ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES FUNDAMENTALES DE LAS ARTES PREHELÉNICAS Y GRIEGAS.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales".  No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte prehelénico y griego.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- Civilización y etapa o cronología. Por civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega. Etapas para la civilización griega con precisión cronológica.

3.- Autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej.  los escultores de etapa clásica).

3.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona (ved excepción en el siguiente párrafo), por lo tanto pensad bien que foto vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego.

Excepción. He modificado ligeramente el sistema para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo. Los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen.

Pongamos un ejemplo. El  que conteste correctamente el primero sabe que obtiene una décima para el control, pero además que podrá resolver otra segunda imagen con un segundo comentario que realizará cuando le convenga (pero dentro del plazo fijado). Así  si resulta que acierta además la sexta obtendrá otras 6 décimas. En total,  ganará para el control 7 décimas, 1 por la primera imagen resuelta  más 6 por la segunda.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Acierto para Francisco Javier (3) y tercer comodín.

"Imagen a comentar: 6

Titulo o descripción: Se trata de un altar, resultado de la evolución de los templos griegos dedicado al dios Zeus o a la diosa Atenea, en Pérgamo.

Civilización y etapa cronológica: Pertenece a la civilización griega en concreto a la Etapa Helenística (s.III-II a.C).

Razones: Dos de las razones pueden ser la utilización de columnas del orden jónico que constituye el elemento de sostén de todo el edificio y su elevación en un podio. También resalta la colocación de acróteras en las esquinas de dicho altar, todo típico de la civilización griega."

Tus razones no son de mucho peso. Yo hubiera destacado más los elementos de ruptura helenística, que es lo exclusivo, que los elementos que le hacen ser griego. Pero tampoco está mal lo que has hecho.

Lo siento Borja creo que te has equivocado de número, la imagen 3 no coincide con tu descripción. Por otro lado también contenía un error cronológico que la invalidaría. Has desperdiciado tu segunda oportunidad, ten más cuidado la próxima vez porque el resto estaba bien. Casualmente tres minutos después ha llegado el mensaje de Lorena contestando la imagen que tu debías querer resolver  y por justicia tengo que darle el acierto a ella.

Acierto para Lorena (4). Estas son sus palabras.

"Imagen 5

Titulo: Atenea Pártenos
Pertenece a la civilización griega, a la etapa clásica (segunda mitad del siglo V a.C.- al siglo IV a.C.)
Su autor es Fidias

Dos de las razones, pueden ser: una idealización corporal, con un canon proporcional, el cual no tiene imperfecciones y la pose trascendente y digna propia de un dios."

Dos matizaciones: la cronología exacta es segunda mitad del siglo V a. C. y la obra se encuentra en el interior del templo dórico del Partenón de Atenas, que también se aprecia en la imagen y por tanto en un comentario más extenso también habría que citar y explicar. El material en que está realizada la diosa también debería ser objeto de análisis.

Acierto para Enrique (5).

Tienes razón y haces bien en utilizar tu comodín. Como no te puedo premiar como a mis alumnos con décimas en los controles, he decidido otorgarte un premio honorífico al colaborador más fiel y persistente, que pudes descargar en esta dirección. Espero que te guste.

"numero 7.

Se llama "el doríforo" (portador de lanza) de Policleto, hecha entre los años 450 y 455 A. de C identificable con el mítico héroe de Aquiles. A pesar de que esta considerada como clásica conserva rasgos de un cierto arcaísmo. Tallada con cierta rudeza los pectorales son casi planos y las líneas de las caderas está perfectamente marcadas. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.
Se le atribuye a Policleto porque responde a canon de belleza de las 7 cabezas que es la proporción ideal del cuerpo humano. Aunque las que he encontrado son mas claras que tu imagen ¿Pueden ser replicas de mármol y la de tu imagen ser de bronce?"

Te doy por correcto tu comentario, pero te falta más claridad en la atribución de la obra. Toda la descripción que haces de la postura del atleta se resume en la expresión "movimiento contenido". Efectivamente esta imagen se acerca mucho más a la realidad del Doríforo que estamos acostumbrados a encontrar en los libros de arte, porque el original (que no se conserva) era en bronce. El problema con las copias romanas es que ha deformado mucho la percepción que tenemos de la etapa clásica.

Acierto para Alba Pérez (6). Este es su comentario.

"Imagen 10
Título: Artemisa cazadora
Pertenece a la civilización griega, a la segunda mitad de la etapa clásica (siglo IV a.C.).
Su autor es Leocares.
Dos de las razones son la teatralidad de sus gestos y el movimiento no contenido, ambas características de su autor."

Sólo completar diciendo que la estatua es una copia romana y se encuentra en el Louvre,

Nuevo acierto para Francisco Javier (7), que ha utilizado sabiamente su comodín. Su nuevo comentario:

"Imagen 2.

Creo que tengo el tercer comodín por la corrección del profesor así que elijo esta imagen.

Titulo o descripción: se trata de un relieve de dos leones llamado La puerta de los Leones, en Micenas.

Civilización y cronología: pertenece a la civilización micénica (1700 a.C.).

Razones: la utilización de falsos arcos, como aquí vemos, por la aproximación de sillares y también cabe destacar en el centro del relieve la columna, representada en tamaño reducido y como elemento decorativo - no como elemento de sostén-. También con formas geométricas en el friso -círculos-."

Correcto. Éste es un ejemplo de imagen que a la hora de comentar nos ofrece la posibilidad de centrarnos en el relieve, porque es lo que se trata en primer plano, o del lugar donde se encuentra, ya que es un elemento decorativo de un edificio (la puerta principal de la muralla de Micenas). Debemos actuar con sentido común, como ha hecho Francisco Javier, en este caso analizando el relieve y el edificio. No obstante, me extraña que al referirte a la columna no hayas utilizado la palabra capitel y cómo éste influye sobre el dórico griego.

Acierto para Rebeca (8).

"Imagen número 9.

Se trata del Erecteion, templo erigido el héroe fundador de la ciudad de Atenas, en la acrópolis de Atenas. Pertenece a la civilización Griega, más concretamente a la etapa clásica pero se sale del esquema de cualquier otro templo de esta etapa. El uso del orden jónico con su capitel de volutas y su friso corrido lo sitúan en la civilización griega, destaca la tribuna de las cariátides, esculturas en bulto redondo de mujeres que tomaban función de elemento de sostén, como columnas"

Muy bien, pero ¿qué siglo? Segunda mitad del siglo V a. C.

Acierto para Alma (9).

"Imagen 8:
Titulo: Fresco de un pescador que lleva su pesca.
Civilización: Minoica
Razones: La intranscendencia y la cotidianeidad del tema, y la cintura de avispa típica de la pintura minoica, es la etapa en la que se da el arte por el propio arte, y la pintura tiene una función artística, decorativa."

Coral ya lo intentó y estuvo cerca, incluso aportó que era de Akrótiri. Tal vez deberías compartir con ella las nueve décimas (je, je). No obstante le falta  algo al comentario para ser completo... la cronología: siglo XV a. C.

La biografía de Fidias nos es bastante desconocida. No es segura la fecha de nacimiento, siendo llevada por algunos estudiosos al 490, mientras que otros la colocan en el 480 e incluso en la década de 470 a. C. Lo que sí es seguro es que nació en Atenas y  vivió en tiempos de Pericles, su protector y amigo, y que debió morir en torno al año 430 a. C. exiliado en Olimpia, por lo que trabajó entre los años 460 a 430 a. C., lo que conocemos como el primer clasicismo.

Sus propios contemporáneos reconocieron que fue el escultor más importante de Grecia. Se sabe que también actuó de arquitecto, de grabador y de pintor. Forma junto a Policleto y Mirón, el triplete artístico que configuró el periodo que conocemos como clasicismo a partir de mediados del siglo V, convirtiéndose en su paradigma.

Fue el maestro de obras que dirigió la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas y el encargado directo de las obras escultóricas del Partenón y de la estatua monumental de Zeus en el santuario de Olimpia.

Características artísticas.

Materiales.

• Trabaja el mármol, del que tenemos muestra en los relieves del Partenón.
  
• También domina la técnica del bronce, material en el que se supone hizo las estatuas de Atenea Lemnia o el Apolo Parnopios.
• Su gran maestría se manifestó sobre todo en hacer esculturas crisoelefantinas, es decir estructuras de madera recubiertas de placas de oro y marfil. Las dos estatuas monumentales de Ateneas Partenos y Zeus de Olimpia estaban hechas de este modo, aunque de ellas sólo nos han llegado descripciones y copias menores.

Perfección técnica y exquisito sentido de la belleza.

- Sus obras en bulto redondo son el mejor ejemplo de los principios o normas clásicas:

• idealización corporal basada en un canon proporcional y estereotipado que oculta cualquier imperfección y presenta a sus personajes jóvenes en plenitud de facultades físicas. El cuerpo masculino aparece desnudo, pero el de sus mujeres se cubre con telas, sobre las que Fidias aplica la técnica de los paños mojados permitiendo de esta manera reconocer la anatomía femenina.

Apolo Parnopios. Reconstrucción. Bronce coloreado.

• idealización del espíritu que ha de reflejarse en un rostro sereno, donde no asomen las pasiones, y  un cuerpo en reposo, que no transmita agitación.
• movimiento contenido. El cuerpo ha de mostrarse flexible y en disposición de entrar en movimiento, pero sólo en  potencia.
• pose trascendente y digna. Si es un Dios debe lucir sus atributos y ser representado en un momento significativo de su historia o demostrando poder o alguna virtud. La solemnidad con que representaba a los dioses fue lo más alabado de la obra de Fidias.

- Sus obras en relieve pueden mostrar más movimiento si se trata de representación de seres humanos o animales (cabalgata de los caballeros ateniense en el friso de las Panateneas).

Su obra escultórica.

Toda su obra fue monumental y relacionada con la representación de los dioses. No nos ha llegado a nosotros ningún original, salvo los relieves del Partenón de los que con seguridad él sólo controlaba el plan de ejecución. Las obras que podemos ver, por tanto, son copias hechas con mayor o menor fortuna.

Atenea Prómachos. Fue la primera obra que se le conoce y la estatua de bronce de mayor altura que se fundiera en Atenas con sus entre diez o quince metros, según las fuentes. En ella Fidias marca el prototipo de Atenea que será repetido en siglos posteriores. La diosa vestía un peplos y portaba un casco corintio, lanza y escudo. Fue colocada a la entrada de la acrópolis de Atenas.

Atenea Lemnia

Atenea Lemnia. También en la acrópolis era de bronce y de dimensiones algo mayores al natural. Su rostro es paradigmático del canon de belleza clásico basado en la nariz como órgano de proporción.

Atenea Lemnia. Busto, ejemplo de perfil griego.

Atenea Parthenos. Era la estatua de culto del Partenón. De unos 12 metros de altura estaba hecha en marfil y oro. Sólo poseemos pequeñas copias romanas y descripciones literarias. Debió causar gran impresión en la cella . Sostenía en su mano derecha una imagen de la victoria de tamaño superior al natural y en la izquierda un escudo. La diosa encarna los triunfos de Atenas.

Atenea Parthenos, réplica del Partenón en Nasville, Tenesse.

Apolo Parnopios. También se levantaba en la acrópolis ateniense.  Representaba al dios desnudo sosteniendo un arco.  Tenemos una posible copia en el Apolo de Kassel.

Zeus de Olimpia. Fue merecedora de ser considerada una de las maravillas del mundo antiguo por su majestuosidad, por su perfección y  por la riqueza de materiales  (crisoelefantina). La estatua, de doce metros de altura, representaba al dios sedente en su trono del templo de Olimpia sosteniendo en sus manos una victoria un cetro terminado en un águila.

Zeus Olímpico. Copia romana. Museo del Hermitage, San Petersburgo.

Reconstrucción del Zeus Olímpico en el interior del templo.

Afrodita Urania. Representaba a la diosa con un pie encima de una tortuga. Se encontraba en la ciudad de Atenas.

Los relieves del Partenón

Aunque ningún autor de la Antigüedad atribuyó directamente los relieves del Partenón a Fidias, sí parece que influyó en su diseño y ejecución. Estas obras estabas pintadas y tenían algún toque de bronce.

Metopas del Partenón. Son 92 metopas que se conservan en distintos museos de Europa. Narran cuatro episodios mitológicos de luchas: amazonas, gigantes, centauros y lapitas y la guerra de Troya.

El Friso del Partenón. Recorre la parte exterior de la cella con una longitud de 160 metros y más de un metro de altura. Representa la procesión que cada cuatro años se celebraba en honor de la diosa (la Panateneas). El relieve es notable y de distintas manos, con gran dinamismo narrativo y solemnidad. Se hizo muy popular ya desde el siglo V puesto que por primera vez se representaba a los atenienses junto a los dioses, y por ello, venía a simbolizar a éstos como portadores de cualidades divinas. Gran parte se encuentra en el Museo Británico en la sala Elgin.

El friso de las Panateneas en el Museo Británico. Sala Elgin.

Los frontones del Partenón. También eran simbólicos. El oriental narraba el nacimiento de Atenea y el Occidental la lucha que mantuvieron Poseidón y la diosa por la conquista del Ática. Eran los mitos sobre los que se fundó la ciudad. Los personajes estaban esculpidos con expresivos efectos de luz y de sombra y un excelente dominio de del desnudo y de la técnica de los paños mojados para crear efectos de corporeidad  a través de los finísimos pliegues pegados al cuerpo (Parcas).

Reconstrucción del frontón que narra el nacimiento de Atenea.

Las Parcas. Estos cuerpos mutilados todavía impresionan por la corporeidad y por la vida que transmiten.

Los antiguos griegos estimaron y practicaron esta arte al menos tanto como la escultura. Las lejanas imitaciones de sus obras que podemos encontrar en los vasos o en las decoraciones murales y los mosaicos de época romana no nos dan más que una débil idea de la gran pintura griega.

En este artículo vamos a fijarnos en dos momentos especialmente importantes: el de los orígenes en época micénica  y en el de la época clásica.

La pintura en la época micénica.

El fresco era ya conocido en la época micénica. Los megarones, siguiendo la tradición minoica de decoración de las salas importantes, fueron decorados con esta técnica.

Reconstrucción del megarón de la acrópolis de Pilos

Temáticamente el repertorio era parecido al minoico: procesiones oferentes, juegos de toros, frisos de animales, platas, flores y motivos abstractos. En Pilos, había grifos o esfinges afrontadas a cada lado del trono real como en Cnosos, dobladas cada una con un león. Más lejos, un tocador de lira estaba sentado encima de una roca, mientras ante él un gran pájaro blanco remonta el vuelo. En otras cámaras había escenas de cacería. De Pilos nos ha llegado la escena más interesante que refleja a unos guerreros micénicos luchando con bárbaros vestidos con pieles.

Guerreros micénicos derrotan a bárbaros. Pilos 1200 a. C.

En Tirinto, son mujeres procesionales ataviadas como las minoicas y cacerías de jabalíes. En Micenas, el megarón estaba decorado con escenas de batallas, esta temática resulta novedosa con respecto al gusto cretense. También son novedad los desfiles de carros y ciertos motivos geométricos.

Dama de Micenas. S. XIII

Desde el punto de vista artístico también se aprecia la herencia minoica. Los colores eran pocos, intensos y contrastados: azul, rojo, blanco, amarillo y negro. Marcaban mucho el perfil de las figuras. Los fondos son colores planos o bandas de colores para realzar las figuras. La figura humana repite el estereotipo minoico con la típica cintura de avispa.

La pintura en Grecia arcaica.

El fresco siguió siendo practicado asiduamente en tiempos posteriores, pero se añadió un nuevo soporte, la pintura sobre paneles de madera. Aristóteles hace remontar este tipo de pintura a Pirro, un pariente de Dédalo. No obstante, el primer pintor no mítico es Cimón de Cleones (finales del siglo VI?) del que sabemos que introdujo innovaciones en el dibujo. En la misma época florecía la pintura de vasos de figuras rojas.

La pintura en el siglo V a. C.

Polignoto de Tasos es en el segundo cuarto del siglo V el  pintor que  hizo olvidar a todos sus predecesores y revolucionó la pintura griega. Aunque no tenemos ni una de las obras que pintó, fue uno de los artistas que más influyó en crear el espíritu clásico. Los contemporáneos admiraban: su sentido de la composición panorámica y de la narración de los hechos concatenados;  el desarrollo de una incipiente perspectiva; y, sobre todo, el profundo sentimiento que expresaban sus personajes, fruto de un conocimiento de la anatomía y de la mímica.

Conocemos algunas de sus obras a través de las descripciones de sus admiradores como el geógrafo Pausanias. La tabla más famosa fue la Batalla de Maratón expuesta en la Stoa Poikile (pórtico pintado) del ágora de Atenas. También pintó el saqueo de Troya, colgada durante años en una de las pinacotecas de los propileos de la Acrópolis. Aún le hicieron más célebre los frescos de la Lesque de los cnidios en Delfos (sala de reuniones y banquetes levantada en torno al 450 a. C) entre cuyos temas estaba el descenso de Odiseo al Hades en busca de Tiresias para que le dijera cómo volver a su patria.

Odiseo y Tiresias en una crátera.

Podemos hacernos una idea muy lejana de cómo fue su pintura a través de la influencia que dejó en la pintura sobre cerámica de ciertos pintores, entre los que destaca el conocido como pintor de Nióbides al que aportó: la complejidad en las escenas; la ubicación del paisaje;  los escorzos; y la representación de rostros que expresaban estados de ánimo.

Otros pintores contemporáneos de Polignoto de Tasos, fueron Mikón, Panainos, Agatarco de Samos y Onasias. A finales de siglo, Parasios y Timantes llegaron a alcanzar efectos psicológicos tan refinados que el divorcio entre la gran pintura y la pintura de vasos, ya sensible desde Polignoto, fue desde ese momento definitiva.

El siglo IV a. C. es la Edad de Oro de la pintura griega.

Los escritores de la época reflejan su admiración por una serie de pintores excepcionales como:

Apolodoro, el Skiagrafo (o pintor de sombras), viene a revelar los valores de la sombra para crear los volúmenes, también codificó por primera vez la perspectiva.

Zeuxis, a finales del siglo V y comienzos del IV, saca de ello  todas las consecuencias para el naturalismo del modelado.

Arístides de Tebas se aplica a representar multitudes en acción. Su discípulo Eufranor, en la primera mitad del siglo, se impone por sus cuadros de batallas.

Pánfilo escribe obras teóricas y forma discípulos en su taller de Siccione, del que saldrá Pausias, virtuosos de los efectos difíciles de la transparencia y del escorzo.

Apeles, el más grande de todos los pintores griegos a juicio de muchos, también salió del taller de Pánfilo. Filipo de Macedonia y  su hijo Alejandro le eligieron para perpetuar su imagen. Sus obras fueron descritas tan minuciosamente por Luciano de Samósata y por Plinio el Viejo que  podemos conocer su estilo y técnica, así como, por su puesto, su temática. De hecho, pintores renacentistas como Botticelli o Mantegna tuvieron como referencia estas descripciones literarias para pintar siglos después la alegoría de la calumnia.

Alegoría de la calumnia de Botticelli, sobre cuadro de Apeles. 1495

De otra de sus obras nos quede una copia mediocre en fresco que representa a la Afrodita Anadiomene (saliendo del mar) en Pompeya. La original era en tabla y la compró Augusto para el templo de César en Roma. De su estilo se exaltó, sobre todo, la excelente composición y los magníficos efectos de claroscuros.

Fresco pompeyano. Afrodita saliendo de las aguas.

Cuando nos acercamos a una obra de arte de la antigüedad que esta admirablemente expuesta en un Museo corremos el peligro de contemplarla con los ojos del siglo XXI. Para valorarla  le aplicamos criterios estéticos, cuando no económicos. Y a veces, hasta los más estudiosos, tienen la tendencia de aplicarles criterios morales y psicológicos ACTUALES sobre lo que pretendía el autor de la obra. Hay algunas sobre las que se han creado una serie de tópicos que son repetidos por los historiadores del arte y que a poco que nos paráramos a pensar llegaríamos a la conclusión de que son absurdos. Meto en este cajón a todo el mundo, incluyéndome a mí mismo.

Pongamos un ejemplo. El relieve conocido como Atenea pensativa (también conocida como melancólica) de alrededor del 460 a. C que se encuentra en el Museo de la Acrópolis de Atenas.

El relieve, de sólo medio metro de altura, representa a la diosa Atenea tocada con el casco corintio que apoyada sobre su lanza mira hacia una piedra labrada.

INTERPRETACIONES HABITUALES.

Este relieve de belleza indudable y dentro de los más puros cánones del clasicismo fue desenterrado en la Acrópolis de Atenas en 1880. Desde  su descubrimiento ha suscitado múltiples interpretaciones. Enumeremos algunas:

• La tesis más difundida es la de suponer a la diosa leyendo una estela  (algunos hablan de cipo funerario) en la que habría inscrita una lista de los soldados atenienses muertos en el campo de batalla. De ahí, la reflexión inmediata es que Atenea se apena por los difuntos y se le quiere ver un rostro entristecido y melancólico; otros argumentos más disparatados quieren hacer meditar y lamentar a la diosa sobre la tragedia de la guerra (¡la diosa  guerrera convertida en pacifista!). Pero hay gente que le echa más imaginación y la contempla cansada y emocionada... Sorprende que de la serenidad de la obra se desprendan tantos sentimientos.
• Otros han imaginado que un objeto o un personaje había sido pintado, reposando sobre el pilar y que ese detalle esencial se habría borrado con el tiempo, privándonos de poder interpretar la obra.
• Hay algunos que han querido ver en la piedra una imagen simplificada del muro de la Acrópolis tal como Cimón venía de reconstruirlo parcialmente.
• Y, por último, otros han considerado que la diosa marca con su lanza el área sagrada del santuario.

LA ÚLTIMA O "PENULTIMA" INTERPRETACIÓN. LA MÁS COHERENTE, PERO LA MENOS DIFUNDIDA.

Si ponemos la obra en su contexto arqueológico y en lo que era habitual en un santuario como es la Acrópolis. La obra es un relieve votivo, como casi el cien por cien de las obras encontradas en las inmediaciones del templo de la Diosa Atenea (obra en bulto redondo incluida). Sería una estela ofrecida por un vencedor de una prueba de los Juegos Panatenaicos a la Diosa Atenea, en cuyo honor se celebran. El pilar/estela/cipo funerario/muro en miniatura no sería otra cosa que lo que se conoce como terma o hito de piedra que indicaba la línea de salida y de llegada de una carrera de velocidad. Numerosas pinturas de vasos contemporáneos del bajorrelieve permiten identificar sin peligro de error el pilar en cuestión.

La diosa no está, pues, en manera alguna pensativa o melancólica sino mirando la terma, el símbolo de la carrera de velocidad en la que ha triunfado el atleta devoto desconocido. Esta interpretación tan prosaica despoja de sentimentalismo, de misterio y de profundidad filosófica a la obra, pero...¿no vale más comprender el verdadero sentido de una obra que dejarse arrullar por una engañosa imaginación?

OS PIDO COLABORACIÓN PARA  COMPLETAR ESTE ARTÍCULO CON OTROS EJEMPLOS QUE CONOZCÁIS DE OBRAS CONOCIDAS ANALIZADAS TÓPICAMENTE POR TODOS O  POR CASI TODOS, SIN PARARNOS A PENSAR EN EL DESPROPÓSITO QUE SUPONEN ALGUNOS DE LOS ARGUMENTOS UTILIZADOS.

Tercera parte del arte griego y primera de la escultura.Es la esclutura de los siglos VIII a 1ª mitad del siglo V a. X.  Se exponen algunas obras poco vistas, además de las típicas  de kuroi y korai, entre las que destacaría algunos relieves de templos arcaicos y representaciones de viejos dioses todavía no idealizados por Fidias.

Segunda parte de la Escultura griega y cuarta del arte griego. La Escultura clásica de la primera mitad del siglo V a. C. y del siglo IV a.C.Los escultores como Mirón, Polilcleto, Fidias, Praxíteles, Lisipo, Skopas o Leocares. Las obras más conocidas del alrte griego entre las que destacan los kuroi y los dioses, así como los relieves del Partenón de Atenas.

Quinta parte de "Arte Griego" y tercer de la escultura griega. Se trata de la escultura helenística (S.III y II a. C) y de la pintura. Estudio de las principales obras del periodo haciendo hincapié en las rupturas artísticas y temáticas respecto al periodo clásico: Laoconte, Demóstenes, Gladiador Borguese, Galo moribundo, boxeador, espinario...