atravesada por la avenida profesional; los palacios de Atalo I y Eumenes, pasado el segundo recinto amurallado; y el Santuario corintio de Trajano Augusto coronando la altura de la acrópolis.

Los mitos y los seres fantásticos mezcla de lo humano y de lo animal o de distintos animales, fueron creados en Oriente, en Egipto o en Grecia y trasmitidos por todo el Mediterráneo central y occidental (Etruria, Tartessos, Iberia, Roma) a lo largo del primer milenio antes de nuestra era.

Fueron fantasías espantosas, que en su horrible anomalía, se convirtieron en irresistibles atracciones de lo misteriosamente ajeno al hombre. En todas las culturas formaron parte de la religión y de los ritos, poniendo en relación los mundos de los inmortales y de los mortales. Miles de años después muchos de estos monstruos aún permanecen en nuestro imaginario colectivo. Sólo hay que ver que son la inspiración de muchos personajes de comics y de películas fantásticas.

Esfinge funeraria griega 560-550 a. C.

Os ofrezco a continuación una lista de aquellos seres híbridos que la imaginación humana concibió uniendo distintas naturalezas. Omito los monstruos creados por los egipcios y me centro sólo en aquellos que tuvieron reflejo en todo el Mediterráneo desde el mar Egeo hasta el estrecho de Gibraltar.

• La esfinge, de rostro femenino y cuerpo alado de león.
• La sirena, con cabeza de mujer y cuerpo de ave.

Esfinge, fondo de plato corintio. M. Louvre.

• El centauro, de rostro y torso humano y parte inferior de caballo.
• Pan, el sátiro mezcla de humano y de cabra.

Afrodita, Eros y Pan.

• Aqueloo de cabeza masculina y cuerpo y patas de toro.
• Nereo, Tritón y Escila, de cabeza humana y cuerpo de pez o de serpiente.
• El minotauro con cabeza de toro y cuerpo humano.

Teseo mata al minotauro, detalle de un skiphos de 550 a. C. M. Louvre.

• El grifo, híbrido de león alado con cabeza de águila.
• El hipocampo, un caballo con cola de pez.
• La quimera, animal de tres cabezas y tres partes: león, cabra y serpiente.

Tridracma de plata de Corinto. Reverso representando a Pegaso. 308-306 a. C.

• Pegaso, el caballo blanco con alas.
• Y otros monstruos más : mantícoras, basiliscos, arpías, gorgonas, hidra...

Las diversas culturas que los crearon o adoptaron les otorgaron diferentes funciones: símbolos de la divinidad, protectores, mensajeros, acompañantes y servidores del dios o de la diosa de los que eran métáforas de su poder.

Neptuno sobre su carro tirado por dos hipocampos. Mosaico de Sousse, Túnez.

El hombre, como su antagonista, había de someter esa fuerza salvaje para que reinara la razón y el orden en la tierra. Fueron adversarios terribles del héroe (Teseo, Hércules, Edipo..), pero también pudieron ser sus aliados.

Todos ellos habitaban en regiones antihumanas: en las agrestes e incivilizadas montañas; en los abismos del mar; en las islas situadas en el fin del mundo; en el espacio radical de la muerte -el laberinto-; o en los reinos intermedios -la tierra y el éter; la tierra y el mar- donde su hibridación era tanto de cuerpo como de espacio.

Bicha de Balazote o Aqueloo, escultura ibérica, s. VI a. C. Museo Arqueológico Nacional, Madrid.

Como seres intermedios, circulaban de un mundo a otro y ponían en comunicación esferas y espacios opuestos de la existencia: la vida y la muerte. Por ello, protegían el espacio de la tumba (Aqueloo) y actuaban como vehículos o guías de las almas en su viaje al más allá a través del aire (sirenas, esfinges y grifos) o a través del mar (tritones e hipocampos).

Eran seres dotados de saber inmemorial y de capacidad profética. Guardaban secretos escondidos al hombre y conocían los caminos invisibles que permitían regresar de la muerte a la vida (sirenas, esfinges, Nereo, Tritón y Escila).

Edipo y la esfinge. M. del Louvre.

Su voz, su canto o su mirada podían ser sinónimos de muerte, pero también podían ser promesa de vida. Seducían con su poder erótico a sus víctimas (esfinges y sirenas), pero ese poder era fecundador y engendraba una nueva existencia. Por sus actitudes extravagantes, su naturaleza salvaje y desmedida, pervertían el comportamiento humano (sátiros y centauros), convirtiéndose en su contramodelo, pero también expresaban la subversión y la ruptura que el dios proponía al hombre para acceder al ámbito beatífico de la vida eterna.

Nereo. 490 a. C.

Se representaban en escultura, en pintura y en mosaico. En sarcófagos, en templos, en viviendas, en cerámicas y en monedas. Eran parte de la fantasía y de la iconografía cotidiana del mundo antiguo.

En 1874 fue descubierta en la colina Esquilina de Roma una estatua de un desnudo femenino, que se identificó con el de Venus, y que inmediatamente pasó al acervo iconográfico del mundo clásico y a ejercer una notable influencia sobre la pintura de final de siglo.

Cuatro vistas de la Venus Esquilina.

El descubrimiento arqueológico. La "Venus".

La obra fue encontrada en un lugar que se supone fue uno de los jardines imperiales, los Horti Lamiani, que ya había sido un gran yacimiento arqueológico desde el siglo XVI. Aquí se sacó a la luz también una variante del Laoconte y del Discóbolo y el busto de Cómodo con los atributos de Hércules. La escultura pasó a la colección del Museo Capitolino donde se exhibe hoy en día.

La Venus Esquilina en todo su esplendor.

Sus brazos no se han encontrado, aunque los restos de la mano izquierda en la cabeza sugieren que tenía los brazos alzados y estaba atándose una cinta. Por el estilo se puede datar entre el siglo II o I a. X., siendo ésta una copia romana de un original griego neoático. En el helenismo se difunde este tipo de figura erótica femenina: curva praxiteliana, torso musculado, pechos pequeños y muslos apretados. Una estatua sin cabeza y sin parte de las piernas, que se conserva en el Louvre, confirma que era un prototipo habitual de desnudo femenino de la escultura griega.

Venus del tipo Esquilina del Museo del Louvre.

Se desconoce con exactitud a quien representa, aunque existen varias teorías:

1. La diosa romana Venus, posiblemente en forma de Venus Anadiómena o saliendo del mar.
2. Una simple bañista mortal en actitud de atarse una cinta la cabello.
3. La imagen idealizada de Cleopatra VII, la última de los soberanos de Egipto.

Venus como inspiración desde el Renacimiento.

Por todos es sabido que el Renacimiento y el Neoclasicismo buscaron la inspiración, cuando no la imitación del mundo clásico.  A falta de referencias de calidad en pintura, la escultura se convirtió en la clave para encontrar la esencia grecorromana. En la obra de Ghiberti, Botticelli o de Miguel Ángel palpitan los hallazgos arqueológicos del momento, aquellas piezas que sus mecenas atesoraban como coleccionistas. El descubrimiento de Pompeya y Herculano en el siglo XVIII volvió a impulsar la emulación de estas obras.

Detalles del Nacimiento de Venus de Botticelli y de la Venus Capitolina.

La diosa Venus fue la representación más inspiradora desde el Renacimiento, tal vez porque era la excusa perfecta para la representación de un desnudo femenino en tiempos en los que éste era tabú. Desnudos bellísimos de Botticelli, Tiziano, Correggio, Rubens, Velázquez, Ingres... causaron escándalo, pero se toleraron al fin y al cabo, porque se trataba de recrear la belleza de una diosa de la Antigüedad.

Jean Auguste Dominique Ingres. Venus Anadyomene, 1848.

Lo que no se conoce tanto es que a finales del siglo XIX, coincidiendo con un nuevo empuje científico de la arqueología que puso al descubierto ciudades míticas en Grecia, Italia y Egipto, también hizo crecer el interés de los pintores por el mundo Antiguo y, por tanto, se produjo un nuevo renacer. Pero la sociedad comenzaba a transformarse y los pintores se hacían cada vez más atrevidos. Una buena prueba es la actitud provocadora de Eduard Manet al presentar en la década de los 60 dos cuadros de desnudos, Desayuno en la hierba y Olimpia, inspirados en cuadros del siglo XVI.

La Venus Esquilina y la pintura de finales de siglo XIX.

Como ya he comentado al comienzo,  en 1874 se produjo el descubrimiento de la que conocemos como Venus Esquilina e inmediatamente tuvo una repercusión muy directa en los pintores.

Los pintores más académicos como William Adolphe Bouguereau interpretaron el tema en clave mitológica, como el Nacimiento de Venus (1879). La belleza y sensualidad de la diosa se perdona al amparo del tema y de la tradición. Esta obra triunfa en los Salones Académicos de París porque no pretendían representar una mujer "real".

William Adolphe Bouguereau, Nacimiento de Venus (1879).

Sin embargo, otros pintores también de técnica académica que la recrearon no tuvieron tanto reconocimiento e incluso les fue difícil vender su obra. La razón es que interpretaron la obra en clave humana.

Lawrence Alma Tadema, que fue el primero de los pintores en ver la obra en directo (invierno de 1875/76) y en pasarla al lienzo (1877), la concibió como una modelo que posa mientras que el escultor la contempla intentando captar su belleza. La obra provocó una célebre respuesta del obispo de Carlisle y de numerosas cartas a la prensa de rechazo, cuando la obra se exhibió en Líverpool en 1878. Estas son las palabras del obispo que reflejan la hipocresía de la sociedad victoriana del momento: "que un artista vivo exponga una representación de tamaño natural y casi fotográfica de una hermosa mujer desnuda es algo que golpea mi conciencia no artística como un acto malicioso".

Lawrence Alma-Tadema. La modelo de un escultor, 1877.

Edward Poynter tampoco tuvo mucha suerte cuando utilizó la misma estatua como prototipo para el desnudo femenino de Diadumene (1884), la versión femenina de la obra griega masculina de la conocida obra de Policleto, en la que un atleta masculino se ataba una cinta en torno a la cabeza. La polémica contra el desnudo volvió a desatarse en las cartas al director de The Times de Londres, aunque el pintor argumentara que sólo pretendía rendir un homenaje arqueológico a Policleto y a Praxiteles. En 1893 Poynter se vio obligado a cubrir la Diadumene, seguramente porque no encontraba comprador para la versión desnuda.

Edward Poynter, Diadumene (1884).