Te ofrezco diez imágenes del Renacimiento para reconocer y comentar. Míiralas y luego contesta según la fórmula que te propongo. Si quieres ver la imagen a gran formato y entrar en los detalles, usa la pantalla completa.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología. Autor

3.- Dos ideas o características destacables de la obra que nos ha servido para reconocerla. Hay que argumentar con fundamento.

4.- Propón otra obra de otro artista de cualquier tiempo (añade una dirección url con tu imagen propuesta, vg. h ttp://www.elolimpo.com/ico/600/22.jpg) con la que se la podría relacionar e indica porqué.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa escribiendo tu comentario al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré uno por persona. Si falláis o contestáis de forma incompleta no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente.
  

Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.

Este es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

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IMÁGENES RESUELTAS

Abrió el fuego Joel (1) con la Imagen 10, pero al darse mucha prisa olvidó poner uno de los requisitos. Como nadie había respondido esa misma imagen hasta este momento he considerado válida su ampliación llegada unas horas más tarde y también le concedo el derecho a comodín.

"Retrato de Simonetta Vespucci, de Sandro Botticelli. Esta obra pertenece al Renacimiento italiano de la segunda mitad del s. XV, período conocido también como segundo quattrocento. Esta obra refleja algunas de las características propias del Renacimiento de la época, como la pose de la joven, que está colocada totalmente de perfil, la clara nitidez de las figuras y la delimitación del dibujo a través de la línea perfectamente dibujada. Pero, además, se pueden observar muchas de las características propias del autor en este cuadro, sobretodo en lo que se refiere al modelo humano femenino (mujer delgada y pálida, de largos cabellos rizados y rubios). También, como característica propia de Botticcelli, señalar la ausencia del fondo, pues pudiendo situar a la joven en algún lugar, prefiere centrarse en el dibujo del personaje sobre un fondo oscuro.

La relaciono con la obra de Pop Art de Marilyn Monroe por la temática de la obra, ya que también se trata de un retrato (sin fondo), aunque esta vez de frente, de una joven que marcó un estereotipo de belleza de la época, así como Botticelli utilizará a Simonetta Vespucci en diversas ocasiones para poner rostro a las bellezas de sus cuadros (incluso después de morir ésta), como será el caso de "La primavera" o "El nacimiento de Venus". Los contrastes en cuanto a la forma de ambas obras son más que evidentes, debido en gran parte, por el carácter vanguardista de la propuesta."

Echo en falta que no hayas dicho que es obra florentina. Por otro lado, me parece muy atrevida la comparación con A. Warhol (al que no citas), cuando hubiera sido más sencilla con el retrato de Leonardo, y más cuando está tan vigente la Gioconda, aunque creo saber porqué no has ido a lo obvio. También he de decir que te ha faltado la "url" indicativa de la imagen a la que te refieres como propuesta. Por todo ello, tengo que decirte que en tu próximo comentario no te dejaré pasar ni una, que tiene que ser perfecto para aceptarlo como válido.

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El segundo comodín se lo lleva Silvia (2) que ha resuelto la imagen 6. Lo siento Anabel tu comentario llegó mucho después, lo tengo en cuenta como actitud porque además está muy bien. Una lástima, lo siento.

"Santo entierro de Cristo
España ,1541-1544, Juan de Juni
Se trata de un retablo, realizado en madera policromada (estofado en óleo y vestiduras de pan de oro). Representa un tema religioso (el santo entierro de Cristo). En esta imagen podemos observar el retorcimiento de las figuras sobre si mismas, puesto que el autor tiene influencia Miguelangelesca. El cuerpo de Cristo aparece representado tumbado, sobre una especie de túmulo, y los personajes que le rodean aparecen con unos gestos angustiosos y desesperados. Además, todos ellos aparecen representados con amplios ropajes, incluido Cristo.
Cristo yacente de Gregorio Fernández, se puede relacionar con El Santo entierro de Cristo primero por el empleo de la temática religiosa y la representación de Cristo tumbado sobre una especie de túmulo. Segundo por las heridas que aparecen en el cuerpo de Cristo. Y tercero, por el uso de paños que utiliza Gregorio Fernández para acentuar el mensaje a través del juego de luces y sombras."

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Víctor (3) es el que se lleva el tercer comodín al responder a la Imagen nº 9.

"Título: La virgen del huevo (1472)

Autor: Della Francesca. Florencia (Italia)

En el centro está representada María en un trono, con el Niño Jesús adormecido, y en torno a ellos están los santos. El hombre arrodillado a la derecha, pintado de perfil y armado es el duque Federico de Montefeltro. La Virgen en base al criterio jerárquico es más grande que los demás personajes, y el mismo Federico de Montefeltro está colocado muy al exterior para respetar el aura sagrado que se crea en torno a la virgen con el niño y los santos. El marco de la obra es claramente arquitectural. La composición tiene como fondo un ábside de iglesia en forma de vénera de la que pende un huevo. Tiene una construcción perspectiva muy precisa, monofocal con el punto de fuga coincidiendo con el rostro de la Virgen. Los cuerpos de los personajes son prolongados por las pilastras. Se trata de una obra majestuosa, con un inigualable equilibro de rigurosa arquitectura pintada y una luz que hace que los personajes se sumerjan en una clara atmósfera luminosa. El autor buscó representar la escena en el interior de una arquitectura clasicista porque considera que aumenta el sentido de sacralidad y monumentalidad de la obra. Se pone en práctica los efectos del uso de la luz para diversos objetivos: para dar más volumen y plasticidad a las figuras y para equilibrar las figuras con diversas elecciones cromáticas en las ropas. Los personajes son hieráticos, fríos e idealizados.

Una obra que relaciono es La Virgen del canónigo Van der Paele de Van Eyck porque la temática de las dos obras se asemeja bastante en cuanto lo religioso (Virgen y niño) y la disposición de los demás personajes a los lados dejando a la Virgen y al niño en una jerarquización central es la misma en cuanto la obra de della Francesca. Ambas obras están presididas por una arquitectura clasicista y por una luminosidad considerable."

He tenido que poner nombre y autor a la obra que proponías porque no lo has hecho tú. Es una imagen con mucha semejanza en la composición donde incluso aparece el donante arrodilado, pero difiero en lo de la arquitectura clasicista de la obra de Van Eyck: se trata de un ábside románico. Te digo lo mismo que a Joel, por estos fallos de forma seré muy estricto con el segundo comentario.

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Cristina R. (4) responde a la imagen  8.

"Se trata de la escultura de Felipe II realizada por los broncistas milaneses Pompeo y Leone Leoni aunque tuvo que terminarla el primero debido al fallecimiento de su padre esto data en el último tercio del siglo XVI. Responde a una obra inspirada en el retrato imperial romano que responde perfectamente al afán de exaltación de la monarquía hispana, la escultura esta en bronce , Felipe II se muestra con una majestuosa gravedad que nos remite a la estatuaria clásica , más aún si se tiene en cuenta que la armadura se puede desprender para dejar al descubierto su cuerpo desnudo , contrasta con la figura del Furor , símbolo de los enemigos derrotados ,que presenta rasgos propios del manierismo: expresividad, agitación y una forzada contorsión que ofrece visiones múltiples
Mi imagen propuesta es Augusto de Prima Porta ya que es una escultura en bulto redondo que representa al emperador de cuerpo entero, de pie, el movimiento es sosegado y se sugiere por la posición del brazo derecho, una característica esencial es el realismo del rostro, donde los rasgos son perfectamente reconocibles hay una visión idealizada que infunde autoridad, las proporciones anatómicas responden al canon griego de Policleto. La expresión del rostro reflejan las cualidades ideales que deben adornar al emperador: serenidad, autocontrol y autoridad sin renunciar del todo a su caracterización individual. La escultura presenta al emperador Augusto arengando a sus legiones, con coraza y manto de general pero también con bastón consular y descalzo.
La indumentaria militar y el bastón consular simbolizan la legitimidad de su poder y el hecho de que aparezca descalzo simboliza su carácter divino, pues no pisa suelo humano, el original fue en bronce, la coraza está decorada con relieves."

¡Ojo! Cuidado. El comentario está muy bien, pero has cometido dos errores que podían invalidarlo:

1. Al introducir detalles de otra obra de Leoni relacionada con esta la de Carlos V y el furor... son dos obras distintas.

2. Pero lo más grave es que has puesto que es del "siglo XV", cuando debería decir siglo XVI Mira en tu contestación porque en el texto lo he corregido para que apareciera correcto. No te he penalizado porque he imaginado que ha sido un lapsus.

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Alejandra (5) descubre la imagen 3.

"Esta obra es del italiano Tiziano y se titula “La Bacanal de los andrios”. Fue pintada entre 1523-1526. Pertenece a la pintura renacentista veneciana, específicamente del cinquecento y primer manierismo.
Es un óleo sobre lienzo donde se representa un tema mitológico, una bacanal, fiesta del dios del vino Baco. Hay una gran visión de profundidad del paisaje. Las figuras y el monte que se ve por detrás están en modo diagonal. Cada personaje está pintado individualizado, en pleno movimiento, cada uno con diferentes caracteres. Tiziano pintaba al natural, y este cuadro es un buen ejemplo de ello. Todo es una exaltación de la luz, el movimiento y el color. La composición es caótica, tiene como centro la jarra de cristal. Hay contrastes en las actitudes de los personajes; unos en pleno movimiento, y otros tumbados. En la pintura veneciana destaca por encima del dibujo la pincelada pastosa y el color.
Esta obra puede ser compara con El festín de los dioses, de Giovanni Bellini.
Puede ser relacionado porque ambos cuadros tienen tema mitológico. Podemos observar otro festín en plena naturaleza. Con colores muy vivos, personajes en pleno movimiento y otros totalmente relajados. Son obras con un parecido que a plena vista se percibe."

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Silvia (6) ha debido ser por apenas segundos más rápida que Joel, puesto que el blog la coloca en primer pero en el mismo minuto que a él. Es una verdadera lástima porque los dos han querido hacer la misma imagen, la imagen 2, y en los dos casos, esta vez, es todo correcto, por lo que la puntuación es sólo para una y para el otro sólo queda la actitud.

"Cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua
Italia (Mantua), Quattrocento-1474, Andrea Mantegna
La cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua, es un ejemplo de trampantojo (técnica pictórica que intenta engañar la vista jugando con la perspectiva y otros efectos ópticos).Por ello, esta obra es una pintura mural realista que fue creada para ofrecer una perspectiva falsa. Debido a esto, puede decirse que se trata de un óculo fingido, donde aparece representada la familia de los Gonzaga, disfrutando de un momento de su vida cotidiana, junto con unos ángeles escorzo. Todos ellos aparecen asomándose a través del óculo, posados entre una especie de balaustrada. Además, cuando observamos esta obra, podemos ver que alrededor del óculo hay una especie de guirnalda compuesta de plantas y frutos que provocan en el espectador la sensación de que pueden caerse. Esta obra en fresco, tendrá gran importancia en la pintura ilusionista de espacio de las bóvedas del Barroco.
La asunción de la Virgen de Correggio, se puede relacionar con la cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua, primero porque también está pintada al fresco. Segundo porque en los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas aparecen representados los santos patronos de la ciudad como escorzos, San Juan Bautista con el cordero, San Hilario con un mantón amarillo, Santo Tomás junto al que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única figura que mira hacia arriba. Y tercero, porque este fresco sirvió como modelo de pintura ilusionista que predominó en la época barroca. Toda la superficie es una única unidad pictórica de vastas proporciones, que hace equivaler la cúpula con el cielo. Además, las figuras están representadas de manera realista, por ello parecen sobresalir hacia el espacio en el que se encuentra el espectador. Finalmente, se puede observar como alrededor de la Virgen gira un torbellino de ángeles y otros personajes en movimiento, que dan lugar a círculos concéntricos con sentido ascensional. Entre ellos se puede reconocer a Adán y Eva, a Judit con la cabeza de Holofernes y algunos ángeles que tocan instrumentos musicales. Y en el centro de la composición observamos a Jesucristo, que desciende del cielo para coronar a su madre,"

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Víctor (7) ha usado el comodín para contestar a la Imagen 4
Título: El rapto de Ganímedes (1531-1532)
Autor: Correggio. Perteneciente al primer tercio del Cinquecento.
Correggio realizó una serie de lienzos para la Corte de los Gonzaga en Mantua con el tema de "Los amores de Zeus" al que pertenece este cuadro. La escena se desarrolla al aire libre siendo contemplada por un perro en primer plano, y consigue un sensacional efecto de perspectiva baja. Júpiter, bajo la forma de un águila, despliega sus grandes alas donde se agarra con toda su fuerza el joven príncipe para evitar la mortal caída, dirigiendo su mirada al espectador con gesto de resignación. En el cuerpo de Ganímedes encontramos ligeras influencias de Miguel Ángel, mientras que el aspecto difuminado de la composición es herencia de Leonardo. La aportación de Correggio está en la maestría a la hora de mezclar influencias tan diversas para configurar un estilo propio lleno de gracia y ternura, donde el color y la luz tienen un papel destacado, al igual que los escorzos y el movimiento en sus escenas. Como es común en las obras de Correggio, el tema es claramente mitológico y la postura del niño dejando ver un semidesnudo transmite sensualidad. El cuadro está compuesto por colores de la gama de los terrosos, tales como el marrón, ocres, negros, naranjas y rosáceos (éste último aplicado en la indumentaria de Ganímedes) son apreciables.

La obra que relaciono con ésta es “Saturno devorando a su hijo” de Goya. Lo que me ha hecho relacionarlo con la obra de Correggio es que ambos presentan un tema claramente mitológico en los cuales unas criaturas superiores (en este caso dioses los dos) aparecen manifestando sus ansias de posesión de un ser indefenso. Ambas obras poseen una gama de colores terrosos. En la obra de Goya esta gama aparece en la figura de Saturno.

La verdad es que la imagen escogida es adecuada, pero la relación está un poco traída por los pelos. Hubiera sido mejor insistir en que ambas historias mitológicas son truculentas y en absoluto ennoblecen a los dioses clásicos.

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Ana (8) se decidió a última hora por la imagen 5.

-Obra conocida como Santísima Trinidad
- Pertenece a la pintura italiana renacentista del quattrocento. Florencia. Su autor es Masaccio.
- Las figuras se inscriben en un triángulo subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad; esta composición es típicamente renacentista. Predomina la línea sobre el color. Los rojos y azules se van alternando en el cuadro. En cuanto a la luz, Masaccio la utiliza de forma representativa, creando con ella claroscuros que refuercen el carácter volumétrico de las figuras.
- La podemos comparar con una obra gótica conocida como La crucifixión, obra de Giotto . Podemos hacer esta comparación debido a que ambos tienen tema religioso, además de mostrar la figura de Cristo en la cruz en posición de crucifixión. Las dos obras están realizadas utilizando la técnica del fresco. En En La crucifixión se utiliza, al igual que en la Santisima Trinidad, la alternación del azul y el rojo en las vestiduras.

Reconoces la obra, pero el comentario es muy pobre. No has destacado lo más notable de la obra de Masaccio que es la captación de la profundidad a través de reglas matemáticas: la perspectiva arquitectónica. Tienes en este mismo blog un artículo dedicado sólo  a esta obra. Ni tampoco la obra elegida de Giotto da mucho juego si no es para contraponerla totalmente por el goticismo que trasmite. Me siento generoso y te voy a dar la mitad de las décimas de la imagen, porque el cuerpo me pide anularte la opción.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que te propongo. Si quieres ver la imagen a gran formato y entra en los detalles, usa la panatalla completa.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología. Autor

3.- Dos ideas o características destacables de la obra que nos ha servido para reconocerla. Hay que argumentar con fundamento.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa escribiendo tu comentario al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré uno por persona. Si falláis o contestáis de forma incompleta no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente.
  

Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.

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IMÁGENES RESUELTAS

Coral (1) ha sido la primera en contestar y en llevarse un comodín . No puedo darte como válida la segunda contestación que has hecho a continuación porque hasta que no esté confirmado tu acierto no tienes derecho a comodín y, por tanto, a repetir comentario. La imagen escogida ha sido la número 1.

"Título: La Escuela de Atenas. Lugar: El Vaticano (Italia). Etapa: El Renacimiento Italiano (1509). Autor: Rafael Sanzio de Urbino.

Características: Vemos que es un fresco que trata el tema de la filosofía, podemos observar a dos personajes centrales que son los dos filósofos más importantes de la antigüedad, situados en lo alto de la escalinata: Platón que, sosteniendo el Timeo levanta el dedo indicando el cielo, y Aristóteles que, con el volumen de la Ética, tiende hacia delante el brazo con la palma de la mano vuelta al suelo. En los gestos de ambos filósofos está sintetizada la esencia de sus doctrinas según un procedimiento típico de Rafael, que logra concretar en imágenes simples las más complejas ideas. Hay un gran dominio de la perspectiva ya que utiliza la disposición de cúpulas para dotar de profundidad al cuadro. La composición geométrica se basa en un triangulo central. Hay una gran variedad de colores."

Es un detalle del conjunto de frescos pintados para las Estancia Vaticanas. Los filósofos y personajes de la antiguedad en relaidad representan los humanistas y artistas del Renacimiento que admira. El rostro de Platón es el de Leonardo Da Vinci o el hombre que aparece sentado apoyando su cabeza en una mano es Miguel Ángel.De esa manera conjuga el pasado clásico y su presente, el Renacimiento,  que intenta continuar la senda de los clásicos.

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Alba (2) ha contestado a la imagen 8. Ha quedado algo escasa: faltaría cronología, lugar donde pinta el cuadro y título exacto. Tampoco vendría mal que te extendieras a explicar alguna idea como a que te refieres con grutesco. Te concedo el comodín , pero te juzgaré más severamente en la siguiente contestación a la que tienes derecho, por lo que prepárala bien.

"Se trata de una Alegoría del pintor Arcimboldo. Pertenece a la etapa manierista italiana. Se caracteriza por los retratos hechos a través de que los rostros tienen elementos en este caso de plantas ,también destaca su caracter surrealista (grutesco)."

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Elisa (3) ha descubierto la imagen 5 y se lleva el tercer comodín.

"Se trata de la Alegoría de La Primavera de Sandro Botticelli, pintor florentino del Quattrocento que realizó esta obra con témpera en 1478, de estilo renacentista por tanto, para Lorenzo di Pierfrancesco, un joven de la familia Medici.
El tema mitológico ya presagia una obra del Renacimiento, que se concreta con el gusto por el desnudo, en este caso a través de telas transparentes que a su vez se corresponde con el modelo de belleza de mujer rubia. Además del detallismo en las flores del suelo, la armonía que destila en sí la obra, la composición tan típicamente equilibrada del Renacimiento.
He identificado esta pintura por el canon corporal idealizado de las tres gracias, herencia de las de Ghiberti en el relieve de Esaú y Jacob y que podemos relacionar como precedente del alargamiento elegante de las figuras de los manieristas del XVI. "

Me ha gustado el comentario y que le hayas sabido encontrar referencias en las que se inspiró y a las que inspiró.

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Sara (4) te doy el acierto aunque  te falta el número de imagen de referencia, porque la descripción es inconfundible, pero en buena ley tu respuesta debería ser invalidada como sabes. Imagen 3.

"La Trinidad (1577-79). Etapa Española, por lo que se sitúa en Toledo que es donde vivió en esta etapa. El Greco (1541-1616), es el creador de esta obra.
Es un pintor manierista, esto se ve en La influencia de Miguel Ángel en la anatomía del brazo derecho retorcido, en la cabeza hundida de Cristo entre sus hombros, y en la cabeza de Dios, que recuerda sospechosamente al Moisés miguelangelesco. Los colores son típicos de los manieristas, ácidos e incandescentes dotan al cuadro de misticismo. Asistimos a un complejo juego de sombras y se ve su despreocupación por el fondo al pintarlo de uno o dos colores concretos sin detalle alguno."

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Bravo por Tamara (5), que ha contestado a la Imagen 9

"Venus y Adonis (1553-1554)
Etapa del manierismo italiano.Tiziano
Se caracteriza por el desnudo de Venus que busca el ideal de belleza, por ello incide la luz sobre su espalda desnuda para encontar rapidamente el tema principal del cuadro.El tema en el que se basa no es solo el erotismo sino tambien la mitología. Es destacable como el cielo comienza a tomar vida, ya no es un cielo azul en calma sino que toma la influencia de su maestro Giorgione al darle vida a la naturaleza."

Digo yo. ¿No sería importante recalcar que es el principal maestro de la Escuela Veneciana y lo que eso implica respecto al uso de los colores cálidos? Por lo demás bien.

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Nuria R. (6) responde a la  Imágen nº 4

1-Se trata del fresco del Juicio Final (pared del altar),que pertenece al conjunto de pinturas de la Capilla Sixtina (Vaticano, Italia).
2-Pintada por Miguel Ángel Buonarrotti,durante el Renacimiento (Cinquecento),siglo XVI (1534-1541); que regresó mandado por por un segundo Papa que le hizo este encargo,dado que Julio II le encargó en 1508 los frescos de la bóveda de la capilla.
3-Características:una figura humana robusta,con una musculatura excesivamente desarrollada, la curva serpentinata (propia del autor) posturas del cuerpo muy exageradas, como la del personaje central, y con una terribilitá interna que se deja ver en las expresiones de los personajes. No le interesan demasiado los fondos, solo la narracion y la figura humana,como se puede comprobar con el sencillo fondo celeste.Destaca también por el desnudo de los personajes,casi integral, cosa que escandalizó a algunos, fue una novedad en la representación del Juicio Final hasta entonces. En este fragmento vemos a los santos,en especial a San Pedro con las llaves del cielo en las manos (lado drch.) ,a San Bartolomé (abajo) que lleva en una mano un cuchillo y en la otra una piel como símbolo de su martirio (dado que le desollaron vivo en su viaje a las tierras bárbaras).

Me encanta cuando no tengo que corregir nada porque todo es perfecto... Bueno sí, dos  matices..., no me puedo resistir: 1) aunque decimos que es del Cinquecento esta obra encaja en el estilo manierista incluso por fechas y 2) se dice que el pellejo de San Bartolomé recoge el autorretrato de Miguel Ángel.

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Alejandra (7) nos habla de la IMAGEN 2. Como te prometí ahí va el emoticón .

"*Se trata de una obra al fresco de Massacio llamada "El tributo a la moneda". Fue realizado entre 1424 y 1425. Está en la Capilla Brancacci, Iglesia del Carmine (Florencia).
*Las figuras aparecen pintadas con líneas suaves y presentan una gran naturalidad que las aleja de la rigidez medieval. Los personajes aparecen envueltos en sencillas vestiduras y sorprenden por su sensación de volumen. Característico en Masaccio son las figuras monumentales, robustas, escultóricas, pesadas; consigue gran dominio de la perspectiva y del espacio como se puede comprobar por las arquitecturas que utiliza a la derecha de la escena y el paisaje de montañas y árboles del fondo. se pude ver que se produce un contraste entre el fondo de colores apagados y las figuras, cuyas túnicas brillantes las hacen destacar aún más y mediante esa luz que les refleja aumentan su volumen."

Se trata de un detalle de uno de los episodios de la vida de San Pedro.

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Lo siento Nuria P., repites imagen.

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Ana (8) ha comentado la imagen 7.

Se trata de la obra “Tránsito de la Virgen” Pertenece a la pintura del Quattrocento. Es una obra del pintor italiano Andrea Mantenga, realizada hacia el año 1461. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado (Madrid). Esta pintura describe un tema religioso, la muerte de la Virgen María. Presenta colores agrios que acompañan a la perfección el sentimiento doloroso .La inquietud de Mantenga por la representación de la perspectiva se ve reflejada en la estructura de la escena y en la distribución de cada una de sus figuras dentro del espacio compositivo. Sobre los pliegues de los vestidos se deslizan y brillan hilos de luz; en los rostros, los sentimientos tienen modulaciones diversas.

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Elisa (9) utiliza su comodín par resolver la Imagen 6.

Estamos ante un desnudo de Eva, que se incluye en el coro de la catedral de Toledo, siendo una de las representaciones del Antiguo Testamento, realizado en madera policromada por Alonso Berruguete, pintor español del segundo tercio del renacimiento. Recibe la influencia tanto de Donatello, en el canon humano curvilíneo lleno de bultos que exaltan la sensualidad, también esta musculatura la identificamos con Miguel Ángel, además de la belleza idealizada vaporosa, pues parece estar bailando y el gigantismo de la figura que ocupa casi todo el espacio. Añadir la línea serpentinata que se crea con el árbol enroscándose en su pierna y que es uno de los pocos desnudos españoles, ya que ha sido siempre un tema tabú.

Dos matices: 1) la obra no está ni ha sido nunca policromada y 2) aunque también es pintor, destaca -y este es el caso- por escultor. Cuida esos lapsus para conseguir comentarios redondos.

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Jorge (10) ha completado esta pinacoteca resolviendo la imagen 10, que por un error tenía el número 3, y se lleva el punto.

"La cabalgata de los Reyes Magos, pintura cuatrocentista del pintor italiano Benozzo Gozzoli que se encuentra en la capilla del palacio Medici-Ricardi.
En este caso el tema, de tipo religioso, es una mera excusa para retratar importantes personajes y políticos de la época, como los propios Medici, que con esta obra pretendían hacer alarde de lujo y poder, en la figura de los
Reyes Magos y su cohorte, representados con una belleza idealizada.
El detallismo en el paisaje recuerda a la pintura del gótico flamenco mientras la profundidad se logra a través del escorzo."

Desde septiembre de 2010 se puede visitar la capilla del Obispo en Madrid. Ya sé que no es una noticia de última hora, pero hasta que hace un par de semanas no me pasé por allí no fui consciente del gran descubrimiento que quiero compartir con vosotros. Esta iglesita llevaba cerrada desde1970 en que se había declarado el monumento en ruina y muchos, entre los que me incluyo, eran los que desconocían el tesoro que encerraba. En 2005 se comenzó la restauración en serio del edificio y de la excepcional obra escultórica que contiene y el resultado final ha sido magnífico.

Capilla del Obispo. Foto de conjunto realizada desde debajo del coro.

¿Qué tiene de notable?

Pues en primer lugar que la iglesia es uno de los pocos ejemplos que tenemos en la capital del gótico. En concreto, la capilla fue levantada entre 1520 y 1535  por iniciativa de D. Francisco de Vargas, uno de los consejeros  favorecidos por los Reyes Católicos y luego por su nieto Carlos I.  El deseo del fundador fue cobijar en su interior los restos de San Isidro, que se decía estaba enterrado en San Andrés, la iglesia que está pared con pared. Cuando ello fue imposible, el hijo de Don Francisco, el obispo de Plasencia Don Gutierre de Vargas y Carvajal, decidió dedicar la capilla a panteón familiar donde  depositar los restos de sus padres y los suyos propios. La iglesia está bajo la advocación de Nuestra Señora de San Juan de Letrán, aunque es popularmente conocida con el  nombre de capilla del Obispo por el sepulcro de nuestro Don Gutierre que tenemos justo debajo.

Cenotafio del obispo Don Gutierre de Vargas.

Se accede al edificio a través de la escalinata que hay en la plaza de la Paja y después de traspasar un pequeño patio. Ya sólo el contemplar la iglesia merece la vista, pues es uno de los escasos restos de estilo gótico flamígero que podemos contemplar en Madrid. Posee  una única nave que se eleva a gran altura y está cubierta con bóvedas estrelladas. Resaltan los nervios por medio de la pintura con tonos verdes y rojos y las claves principales que se decoran con el escudo ajedrezado de los Vargas. Sobre los pies se levanta un amplio coro sostenido por un arco carpanel que se abre hacia la iglesia en el piso superior con otro arco mixtilíneo.

Bóvedas estrelladas y ventanales de la capilla desde el coro.

Unas pilastras recorren el muro y recogen el peso trasmitido por los nervios. Su capitel se prolonga a modo de franja de imposta para desplegar una decoración epigráfica que explica quien mandó construir la iglesia.

La obra escultórica.

Pero sin duda, lo más destacable es la obra escultórica renacentista del retablo y de los cenotafios del Obispo y de sus dos padres por separado a ambos lados del altar. Todo el conjunto se debe a la mano de Francisco Giralte (1510-1576), discípulo de Alonso Berruguete con el que trabajó en la sillería superior del coro de la catedral de Toledo (1539-42). No sabemos con seguridad su origen, porque hay quien le atribuye nacionalidad francesa o flamenca, pero también hay quien le considera palentino. Posiblemente viajó a Italia, lo que le dejó impregnado de cierto clasicismo que no le abandonó en toda su carrera artística. Podemos apreciar en este conjunto que se muestra como maestro muy diestro tanto en el trabajo de la madera como del alabastro.

Francisco Giralte. Retablo de la Capilla del Obispo, Madrid, 1547-50. El retablo al completo desde el coro.

El retablo, realizado entre 1547 y 1550, está hecho en madera de ciprés policromado por Juan Villoldo, el Mozo. Es soberbio en cuanto a sus dimensiones y a su calidad. Su adaptación a la curvatura del ábside de la capilla es perfecta diseñandose tres calles principales y hasta seis entrecalles. La altura se eleva justo hasta las ventanas en cuatro pisos. Presenta una iconografía habitual con escenas de la infancia y Pasión de Cristo en los recuadros principales y figuras de ángeles, apóstoles y santos en hornacinas y sobre el ático. Las divisiones se realizan por medio de columnas de capiteles jónicos con fustes platerescos, decorados con estrías y grutescos.

Francisco Giralte. Piedad. Piso inferior, calle central del retablo de la Capilla del Obispo.

El estilo recuerda al de su maestro Alonso Berruguete, pero tal vez mucho más al de Diego de Siloe, por la búsqueda de la belleza formal sin estridencias. Podemos señalar rasgos muy personales del estilo de Giralte en esta Piedad que preside el piso inferior de la calle central:

• El tipo humano es de canon corto y de proporciones mesuradas, no en la línea manierista de su propio maestro que alarga en exceso los torsos. Los rostros son estereotipados en un ideal de belleza clásico, que hacen que la Virgen y San Juan (pelo suelto, detrás) sean muy similares.
• El modelado es suave tanto en el tratamiento de las formas corporales como en el de los paños. No reflejan en ningún caso angulosidades expresionistas. Los músculos están atenuados para lograr sensaciones táctiles nacaradas al incidir sobre ellos las luces. Los pliegues son múltiples, pero finos, sin presentar efectos de claroscuros exagerados.
• No gusta ni de la sangre ni del patetismo gestual para trasmitirnos la idea de la muerte de Cristo o el dolor de la Virgen. La escena se contiene en los límites más clasicistas. Es una imagen que más parece representar a un Cristo dormido placidamente e ingrávido en el regazo de su madre. El brazo derecho cae elegantemente sobre el suelo, mientras que el izquierdo se deposita con suavidad sobre el de la Virgen que parece acariciarle. Qué alejado está del estilo prebarroco de otros artistas que también trabajan este tema en los mismos años como Juan de Juni. Precisamente con este artista tendrá planteado un litigio por un encargo artístico entre 1845-48 y todos aquellos que testificaron en el juicio señalaron las diferencias de estilo tan evidentes que existían entre ambos autores.

Juan de Juni, Santo entierro, (1541-45).

A ambos lados del retablo, bajo sendos arcosolios y arrodillados en actitud orante mirando hacia el altar, se encuentran las figuras de los padres de Don Guiterre de Vargas y Carvajal. Esta postura ya era frecuente desde que la popularizó Gil de Siloe en la figura del infante Alfonso, en la iglesia de la cartuja de Miraflores.

Francisco Giralte. Francicso de Vargas e Inés de Carvajal. Capilla del Obispo, 1555.

Los cenotafios fueron labrados en alabastro de Cogolludo. A la izquierda se encuentra el de don Francisco de Vargas, fallecido en  1524, y a la derecha el de doña Inés de Carvajal, que murió en 1518. Los dos se encuentran bajo un arcosolio renacentista de medio punto y enmarcados por elementos arquitectónicos como columnas y entablamento clásicos similares a los del retablo. Los fondos están labrados con figuras de los santos de los que fueron devotos. Numerosos ángeles sostienen los escudos heráldicos de los propietarios y portan guirnaldas y cornucopias, todo en un estilo plateresco tardío. Los retratos son idealizados, puesto que los representados murieron más de treinta años antes de que se realizara la obra. El tipo humano es como el de las figuras del retablo, de canon corto y rasgos estereotipados como podemos ver en la figura inferior de Doña Inés.

Doña Inés de Carvajal. Detalle.

A la derecha de la nave se encuentra el sepulcro del obispo, uno de los más admirables monumentos funerarios españoles que también esculpió Francisco Giralte en 1566. Su calidad  es comparable al sepulcro del infante Alfonso de Gil de Siloe en que se inspira, aunque desmarcándose del estilo gótico de éste, para desplegar todoa la esencia del Renacimiento hispano. Otros cenotafios comparables son los  famosísimo de Carlos I y Felipe II y su familia  que realizarán León y Pômpeyo Leoni para la iglesia de San Lorenzo de El Escorial. Sin embargo, éstos no pueden ser considerados genuinamente españoles y engarzados en la tradición, ya que fueron realizados en Milán y en un material distinto, el bronce, y luego ensamblados en la basílica hacia 1587. Debajo puedes ver los dos primeros monumentos comparados.

Gil de Siloe, sepulcro del infante Alfonso. Francisco Giralte, sepulcro del obispo Gutierre de Vargas.

El obispo Don Gutierre aparece orante y arrodillado, como sus padres, aunque elevado sobre unas gradas y rodeado de sus capellanes. Las figuras tienen tamaño natural y sus rostros sí son verdaderos retratos de rasgos individualizados. El obispo se apoya en un reclinatorio  primoroso de columnitas.

Delante hay diez niños músicos muy italianizantes que recuerdan las cantorías florentinas.

Presentación en la que trato sobre la escultura del siglo XVI español. Se expone con ejemplos algunas de las características más notables de este estilo, destacando aquellos aspectos más originales y que le diferencian del renacimiento italiano:  su origen, los materiales empleados, la temática y la finalidad y la forma de expresión artística. A continuación se pasa a analizar las etapas y los autores, poniéndo énfasis en lo que aporta de novedoso cada escultor.

- El primer tercio destaca por la presencia todavía fuerte del espíritu goticista en escultores  como Vigarny, junto con las ideas que intentan introducir artistas italianos como Fancelli o Torrigiano. La obra de los escultores españoles sirven para hacer pequeños comentarios sobre géneros concretos como el sepulcro de El Tostado de Vasco de la Zarza o los relieves de  B. Ordóñez y comprobar como los ideales renacentistas ya han calado en la década de los 20. Pero también en la obra deotros no menos importantes, como Damian Forment o  Diego de Siloe.

- El segundo tercio de siglo lo dominan las figuras de Alonso Berruguete y Juan de Juni. Los escultores que más influencia dejarán en el Barroco y que a su vez reciben más netamente las influencias manieristas italianas. También se señala la obra de Gaspar Becerra. Fuera de esta presentación está la obra de Francisco Giralte en la capilla del Obispo en Madrid.

- Mientras que el último tercio es para la familia italiana de los Leoni, que trabajan de forma muy distinta a lo que se había hecho hasta ese momento en España, puesto que sus obras son en bronce y fundamentalmente retratos idealizadores de los Austrias.