Si este verano visitáis Londres hay una exposición que no conviene perderse y mucho menos si  admiráis a Leonardo Da Vinci. Se trata de “Leonardo da Vinci: Anatomist” en “The Queen’s Gallery”, del Palacio de Buckingham, donde se muestra la faceta del genio renacentista como estudioso de la anatomía científica a través de los estudios realizados por él sobre el cuerpo humano. Con esta muestra se puede entender que Da Vinci no era sólo un artista sino también un gran científico.

Los dibujos fueron realizados en un total de 87 páginas entre 1490 y 1513. Para hacerlos tuvo que participar en la disección de 30 cuerpos humanos junto con el profesor de anatomía de la universidad de Pavía Marcantonio della Torre. La intención de Leonardo era publicar los dibujos en un tratado de anatomía para ayuda de los cirujanos, pero se lo impidió la muerte que le llegó sin haberlo terminado en 1519. Luego el proyecto de edición cayó en el olvido por sus herederos.

Leonardo da Vinci. El cráneo seccionado.

Desde le punto de vista artístico, son los dibujos del cuerpo humano más detallados y precisos de todo el Renacimiento y reflejan el interés del artista italiano por la figura humana y por el comportamiento de  su anatomía. Tal pasión se aprecia en las notas manuscritas que acompañan a cada pieza.

Leonardo da Vinci. Los músculos del hombro, torso y pierna.

Desde el punto de vista científico, dicen algunos anatomistas clínicos que si estos dibujos hubieran salido a la luz, hubieran revolucionado el conocimiento que se tenía en Europa sobre esta materia. Consideran que los estudios de Leonardo estaban muy adelantados a su tiempo, al menos 300 años, y que en algunos aspectos sólo recientemente, gracias a la tecnología 3D y a las imágenes en movimiento, ha sido posible dar un paso más allá de lo que lograron la observación de Leonardo.

Leonardo da Vicni. Los músculos de la cara y el brazo, y los nervios y venas de la mano.

Según los expertos, los bocetos de los músculos son soberbios y no tienen comparación. Leonardo es capaz de mostrar el hombro en gran detalle y desde varios ángulos, un logro si se consideran las condiciones en que se hacía este tipo de estudios. Las salas de disección eran muy inhóspitas: no había forma de conservar los cuerpos, por lo que después de dos días el hedor era intenso.

Leonardo da Vinci. Los músculos del hombro y del brazo.

Aunque al principio sus estudios se iniciaron para descifrar la estructura de los músculos y su movimiento, pronto quedó fascinado por el funcionamiento más fino del cuerpo. Representó con detalle órganos como el cerebro o el corazón; la estructura músculoesquelética de las cuatro extremidades humanas, las manos y los pies; la disección de un cráneo, o el sistema reproductor. Sin embargo, tampoco debemos mitificar su obra puesto que no todos sus dibujos representan correctamente los órganos. Por ejemplo, en la siguiente ilustración, riñones e hígado están en la posición correcta, pero el corazón presenta sólo dos cámaras en lugar de las cuatro que tiene.

Leonardo da Vinci. El sistema cardiovascular. Detalle.

Entre las obras más famosas que incluye la exposición figura “El feto en el útero”, una imagen elaborada con tiza roja que muestra el útero durante un embarazo. Era evidente que Da Vinci se sentía fascinado por comprender el funcionamiento del útero. Y también que para realizar este boceto, creado posiblemente en 1511, el autor tuvo acceso a un feto bien desarrollado. Se puede decir que fue uno de los primeros en representar de forma precisa la postura de un feto. No obstante, también contiene errores: el útero en sí es distinto al de la mujer y en la zona derecha se muestran en detalle varias capas de placenta. Da Vinci nunca descifró que en las mujeres se forma una única y gran placenta.

Leonardo da Vinci. El feto en el útero.

Los dibujos “perdidos” durante casi 400 años se encuentran hoy en día expuestos entre los mayores tesoros de la Colección Real británica. La muestra estará abierta desde el 4 de mayo al 7 de octubre de 2012. Si no podéis acercaros siempre podéis ver este breve reportaje de Antena3 que sigue ampliando las imágenes o visitar el enlace de la página web.

Te ofrezco diez imágenes del Renacimiento para reconocer y comentar. Míiralas y luego contesta según la fórmula que te propongo. Si quieres ver la imagen a gran formato y entrar en los detalles, usa la pantalla completa.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología. Autor

3.- Dos ideas o características destacables de la obra que nos ha servido para reconocerla. Hay que argumentar con fundamento.

4.- Propón otra obra de otro artista de cualquier tiempo (añade una dirección url con tu imagen propuesta, vg. h ttp://www.elolimpo.com/ico/600/22.jpg) con la que se la podría relacionar e indica porqué.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa escribiendo tu comentario al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré uno por persona. Si falláis o contestáis de forma incompleta no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente.
  

Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.

Este es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

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IMÁGENES RESUELTAS

Abrió el fuego Joel (1) con la Imagen 10, pero al darse mucha prisa olvidó poner uno de los requisitos. Como nadie había respondido esa misma imagen hasta este momento he considerado válida su ampliación llegada unas horas más tarde y también le concedo el derecho a comodín.

"Retrato de Simonetta Vespucci, de Sandro Botticelli. Esta obra pertenece al Renacimiento italiano de la segunda mitad del s. XV, período conocido también como segundo quattrocento. Esta obra refleja algunas de las características propias del Renacimiento de la época, como la pose de la joven, que está colocada totalmente de perfil, la clara nitidez de las figuras y la delimitación del dibujo a través de la línea perfectamente dibujada. Pero, además, se pueden observar muchas de las características propias del autor en este cuadro, sobretodo en lo que se refiere al modelo humano femenino (mujer delgada y pálida, de largos cabellos rizados y rubios). También, como característica propia de Botticcelli, señalar la ausencia del fondo, pues pudiendo situar a la joven en algún lugar, prefiere centrarse en el dibujo del personaje sobre un fondo oscuro.

La relaciono con la obra de Pop Art de Marilyn Monroe por la temática de la obra, ya que también se trata de un retrato (sin fondo), aunque esta vez de frente, de una joven que marcó un estereotipo de belleza de la época, así como Botticelli utilizará a Simonetta Vespucci en diversas ocasiones para poner rostro a las bellezas de sus cuadros (incluso después de morir ésta), como será el caso de "La primavera" o "El nacimiento de Venus". Los contrastes en cuanto a la forma de ambas obras son más que evidentes, debido en gran parte, por el carácter vanguardista de la propuesta."

Echo en falta que no hayas dicho que es obra florentina. Por otro lado, me parece muy atrevida la comparación con A. Warhol (al que no citas), cuando hubiera sido más sencilla con el retrato de Leonardo, y más cuando está tan vigente la Gioconda, aunque creo saber porqué no has ido a lo obvio. También he de decir que te ha faltado la "url" indicativa de la imagen a la que te refieres como propuesta. Por todo ello, tengo que decirte que en tu próximo comentario no te dejaré pasar ni una, que tiene que ser perfecto para aceptarlo como válido.

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El segundo comodín se lo lleva Silvia (2) que ha resuelto la imagen 6. Lo siento Anabel tu comentario llegó mucho después, lo tengo en cuenta como actitud porque además está muy bien. Una lástima, lo siento.

"Santo entierro de Cristo
España ,1541-1544, Juan de Juni
Se trata de un retablo, realizado en madera policromada (estofado en óleo y vestiduras de pan de oro). Representa un tema religioso (el santo entierro de Cristo). En esta imagen podemos observar el retorcimiento de las figuras sobre si mismas, puesto que el autor tiene influencia Miguelangelesca. El cuerpo de Cristo aparece representado tumbado, sobre una especie de túmulo, y los personajes que le rodean aparecen con unos gestos angustiosos y desesperados. Además, todos ellos aparecen representados con amplios ropajes, incluido Cristo.
Cristo yacente de Gregorio Fernández, se puede relacionar con El Santo entierro de Cristo primero por el empleo de la temática religiosa y la representación de Cristo tumbado sobre una especie de túmulo. Segundo por las heridas que aparecen en el cuerpo de Cristo. Y tercero, por el uso de paños que utiliza Gregorio Fernández para acentuar el mensaje a través del juego de luces y sombras."

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Víctor (3) es el que se lleva el tercer comodín al responder a la Imagen nº 9.

"Título: La virgen del huevo (1472)

Autor: Della Francesca. Florencia (Italia)

En el centro está representada María en un trono, con el Niño Jesús adormecido, y en torno a ellos están los santos. El hombre arrodillado a la derecha, pintado de perfil y armado es el duque Federico de Montefeltro. La Virgen en base al criterio jerárquico es más grande que los demás personajes, y el mismo Federico de Montefeltro está colocado muy al exterior para respetar el aura sagrado que se crea en torno a la virgen con el niño y los santos. El marco de la obra es claramente arquitectural. La composición tiene como fondo un ábside de iglesia en forma de vénera de la que pende un huevo. Tiene una construcción perspectiva muy precisa, monofocal con el punto de fuga coincidiendo con el rostro de la Virgen. Los cuerpos de los personajes son prolongados por las pilastras. Se trata de una obra majestuosa, con un inigualable equilibro de rigurosa arquitectura pintada y una luz que hace que los personajes se sumerjan en una clara atmósfera luminosa. El autor buscó representar la escena en el interior de una arquitectura clasicista porque considera que aumenta el sentido de sacralidad y monumentalidad de la obra. Se pone en práctica los efectos del uso de la luz para diversos objetivos: para dar más volumen y plasticidad a las figuras y para equilibrar las figuras con diversas elecciones cromáticas en las ropas. Los personajes son hieráticos, fríos e idealizados.

Una obra que relaciono es La Virgen del canónigo Van der Paele de Van Eyck porque la temática de las dos obras se asemeja bastante en cuanto lo religioso (Virgen y niño) y la disposición de los demás personajes a los lados dejando a la Virgen y al niño en una jerarquización central es la misma en cuanto la obra de della Francesca. Ambas obras están presididas por una arquitectura clasicista y por una luminosidad considerable."

He tenido que poner nombre y autor a la obra que proponías porque no lo has hecho tú. Es una imagen con mucha semejanza en la composición donde incluso aparece el donante arrodilado, pero difiero en lo de la arquitectura clasicista de la obra de Van Eyck: se trata de un ábside románico. Te digo lo mismo que a Joel, por estos fallos de forma seré muy estricto con el segundo comentario.

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Cristina R. (4) responde a la imagen  8.

"Se trata de la escultura de Felipe II realizada por los broncistas milaneses Pompeo y Leone Leoni aunque tuvo que terminarla el primero debido al fallecimiento de su padre esto data en el último tercio del siglo XVI. Responde a una obra inspirada en el retrato imperial romano que responde perfectamente al afán de exaltación de la monarquía hispana, la escultura esta en bronce , Felipe II se muestra con una majestuosa gravedad que nos remite a la estatuaria clásica , más aún si se tiene en cuenta que la armadura se puede desprender para dejar al descubierto su cuerpo desnudo , contrasta con la figura del Furor , símbolo de los enemigos derrotados ,que presenta rasgos propios del manierismo: expresividad, agitación y una forzada contorsión que ofrece visiones múltiples
Mi imagen propuesta es Augusto de Prima Porta ya que es una escultura en bulto redondo que representa al emperador de cuerpo entero, de pie, el movimiento es sosegado y se sugiere por la posición del brazo derecho, una característica esencial es el realismo del rostro, donde los rasgos son perfectamente reconocibles hay una visión idealizada que infunde autoridad, las proporciones anatómicas responden al canon griego de Policleto. La expresión del rostro reflejan las cualidades ideales que deben adornar al emperador: serenidad, autocontrol y autoridad sin renunciar del todo a su caracterización individual. La escultura presenta al emperador Augusto arengando a sus legiones, con coraza y manto de general pero también con bastón consular y descalzo.
La indumentaria militar y el bastón consular simbolizan la legitimidad de su poder y el hecho de que aparezca descalzo simboliza su carácter divino, pues no pisa suelo humano, el original fue en bronce, la coraza está decorada con relieves."

¡Ojo! Cuidado. El comentario está muy bien, pero has cometido dos errores que podían invalidarlo:

1. Al introducir detalles de otra obra de Leoni relacionada con esta la de Carlos V y el furor... son dos obras distintas.

2. Pero lo más grave es que has puesto que es del "siglo XV", cuando debería decir siglo XVI Mira en tu contestación porque en el texto lo he corregido para que apareciera correcto. No te he penalizado porque he imaginado que ha sido un lapsus.

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Alejandra (5) descubre la imagen 3.

"Esta obra es del italiano Tiziano y se titula “La Bacanal de los andrios”. Fue pintada entre 1523-1526. Pertenece a la pintura renacentista veneciana, específicamente del cinquecento y primer manierismo.
Es un óleo sobre lienzo donde se representa un tema mitológico, una bacanal, fiesta del dios del vino Baco. Hay una gran visión de profundidad del paisaje. Las figuras y el monte que se ve por detrás están en modo diagonal. Cada personaje está pintado individualizado, en pleno movimiento, cada uno con diferentes caracteres. Tiziano pintaba al natural, y este cuadro es un buen ejemplo de ello. Todo es una exaltación de la luz, el movimiento y el color. La composición es caótica, tiene como centro la jarra de cristal. Hay contrastes en las actitudes de los personajes; unos en pleno movimiento, y otros tumbados. En la pintura veneciana destaca por encima del dibujo la pincelada pastosa y el color.
Esta obra puede ser compara con El festín de los dioses, de Giovanni Bellini.
Puede ser relacionado porque ambos cuadros tienen tema mitológico. Podemos observar otro festín en plena naturaleza. Con colores muy vivos, personajes en pleno movimiento y otros totalmente relajados. Son obras con un parecido que a plena vista se percibe."

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Silvia (6) ha debido ser por apenas segundos más rápida que Joel, puesto que el blog la coloca en primer pero en el mismo minuto que a él. Es una verdadera lástima porque los dos han querido hacer la misma imagen, la imagen 2, y en los dos casos, esta vez, es todo correcto, por lo que la puntuación es sólo para una y para el otro sólo queda la actitud.

"Cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua
Italia (Mantua), Quattrocento-1474, Andrea Mantegna
La cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua, es un ejemplo de trampantojo (técnica pictórica que intenta engañar la vista jugando con la perspectiva y otros efectos ópticos).Por ello, esta obra es una pintura mural realista que fue creada para ofrecer una perspectiva falsa. Debido a esto, puede decirse que se trata de un óculo fingido, donde aparece representada la familia de los Gonzaga, disfrutando de un momento de su vida cotidiana, junto con unos ángeles escorzo. Todos ellos aparecen asomándose a través del óculo, posados entre una especie de balaustrada. Además, cuando observamos esta obra, podemos ver que alrededor del óculo hay una especie de guirnalda compuesta de plantas y frutos que provocan en el espectador la sensación de que pueden caerse. Esta obra en fresco, tendrá gran importancia en la pintura ilusionista de espacio de las bóvedas del Barroco.
La asunción de la Virgen de Correggio, se puede relacionar con la cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua, primero porque también está pintada al fresco. Segundo porque en los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas aparecen representados los santos patronos de la ciudad como escorzos, San Juan Bautista con el cordero, San Hilario con un mantón amarillo, Santo Tomás junto al que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única figura que mira hacia arriba. Y tercero, porque este fresco sirvió como modelo de pintura ilusionista que predominó en la época barroca. Toda la superficie es una única unidad pictórica de vastas proporciones, que hace equivaler la cúpula con el cielo. Además, las figuras están representadas de manera realista, por ello parecen sobresalir hacia el espacio en el que se encuentra el espectador. Finalmente, se puede observar como alrededor de la Virgen gira un torbellino de ángeles y otros personajes en movimiento, que dan lugar a círculos concéntricos con sentido ascensional. Entre ellos se puede reconocer a Adán y Eva, a Judit con la cabeza de Holofernes y algunos ángeles que tocan instrumentos musicales. Y en el centro de la composición observamos a Jesucristo, que desciende del cielo para coronar a su madre,"

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Víctor (7) ha usado el comodín para contestar a la Imagen 4
Título: El rapto de Ganímedes (1531-1532)
Autor: Correggio. Perteneciente al primer tercio del Cinquecento.
Correggio realizó una serie de lienzos para la Corte de los Gonzaga en Mantua con el tema de "Los amores de Zeus" al que pertenece este cuadro. La escena se desarrolla al aire libre siendo contemplada por un perro en primer plano, y consigue un sensacional efecto de perspectiva baja. Júpiter, bajo la forma de un águila, despliega sus grandes alas donde se agarra con toda su fuerza el joven príncipe para evitar la mortal caída, dirigiendo su mirada al espectador con gesto de resignación. En el cuerpo de Ganímedes encontramos ligeras influencias de Miguel Ángel, mientras que el aspecto difuminado de la composición es herencia de Leonardo. La aportación de Correggio está en la maestría a la hora de mezclar influencias tan diversas para configurar un estilo propio lleno de gracia y ternura, donde el color y la luz tienen un papel destacado, al igual que los escorzos y el movimiento en sus escenas. Como es común en las obras de Correggio, el tema es claramente mitológico y la postura del niño dejando ver un semidesnudo transmite sensualidad. El cuadro está compuesto por colores de la gama de los terrosos, tales como el marrón, ocres, negros, naranjas y rosáceos (éste último aplicado en la indumentaria de Ganímedes) son apreciables.

La obra que relaciono con ésta es “Saturno devorando a su hijo” de Goya. Lo que me ha hecho relacionarlo con la obra de Correggio es que ambos presentan un tema claramente mitológico en los cuales unas criaturas superiores (en este caso dioses los dos) aparecen manifestando sus ansias de posesión de un ser indefenso. Ambas obras poseen una gama de colores terrosos. En la obra de Goya esta gama aparece en la figura de Saturno.

La verdad es que la imagen escogida es adecuada, pero la relación está un poco traída por los pelos. Hubiera sido mejor insistir en que ambas historias mitológicas son truculentas y en absoluto ennoblecen a los dioses clásicos.

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Ana (8) se decidió a última hora por la imagen 5.

-Obra conocida como Santísima Trinidad
- Pertenece a la pintura italiana renacentista del quattrocento. Florencia. Su autor es Masaccio.
- Las figuras se inscriben en un triángulo subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad; esta composición es típicamente renacentista. Predomina la línea sobre el color. Los rojos y azules se van alternando en el cuadro. En cuanto a la luz, Masaccio la utiliza de forma representativa, creando con ella claroscuros que refuercen el carácter volumétrico de las figuras.
- La podemos comparar con una obra gótica conocida como La crucifixión, obra de Giotto . Podemos hacer esta comparación debido a que ambos tienen tema religioso, además de mostrar la figura de Cristo en la cruz en posición de crucifixión. Las dos obras están realizadas utilizando la técnica del fresco. En En La crucifixión se utiliza, al igual que en la Santisima Trinidad, la alternación del azul y el rojo en las vestiduras.

Reconoces la obra, pero el comentario es muy pobre. No has destacado lo más notable de la obra de Masaccio que es la captación de la profundidad a través de reglas matemáticas: la perspectiva arquitectónica. Tienes en este mismo blog un artículo dedicado sólo  a esta obra. Ni tampoco la obra elegida de Giotto da mucho juego si no es para contraponerla totalmente por el goticismo que trasmite. Me siento generoso y te voy a dar la mitad de las décimas de la imagen, porque el cuerpo me pide anularte la opción.

El curso está a punto de acabar. Hemos viajado por la Historia del Arte durante estos últimos meses y hemos visto muchas cosas... pero tal vez todas han sido demasiado serias. Por eso ahora os propongo que usemos nuestro conocimiento adquirido en imágenes para contemplar nuestra vida cotidiana de otra manera y descubrir en lo que nos rodea muchas inspiraciones artísticas.

Sí, son los Simpsons. No podéis ni imaginar la cantidad de referencias artísticas que sus creadores han utilizado en sus capítulos. Os propongo que para ganar algo más de nota de evaluación comentéis cualquiera de los cuadros del siguiente Slide. Todos se inspiran en uno o dos de los cuadros y artistas que entraban en esta evaluación. Tal vez haya un par de ellos que no lo hacían, pero es igual, no me he podido resistir a ponerlos y también son motivo de comentario.

Alba hha comenzado y recibe un comodín por resolver la imagen 1

Se me olvido comentar la relación con la serie. Lo único con lo que se relaciona es que Homer va a visitar el museo y de espaldas se ven los cuadros de Picasso.

No me convence mucho el otorgarte el comodín porque: falta datación a una de las obras, el guitarrista (1903), y, sobre todo, el comentario relacionado con los Simpsons es mínimo. Al menos di si están bien captadas las esencias de los cuadros. El próximo comentario no seré indulgente.

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Tamara (2) ha optado por comentar la Imagen 4 y se lleva por ello un comodín . Me ha encantado el comentario porque lo has sabido integrar.

Leonardo Da Vinci. La ultima cena

Finales del siglo XV 1495-1497. Renacimiento

Se encuentra en la pared del refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie en Millan, Italia

Leonardo ilumina la escena con luz artificial, prescinde de la iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo. En este caso la figura de cristo representada en Homer se supone que esta iluminada con la luz que refleja el aparato por encima de su cabeza.

La composición está muy calculada para que, siendo muy estricta en el orden y las jerarquías, parezca algo casual. Los doce amigos de Homer se sitúan cuatro a cada lado de él y repartidos por grupos de dos. La figura de Homer aparece en el centro, con una forma triangular o piramidal propia del pleno clasicismo renacentista y muy usada por Leonardo en otras obras. Los apóstoles no lo tocan, ni siquiera se acercan, permanece sólo, no interactúa con el resto.

Las líneas de fuga también hacen que resalte su figura como la principal del cuadro. Su figura es lánguida con la cabeza torcida y un cuerpo redondo entrado en carnes. El estar comiendo y bebiendo puede hacer referencia a la sangre representada en la cerveza y el cuerpo de cristo en lo que se este comiendo ambos símbolos importantes del cristianismo.

En esta obra, aplica la técnica del "sfumato" diluyendo todos los contornos y prescindiendo del uso de la línea.

Composición, luz, posturas y simbolismo... magníficas relaciones. Lo único a matizar es que los amigos de Homer no son doce sino ocho.

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Sara (3) ha comentado la Imagen 9 en dos tiempos alcanza y para un comodín.

1. Autor Pablo Picasso. Título Guernica

2. Cubista y Expresionista. España. 1937

3. Museo Nacional Centro d Arte Reina Sofía (Madrid)

4. El tema de la obra es una denuncia política, concretamente el bombardeo de la ciudad de Guernica a manos de los aviones alemanes que estaban probando sus armas en la Guerra Civil Española. Consigue plasmar perfectamente el horror y la destrucción de la guerra mediante un lenguaje entre el cubismo y el expresionismo. La gama cromática es pobre, solo emplea el negro, el blando y el gris, esto se debe a una influencia de los periódicos. Recoge múltiples influencias, una de las más directas es el cuadro de La Matanza de los Inocentes de Reni.

Nelson, el macarra, ha dibujado el cuadro, con las caras de sus profesoras, parece que quiere ponerlas en el mismo bombardeo del Guernica, aunque también se distingue al conductor del autobús.

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Nuria P. (4)  ha comentado la imagen15. Parece que Picasso os ha gustado como a los creadores de la serie.

- Pablo Picasso "Los tres músicos"
- Pertenece al cubismo sintético. Siglo XX-1921
- Al haber más de una versión encontramos que una está en el Museo de Arte de Filadelfia y otro en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Estados Unidos.
- Picasso hace este cuadro al conocer a la bailarina Olga Joklova en su “época rosa”. En él aparecen un arlequín con una guitarra, a veces de identifica el artista con él, un pierrot con un saxo y un monje con una partitura.
El cuadro está hecho con la técnica del collage (lo vemos en la composición de los trajes de los músicos, esta técnica da vida y movimiento al cuadro), que luego será traspasada esa técnica al óleo. Podemos apreciar que los músicos están de perfil y de frente a la vez y esto es debido a la superposición de los planos.
Aparece Homer (que se encuentra en un museo) a nuestra izquierda estático mirando a las tres figuras y da la sensación de que parece que no forman parte de un cuadro sino que son reales los músicos.

O es del cubismo sintético o es de su época rosa... Decídete. En cuanto a Homer está sufriendo una pesadilla en el museo. Las figuras son tan reales que cobran vida y sacan unas ametralladoras con las que le disparan.

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Sara (5) comenta la Imagen 7

2 cuadros. El que está mirando Homer es la lata de sopa Campbell de Andy Wharhol del Pop- Art, en EEUU. Pertenece a la década de los 60.
Es una representación totalmente cotidiana de un producto muy frecuente en América en los años 60. Es de fácil comprensión, ya que no hay más interpretación que la que se ve.
Homer se detiene a ver este cuadro y parece que le entró hambre al verlo, ignorando el cuadro siguiente que es una composición de Modrian.
El segundo es una Composición de Modrian, líder del Neoplasticismo. 1929 en América
El blanco es el color predominante, las líneas rectas dan armonía al cuadro, sobre el que se sitúan figuras geométricas de colores primarios y vistosos.

Te perdono el que no hayas intentado localizar los cuadros, que es lo que te falta, porque hay varias versiones de los mismos. Mondrian es holandés y esa composición no la realiza en América.

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Pedro (6) se atrevió con la IMAGEN Nº 2 y ha puesto una graciosa interpretación del cuadro de los Simpsons a lo Picasso.

1. Dalí. Persistencia de la memoria

2.Estilo surrealista pintado en 1931

3. MoMA, Museo de arte moderno, Nueva York

4. Como en otros muchos cuadros, el fondo es la bahía rocosa de Port Lligat, la composición total del cuadro provoca el asombro del espectador por su aspecto. Se puede observar su retrato en primer plano en forma de caracol arrastrándose. Dos de los relojes (oro y plata) se adaptan al cuerpo del caracol. El único reloj que permanece intacto es el rojo a la izquierda que, parece ser devorado por unas hormigas. El tema principal del cuadro es la fugacidad de la vida representada en los relojes que se deforman y en la descomposición del cuerpo de caracol que, como ya he dicho, es el retrato del mismo pintor. Así mismo, el reloj rojo tiene otro tema y es, una alarma sobre el acecho de la muerte.

En los Simpson, en lugar de los relojes, aparece la cara de algunos de los personajes principales como Homer que, coincide con el retrato de Dalí en el cuadro original. La persistencia de la memoria se representa con la figura de Lisa Simpson, la hija intelectual que saca buenas notas, en este caso las hormigas no se comen al reloj rojo si no a la rosquilla que representa el tiempo dulce de la vida. Otro detalle no casual es que, el reloj de fondo marca las 6.00 pm, hora de transmisión de la serie en U.S.A.

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Tamara (7) consume su comodín resolviendo la Imagen 10

René Magritte El hijo del hombre
Surrealismo de 1964
Bélgica propiedad privada
Magritte pintó este cuadro como un autorretrato, aunque el personaje está representado de forma anónima ya que su rostro se tapa con una manzana. El mar y un cielo nublado están a las espaldas del personaje, podría simbolizar el estado anímico del personaje.
La manzana, representa la tentación, siendo el personaje el hijo de Adán, según el título del cuadro. En este caso Bart también tiene la manzana delante de su autorretrato simboliza la tentación hacia la travesura y este hecho también se ve reflejado en la sonrisa tan picara que tiene en su rostro. También se diferencia en que el cielo no es tormentoso sino despejado y no porta el bombín del cuadro original, aunque si lleva el traje algo que es muy raro que lo lleve Bart.
Según las propias palabras del artista, hizo este cuadro para denunciar lo fácil que es para nosotros rellenar lo que no conocemos. El hombre para él tiene muchas cosas que no da a conocer, que se tapan, al igual que en el cuadro.

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Cristina V (8) ha respondido a una de las imágenes de un pintor que no había que estudiar para este control y recibe un plus de medio punto además de las 8 décimas que le correspondían por contestar en octavo lugar. La imagen resuelta es la 12. Este comentario contiene un error de datación, la obra no es de mediados del siglo XX sino de 1897.

1. La gitana dormida de Henri Julien-Félix Rousseau. 2. Simbolismo, pintada en Francia, mitad del siglo XX.

3. Se encuentra en New York, en el Museum of Modern Art.

4. La escena se sitúa de noche por lo cual la luz de la luna le da como tema el sueño, además de la aparición de la gitana dormida, juega con la tenue iluminación y los bordes de las figuras. Dándole color a la gitana para destacarla, además del tamaño desproporcionado puesto que es más grande que el león. Son cuerpos con un volumen extraño, como podemos apreciar en la guitarra. En la imagen encontramos a Homer Simpson, esta capturada de uno de los capítulos en el que Homer cree que se introduce dentro de los cuadros y aquí el león le esta lamiendo la cabeza, para la serie han adaptado el fondo del cuadro, el león y la manta sobre la que se acuesta, colocando encima destacándole a Homer Simpson.

Al ser un pintor autodidacta y no tener en cuenta las proporciones ni las reglas de entonación, resulta una imagen muy apropiada para una serie de comics de  televisión.

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¡Bravo, Anabel! Bonito comentario a la  Imagen nº3 e interesante la relación que encuentras entre el cómic y la serie.

"1.Desesperanza, cuyo autor es Lichtenstein.
2. Este cuadro pertenece al Pop art, Nueva York , década de los 60.
3. Este imagen de un comic se encuentra en el Kunstmuseum.
4. Es una obra muy expresiva que pretende introducir al espectador en el mismo centro del problema. El rostro de la muchacha no guarda relación con ningún otro, esto es algo muy característico de este autor. Los detalles que nos ofrecen intentan informar sobre las cosas, no detallarlas.
Las palabras textuales de la muchacha son las siguientes: "debería haber comenzado de otra manera. Ahora ya no hay esperanza. Con esta sencilla y enigmática exclamación parece dar fin a una historia apasionada de amor...
Lisa Simpson, en esta obra dice: "ser una artista sensible en esta familia no tiene remedio".
Ambas protagonistas de estos cuadros están desesperadas, el personaje de Lichtenstein por haber acabado con una apasionada historia de amor, mientras que Lisa está desesperada por haber nacido en una familia en la cual no se siente comprendida."

Yo añadiría algún detalle técnico que les relaciona íntimamente, como el uso de colores planos, sin matices, si acaso con el punteado granulado propio de los comics, que unen perfectamente ambos estilos contemporáneos.

La Villa Farnesina es una pequeña joya que no suele visitarse cuando se realiza un breve viaje a Roma, pero para los amantes de la pintura debería ser otro sitio obligado como son la Capilla Sixtina o las Estancias Vaticanas. Se encuentra bajo el Gianículo, en el barrio de Trastévere (Via della Lungara),  y hay que ir ex profeso allí porque queda un poco a trasmano de los recorridos habituales.

Villa Farnesina. Planta y jardines originales, 1505-1511.

La villa fue mandada construir al otro lado del río por el banquero Agostino Chigi entre 1509 y 1512 como palacete de recreo, aunque desde 1590 fue adquirida por la familia Farnese de la que recibe el nombre actual. El edificio es pequeño, sencillo y ejemplo de la armonía del cinquecento, pero su gracia no radica ni en sus jardines ni en la obra arquitectónica en sí, sino en los magníficos frescos que decoran algunas de sus salas. Fue una de las primeras villas suburbanas que se realizaron en Roma y el banquero quiso rodearse de toda la belleza posible. Recurrió para ello a una generación de jóvenes pintores que la engalanaran con escenas mitlógicas y de la antigüedad. En este edificio no tuvo cabida el tema religioso y sí el disfrute de la sensualidad.

En la siguiente presentación puedes apreciar los frescos con todo su esplendor.

LA SALA DE GALATEA.

La primera sala que se debió pintar cuando se terminó de edificar fue el vestíbulo principal de la planta baja, en sus orígenes una logia abierta que daba hacia el río. Chigi encargó a Rafael Sanzio, que por entonces acababa de pintar los principales frescos de las Estancias Vaticanas para el papa Julio II , un fresco mitológico. El proyecto de conjunto, elegido por el mecenas, era que en distintas escenas de la habitación se narrara la historia de Polifemo y de la Ninfa Galatea. Agostino quería casarse con Margarita Gonzaga, la hija biológica del marqués de Mantua, pero su proposición fue rechazada. Es probable que la elección de Chigi quisiera ser un trasunto de sus deseos y de versiones del relato mitológico en el que el cortejo de Galatea por parte del cíclope tuvo un final feliz para el segundo. Tal vez porque el casamiento no se llevó a cabo o por otra razón que se desconoce, el caso es que el resto de las escenas nunca se realizaron y sólo quedaron de la idea inicial la Galatea de Rafael (1511) y un Polifemo que mira a la anterior del pintor veneciano Sebastiano del Piombo (1512). El resto de los techos y de los muros los completó Baldassare Peruzzi y sus discípulos, o ya en el siglo XVII, con temas mitológicos y astrológicos.

Villa Farnesina. Sala de la Galateas. Polifemo por Sebastiano del Piombo y el Triunfo de Galatea por Rafael (1511-12). Nótese además de los elementos figurativos mitológicos de los lunetos y pechinas, el uso que se hace de los grutescos y candelieri como ornamento de las pilastras de separación, así como de los cortinajes.

RAFAEL SANZIO. EL TRIUNFO DE GALATEA.

Sorprende este fresco de Villa Farnesina porque Rafael no era un pintor que se hubiera destacado por representar el tema mitológico ni el desnudo, sino piadosas y castas vírgenes con niños. La belleza femenina siempre le había atraído como un ideal, pero aquí da un paso más allá al mostrar explícitamente un hermosísimo y sensual desnudo de la ninfa marina Galatea. A través de esta obra  podemos comprender que Rafael se ha dejado seducir por las tentaciones este mundo y se siente a gusto entre el lujo, los adornos, las fiestas y lo carnal, pero como él reconoce todavía idealiza.

El triunfo de Galatea. Villa Farnesina, Roma. Fresco, 295 x 224 cms.

El tema. La joven nereida se aleja velozmente en un fantástico carro, formado por una concha y tirado por delfines. Ha desdeñado a su admirador, el  cíclope Polifemo, y huye en busca del pastor Acis, su amado. A su alrededor, las pasiones carnales se desatan entre los que le acompañan.

Sus hermanas y los tritones e hipocampos han sido alcanzados por las flechas amorosas de los cupidos que sobrevuelan la escena y se agitan en abrazos desenfrenados. Ella se mantiene ajena a la concupiscencia que le rodea y mira al cupido de la esquina superior, escondido entre las nubes. Es su cómplice puesto que le reserva los dardos para su verdadero amor.

Rafael Sanzio. Cupidos, detalle del Triunfo de Galetea. Villa Farnesina. 1511.

El ideal de belleza. A sus contemporáneos también les asombró el cambio de registro de Rafael. Su amigo Baldassare Castiglione fascinado por la perfección y desnudez de la ninfa le preguntó quién había sido su modelo, a lo que contestó el pintor: "para pintar una mujer bella, se deben ver muchas, pero teniendo en cuenta lo escasas que son, recurro al ideal de mujer que soy capaz de crear en mi imaginación". Y puede que en ese momento dijera la verdad... La idea que tenía Rafael de la belleza perfecta derivaba de la de Platón y se expresaba en los rasgos de casi todas las mujeres que representaba. En esta pintura, en concreto, decidió modificar ligeramente la figura  anterior de Santa Catalina de Alejandría. Lo extraño es que rompiera el tabú y la desnudara.

Rafael Sanzio. Comparación entre Santa Catalina de Alejandría (1508) y detalle de la ninfa Galatea (1511).

La obra permite ver también muchos otros cambios en la forma de pintar de Rafael, fruto del contacto con la obra de Miguel Ángel y con la de  los pintores venecianos que trabajaban en Roma en esos momentos:

• El modelo humano se ha robustecido y tiende a los excesos musculares miguelangelescos en los tritones y en las ninfas. La ninfa es la que más nos recuerda la dulzura y delicadeza del Rafael florentino.
• Sus posturas son forzadas creando la helicoidal típica o curva serpentinata creada con el contraposto de piernas-caderas-torso- brazos-cabeza- mirada.
• El movimiento es otro de los protagonistas de la escena, rompiendo el estatismo con el que solía componer sus escenas Rafael. Los delfines saltan y todo el mundo marino se revuelve como en un torbellino girando en torno de Galatea.
• La composición se mantiene equilibrada y simétrica  en torno a la ninfa, pero el cortejo tiende a romperla por su movimiento desenfrenado.
• El colorido es fantástico. Rafael siempre destacó por un uso brillante del color, pero aquí la combinación es espectacular entre el azul mar y el rojo pompeyano de la capa. Los grutescos de las pilastras y el cortinaje que enmarcan la escena sirven para darle aún más la pátina de inspiración romana.
• La moderada sensualidad que transmite la ninfa es comparable a la de la plácida Venus dormida de Giorgione (1507-1510).

Belleza, color, movimiento y serenidad.

LA LOGIA DE CUPIDO Y PSIQUE

En 1517 el banquero Chigi encargó de nuevo a Rafael que decorara la bóveda de la Logia de acceso principal a la villa. Rafael realizó el plan total de la obra y muchos de los bocetos, pero fueron sus ayudantes (Raffaellino del Colle, Giovan Francesco Penni y Giulio Romano) quienes materializaron gran parte de las figuras. Esta vez la sala se mantiene abierta (aunque acristalada), lo que permite ver con luz  natural suficiente el efecto de tan bellos frescos.

Logia de Cupido y Psique. 1517-18.

La idea era hacer creer que seguimos en el exterior bajo un cielo azul, tamizado por un emparrado vegetal, realizado por Giovanni da Udine, compuesto de especies botánicas de todo tipo (de hecho este conjunto es un referente hortícola y botánico de primera mano para ver las primeras representaciones de plantas importadas de América). Las guirnaldas enmarcan a los dioses con sus atributos representativos en las pechinas y dejan un espacio central libre sobre el que se tienden dos a modo de tapices alargados. Éstos narran las bodas de Cupido y Psique según la Metamorfosis (o El Asno de Oro) de Lucio Apuleyo: en uno la reunión  de los dioses y en el otro el banquete nupcial. Se interpreta que Psique viene a ser Francesca Ordeaschi, cortesana y amante de Agostino Chigi, a la que éste convirtió por esas fechas en su esposa con el  consiguiente revuelo. Era el ascenso de una plebeya al grupo escogido de los más ricos de Roma, los mismos obstáculos que tuvo que superar la mortal Psique para ser aceptada por los dioses y casarse con Cupido.

Cupido y las tres Gracias.

Esta vez me atrevo a asegurar que Rafael sí conocía a su amor verdadero. De la belleza platónica de la Galatea  ha aterrizado en la belleza, en absoluto platónica, de su amante Margherita Luti, conocida como la Fornarina, que se convierte en su modelo femenino y que podemos intuir en muchos de los bocetos que quedan de su mano. Cada detalle de este conjunto rezuma erotismo. Hasta las frutas y hortalizas son utilizadas en esta exaltación del amor carnal. Dicen las malas lenguas (Giorgio Vasari) que  Rafael murió a la edad de 37 años por el exceso de trabajo y los juegos amatorios que mantenía con su amante, que convivía con él en este mismo palacio mientras pintaba los frescos.

Boceto de Rafael de un detalle del banquete de los Dioses, que podemos comparar con lo realizado por uno de sus discípulos sin tanta maestría. La representación de sus mujeres ya son muy reales.

Sobre el amor de Rafael por la Fornarina en el blog Línea Serpentinata

LAS OTRAS SALAS.

En el piso superior podemos ver otras bellas estancias decoradas de la villa que por no hacer más extenso el artículo simplemente apunto y recomiendo ver en la presentación inicial:

• El Salone delle prospettive, decorado por Peruzzi. Recrea mármoles y frisos clásicos, pero lo que da nombre a la sala es la ilusión óptica de ambos extremos que nos hace creer que podemos acceder a una terraza exterior, ya que entre columnas fingidas vemos edificios de la Roma del siglo XVI.
• En el dormitorio principal del banquero se representa la historia de Alejandro Magno por Sodoma, destacando el fresco de los desposorios de Alejandro y Rosana.

Sala de las Perspectivas, Peruzzi.

Página web de Villa Farnesina (en italiano).

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que te propongo. Si quieres ver la imagen a gran formato y entra en los detalles, usa la panatalla completa.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología. Autor

3.- Dos ideas o características destacables de la obra que nos ha servido para reconocerla. Hay que argumentar con fundamento.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa escribiendo tu comentario al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré uno por persona. Si falláis o contestáis de forma incompleta no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente.
  

Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.

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IMÁGENES RESUELTAS

Coral (1) ha sido la primera en contestar y en llevarse un comodín . No puedo darte como válida la segunda contestación que has hecho a continuación porque hasta que no esté confirmado tu acierto no tienes derecho a comodín y, por tanto, a repetir comentario. La imagen escogida ha sido la número 1.

"Título: La Escuela de Atenas. Lugar: El Vaticano (Italia). Etapa: El Renacimiento Italiano (1509). Autor: Rafael Sanzio de Urbino.

Características: Vemos que es un fresco que trata el tema de la filosofía, podemos observar a dos personajes centrales que son los dos filósofos más importantes de la antigüedad, situados en lo alto de la escalinata: Platón que, sosteniendo el Timeo levanta el dedo indicando el cielo, y Aristóteles que, con el volumen de la Ética, tiende hacia delante el brazo con la palma de la mano vuelta al suelo. En los gestos de ambos filósofos está sintetizada la esencia de sus doctrinas según un procedimiento típico de Rafael, que logra concretar en imágenes simples las más complejas ideas. Hay un gran dominio de la perspectiva ya que utiliza la disposición de cúpulas para dotar de profundidad al cuadro. La composición geométrica se basa en un triangulo central. Hay una gran variedad de colores."

Es un detalle del conjunto de frescos pintados para las Estancia Vaticanas. Los filósofos y personajes de la antiguedad en relaidad representan los humanistas y artistas del Renacimiento que admira. El rostro de Platón es el de Leonardo Da Vinci o el hombre que aparece sentado apoyando su cabeza en una mano es Miguel Ángel.De esa manera conjuga el pasado clásico y su presente, el Renacimiento,  que intenta continuar la senda de los clásicos.

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Alba (2) ha contestado a la imagen 8. Ha quedado algo escasa: faltaría cronología, lugar donde pinta el cuadro y título exacto. Tampoco vendría mal que te extendieras a explicar alguna idea como a que te refieres con grutesco. Te concedo el comodín , pero te juzgaré más severamente en la siguiente contestación a la que tienes derecho, por lo que prepárala bien.

"Se trata de una Alegoría del pintor Arcimboldo. Pertenece a la etapa manierista italiana. Se caracteriza por los retratos hechos a través de que los rostros tienen elementos en este caso de plantas ,también destaca su caracter surrealista (grutesco)."

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Elisa (3) ha descubierto la imagen 5 y se lleva el tercer comodín.

"Se trata de la Alegoría de La Primavera de Sandro Botticelli, pintor florentino del Quattrocento que realizó esta obra con témpera en 1478, de estilo renacentista por tanto, para Lorenzo di Pierfrancesco, un joven de la familia Medici.
El tema mitológico ya presagia una obra del Renacimiento, que se concreta con el gusto por el desnudo, en este caso a través de telas transparentes que a su vez se corresponde con el modelo de belleza de mujer rubia. Además del detallismo en las flores del suelo, la armonía que destila en sí la obra, la composición tan típicamente equilibrada del Renacimiento.
He identificado esta pintura por el canon corporal idealizado de las tres gracias, herencia de las de Ghiberti en el relieve de Esaú y Jacob y que podemos relacionar como precedente del alargamiento elegante de las figuras de los manieristas del XVI. "

Me ha gustado el comentario y que le hayas sabido encontrar referencias en las que se inspiró y a las que inspiró.

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Sara (4) te doy el acierto aunque  te falta el número de imagen de referencia, porque la descripción es inconfundible, pero en buena ley tu respuesta debería ser invalidada como sabes. Imagen 3.

"La Trinidad (1577-79). Etapa Española, por lo que se sitúa en Toledo que es donde vivió en esta etapa. El Greco (1541-1616), es el creador de esta obra.
Es un pintor manierista, esto se ve en La influencia de Miguel Ángel en la anatomía del brazo derecho retorcido, en la cabeza hundida de Cristo entre sus hombros, y en la cabeza de Dios, que recuerda sospechosamente al Moisés miguelangelesco. Los colores son típicos de los manieristas, ácidos e incandescentes dotan al cuadro de misticismo. Asistimos a un complejo juego de sombras y se ve su despreocupación por el fondo al pintarlo de uno o dos colores concretos sin detalle alguno."

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Bravo por Tamara (5), que ha contestado a la Imagen 9

"Venus y Adonis (1553-1554)
Etapa del manierismo italiano.Tiziano
Se caracteriza por el desnudo de Venus que busca el ideal de belleza, por ello incide la luz sobre su espalda desnuda para encontar rapidamente el tema principal del cuadro.El tema en el que se basa no es solo el erotismo sino tambien la mitología. Es destacable como el cielo comienza a tomar vida, ya no es un cielo azul en calma sino que toma la influencia de su maestro Giorgione al darle vida a la naturaleza."

Digo yo. ¿No sería importante recalcar que es el principal maestro de la Escuela Veneciana y lo que eso implica respecto al uso de los colores cálidos? Por lo demás bien.

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Nuria R. (6) responde a la  Imágen nº 4

1-Se trata del fresco del Juicio Final (pared del altar),que pertenece al conjunto de pinturas de la Capilla Sixtina (Vaticano, Italia).
2-Pintada por Miguel Ángel Buonarrotti,durante el Renacimiento (Cinquecento),siglo XVI (1534-1541); que regresó mandado por por un segundo Papa que le hizo este encargo,dado que Julio II le encargó en 1508 los frescos de la bóveda de la capilla.
3-Características:una figura humana robusta,con una musculatura excesivamente desarrollada, la curva serpentinata (propia del autor) posturas del cuerpo muy exageradas, como la del personaje central, y con una terribilitá interna que se deja ver en las expresiones de los personajes. No le interesan demasiado los fondos, solo la narracion y la figura humana,como se puede comprobar con el sencillo fondo celeste.Destaca también por el desnudo de los personajes,casi integral, cosa que escandalizó a algunos, fue una novedad en la representación del Juicio Final hasta entonces. En este fragmento vemos a los santos,en especial a San Pedro con las llaves del cielo en las manos (lado drch.) ,a San Bartolomé (abajo) que lleva en una mano un cuchillo y en la otra una piel como símbolo de su martirio (dado que le desollaron vivo en su viaje a las tierras bárbaras).

Me encanta cuando no tengo que corregir nada porque todo es perfecto... Bueno sí, dos  matices..., no me puedo resistir: 1) aunque decimos que es del Cinquecento esta obra encaja en el estilo manierista incluso por fechas y 2) se dice que el pellejo de San Bartolomé recoge el autorretrato de Miguel Ángel.

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Alejandra (7) nos habla de la IMAGEN 2. Como te prometí ahí va el emoticón .

"*Se trata de una obra al fresco de Massacio llamada "El tributo a la moneda". Fue realizado entre 1424 y 1425. Está en la Capilla Brancacci, Iglesia del Carmine (Florencia).
*Las figuras aparecen pintadas con líneas suaves y presentan una gran naturalidad que las aleja de la rigidez medieval. Los personajes aparecen envueltos en sencillas vestiduras y sorprenden por su sensación de volumen. Característico en Masaccio son las figuras monumentales, robustas, escultóricas, pesadas; consigue gran dominio de la perspectiva y del espacio como se puede comprobar por las arquitecturas que utiliza a la derecha de la escena y el paisaje de montañas y árboles del fondo. se pude ver que se produce un contraste entre el fondo de colores apagados y las figuras, cuyas túnicas brillantes las hacen destacar aún más y mediante esa luz que les refleja aumentan su volumen."

Se trata de un detalle de uno de los episodios de la vida de San Pedro.

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Lo siento Nuria P., repites imagen.

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Ana (8) ha comentado la imagen 7.

Se trata de la obra “Tránsito de la Virgen” Pertenece a la pintura del Quattrocento. Es una obra del pintor italiano Andrea Mantenga, realizada hacia el año 1461. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado (Madrid). Esta pintura describe un tema religioso, la muerte de la Virgen María. Presenta colores agrios que acompañan a la perfección el sentimiento doloroso .La inquietud de Mantenga por la representación de la perspectiva se ve reflejada en la estructura de la escena y en la distribución de cada una de sus figuras dentro del espacio compositivo. Sobre los pliegues de los vestidos se deslizan y brillan hilos de luz; en los rostros, los sentimientos tienen modulaciones diversas.

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Elisa (9) utiliza su comodín par resolver la Imagen 6.

Estamos ante un desnudo de Eva, que se incluye en el coro de la catedral de Toledo, siendo una de las representaciones del Antiguo Testamento, realizado en madera policromada por Alonso Berruguete, pintor español del segundo tercio del renacimiento. Recibe la influencia tanto de Donatello, en el canon humano curvilíneo lleno de bultos que exaltan la sensualidad, también esta musculatura la identificamos con Miguel Ángel, además de la belleza idealizada vaporosa, pues parece estar bailando y el gigantismo de la figura que ocupa casi todo el espacio. Añadir la línea serpentinata que se crea con el árbol enroscándose en su pierna y que es uno de los pocos desnudos españoles, ya que ha sido siempre un tema tabú.

Dos matices: 1) la obra no está ni ha sido nunca policromada y 2) aunque también es pintor, destaca -y este es el caso- por escultor. Cuida esos lapsus para conseguir comentarios redondos.

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Jorge (10) ha completado esta pinacoteca resolviendo la imagen 10, que por un error tenía el número 3, y se lleva el punto.

"La cabalgata de los Reyes Magos, pintura cuatrocentista del pintor italiano Benozzo Gozzoli que se encuentra en la capilla del palacio Medici-Ricardi.
En este caso el tema, de tipo religioso, es una mera excusa para retratar importantes personajes y políticos de la época, como los propios Medici, que con esta obra pretendían hacer alarde de lujo y poder, en la figura de los
Reyes Magos y su cohorte, representados con una belleza idealizada.
El detallismo en el paisaje recuerda a la pintura del gótico flamenco mientras la profundidad se logra a través del escorzo."

Miguel Ángel Buonarrotti (Caprese, cerca de Sansepolcro, 1475 - Roma, 1564) es uno de los artistas más geniales de todos los tiempos. No vamos a descubrir nada nuevo sobre este artista tan influyente sobre las generaciones posteriores y sobre el que hay infinidad de monografías, por lo que me conformo con ofreceros algunos datos que me parecen relevantes para entender, en este caso, su obra pictórica y, en concreto, los frescos que cubren la bóveda de la Capilla Sixtina.

Datos biográficos a tener en cuenta en relación con su obra pictórica.

• El joven Miguel Ángel se formó  en la pintura en el taller de Doménico Ghirlandaio en la ciudad de Florencia entre 1488 y 1490.  Con este pintor aprendió la técnica del fresco y demostró un don sobresaliente para el dibujo. En 1490 el propio maestro le recomendó  para que aprendiera el oficio de escultor con Bertoldo di Giovanni, que tenía taller  en el mismo Palacio Medici. Tal decisión reorientará su carrera hacia la escultura y le pondrá bajo el mecenazgo de la principal familia florentina hasta 1492.
• Aunque desde entonces su actividad principal fue la escultura, están constatados algunos bocetos y obras inacabadas en los años siguientes. La primera obra pictórica importante que puede atribuírsele con seguridad es La sagrada Familia o Tondo Doni, que se fecha entre 1503-06. En este extraño grupo Miguel Ángel abordó problemas que luego veremos desarrollados en los frescos de la Capilla Sixtina: la conciliación del mundo clásico y la religión cristiana; la plasticidad y el volumen corporal de sus figuras; el desnudo; el movimiento; el uso de colores brillantes; y la composición.

Miguel Ángel Buonarroti. La sagrada Familia o Tondo Doni, 1503-06.

• En 1508 inicia los trabajos de la bóveda de la Capilla Sixtina,  que finaliza en 1512. No insisto en este tema puesto que lo voy a desarrollar en el grueso de este artículo.
• En 1534 regresó a este mismo lugar para pintar la pared del altar con el Juicio Final que le llevó hasta 1541.

• Después de estos dos gigantescos  frescos, cualquier obra posterior queda empequeñecida y parece menor. Es el caso de los dos frescos que realiza para la capilla Paulina del Vaticano (1542-50) narrando La conversión de San Pablo y El martirio de San Pedro.

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EL TECHO DE LA CAPILLA SIXINA. 1508-1512.

En mayo de 1508 Michelangelo Buonarrotti aceptó de mala gana el encargo que le hizo el papa Julio II para que decorara la bóveda de la Capilla Sixtina. Se le acababa de hurtar por intrigas políticas el  proyecto escultórico del mausoleo del Papa, del que llevaba ya varias piezas trabajadas, y no tenía ninguna gana de cambiar de proyecto y menos por uno pictórico. Al artista tampoco le gustaba el tema que le propuso Julio II, representar a los doce apóstoles. Tras un mal comienzo, decide licenciar a los ayudantes que le rodean, hace borrar lo que ya estaba pintado, y rebosante de inspiración se encierra a solas con su obra para realizar sin apenas descanso una obra que asombra por el ingenio que derrocha al representar cerca de 350 figuras sobre nada menos que 500 metros cuadrados de superficie (13,75 x 39 metros).

A continuación tienes una  presentación para ver al detalle todo el conjunto. Te recomiendo que la veas a pantalla completa y que no te pierdas ni una sola diapositiva porque hay una sorpresa. Como colofón de la presentación podrás ver cómo se produjo la restauración de esta obra entre 1980 y 1994.

Las escenas centrales del Génesis.

Miguel Ángel desarrolló un nuevo programa iconográfico cuyo tema central fue el libro del Génesis, desde la creación a la caída del hombre en el pecado. El Dios que creó el mundo y todas sus criaturas, pero que también castigó a la humanidad por su pecado a sufrir con el trabajo y el dolor.

Hay nueve escenas centrales: cuatro en rectángulos de gran formato y cinco en pequeño. Los grandes narran cronológicamente: La separación de la luz y las tinieblas, La creación de Adán, El pecado original y la expulsión del jardín del Edén y El diluvio universal. En los cinco rectángulos más pequeños aparecen: La creación de los astros, La separación de tierras y aguas, La creación de Eva, El sacrificio de Noé y La embriaguez de Noé. Algunas de estas escenas no habían sido pintadas en el renacimiento por ser difíciles de llevar a materialización plástica.

La escena más famosa es la de La creación de Adán. Dios Padre, llevado por un grupo de ángeles y arropando con su brazo izquierdo a la preconcebida Eva, da vida con un ligero toque de su dedo índice a Adán, el primer hombre. La figura de Dios Padre es atlética y enérgica, está en plena tensión y su cabello y su capa es movida por el viento. Adán es un bello kuros que empieza a despertar. Su cuerpo refleja los ideales clásicos. El acercamiento de sus dedos sobre un fondo neutro produce un efecto de alta intensidad muy notable, que se ha convertido en el detalle más señalado del tema.

Profetas, Sibilas e ignudi.

Las lunetas triangulares situadas a ambos lados de estas escenas contienen imágenes de los Profetas y las Sibilas, sentados sobre tronos de piedra en las más forzadas posiciones. Su actividad es frenética: consultan libros o pergaminos o bien redactan sus visiones.

Por orden de arriba a abajo. El profeta Ezequiel (boca abajo). La creación de Eva. Le rodean cuatro ignudi. La sibila de Cumas.

Los profetas asisten a este gran escenario porque anuncian en sus libros del Antiguo Testamento la llegada del Mesías, mientras que las Sibilas prefiguran el mundo pagano, el tiempo histórico en el que la venida se hace historia real.

Figuras secundarias enmarcan o acompañan a estos anunciadores, son los ignudi y los putti. Los ignudi son  jóvenes desnudos que se disponen por parejas y portan paños, escudos de bronce o guirnaldas de hojas de encinas y bellotas (el símbolo de la familia Della Rovere, de la que procedía el papa Julio II). Sus posturas forzadas sirven a Miguel Ángel para demostrar su virtuosismo en la representación del desnudo. Los putti son pequeños cupidos que juguetean tras los serios gigantes entronizados.

Pechinas y lunetos.

Las cuatro pechinas de los rincones de la bóveda también están decoradas con historias del Antiguo Testamento en gran formato, en concreto del libro de Esther. En ellas se representan la lucha entre David y Goliath, la escena entre Judith y Holofernes, Las serpientes de bronce y El castigo de Amán. Es un formato especialmente complicado, pero que no es obstáculo para Miguel Ángel.

Miguel Ángel. Las serpientes de bronce. Pechinas de la bóveda de la Capilla Sixtina. Los escorzos, retorcimientos y el expresionismo de los personajes preludian el Juicio Final. En la esquina inferior se ha dejado un pequeño rectángulo como testigo de la suciedad que tenía el conjunto antes de la restauración acometida.

Los lunetos son más simples y representan a supuestos ancestros bíblicos de Cristo.

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CARACTERÍSTICAS PICTÓRICAS DEL CONJUNTO.

• 1. La inspiración monumental debe buscarse en los grandes maestros del pasado: en  la Capilla Scrovegni de Giotto o  en la Capilla Brancacci de Masaccio, donde estos artistas ya ensayaron grandes conjuntos narrativos, aunque éstos fueron sobre el muro y con temas distintos. La misma capilla ya era un conjunto pictórico desarrollado en vertical donde desde su erección ya habían pintado sobre sus paredes pintores del Quattrocento como Botticelli, Perugino o Ghirlandaio. El mismo techo a repintar por Miguel Ángel estaba cubierto con un cielo azul intenso plagado de estrellas.

• 2. La escenografía pictórica. La superficie física donde tenía que realizar la obra planteaba muchos problemas para su proyecto, puesto que no era un techo simple: se trataba de un espacio central continuo curvo y unos laterales con pechinas y lunetos que se amoldaban a las aperturas de los ventanales o a las esquinas. Descartó, por tanto, la escena única para idear una solución muy imaginativa, que será muy imitada de aquí en adelante por otros pintores. Creó una quadratura o estructura arquitectónica fingida que le permitiera enmarcar los espacios principales del centro y que, a su vez, sirviera de elemento de apoyo para subdividir los espacios curvos triangulares resultantes. Los elementos empleados (arcos fajones, pilastras con esculturas de putti, cornisas en resalte, arquivoltas y medallones) debían crear la ilusión óptica de ser reales para poder encajar en ellos las figuras. Para romper con la monotonía Miguel Ángel creó una división rítmica en la bóveda donde las grandes pinturas horizontales eran flanqueadas por pequeñas escenas rodeadas de ignudi que se sentaban sobre las pilastras fingidas, dando prominencia a cuatro escenas principales. Los otros espacios no presentan especial protagonismo.

En esta imagen vemos como a través de los elementos arquitectónicos se crean los marcos donde encajar escenas y figuras en un formato tan complejo. Tres escenas en el centro entre estructuras simuladas: cuatro arcos fajones y  dos cornisas perpendiculares sobresalientes. Los ignudi enmarcan los rectángulos menores y hacen que resalten la escena central. En los laterales, los triángulos curvos entre y sobre las ventanas se resuelven con pilastras y arquivoltas falsas que sirven para crear dos espacios diferenciados: los de los gigantes anunciadores del Mesías y los que representan a los ancestros de Cristo.

• 3. Evolución a lo largo de los cuatro años de trabajos. Miguel Ángel irá aprendiendo sobre la marcha y evolucionando en su estilo y forma de trabajar a lo largo de los años. Gracias a la restauración realizada en los años 80 hemos obtenido datos técnicos, así como el tiempo empleado en pintarla. No hay que olvidar que era su primera obra al fresco, por lo que las vacilaciones y los errores se manifiestan sobre todo en las primeras obras. Comenzó por la escena de El diluvio universal, que le llevó 39 días, y terminó con la de La Separación de la luz y las tinieblas que le llevó solo 4 días de trabajo. Cuanto más nos acercamos al altar, se aprecia una mayor seguridad y fluidez en las pinceladas y podemos observar cómo las figuras ganan tamaño y dinamismo.

El Diluvio Universal, uno de las primeras escenas y La creación de los astros, una de las últimas.

• 3. La concepción escultórica guió los diseños particulares de sus figuras. Con dibujo firme supo incorporar el espíritu de la escultura helenística de La muerte de Laoconte y de sus hijos de cuerpos rotundos y contorsionados.  La ausencia de preocupaciones pictóricas como el paisaje y la importancia que le da a los volúmenes y a los escorzos nos muestra esta inspiración de su obra en el bulto redondo dinámico. Para conseguir que cada personaje tuviera una postura creíble y diferente a las demás, el artista realizó innumerables estudios y esbozos previos, donde sometía a la figura a distintos puntos de vista, trabajando especialmente en la captación de la sensación volumétrica, como podemos ver en el dibujo de debajo. Su propio aprendizaje  durante estos años en trazar formas colosales cargadas de terribilitá le llevará a realizar el  Moisés de San Pietro in Vincoli, como continuación en mármol de unos más de sus profetas y sibilas.

Miguel Ángel. Dibujo preparatorio de la Sibila Líbica.

• 4. Las referencias escultóricas al mundo clásico son muchas, pero también a los artistas más cercanos.

1. - los putti aparecían en los sarcófagos romanos;
2. - los ignudi son variaciones de los hijos del Laoconte y del Torso de Belvedere, ambas obras en la colección vaticana;

Torso de Belvedere. Siglo II a. C. Museo Vaticano. Esta obra junto a la del Laoconte fueron descubiertas en Roma durante el papado de Julio II y no pudieron ser más determinantes para la obra de Miguel Ángel, como para otros artistas de la época.

1. - la representación de Dios Padre recuerda las de un Júpiter Todopoderoso;
2. - la belleza y postura de Adán parecen sacadas del frontón de un templo griego, pero también de la tercera puerta del baptisterio de la catedral de Florencia de Ghiberti, al que tanto admiraba.
3. - la rotundidad de sus modelos y la simplicidad en trasmitir el mensaje pudo admirarlo en la puerta de la iglesia de San Petronio de Bolonia de Jacopo della Quercia.

La escena de La expulsión de Adán y Eva del Paraíso vista por Della Quercia y por Miguel Ángel.

• 5. Otros recursos pictóricos.

1. Miguel Ángel admiraba a Masaccio especialmente por su estilo puro y sin adornos y ese rasgo se resalta al comprobar que no le interesa la ambientación paisajística de sus escenas ni los elementos anecdóticos. En las escenas de la Creación es donde se manifiesta con más claridad.
2. Modelo humano robusto de sus personajes. Miguel Ángel buscó  representar el cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada basado en el estudio meticuloso de la anatomía. Aún así sus figuras resultan de un tamaño monumental y de un canon que sobrepasa el ideal clásico. Su gusto por el desnudo nos permite recrearnos en formas humanas excesivas que tienden a exagerar la musculatura y a alargarse, lo que ya anticipa los modelos manieristas.

El profeta Jonás. Uno de los mayores gigantes de Miguel Ángel.

1. El movimiento es otro elemento que acompaña toda su obra, sobre todo los frescos realizados a partir de 1511. En sus cuerpos observamos retorcimientos que conocemos como línea serpentinata: una parte del cuerpo se dirige en una dirección, mientras  que otra lo hace hacia otra creando una torsión o contraposto que puede ser muy extrema. Los ignudi son los mejores ejemplos de estas formas inestables. Otro recurso para conseguir sensación dinámica es a través de escorzos muy  violentos, por los que las figuras parecen  avanzar en nuestra dirección. En La Separación de las tierras y las aguas, Miguel Ángel muestra el cuerpo del Creador encogido por la perspectiva con los brazos extendidos como si viniera desde el cielo directamente a abordar al espectador.

Los ignudi se agitan en enrevesadas posturas mientras que el Creador vuela y se precipita sobre la tierra.

• El color es otro de los elementos de los que se sirvió Miguel Ángel. Utilizó colores complementarios y brillantes que resaltaran las figuras. Consiguió una enorme riqueza cromática. Llama la atención sus telas con tonos verdes, naranjas, rosas y violetas. La pátina de humo que recubría la pintura había hecho pensar a los historiadores del arte que el color no era importante para él, pero después de la restauración y limpieza entre los años 1980 a 1994 se ha recobrado la luminosidad y colorido de la obra.

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Para ver más.

Página de los Museos Vaticanos que permite ver la Capilla Sixtina con todo detalle ¡y sin gente!

Pontormo, cuyo verdadero nombre era Jacopo Carrucci, fue uno de los pintores más representativos del manierismo florentino. Un artista y un estilo mal comprendido por la historiografía del arte. Esta es la razón fundamental para elegir su obra y, en concreto, la pintura del Santo Entierro de la Iglesia de Santa Felicitá de Florencia, y reivindicarla. Para conocer más detalladamente su obra gráfica revisa esta presentación.

UNA PEQUEÑA BIOGRAFÍA DE PONTORMO.

Nació en Pontormo, cerca de Empoli (Toscana), el año 1494. A los cinco años moría su padre, un pintor que había trabajado en el taller de Ghirlandaio, y cuando tenía diez años lo hizo su madre. La orfandad tal vez determinó su carácter solitario y neurótico, tal y como era descrito por sus contemporáneos. Desde 1508 residirá en Florencia donde morirá en 1557.

Formación, primeros años e Influencias (1512-1525).

Se supone que pudo tener los primeros contactos con la pintura en los talleres de Leonardo da Vinci, de Piero di Cosimo y, desde 1512, de Andrea del Sarto. La relación con este maestro no fue muy buena y en 1513 rompieron posiblemente por el carácter difícil del discípulo y la envidia del maestro que se ve superado por el tratamiento original y vigoroso que Pontormo daba a la temática religiosa. El caso es que ambos pintan por separado en el claustro de Santísima Annunziata  de Florencia. Estos frescos (1514), hoy bastante deteriorados, son las primeras obras importantes que se le conocen como maestro independiente. En ellas se ve claramente las influencias de Del Sarto, pero también de Rafael y de Miguel Ángel. En la obra que tenemos debajo, el fresco de La Visitación, podemos ver como asimila y sintetiza la obra de estos artistas:

Pontormo. Visitation, 1514. Claustro de Santísima Annunziata, Florencia.

• Es Andrea del Sarto/ Leonardo en el uso de una composición equilátera central que nos dirige al ápice del triángulo donde se encuentran las figuras principales.
• vemos al Miguel Ángel de la bóveda de la Capilla Sixtina a través del color y de la monumentalidad del modelo humano y de las posturas forzadas que adoptan los personajes;
• mientras que la idea compositiva  de conjunto y ciertas figuras, como la del niño sentado en la escalera o de aquellos que miran al espectador, se inspiran en La Escuela de Atenas y en La Disputa del Santísimo Sacramento de la Eucaristía de las Estancias Vaticanas realizadas por Rafael.

De este fresco emana todavía el espíritu clasicista del Cinquecento, basado en la serenidad y en el equilibrio. Sin embargo, a partir de entonces su paleta y su estilo derivarán hacia un manierismo dramático y personal. Seguirá respetando a los grandes maestros, pero buscará nuevas fórmulas expresivas que le liberen de la rígida imitación de los mismos. Es como si se produjera en él, en palabras de Panofsky, "una reacción casi violenta contra la armonía clásica". Posiblemente tras esta reacción está la influencia de la obra de Durero.

Pontormo. La presentación de Jacob ante el faraón, 1515-18. National Gallery de Londres.

Los cuadros que realiza entre 1515 y 1518 sobre la Historia de José en Egipto para el dormitorio de Pierfrancesco Borgherini muestran ya un alejamiento premeditado de la mesura y, sobre todo, se adentran en complejidades compositivas y simbólicas, que pueden parecer poco acertadas, pero que indican el ansia de originalidad y de ruptura de este artista. El mejor ejemplo puede ser el cuadro de La presentación de Jacob ante el faraón. A través de él podemos comprender hacia donde derivaba la pintura manierista:

1. La temática religiosa es una excusa para convertir un cuadro en vehículo para representar composiciones teatrales.
2. El colorido deja de ser objetivo y busca la brillantez y el reino de la fantasía.
3. Las composición es puro caos. La curvatura de la escalera central le confiere tensión y dinamismo. Una mezcolanza de personajes en distintos planos nos narran diversos momentos de la Historia de José. Nuestros ojos no saben bien en donde fijarse porque no hay referencia de prioridad en la composición. Predominan líneas diagonales y curvas que se pierden en elementos anecdóticos. De hecho es difícil darle un nombre a este extraño cuadro.

1. El ambiente es irreal, de espacios con estructuras arquitectónicas incongruentes.
2. Las esculturas adquieren un extraño protagonismo puesto que parece que están vivas. Su significado es un misterio.
3. Las figuras empiezan a distorsionarse hacia un canon alargado, aunque todavía no es muy exagerado.

En los años siguientes trabajará, además de como retratista,  fundamentalmente en dos conjuntos de frescos muy distintos: la pintura mural del salón de la Villa de los Medici en Poggio a Caino (1520-21) y las historias de la Pasión del claustro de la cartuja de San Lorenzo al Monte en el Galluzo (1523-25).

La primera es una escena mitológica, donde los dioses romanos Vertumno y Pomona aparecen ataviados con ropajes de campesinos. Las posturas de algunos de los personajes nos remiten de nuevo al Miguel Ángel de la Capilla Sixtina. En las pinturas del monasterio, muy deterioradas, utilizó como referencia compositiva principal los grabados de Durero, que realizó sobre el mismo tema de la Pequeña y Gran Pasión (1507-12).

Madurez (1525-1557).

A mediados de la década de los veinte podemos decir que Pontormo ha madurado su estilo y realizará su obra maestra paradigma del manierismo. Durante los primeros años y en esta capilla en concreto se hace ayudar por su pupilo e hijo adoptivo, Bronzino.

El descendimiento de la capilla Caponni en Santa  Felicitá, Florencia (1525-1528).

El trabajo que actualmente vemos en la pequeñísima capilla funeraria de los Caponni en la iglesia de Santa Felicitá de Florencia es sólo una parte del conjunto que pintó Pontormo. Falta lo primero que pintó hacia 1525, los frescos para la cúpula. No sabemos cuando desaparecieron estas pinturas (entre los siglos XVI al XVIII), pero sí sabemos por dibujos preparatorios que representaban a Dios Padre rodeado de cuatro patriarcas.

Este fresco fue seguido por los cuatro medallones circulares de las pechinas con los retratos en busto de los evangelistas que asoman como alucinados en trampantojo como a través de un óculo. En la expresividad de las manos y de los rostros de éstos alucinados personajes podemos comprender la influencia que dejó en Pontormo la obra de Alberto Durero. Para comprender su semejanza en un estilo expresionistas y efectista he hecho un montaje comparando uno de estos medallones, el de San Juan, y un detalle del cuadro de Durero que exhibe el Museo Thyssen titulado, Jesús entre los doctores.

Pontormo, San Juan, capilla Caponni, 1525. Durero, Jesús entre los doctores, 1506 (detalle).

El dramático retablo del altar, que va a ser el objeto preferente del comentario, fue pintado a continuación. Aquí tenemos una de las obras maestras del manierismo por distintas razones.

Pontormo, El descendimiento de la Cruz, 1525-28. Óleo sobre madera, 313 x 192 cms. Capilla Capponi o Barbadori, iglesia de Santa Felicitá, Florencia.

• La temática. La forma de referirnos a esta tabla es El descendimiento de la cruz, aunque también se la conoce como La Lamentación, la Piedad o el Santo Entierro. La descripción del tema es una de las polémicas más estériles que ha despertado este cuadro, quiero decir, que se han escrito muchas páginas sobre el momento que representa cuando, a mi parecer, el pintor en su libertad como artista no quiso adaptarse a ninguna de las representaciones ortodoxas, sino interpretar a su manera los Evangelios  -por otra parte, algo muy al uso en esta década de la reforma protestante- para obtener una escena cargada de dramatismo. El tema es habitual del cristianismo, pero el tratamiento es desconcertante porque no se ajusta a los textos religiosos. Pontormo selecciona lo que le interesa de la historia sagrada, básicamente el Cristo muerto, su madre y el sentimiento patético que se produce entre los que viven el momento. Oculta o hace desaparecer aquellos elementos que pueden restar protagonismo a su foco de interés como son, el paisaje, la cruz o la tumba. Es significativo que en los bocetos preparatorios se pueda ver la escalera que sirvió para la deposición del cadáver (arriba a la izquierda) y que en la versión final despreció. Introduce nuevos personajes ajenos a la iconografía tradicional, como los hombres jóvenes  que portan a Cristo (¿ángeles?), que sustituyen a los ancianos Nicodemo y José de Arimatea. Estos dos jóvenes aportan misterio y perplejidad al que contempla el cuadro, ya que miran al espectador pidiendo complicidad en la escena. En definitiva, el tema es reinterpretado libremente, reclamando esta facultad para el artista, lo que constituye una de las cualidades de modernidad del cuadro.

• El modelo humano es otra libertad que se toma el artista en la representación. La figura de Cristo tiene un palidez escultural que se inspira claramente en la figuración de Miguel Ángel: cuerpo monumental y postura retorcida que exagera la musculatura. Su belleza recuerda la del Cristo de la Piedad del Vaticano. El desnudo se muestra con esplendor cubriendo con un paño de castidad verde al difunto. La Virgen María se representa mucho más grande que el resto de las figuras del lienzo. Las mujeres se agitan en torno a las figuras principales repartiendo las manchas de color y de luz.  Los desnudos de las figuras masculinas, concebidos como tal en los bocetos, han sido cubiertos por finas túnicas de colores que trasparentan sus cuerpos. El que está agachado mantiene precariamente el equilibrio sobre las punteras de sus pies en una postura imposible para alguien que porta un cadáver a cuestas. Ah..., y por supuesto, está además el alargamiento fuera de cualquier canon proporcional de estos cuerpos.

• La luz y el color irreal condicionan el conjunto. Los colores utilizados son como los de un arco iris de tonos contrastados y brillantes, se podría decir que chillones. La iluminación frontal  hace que tiendan al blanco y que el color objetivo o realista aparezca en las sombras. El resultado final es un ambiente fantasmagórico que influye en nuestro ánimo al contemplar la tabla. Hay que entender que estos tonos tan ácidos se exageraron posiblemente para resaltar las figuras en una capilla muy mal iluminada por la luz natural.

• La composición. Las figuras principales están desplazadas del centro, careciendo, por tanto, de foco central de atención. Una confusa amalgama de figuras se retuercen por todos los lados hasta el punto de que en algunos lugares resulta difícil distinguir que miembro pertenece a quien. Hay un movimiento interno elíptico propiciado por las direcciones de los brazos y de la luz  que nos lleva en el sentido inverso de las agujas del reloj de la figura de la Virgen al cuerpo del Cristo. Los cuerpos a su vez llevan su propio ritmo helicoidal. El marco estrecho en donde encajan amontonadas las figuras hace más agobiante la escena. Todo lo descrito no puede ser más anticlásico.

• La expresividad. Los rostros quieren conmovernos: unos nos miran directamente (los porteadores de Cristo) y nos piden que nos sumemos al duelo; y otros, como la Virgen o las mujeres, contienen su dolor, su gesto no es desgarrador y tal vez peca por demasiado silencioso. El mismo artista no puede reprimirse y aparece compungido en un lateral, es el personaje con barba de la parte superior derecha.

El último trabajo de este conjunto fue la pintura al fresco de la pared de la ventana donde representó una Anunciación a gran tamaño, que fue fechada en 1528.

Otros trabajos.

Al poco de terminar este conjunto llevó a cabo alguna de sus tablas más notables, como la de La Visitación para la iglesia de Carmignano (1528-29).

Su trabajo como retratista  tiene sus mejores momentos trabajando para los Medici y para el resto de las familias florentinas durante estos años. Su estilo distante y frío es propio del gusto de la época. sus primeros retratos  siguen las directrices de Andrea del Sarto, transformando la dulce expresión leonardesca y una mirada más agresiva y expresiva. En sus cuadros desde los años 30 influye mucho su propio discípulo, Bronzino, mucho más hábil en este género.

Pontormo. Dama vestida de rojo. Hacia los años 30.

Entre 1531 y 1532 pasará a óleo dos bocetos de Miguel Ángel, Noli me Tangere y Venus y Cupido. Del resto de su obra hasta su muerte poco se puede decir porque los grandes conjuntos d frescos que pintó para las villas y monasterios han desaparecido.

El fresco de Masaccio sobre la Santísima Trinidad de la iglesia de Santa María Novella de Florencia constituye uno  de los grandes hitos de la pintura europea. Para su autor fue prácticamente su segundo trabajo después de colaborar con su maestro Massolino en la capilla Brancacci (iglesia del Carmine, Florencia).

Datos técnicos.

Fresco, hacia 1427. 667 x 317 cm

¿Pero a qué se debe esta importancia?

Pues a que fue la primera obra pictórica en la que se aplicaron de forma consecuente las leyes de la perspectiva lineal, tal y como habían sido enunciadas poco antes por Brunelleschi. Se cree que el arquitecto pudo haber actuado como asesor artístico en la ejecución de la pintura. Masaccio extendió ilusioriamente el espacio arquitectónico real mediante el recurso de crear una bóveda artesonada que da la sensación de que continúa más allá. .

Desde finales del gótico, numerosos artistas intentaron representar la tercera dimensión. La novedad de Masaccio es que utilizó un método preciso de cálculo matemático que permitió reproducir a todos los personajes según su posición en el espacio.  Además utilizó un punto de vista bajo y trazó una densa trama de líneas  auxiliares que todavía se pueden distinguir bajo las capas de color. Todas las líneas tienen su origen en el punto de fuga central, a la altura del escalón inferior. Este se halla situado al nivel ideal de visón para el observador y debía contribuir a que quienes contemplaran la pintura se sintieran partícipes de la escena.

Iconografía. Significado de la obra.

Además del valor formal  del fresco, la obra aporta un mensaje que va íntimamente ligado al juego de la perspectiva. De hecho, arquitectura y  perspectiva son los elementos ordenadores de la composición. Si contemplamos la imagen de abajo a arriba asistimos a un mensaje ordenado de forma piramidal que va desde la muerte a la intercesión, la expiación y la salvación.

• El  plano más cercano es un nicho sepulcral que contiene un esqueleto con una inscripción con un aforismo que dice así: "En un tiempo era como eres tú ahora, un día serás como soy yo ahora". Es el recuerdo inequívoco del carácter efímero de todo lo terrenal. La muerte es el destino individual de toda la humanidad.
• A continuación  aparecen los donantes arrodillados, cuya identidad no es segura (miembros de la familia Lenzi). Ellos simbolizan el plano de la humanidad viva que implora. Al estar situados ante las pilastras de los lados acentúan la ilusión de una profundidad espacial.
• La Virgen y San Juan son los santos, los ya salvados que interceden por los mortales ante Dios. Jerárquicamente les corresponde un escalón superior y se disponen simétricamente flanqueando la cruz.
• El centro del fresco está ocupado por Cristo en la cruz, que es sostenido por Dios Padre, situado en el lugar más interior de la bóveda y que más se intuye que se ve. Entre ambas cabezas vuela una paloma, el Espíritu Santo, completando la Trinidad y haciendo patente la divinidad del crucificado. Pero además es hombre y por su sufrimiento y  su sacrificio en la cruz se produce la salvación de la humanidad.

La pintura del Quattrocento.