No podéis dejar pasar la exposición que desde el 10 de Febrero y hasta el 15 de mayo de 2011 nos sirve la Fundación MAPFRE en su sala de exposiciones Recoletos en Madrid. Su título es El esplendor del Románico y es, como digo, una cita ineludible de esta primavera. No hay excusa posible, porque ¡hasta es gratuita!, tiene un horario amplio y para todo aquel que no pueda asistir personalmente, puede hacerlo de forma virtual pinchando aquí, es la  visita que nos ofrece la fundación. También puedes ver este vídeo que también puede hacerte una idea de lo que puedes encontrar.

Se tratan de obras del Museo Nacional de Arte de Cataluña, una de las mayores y mejores colecciones de arte románico. Sus obras maestras viajan  por primera y probablemente única vez a Madrid en el marco de un acuerdo de colaboración por el que la Fundación MAPFRE ha efectuado una filantrópica aportación de 900.000 euros destinada a la remodelación de las salas románicas del Museo.

Son 59 obras representativas de las principales técnicas y temáticas del estilo románico que nos ofrecen una semblanza de este arte muy completa. Es verdad que los frescos que han viajado no son los más conocidos de San Clemente o de Santa María de Tahull o que los relieves en piedra no son muy impresionantes; sin embargo, las tablas, las esculturas en bulto redondo y las piezas de orfebrería son excepcionales. Puedes ver y descargar el folleto de la exposición en este Slide.

Folleto de la exposición El esplendor del Románico. MAdrid, Feb-Mayo 2011

Cinco secciones articulan esta muestra

• En la primera de estas secciones, bautizada como "El color en la arquitectura", destacan en particular la Lapidación de San Esteban, pieza que se encontraba en la iglesia ilerdense de San Juan de Boí y que se presenta al público por primera vez tras una cuidada restauración. A mí personalmente me ha gustado el detalle de la Disputa y el prendimiento de Santa Catalina de la catedral de la Seo de Urgell (1241), ya con indudables influencias de la pintura gótica.

Disputa y arresto de Santa Catalina de la catedral de la Seo de Urgell (1241).

• El segundo apartado se dedica a "La escultura monumental", de la que el monasterio de Ripoll fue activo centro de producción. De este monasterio se nos ofrece una película en 3D, que hay que ver con gafas especiales. Este sea tal vez, el capítulo más flojo de la exposición puesto que sólo se exponen en directo unos cuantos capiteles, no muy llamativos, y una extraña dovela encontrada enterrada en el monasterio de Santa María de Ripoll y que representa a una monstruosa cabeza humana comiéndose un carnero.

• En tercer lugar, "Un espacio para la narración" nos ofrece bellos ejemplos de pintura al temple hechas sobre tablas y para decorar los altares: frontales y baldaquinos. Son los que han quedado, porque se sabe que los hubo en oro y plata, pero esos han desparecido. Los que conservamos poseen un rico cromatismo gracias a la técnica del temple. Se elaboraban en talleres monásticos como Ripoll o catedralicios como la Seo de Urgell o Vic. Entre ellos destacan el frontal de los apóstoles de la Seo de Urgell, o el de los arcángeles (de procedencia desconocida) o el Baldaquino de Tost. Se echan de menos el frontal de Santa María de Aviá o el de San Quirze y Santa Julita.

Frontal de altar de los arcángeles, mediados siglo XIII

• La cuarta sección, "El poder de las imágenes", trae la expresividad de las tallas de madera, con o sin policromía. Las dos tipologías más frecuentes, Virgen con niño y Crucificado, están magníficamente representadas. Destaca entre las piezas presentes la pequeña talla  de la Virgen de la iglesia de Santa Coloma de Ger, Gerona, y el Cristo en la cruz o Majestat Batlló, ambas obras de la segunda mitad del siglo XII. La primera es la típica Theotokos hierática que sirve de trono al niño Pantocrátor y la segunda es la exaltación del triunfo de Cristo sobre la muerte.

• La exhibición se cierra con "El tesoro de la iglesia", en el que se exponen distintos objetos para el culto y la liturgia elaborados con materiales preciosos: copones, relicarios, báculos, cruces...Destacan los que están esmaltados en los talleres de Limoges. Me ha encantado el báculo de Mondoñedo, un bastón episcopal de bronce que representa la escena de la lucha del arcángel San Miguel contra el Dragón.

Báculo de Mondoñedo, Lugo. Hecho en Limoges, primer cuarto s. XIII.

La muestra se completa con un catálogo de los especialistas Jordi Camps, Gemma Ylla-Catalá, Lucía García de Carpi y Manuel Castiñeiras.

Datos técnicos

SALA RECOLETOS

Entrada gratuita

Paseo de Recoletos, 23  ---Madrid--- 28004.

Del 9 de febrero al 15 de mayo de 2011

Teléfono: 91 581 61 00

Horarios

Lunes, de 14:00 a 20:00 horas
De martes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas
Domingos y festivos, de 11:00 a 19:00 horas

Cómo llegar

Autobuses 5 - 14 - 27 - 37 - 45 - 53 - 150

Metro: Línea 4 (Colón) y línea 2 (Banco de España)

Cercanías: Líneas C-2, C-7, C-8 y C-10

Si la pintura mural románica se centraba en el ábside, la pintura sobre tabla servía para decorar el altar con plafones rectangulares de madera.  La pieza más importante, que se colocaba delante del altar, recibe el nombre de antipendio o frontal. También podía decorarse los costados de la mesa.

En las iglesias más ricas eran metálicos (bronce) y en ocasiones se confeccionaba con oro y piedras de orfebrería. En las iglesias parroquiales y rurales, más pobres,  se utilizaba la madera  como base, preparándola con una capa de yeso antes de pintarla al temple de huevo. Estas son precisamente las que nos han llegado en España. El altar podía adornarse además con un baldaquino, cuya tapa ofrecía también pinturas, o se arrimaba a la pared cubriéndose con una tabla pintada horizontal, colocada a modo de tejadillo. Por evolución del frontal nació el retablo, que es la pieza que se coloca detrás (retrotabulum) y por encima del altar.

En Cataluña se conservan el mayor número de estas tablas de España. Hoy se pueden contemplar gran número de ellas en el museo de Arte de Cataluña. En las tablas se repetían los temas de la pintura mural y cumplían, por tanto, la misma función de adoctrinamiento religioso. El espacio rectangular se dividía en diversos compartimentos: en el centro la figura principal objeto de culto y en torno a ella otros personajes o escenas. El marco se decoraba con formas vegetales y geométricas. Los modelos más comunes eran:

• El Pantocrátor dentro de la mandorla, y los apóstoles en filas superpuestas como el de la Seo de Urgell (1150).

• La Virgen y las escenas de su vida, como el frontal de Santa María de Aviá, nos acercan a la iconografía gótica y a fechas cercanas al siglo XIII.

• También están los dedicados a los santos, como el que nos ocupa, que coloca al titular en el centro y los episodios de su vida o martirio a ambos lados.

A diferencia de la pintura al fresco, la pintura sobre tabla no tenía que constituir un arte nómada y viajero, ni tenía que solucionar diversos problemas en cada momento, sino que se trataría de una actividad sedentaria, realizada en el scriptorium monacal, codo a codo con la miniatura.

El frontal de Santa Julita y su hijo Sant Quirze.

Ficha técnica.

El frontal proviene de la pequeña ermita de Durro, en el valle del Bohí (Lérida) y se supone obra del taller de la Seu d´Urgell. Abajo puedes ver la ermita.

Fecha: hacia mediados del siglo XII.

Dimensiones: 98 x 129,3 x 6,5 cm.

Técnica: temple sobre tabla

Hoy se encuentra en el Museo de Arte de Cataluña, Barcelona.

El  pintor dispone en el centro a Santa Julita llevando en sus brazos a su hijo San Quirze en una actitud parecida a como se representaba a la Virgen y el Niño. Incluso los introduce en una especie de mandorla mística.

En el resto de la tabla se representan cuatro escenas del martirio de estos santos. En la calle derecha, la escena inferior muestra a dos verdugos que hunden sus espadas en el cuerpo de San Quirze, mientras en la superior éste sufre la passio clavorum, por la que se clavan en la cara del santo tantos clavos como años tiene. En la calle izquierda, la escena inferior nos muestra a madre e hijo dentro de una olla de aceite hirviendo. Mientras en la superior dos verdugos aserran a Sant Quirze desde la cabeza hasta la mitad del tronco.

La ordenación espacial del conjunto está sujeta a al regla de la simetría, de tal forma que la impresión general es la de una fuerte geometrización. En todas las escenas se observa que el cuerpo de San Quirze actúa como eje de simetría entre los dos verdugos, que adoptan posturas muy semejantes. A pesar de ello hay una cierta individualización al reflejar los rasgos diferenciales de estos verdugos: la barba y la disposición del cabello. Sant Quirze también adopta diversas expresiones en cada escena, en las que va vestido de forma diferente. Con todo, la falta de patetismo y de señales de sufrimiento ante tales tormentos refleja la ingenuidad y el simbolismo de la representación románica.

La utilización de colores planos no impide lograr un brillante cromatismo. El frontal denota un ritmo compositivo con la combinación de colores para el fondo: ocre, marrón, amarillo y rojo. También hay que destacar la falta de luz ambiental, creadora de contrastes de luz y sombra, por lo que no se expresa la materialidad de los cuerpos en búsqueda de la sensación de la tercera dimensión naturalista. Con ello el artista nos muestra a unos seres universales que no pertenecen a ningún espacio ni tiempo determinados.

Fresco de San Joan de Bohí, martirio de San Esteban.

Estilísticamente se ha relacionado este frontal con dos grandes conjuntos: las pinturas murales de Sant Joan de Bohí y las de Sant Andreu de Valencia d'Àneu. Aunque ambos suelen datarse años antes que la obra que hemos analizado.

Las paredes de las iglesias románicas solían estar recubiertas de pinturas al fresco de rico cromatismo, sin embargo, pocas han resistido el paso de los siglos.  La conservación de las que nos han llegado en España se explica por encontrarse en zonas aisladas donde faltó dinero para hacer renovaciones de acuerdo con los cambios de estilo o porque el puro azar permitió que se conservaran bajo una capa de yeso o tras un retablo. También poseemos la obra excepcional del panteón de los reyes de León en la iglesia de San Isidoro, que por ser un espacio cerrado de enterramiento tampoco sufrió modificaciones desde su creación.

Panteón de los reyes de León, iglesia de San Isidoro de León, 1157-1188.

Actualmente la mayoría de las pinturas están arrancadas de su lugar original y se conservan en museos. El Museo de Arte de Cataluña, único del mundo en esta especialidad, y el Museo del Prado contienen dos importantes colecciones. Por desgracia también, varios conjuntos, junto con algunas tablas, se exportaron fraudulentamente en el pasado a los Estados Unidos (vg. los frescos de Santa María de Mur, Lérida, que se conservan en el Museo de Fine Arts de Boston o parte de los frescos de San Baudelio de Berlanga, Soria, o de San Pedro de Arlanza, Burgos, en el Metropolitan de Nueva York).

Detalle del Pantocrátor de Santa María de Mur.1150-1200. Museum Fine Arts, Boston.

En España, merece que ocupe el primer lugar la serie que tuvo su centro en la región pirenaica entre Cataluña y Aragón. Abundan allí ante todo los ábsides pintados, si bien no faltan paredes y bóvedas (Santa María de Tahull, Bohí, San Quirico o San Quirce de Pedret).

Los frescos del ábside de San Clemente de Tahull.

En el Museo de Arte de Cataluña se encuentra la pintura mural del ábside de San Clemente de Tahull o Sant Climent de Taüll, una iglesia del Pirineo leridano del valle del Bohí, que data de comienzos del siglo XII. Esta pintura es la que voy a escoger como paradigma iconográfico y estilístico del románico.

La iglesita merece un capítulo arquitectónico aparte, por eso aquí os dejo sólo una bella estampa de su exterior con su esbelto campanille y el ábside en donde se encuentran las pintura a analizar. En la imagen que sirve de portada a la presentación que acompaña a este artículo podéis ver su interior y el lugar original donde se ubicarían   los frescos (son una copia). La iglesia fue consagrada el año 1123.

El autor.

No conocemos el nombre de quien realizó las pinturas, lo que no es extraño, puesto que en esta época los pintores  estaban considerados como meros artesanos y no como artistas. Sin embargo, cada pintor dejó su fórmula expresiva o estilo particular que hoy permite identificarle y relacionarle con otras pinturas de lugares muy distantes.

Por comparación estilística sabemos que el pintor de estos frescos, el maestro de Tahull, no fue un artesano local, sino alguien que procedía probablemente de Italia y conocía a la perfección los programas compositivos bizantinos, que aquí repite, así como la iluminación de los beatos y las biblias prerrománicas. Por coincidencias estilísticas posiblemente también trabajó en las pinturas, muy deterioradas hoy en día, del ábside de la capilla de San Agustín de la catedral de Roda de Isábena, Huesca. También se dice que los frescos de Santa María de Tahull son obra de discípulos de nuestro maestro.

Detalle del ábside de la capilla de San Agustín de la catedral de Roda de Isábena, Huesca

Ejemplo arquetípico de  programa iconográfico románico.

Los frescos de la iglesia de San Clemente de Tahull son tal vez los más paradigmáticos para comprender el programa representativo del románico. El mensaje es simbólico y complejo bajo nuestro prisma actual, pero al ser representado en el Románico repetidamente y en múltiples lugares es claro y comprensible para el coetáneo. Todo gira, como en el caso de los tímpanos en relieve de las puertas de entrada a las iglesias (véase el tímpano de Santa Foy de Conqués), sobre la idea aleccionadora de que hay que estar preparado espiritualmente ante la llegada del Fin del Mundo y del Juicio de Cristo que determinará quién se salvará y quién se condenará. Es el pasaje que recoge el Apocalipsis de San Juan.

La disposición de los elementos que constituyen el mensaje está muy calculada respondiendo a una jerarquía de ubicación en el espacio. El ábside se elige como el lugar de preferencia para la iconografía principal y en el perímetro en torno a él pueden repartirse otros mensajes secundarios.

Así tenemos que, previa a la pintura del ábiside, en los arcos preabsidiales, se anuncia la Segunda Venida de  Cristo. La mano de Dios  o Dextera Domini, que atraviesa una serie de circunferencias concéntricas, preside la clave del arco. Esta mano simboliza el poder divino situado en un espacio atemporal. En el siguiente arco preabsidial se representa el Agnus Dei, un cordero con siete ojos sosteniendo con las patas delanteras el libro de los siete sellos según la visión del Apocalipsis, que simboliza el triunfo de Cristo tras su sacrificio en la cruz.

Pocos restos nos han llegado del resto de los arcos y de los muros sustentantes. De lo que se conserva destaca la figura del mendigo Lázaro, historia recogida por el evangelio de San Lucas (Lucas 16: 19-31). Este hombre se colocaba a pedir delante de la puerta de un rico hombre. Era despreciado por todos y sufría una grave enfermedad que le provocaba llagas. Era tan infeliz que hasta los perros lamían sus heridas. Pero cuando ambos murieron el pobre alcanzó la vida eterna junto a Cristo por su resignación y padecimientos en vida y en cambio el rico la condenación por sus pecados.

El ábside  se decora sobre un fondo estructurado en varios registros.

• En el superior, correspondiente a la semicúpula del ábside, se encuentran el Pantocrátor o Cristo Mayestático dentro de la mandorla, que preside todo el conjunto y el Tetramorfos.

1. 1. El Pantocrátor, es la representación de Cristo Juez Todopoderoso del Juicio Final. Aparece en un tamaño sobrenatural sobre un fondo azul de una intensidad inusual, rompiendo la discontinuidad cromática de su entorno. Para acentuar la divinidad del personaje, el pintor ha dibujado en la mandorla el alfa y omega, señal de principio y fin. Está recogiendo las palabras de Cristo en el pasaje del Apocalipsis 1. 8: "Yo soy el Alfa y la Omega, dice el Señor Dios, el que es, el que era y el que viene, el Todopoderoso". Los rasgos de su hierático rostro aparecen estilizados. La nariz divide rigurosamente su faz con el fuerte trazo de dos paralelas que se abren, ensanchándose para marcar las cejas. Los ojos, centralizados, en medio de los párpados, son dos severos círculos negros. Los bigotes caídos enmarcan sus curvos labios, dirigiendo la atención hacia las formas de la barba que reproducen las ondulaciones del cabello. Y todo el rostro resalta sobre el fondo blanco de su nimbo cruciforme. En una mano sostiene el libro sagrado con la inscripción "Ego sum lux mundi" (Yo soy la luz del mundo) y con la otra bendice en una actitud enérgica y serena. Su figura resume el doble mensaje que quiere transmitir en este momento la Iglesia a sus fieles: dureza y esperanza.

1. 2. Junto a la mandorla, encontramos el Tetramorfos, la representación simbólica de los cuatro evangelistas -Marcos, el león; Lucas, el toro; Mateo, el hombre; y  Juan, el águila-, que aquí se encarnan en ángeles que sostienen dichos símbolos. Ostentan nimbos, alas y ojos abiertos en todo el cuerpo. Su presencia simboliza que Jesús se manifiesta al mundo a través de la palabra de los evangelistas. Completa el espacio un serafín y un querubín, como corte de Cristo entronizado.

• En el registro intermedio y enmarcados pos unas arquerías pictóricas se presentan cinco apóstoles y la Virgen. Sus nombres aparecen en una banda que los separa del plano celestial. Estos son los santos, los que ya se han salvado y pueden actuar como intercesores entre los hombres y el Cristo Juez. Los apóstoles exhiben los libros de la doctrina y la Virgen una copa con la sangre del Salvador que emite rayos de luz.
• En el registro inferior, se aprecian con dificultad restos de decoración ornamental de cortinajes y cenefas.

Técnica y rasgos artísticos.

El artista anónimo de Tahull nos ofrece unos detalles que demuestra un alto grado de maestría técnica que podemos analizar, sobre todo, en las fotografías en detalle.

San Lucas-Toro y uno de los serafines.

• Aunque hablamos constantemente de frescos, la realidad es que esta técnica recibe unos toques de pintura al temple para resaltar más el color.
• El color es denso y puro, sin matices. Los colores planos se yuxtaponen para crear intensos contrastes cromáticos. Destacan los fondos en bandas que niegan la profundidad.
• Hay leves efectos de modelado en las figuras como lo hizo el modelado bizantino: se trazan líneas paralelas con tonos claros y oscuros, para acusar el bulto, sin que esto suponga que la luz intervenga en la ambientación de la obra. En el rostro y en las manos se aplican impactos de color con objeto de lograr algún volumen totalmente artificial.

• Es destacable la precisión del dibujo, con fuertes trazos en negro que separan las diversas zonas cromáticas e infinidad de líneas contenidas en el pelo y en los pliegues del vestido que marcan un sentido radial. La disposición de estas líneas crea un vigoroso ritmo de rectas y curvas, convirtiendo la realidad en simples figuras geométricas.
• La simetría y la geometrización son las otras grandes protagonistas de esta composición. El rostro de Cristo es el paradigma de simetría y su cuerpo se reduce a la suma de un triángulo y un trapecio.
• Para completar el análisis artístico unidle los rasgos  propios de una representación arcaica: desproporción, esquematismo, estereotipación, rigidez, inexpresión, jerarquía de tamaños, falta de ubicación espacial....

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Un buen estudio de la obra aquí.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE ROMÁNICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar. Hay otro juego para el o la más atrevido/a aquí.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone. Puedes pausar la imagen si colocas el cursor encima o si das al signo de pausa que hay arriba. Si buscas una imagen concreta y no quieres esperar al bucle, la puedes localizar rápidamente en la regleta de abajo.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

EJEMPLO.

"Imagen .........X (el número )

1.- Titulo: Vista exterior de la iglesia de San Martín de Frómista (Palencia).

2.- País o región. Etapa o cronología. España, antiguo reino de Castilla, mediados del siglo XI.

3.- Dos ideas características mínimas:

- Destaca sus originales torres campanarios de forma circular y las puertas laterales que son posiblemente una influencia del románico alemán.

- La planta del edificio responde al modelo más habitual de planta basilical en la que se inserta un transepto, que se nota en altura, creando una cruz latina.

- El cimborrio en el corazón encierra una cúpula sobre trompas."

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Empieza el juego.

María (1) ha sido la primera en  abrir fuego, "metafóricamente",  y resuelve la imagen número 4 con la que obtiene un comodín.

"Es San Miniato al Monte. Está en Florencia, Italia. Pertenece al siglo XI. (Románico).
La imagen representada es una fachada del edificio.

- Destaca por la policromía. Se usa el mármol con formas geométricas que contrasta con placas verdes para recubrir muros y paredes. La forma geométrica más utilizada es el cuadrado.
Las columnas son de fuste liso.
Son característicos los arcos de medio punto y las arquerías ciegas. Hay sistema adintelado en puertas y ventanas.

- Esta iglesia es una de las más influyentes y típicas del período románico en Italia."

Lo de influyente lo dirás por la repercusión que tuvo en la obra teórica y práctica del arquitecto J: B: Alberti en el Quattrocento y por extensión en el Renacimiento.

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David (2) obtiene el segundo comodín por haber resuelto la Imagen Número 8.

"Se trata de la cabecera occidental de la catedral de Worms.

Está situada en Alemania y es perteneciente al románico. Iniciada en el año 1125.

-Hay duplicidad de las dos torres y se hace uso del rosetón, concretamente 4. Además posee dos cabeceras lo que es característico del románico alemán. También se hace uso de las arquerías ciegas y abocinadas.

-Es la madre de las catedrales alemanas."

Es una de las más bellas del románico alemán sin duda. El hecho de que tenga los rosetones nos ubica cronológicamente la obra a finales del románico, fines del siglo XII. La fecha de 1125 es el de comienzos de la obra, pero hasta el final de siglo no se remata la cabecera que estamos viendo. La decoración de los muros es arquitectónica y está basada en la italiana: las arquerías ciegas que dices son las abocinadas de la parte inferior del ábside; las que te faltan nombrar son las "vivas" de los tramos superiores del mismo ábside, el cimborrio y las torres; También posee arquillos y bandas lombardas. Muy originales son los campanarios de sección circular.

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María no ha querido esperar y ha consumido su comodín, la verdad es que también ha invalidado el tercero que todavía estaba sin conceder. La imagen resuelta es la número 1.

Es el tapiz Bayeaux.
Representa la lucha entre los anglosajones y los normandos. Es del período románico de Inglaterra y pertenece al siglo XI.

- Hay una separación del tema religioso, puesto que narra un tema épico. Es un lienzo bordado que se compone de 9 fragmentos.

- En la imagen representada aparecen guerreros luchando. Las figuras humanas reflejan poca técnica (puesto que importa más el mensaje que se quiere transmitir a la belleza formal). Tiene rasgos arcaicos como la rigidez del cuerpo y la falta de expresión. Son figuras planas, pero se intenta crear profundidad superponiendo capas como los caballos.

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Los de los comodines deben estar dispuestos a salir esta tarde y quieren solucionar rápido. Lo digo porque David (4) ha consumido también inmediatamente su comodín respondiendo a la imagen número 9.

"Se trata de la Virgen de Montserrat.

Es una escultura románica del S. XII.

Se trata de una teothokos, es decir, una virgen que aparece con el niño. El niño tiene la mano derecha levantada en señal de bendición. La mano derecha de la virgen posee una esfera que representa el universo.

Está hecho con madera de álamo y posee un color dorado. Las caras de la virgen y el niño son negras, por eso se le fue dando el apodo de La Moreneta. Esta "virgen negra" se fue extendiendo por el románico europeo."

¿Y por qué no aportas algún rasgo artístico? Rigidez, inexpresión, desproporción...

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Enrique (5) ha resuelto la imagen número 7

Pertenece a una pintura mural al fresco del Cristo Pantocrátor de Tahull en el Pirineo catalán. Pintado en la bóveda de la iglesia de San Clemente de Tahull. La pintura fue trasladada al Museo de Arte de Catalunya en Barcelona. Esta pintura fue concebida para dar realce al edificio, una característica del románico, también tiene una composición simétrica y con una ausencia de perspectiva.

El detalle de la foto nos permite ver cómo el pintor románico utiliza el color para intentar crear un falso volumen con manchas de color sobre el rostro. Es un modelo de influencia bizantina muy claro. Es la representación iconográfica más común del románico: Cristo como Juez del Juicio Final, estableciendo sentencia con una mano y sosteniendo la ley en la otra mano. Aparecía en las iglesias preferentemente en las portadas, en relieve, y en el ábside principal, en pintura.

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Ana (6) ha descubierto la imagen Nº 6:

"- Se trata del monasterio de Santa María de Ripoll.
- España, Condados Catalanes (Barcelona). Perteneciente al Siglo XI.
- En la intersección entre la nave central y el transepto se sitúa una cúpula, cubierta en su exterior con un cimborrio octogonal. Contiene bóvedas de cañón. Tiene siete ábsides con arquería lombarda. Se utilizan materiales como piedra y ladrillo."

Es una obra que muestra un gran primitivismo. en esta imagen apreciamos especialmente la austeridad  decorativa. Vemos formas puras: bóvedas de cañón sin arcos fajones y pilares sin columnas adosadas.

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Marcelino (7) no ha esperado esta vez hasta el final y ha resuelto la imagen 3. Sólo decir que no veo tres sino cuatro clavos en este Cristo y que el monasterio es de Santo Domingo y no de Santiago.

1.-Relieve del monasterio de Silos que representa el Descendimiento de Cristo.

2.-Se encuentra en un machón del claustro monasterio de Santiago de Silos en Burgos (siglos XI y XII). Pertenece al arte Románico.

3.-Presenta al cuerpo inerte de Cristo que está siendo bajado de la cruz por su madre y sus discípulos, en la parte superior se aparecen ángeles que portan el sudario. Vemos que ya no solo aparecen dos personajes como en la Teothokos sino más de dos que componen una escena. Es un Cristo en tres clavos. Presenta características como la falta de profundidad, la falta de belleza ya que importaba más el mensaje, los cuerpos están desproporcionados y hay falta de expresividad en el rostro.

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Sara (8) ha contestado supongo que a la imagen número 5, aunque en ninguno de los dos mensajes que ha mandado ha puesto (el segundo para poner el siglo) ha dicho que se trataba de esa imagen. En esta ocasión te lo voy a pasar, porque no hay duda del edifico al que te refieres. No se puede ser tan despistada.  Jorge contestó a la misma imagen. Lo siento.

"- Está en España, concretamente a León, en el antiguo Reino de Castilla. Su Nombre es San Isidoro de León y es una imagen del interior de esta Basílica. Es un templo cristiano del arte románico del siglo XI.
- Presenta una Planta de Cruz Latina y aunque es románica presenta un elemento claramente árabe que es el arco polilobulado en el crucero con la nave central. Además se ve como se alarga en una bóveda de cañón reforzada con arcos fajones. También vemos que ese arco acaba en un capitel con forma trapezoidal con relieves que hace de función decorativa. "

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Nuria Porras (9) ha resuelto correctísimamente la penúltima fotografía la IMAGEN Nº 3

"- Maqueta del Monasterio de Cluny III.
- Arquitectura románica del Siglo XII en Francia, Borgoña.
- El Monasterio de Cluny III se convierte en el gran edificio de referencia de todo el arte románico.
Apreciamos una planta de cruz latina con doble crucero, es decir, con dos transeptos con un cimborrio cada uno. Presenta cinco naves y una amplia cabecera con girola. También podemos ver que tiene cinco capillas radiales.
Externamente vemos que tiene gran cantidad de vanos (ventanas) por lo que hace que su interior sea muy luminoso."

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Alejandra resuelve la última imagen fuera de plazo, por lo que no cuenta para el control, aunque sí como actitud. Esta es la respuesta a la IMAGEN Nº 2.

"-Notre Dame la Grande de Poitiers, al norte de Aquitania (s. XI-XII). Pertenece al arte Románico francés.

-La planta es longitudinal con tres naves que tienen la misma altura, por eso no hay tribuna. En la nave central posee bóvedas de cañón con arcos fajones y en las naves laterales bóvedas de arista. Tiene girola. Su fachada sigue el modelo de “San Pedro de Angulema” ya que está compuesta de pequeños arcos ciegos que enmarcan esculturas de santos y escenas religiosas. Posee dos torres de forma cónica con cubierta de escamas. En su fachada encontramos un frontón triangular que tiene como decoración en el medio, una mandorla donde sale representado el pantocrátor con los Tetramorfos. También podemos observar representados a los doce apóstoles y en la franja inferior la vida de Cristo con escenas como : Adán y Eva cometiendo el pecado original bajo el árbol, la anunciación del ángel Gabriel a María, La virgen en el portal y el niño en el pesebre… entre otras."

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PUES BIEN,

ESTE JUEGO-CONCURSO HA SIDO COMPLETADO.

OS AGRADEZCO A TODOS VUESTRA PARTICIPACIÓN Y ESPERO QUE OS HAYA SERVIDO PARA ESTUDIAR Y PROFUNDIZAR ALGO MÁS SOBRE EL ARTE ROMÁNICO.

Dante Alighieri (1265-1321), el celebrado autor de la Divina Comedia, admiró en su día la belleza del baptisterio donde fue bautizado y como él el resto de los ciudadanos de Florencia durante siglos.

Dante creía que el edificio era un ejemplo de la arquitectura romana antigua, un templo de la época del emperador Augusto, consagrado originariamente al dios Marte para conmemorar su victoria sobre la ciudad etrusca de Fiesole. Un siglo después, arquitectos y teóricos del primer renacimiento como Brunelleschi o Alberti, profundos conocedores de la Antigüedad clásica, todavía persistían en el error.

No cabe duda de que en el emplazamiento del baptisterio hubo un edificio religiosos desde fechas muy antiguas. Pero hoy sabemos que el baptisterio en su forma actual se remonta al románico, a fechas entre la segunda mitad del siglo XI y la primera del siglo XII. Está perfectamente datada en 1202 la capilla , denominada scarsella (bolsa de peregrino), un añadido que hace a modo de ábside rectangular. El conjunto externo es una obra paradigmática del románico toscano como lo son la Iglesia de San Miniato al Monte a las afueras de Florencia, la badía de Fiesole o el conjunto de Pisa.

El baptisterio desde el ábside añadido en 1202. Detrás asoma la fachada de la catedral.

Todos estos edificios muestran rasgos comunes inspirados en el mundo romano, que podemos concretar en el baptisterio de San Giovanni.

• Las plantas de los edificios. El baptisterio en concreto es de planta central octogonal. El octógono está coronado por una gran cúpula de 26 metros de diámetro, oculta exteriormente por un tejado piramidal.
• La construcción. Bajo la armoniosa decoración de sus muros se esconde una complicada estructura doble inspirada en los edificios de planta central de la arquitectura romana y bizantina, en la que se utilizan ladrillo y materiales ligeros para la cúpula. La luz entra a través de las ventanas del tambor y de un óculo cenital. Hay un piso estrecho de tribuna o matroneo.

La tribuna, decorada con elementos arquitectónicos y mosaicos.

• La decoración arquitectónica se basa en la del mundo romano: el estilo de los capiteles, el uso de las arquerías de medio punto ciegas, las puertas y ventanas adinteladas, las pilastras acanaladas, los pequeños frontones que rematan algunos de los vanos...
• El mármol utilizado como material de revestimiento a modo de incrustaciones. En el exterior los muros están cubiertos con planchas de mármol verde y blanco de tan sólo  5 centímetros de profundidad. Las losas forman figuras geométricas acompasadas con las reglas de la proporción y según las leyes de la óptica. En el interior hay más variedad de mármoles. La minuciosidad de la decoración interior y el efecto de riqueza se manifiesta en el suelo taraceado.

Uno de los muros. A la izquierda y frente a la fachada de la catedral, los bronces de la puerta del Paraíso.

• El elemento decorativo más notable es el mosaico de la cúpula. La realización de esta obra ornamental se comenzó en 1225 y duró cerca de un siglo, participando en ella gran número de artistas, fundamentalmente venecianos y  florentinos como Cimabue o Giotto. La iconografía, estructurada en ocho anillos concéntricos, incluye coros celestiales y diversos episodios de la vida de San José, de Jesucristo y de San Juan Bautista. La secuencia queda interrumpida por la representación de la figura de Cristo Pantocrátor presidiendo el Juicio Final. El estilo no puede ser más bizantino.

Detalle de los mosaicos de la cúpula. Si pinchas sobre la imagen podréis verla ampliada.

Detalle del Infierno. Satanás devorando almas pecadoras.

Junto a estos elementos estilísticos del medioevo, el baptisterio posee tres obras maestras del protorrenacimiento y del  quatrocento: los relieves en bronce de las puertas de acceso.  Estas obras las veremos en otro artículo.

Desde fines del mes de marzo se encuentran abiertas al público las nuevas salas dedicadas a la pintura española desde el Románico al Renacimiento. Este es el último paso dado en el Plan de Reordenación de Colecciones del  Museo del Prado (2009-2012). Propongo que hagamos una visita a la nueva instalación.

La reestructuración comenzó realmente en el 2007 cuando se abrió el nuevo edificio anexo proyectado por Rafael Moneo que ocupa el claustro de los Jerónimos y su enlace subterráneo con el antiguo Museo. En 2009 se diseñó el plan de actuación para reestructurar la colección y recuperar en el edificio Villanueva una cuarta parte del espacio expositivo, gracias al traslado de varias dependencias a la nueva ampliación. Numéricamente supondrá un incremento de entre cuatrocientas y quinientas obras en total, que se han ido sumando progresivamente a las algo menos de mil obras que conformaban la colección permanente a fecha de inauguración de la ampliación. Desde 2009 están abiertas  las nuevas salas de escultura clásica y de pintura del siglo XIX. En el documento Scribd que te ofrezco a continuación puedes consultar las actuaciones ya realizadas.

Mi consejo es que despliegues la imagen a pantalla completa.

Nuevas Salas del Museo del Prado. Plano Abril 2010

Las siete salas abiertas de pintura española del Románico al Renacimiento reúnen 120 obras y aumenta considerablemente la superficie expositiva que se dedicaba a la colección. Se sitúan en la planta baja en torno a la Rotonda de Goya, donde se exponen esculturas greco-romanas, presididas por "La apoteosis de Claudio". El nuevo montaje permite exponer obras que no habían podido ser vistas en los últimos tiempos, así como presentar también las últimas adquisiciones hechas por el Museo. Como paso previo, y de manera paralela, se ha procedido a restaurar algunas pinturas y a dotar de nuevos marcos a otras, sin olvidar la reforma arquitectónica de esos espacios con el fin de garantizar la accesibilidad de los visitantes y la recreación de los espacios en los que se encontraban los frescos medievales.

La selección de obras expuestas permitirá al visitante realizar un completo recorrido por las principales corrientes pictóricas desarrolladas en España entre los siglos XII y XVI.

• Comienza con los frescos románicos de Santa Cruz de Maderuelo y San Baudelio de Berlanga (Salas 51c). Moneo es donde más ha intervenido puesto que puso especial empeño en que las obras se expusieran reconstruyendo el antiguo edificio de donde procedían.

• Del gótico del siglo XV el museo posee dos retablos de gran tamaño de de Rodríguez de Toledo y de Nicolás Francés (Sala 50).

• Los pintores hispanoflamencos están muy bien representados con obras de  Luis Alincbrot, Fernando Gallego, Bartolomé Bermejo, Paolo de San Leocadio, Pedro Berruguete y Juan de Flandes (Salas 51a y 51b).

• Y del pleno Renacimiento y hasta el Manierismo hay obras de Fernando Yáñez, Machuca, Correa de Vivar y Juan de Juanes, para concluir con las tablas del manierismo espiritual de Luis de Morales (Salas 52a, 52b y 52c). De este último pintor tenéis un monográfico en este blog.

Para conocer algo más pon en marcha el vídeo donde la agencia EFE da la noticia.

DESCUBRE LA OBRA POR EL DETALLE.

En esta presentación de slide hay 12 obras de arte numeradas, pero son sólo una parte de un todo mayor. Si eres entendido en la materia deberías descubrir de primera 5 o 6 estilos e incluso alguna obra sin problema. Pero OJO porque algunas pueden parecer algo que no son. Aunque las imágenes sean una parte más o menos grande de una obra, tienen la virtud de que se aprecian en ellas elementos esenciales para atribuirlas a un estilo característico e incluso reconocerlas.

Podéis participar a través del apartado de comentarios que viene al final del artículo.

El juego esta vez no consiste en comentar la obra sino, en algo más breve, en reconocer la obra, por lo que sólo habrá que poner lo siguiente.

IMAGEN ...X... (EL NÚMERO)

1.- Título.

2.- Autor (si es conocido).

3.- Movimiento artístico y siglo (al menos).

4.- Al menos una razón, detalle o pista que os haya llevado a descubrirlas. El argumento ha de ser consistente y a ser posible por algo que caracteriza a esa obra entre las de su estilo.

Ejemplo:

"Imagen ... X...

1. 1.- Título. Palacio Pitti, Florencia.
2. 2.- Autor. Filippo Brunelleschi.
3. 3.- Movimiento artístico y siglo. Renacimiento, Quattrocento (s. XV).
   
4. 4.-Una razón/razones exclusiva: Posee un almohadillado rústico en los tres pisos, lo que constituye su principal elemento decorativo junto con la balaustrada que los separa y remata. "
   

Sólo daré por correctas las respuestas completamente correctas y completas.

Para que todos puedan participar habrá una única oportunidad de comentario (salvo para los tres primeros que tendrán un comodín). Si por casualidad alguien repite comentario no tendrá derecho a una segunda oportunidad, por lo que os aconsejo que refresquéis la página y miréis los comentarios.

Nota para mis alumnos. Este juego  también ayuda en la puntuación de las notas de clase.

Según se vayan  descubriendo las imágenes las iré añadiendo al pie de la presentación.

Buena suerte.

- 150 años de bañistas y de agua de verano. Juego refrescante.

- Jugando con pintores del siglo XX.

- Lugares y museos del mundo.

- El puzzle loco.

- Descubre por el detalle (I)

Juegos por estilos: Mesopotamia y Persia, Egipto ,  Prehelénico y Grecia, Roma , Al Ándalus y Bizancio , Románico, Gótico,   ,

SE ABRE EL JUEGO. IMÁGENES DESVELADAS.

Francisco Javier (1) ha comenzado la resolución con la Imagen número 6..

"Título. Fachada de la Catedral de Santa María de Fiore (Florencia).

Autor: el autor de la fachada actual es Emilio De Fabris.

Movimiento artístico y siglo: la fachada paso por dos etapas principales. Una primera fachada fue resultado del trabajo de Andrea Orcagna y Taddeo Gaddi, y sólo fue completada en su parte baja. Se demolió por orden de los Mécidi y su construcción fue abandonada. Finalmente Emilio De Fabris construyó la actual fachada entre 1876-1887 de estilo neogótico.

Razones: como razones de poco peso podemos mencionar la utilización del mármol, típico en Italia durante el gótico y no solo blanco, que es el que predomina, si no también verde o rojizo. Como razones ya de mayor precisión vemos la utilización del gablete como remate de los arcos y, tal vez valido de mencionar, la decoración de estos con frondas."

El campanille es de autor conocido, también del siglo XIV. ¿Os suena Giotto?

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María Cambronero (2) nos desvela la imagen numero 9:

"1. Título. Interior de Saint Front de Périgeaux, Francia (zona de Aquitania)
2. Autor: anónimo
3. Románico, siglo XII
4. Planta de cruz griega. Destacan las cúpulas sobre pechinas, siguiendo el modelo de San Marcos de Venecia. Pasaría por bizantina si no fuera por los sillares."

Muy bien.

..

Silvia (3)es certera siempre hasta con la imagen 3 que tenía algo de trampa.

"Título: Vírgen de los Consellers.
Autor: Luis Dalmau.
Cronología: 1445 (gótico flamenco).
Característica: El detalle nos muestra a san Andrés, que porta la cruz terciada de su sacrificio, a su alrededor arrodillados los donantes y por detrás el conjunto de ángeles cantores. Detallismo propio de este estilo que sigue la senda de Jan Van Eyck y otros pintores flamencos europeos. Una de las obras más destacadas de la pintura flamenca que se realizó en Cataluña."

Efectivamente ahí están los ángeles de Van Eyck del políptico de San Bavón, pero sin ser ese cuadro.

Francisco Javier ha resuelto la misma imagen, pero ha llegado unos minutos más tarde. Dado el esfuerzo que ha puesto, realizando incluso un comentario personal extenso (mucho más de lo que se pedía esta vez), creo que se ha merecido que aparezca publicado. Omito los elementos comunes con la resolución de Silvia y coloco el comentario porque es un buen ejemplo de interrelación de obras.

"Dicha obra fue encargada al artista por el Consell de Cent, para la capilla de la Casa de la Ciudad (Ayuntamiento) de Barcelona. Actualmente se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Razones. hay una característica común a todos los artistas flamencos en España, y es la gran influencia que reciben de Van Eyck. Vemos por ejemplo la figura del donante dentro de la escena religiosa. Son personajes que tienen cara y nombres, y son representados como en la realidad son, una de las características de este arte. Como razones de peso podemos hacer su comparativa con la obra La Virgen del Cánonigo de Van Der Paele, si hablamos de la escena central, y también vemos la referencia de los cantores al fondo, que nos recuerdan al Políptico de San Bavón. Esto como referencia a la influencia que causó en el autor Van Eyck. En cuanto a rasgos artísticos podemos destacar la representación a lo lejos de fondos, que crean ESPACIOS DE AIRE y saben crear la perspectiva de HORIZONTE, con el aumento de una menor nitidez a medida que se va alejando el paisaje. También en ese mismo fondo podemos comentar la aparición de ciudades mágicas, casi de cuento de hadas, en las cuales con una lupa podemos entrar y descubrir cosas que a simple vista no se ven. Como última de la razones, y para evidenciar la obra dentro del arte gótico, vemos la representación de infraestructuras típicas de dicho arte, como la tracerías de arcos, las bóvedas de crucería, o la decoración de pináculos, con sus características frondas, en el trono de la Virgen."

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Montse ha descubierto una de las obras más bellas la imagen 8.

"- Nombre: Piedad del Vaticano.
- Autor: Miguel Ángel.
- Estilo y fecha: Renacimiento; 1498-1499
- Razones: uno de los temas favoritos del autor (y que más le atormentó), acabado pulido de las superficies, ausencia de sentimiento de dolor y sufrimiento (remitiendo al Clasicismo que buscaba aquí el escultor)."

Un rostro de Cristo perfecto sin mostrar los efectos de la Pasión, parece dormido. Una virgen jóven que sostiene a su hijo sin esfuerzo... A lo mejor no fue tan fácil porque normalemente la vista se nos va a la Virgen.

Silvia ha elegido gastar su comodín resolviendo la imagen nº 10.
"Título: Calendario que representa las labores agrícolas y ganaderas, en el Panteón de los Reyes de san Isidoro de León.
Autor desconocido.
Cronología:Siglo XII, Alta Edad Media, románico.
Características: Es una de las pocas representaciones de este tipo que se encuentran en la Península Ibérica. Esta pintura en concreto muestra el mes de noviembre y la matanza del cerdo que se realizaba en dicho mes. Simbolicamente representa la caducidad del hombre y el paso del tiempo. Entre estas imagenes profanas del calendario encontramos también escenas religiosas como la Navidad, la Pasión o la Resurrección de Cristo. Este lugar sirvió como panteón a la mayoría de reyes y reinas del Reino de León durante la Edad Media. Por otro lado, se cree que las figuras están inspiradas en las ilustraciones de los libros miniados."

Se encuentra en el intrados del arco que divide una bóveda de arista de otra. En la imagen que pongo a continuación se puede ver a la derecha.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES DEL ARTE ROMÁNICO.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

Mira las siguientes imágenes y luego contesta según la fórmula que se te propone. Puedes pausar la imagen si colocas el cursor encima o si das al signo de pausa que hay arriba. Si buscas una imagen concreta y no quieres esperar al bucle, la puedes localizar rápidamente en la regleta de abajo.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla." (no vale el porque sí o porque he estado allí. Hay que argumentar con fundamento.)

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

EJEMPLO.

"Imagen .........X (el número )

1.- Titulo: Vista exterior de la iglesia de San Martín de Frómista (Palencia).

2.- País o región. Etapa o cronología. España, antiguo reino de Castilla, mediados del siglo XI.

3.- Dos ideas características mínimas:

- Destaca sus originales torres campanarios de forma circular y las puertas laterales que son posiblemente una influencia del románico alemán.

- La planta del edificio responde al modelo más habitual de planta basilical en la que se inserta un transepto, que se nota en altura, creando una cruz latina.

- El cimborrio en el corazón encierra una cúpula sobre trompas."

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

ESTE JUEGO HA SIDO COMPLETADO, NO OBSTANTE, SI ERES CAPAZ DE NO HACERTE TRAMPAS, PUEDES INTENTAR AVERIGUAR LAS IMÁGENES Y LUEGO MIRAR LA SOLUCIÓN QUE VIENE A CONTINUACIÓN PARA COMPROBAR TUS ACIERTOS.

TAMBIÉN PUEDES APORTAR TUS COMENTARIOS Y SUGERENCIAS YA QUE EL ARTÍCULO SIGUE ABIERTO PARA AQUEL QUE LO DESEE.

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva.

Mesopotamia y Persia.

Egipto.

Prehelénico y Grecia.

Roma.

Al Ándalus y Bizancio.

Gótico

IMÁGENES YA DESVELADAS

Empieza el juego.

Borja resuelve la imagen nº 1 (0,1) y la concedo con peros...

"Corresponde a la fachada de Platerías de la Catedral de Santigo de Compostela (Siglo XII). Como vemos aparecen 2 puertas románicas con tímpanos historiados. En la puerta de la izquierda aparecen unos relieves que narran la Tentación de Jesús en el desierto y tambien aparece una mujer semidesnuda con una calavera la cual hace referencia a un mito de una mujer que se quedó embarazada sin contactar con ningún hombre y por ello sus padres la mataron y una vez enterrada parió esa calavera que predice el futuro de los humanos. En la otra puerta aparece la adoración de los Reyes Magos y escenas de la pasión. En el friso vemos la figura de Abraham y otras escenas , en la jamba izquierda aparece el Rey David tocando un instrumento y por último junto a la puerta de la izquierda Adán y Eva en el paraíso."

Mis peros son los siguientes:

1.- La obra es de finales del siglo XI.

2.- Sólo encuentro una razón temática con mucho rollo, pero me falta la otra razón, que podría ser, por ejemplo, los arcos lobulados que se ven por encima, propios de la influencia del arte musulmán en el románico español.

Tienes una segunda oportunidad, pero esta vez no quiero errores.

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Lorena resuelve la imagen nº 4 (0,2), aunque como el comentario de Borja tiene errores o lapsus que luego comentaré.

"Es la iglesia de San Clemente de Tahull, en Lérida (vista exterior) del siglo XII.
Es una iglesia representativa por el minarete (...!!!!!....) de gran tamaño que se piensa que los constructores podrían proceder de Italia. Está hecha con piedra, material arcaico. Por dentro tiene una pintura románica importante, el pantocrátor en el ábside.
También en el interior, su adintelamiento está hecho de madera, y los ábsides son abovedados. En el minarete, aparecen arquerías vivas."

Te lo concedo pero seré estricto en tu segunda oportunidad. Has confundido un campanille con un minarete ¿Eso puede ser un lapsus o un error?. Falta precisión en la descripción del material: sillarejo. Por otro lado, hay un elemento decorativo más significativo que las arquerías vivas, los arquillos y bandas lombardas.

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Francisco Javier me deja sin palabras al solucionar la imagen 6 (0,3).

"La iglesia de San Miguel de Hildesheim, vista desde el exterior (Alemania).

País o región. Etapa cronológica: esta iglesia pertenece al románico dado en Alemania y fue construida en el siglo XI. Para concretar más, fue construida como iglesia abacial entre el 1001 y el 1031, bajo la dirección del obispo Bernward de Hildesheim, como capilla para su monasterio benedictino.

Razones: dos de las razones más claras que podemos presentar para incluir esta iglesia en el románico son:

- Por una parte, su forma estructural exterior. Vemos como la iglesia no tiene pies, es decir, las iglesias están formadas por su una nave central (que puede estar dividida en 3 o 5 naves más) y el crucero o transepto. La parte inferior de la nave es denominada pies, desde el punto de vista de la anatomía humana. Puesta iglesia destaca por ser una de las primeras que carece de estos, puesto que la zona que correspondería a los pies es un duplicado de la cabeza de la iglesia. Es decir, es una iglesia con dos transeptos, dos ábsides principales y en resumen un duplicado de casi todos los elementos arquitectónicos.

- Otra razón que podríamos dar, es que los vanos o ventanas que se abrían hacia el exterior son muy escasos y en algunas ocasiones, como aquí vemos, de pequeño tamaño. Por lo que podemos dar otra razón, que es la austeridad decorativa, dado que el románico estaba empezando a surgir. Por eso se dice que esta iglesia es un edificio e transición entre el prerrománico y el románico mismo. "

Correctísimo y bien merecido el tercer comodín. Ojo, recordad que la nave lateral es gótica.

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Alba Pérez contesta con brevedad, pero con acierto la imagen 3 (0.4 puntos).

"Titulo: Cristo de don Fernando y doña Sancha
País o región. Etapa o cronología: España, Reino de Castilla. Siglo XI
Dos ideas características: Es un Cristo indoloro mostrando así una imagen divina, de cuatro clavos e ingrávido. "

Muy bien. El Cristo Todopoderoso de los cuatro clavos es uno de los modelos iconográficos típicos del románico. También se puede distinguir el material lujoso  en que está hecho, el marfil, lo que explica que fuera parte de la ofrenda del matrimonio formado por los reyes Fernando I de León y Castilla y su esposa doña Sancha de León (mirad sus nombres en la parte inferior de la cruz) a la iglesia de San Isidoro de León.

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Enrique ha querido resolver la imagen 7 pero ha dicho que lo hacía de la  9.  No puedo concederle el acierto por la confusión, más habiendo contestado Francisco Javier en uso de su comodín correctamente... por tanto,  el acierto para este último (0,5). No obstante, coloco los dos comentarios y algunas pinceladas propias.

Enrique: "Creo que es el castillo de Laorre (Huesca). Construido en el siglo XI por orden del rey Sancho III. Las características que creo que destacan entre otras son: Una la pequeña capilla que hay a la entrada, la otra la iglesia del castillo en la que llama la atención la cúpula poco habitual en el arte románico. También dicen que es la fortaleza mejor conservada del románico de Europa en la que también se ha rodado una película llamada El reino de los cielos y un programa de televisión."

Francisco Javier: "Castillo románico de Loarre, situado en la sierra de Loarre y cerca de Huesca.

País o región. Etapa cronológica: el castillo, como hemos dicho antes, esta situado una la sierra de Loarre (a unos 35 kilómetros de Huesca), España. Fue un castillo construido en el siglo XI POR ORDEN DE Sancho III. La construcción inicial fue ampliada y la que actualmente conocemos es la del reinado de Sancho Ramírez. Su función fue el servir de avanzadilla para organizar los ataques contra Bolea. Destaca en este caso la ausencia de foso, pero es que la misma naturaleza forma ese foso, ya que el castillo esta construido en una media pendiente.

Razones: las razones más simples que podemos dar son, la escasa decoración, dado que el románico estaba empezando, de arcos y bandas lombardas. Como segunda razón, y para justificar la remodelación del castillo, vemos como se combina esa escasa decoración de arcos y bandas lombardas, con la destacable capilla circular (presente en la imagen) que ya presenta una decoración propia de final del siglo XI y principios del XII. Así vemos ventanas abocinadas con decoración de arcos y columnas decorativas. Para asegurar el comentario, podríamos destacar la utilización del sillarejo irregular como material primitivo del románico."

Yo mismo. Este es un castillo románico auténtico con su complejo defensivo de murallas externas con cubos y almenas y su ciudadela interior, la  parte propiamente de vivienda del señor feudal que defendía la frontera. La foto nos permite comprobar como domina kilómetros sobre el paisaje del entorno desde su altura. La parte habitable tiene una iglesia y, sobre todo, la torre del homenaje, que sobresale en altura. Discrepo en la afirmación que hace Enrique de que no era habitual la cúpula en las iglesias románicas, eso no es del todo así. Toda iglesia mediana tenía su cúpula en el crucero. En cuanto a la decoración no era habitual en los edificios defensivos.En la iglesia no hay ni sillarejo ni arquillos lombardos y sí sillares, columnas adosadas de refuerzo y arcos ciegos, como puedes ver en esta otra foto de más detalle.

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Silvia se decanta por la imagen 10 y lo hace con maestría, como siempre.

"Pórtico de la Gloria. Catedral de Santiago de Compostela.
Santiago de Compostela (España). Segunda mitad del siglo XII.
El Pórtico de la Gloria, realizado por el Maestro Mateo, constituye el ejemplo más importante del periodo románico en la Península Ibérica. Encontramos una figuras de gran viveza y movimiento, cuyos referentes en la decoración los encontramos en conjuntos franceses como los de Vezelay y Autum.
La escultura que encontramos en este pórtico se desliga poco a poco del marco arquitectónico y nos muestra figuras como la de Daniel, que anticipan a los ángeles de la sonrisa que encontramos en el gótico pleno. En el parteluz se encuentra el apóstol Santiago, que recibe al peregrino ."

En concreto estamos ante la entrada a la nave principal desde el nártex. Al fondo se ven los pilares cruciformes y los arcos formeros de medio punto que dividen la nave central de la lateral. Estos arcos están peraltados para alcanzar mayor altura. Encima de la nave lateral se encuentra una tribuna con su triforio. Escultóricamente, lo que se ve son las esculturas-columnas de las jambas con los profetas intercesores y el mainel con el Santo Patrón venerado en la iglesia. Éste sostiene un dintel con tímpano y arquivoltas donde también se aprecian los reyes- jueces-músicos del Juicio Final, puesto que lo que está representado en el tímpano es el Pantocrátor.

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Enrique ha las tres imágenes siguientes y no le he concedido la última porque no ha aportado razones a su atribución.

La imagen numero 2

"Pertenece al relieve del Monasterio de Santo Domingo de los Silos (Burgos). Llamado el encuentro de Emaus, datado en los siglos XI y XII. En este relieve Cristo viene connotado como un peregrino más que regresa de realizar el camino de Santiago. Colgada muchas veces en su zurrón, el caminante jacobeo traía la concha, a su regreso del viaje."

Echo en falta una razón más para identificar o caracterizar la obra. Aún así la doy por válida. Este relieve se encuentra en los pilares esquineros del claustro de Santo Domingo de Silos, junto con otros que tiene como temática la pasión muerte y resurrección de Cristo. Estilísticamente se pueden aplicar las características plenas del románico: desproporción y estereotipación de las figuras, rigidez, inexpresión, jerarquía de tamaño...

La datación a comienzos del siglo XII.

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la imagen numero 8

"Es el Cristo de Pantocrátor del Panteón de San Isidoro de Leon. Datado en los siglos XI y XII. El tema se enmarca por una orla de llamas, nubes u olas. En el centro, como es habitual, Cristo en Majestad, dentro de la mandorla (almendra) mística bendiciendo y con el libro, con fondo de bóveda celeste, el alfa y la omega. En torno a Él el Tetramorfos (símbolos de los cuatro evangelistas) con sus nombres. "

Efectivamente, el tema es el más tópico del románico. Lo extraño es que se encuentra en la cripta de la iglesia decorando la bóveda de arista central, rodeado de otras escenas más conocidas como La anunciación del ángel a los pastores. Los tetramorfos recuerdan las figuras de los Beatos.

El siglo XII es en el que se pintaron estos frescos sin duda; eso sí, hay teorías que los sitúan a comienzos y otras a finales, pero nunca en el s. XI.

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La numero 5

" Es la Catedral de Angulema, Francia. Construida entre los años 1105 y el año 1128. Este modelo de catedral tiene similitudes con el arte bizantino, esto se debe a los contactos con el norte de Italia por donde se expandió el Imperio Bizantino. Se trata del modelo de cúpula sobre pechinas más antiguo, inspirado en modelos de Oriente."

A San Pedro de Angulema le hace también muy característico para su reconocimiento la profusión de decoración escultórica y arquitectónica de la fachada, así como el remate cónico con escamas de torres y cúpula.  La iglesia es de planta de cruz latina con una sola nave toda ella cubierta de cúpulas semiesféricas sucesivas, el peso de las mismas recae en fuetes pilares compuestos internos y los contrafuertes robustos que apreciamos en el lateral de la iglesia.

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Enrique acabó con este juego al solucionar la imagen 9

"San Zenón de Verona data del siglo XII, tiene de planta basilical y su estilo es románico-lombardo. En el exterior destaca la ornamentación de la fachada, a base de bandas lombardas y arquerías y la alternancia de ladrillo y piedra en la parte inferior de los laterales y de la torre del campanario de 72 metros de alto, Destacan las puertas del pórtico, construidas en bronce con escenas bíblicas. En el interior destaca su sobriedad y la altura de la nave, cubierta con bóveda cañón. Las paredes se encuentran cubiertas con frescos pintados entre el siglo XII y XIV. En la parte izquierda de la iglesia hay un pequeño claustro."

Esta iglesia tiene muchos elementos que destacar para atribuirla al románico italiano. Enrique ha mencionado los arquillos y bandas lombardas, pero además hay una arquería ciega de pequeño tamaño que cruza el ancho de la fachada,; un porche sobre la puerta sostenido por dos leones símbolos protectores y de San Marcos; el campanille no sólo es muy alto, es único (no tiene gemelo), no se encuentra en los pies del edificio y está exento. El gran rosetón de la fachada nos da la clave cronológica de cuando se terminó la iglesia (segunda mitad del siglo XII).

GRACIAS A TODOS LOS QUE HABÉIS PARTICIPADO EN ESTE JUEGO DE RECONOCER Y COMENTAR IMÁGENES DEL ROMÁNICO. ESPERO QUE EN LA BÚSQUEDA HAYÁIS DISFRUTADO Y APRENDIDO. PRONTO HABRÁ MÁS.