Breve apunte biográfico.

Eugène Delacroix (1798-1863) es el máximo exponente de la segunda generación de pintores románticos europeos.  Continuador de la obra de Géricault, desde sus inicios buscó la fama en los salones oficiales, pero mediante un lenguaje que se oponía a las formas pulidas de los pintores neoclásicos. De ahí su antipatía por Ingres, al que tachaba de ultraconservador.

Autorretrato, 1837.

Sus primeros éxitos le llegan muy joven en la década de los veinte. En 1832 visita Marruecos y se enamora de la luz, del color y del exotismo del lugar, siendo a partir de entonces un tema recurrente hasta el final de sus días. Desde  la década de los 40 su obra se hace un tanto repetitiva. El pintor se institucionaliza al trabajar en muchos encargos oficiales e incluso desprecia la revolución de 1848, cuando tanto había alabado la de 1830.

Características artísticas.

Contemplemos este detalle del óleo titulado La muerte de Sardanápalo (1827).

• Por encima de cualquier otra característica destaca la emoción, la fuerza o la audacia (como queramos calificarla) que ponía en sus obras. Para él, como buen romántico, la pintura era la mejor manera de reafirmar su individualidad y su sentimiento apasionado.

• Todas sus obras están tocadas de un intenso dramatismo. Sus personajes se muestran agitados y en pleno movimiento. A menudo, como esta vez, están viviendo una tragedia. De sus obras emana mucha sensualidad, rayando con el erotismo.
• El color es vivo. Gusta de los rojos intensos que tras su visita a Marruecos aún cobrarán más importancia en su obra. La pincelada debe ser suelta, ayudando a crear la atmósfera y el movimiento ¡Qué lejos queda el espíritu neoclásico aferrado a la mesura, la línea y el dibujo!
• El artista se implica en los hechos históricos que le toca vivir. En este caso no hay una referencia directa a esta característica, sin embargo, el cuadro que analizaremos posteriormente es la mejor muestra. El pintor, como otros jóvenes románticos de la época se decanta apasionadamente a favor de la independencia griega y de la revolución de 1830.

La matanza de Quios. 1824.

Influencias.

Su obra está influida por la pintura y la escultura de Miguel Ángel, sobre todo, en el modelo humano de sus desnudos y en las posturas retorcidas que adoptan. Es también evidente la influencia de pintores barrocos como Rubens y Rembrandt. Otros pintores que influyen en su obra son sus contemporáneos Gèricault, Constable y Turner.

Su técnica de pincelada breve y vibrante y su concepción del color inspiraron a los impresionistas.

Temática.

En esta presentación podemos hacer un repaso de su producción pictórica. Desde el punto de vista temático su obra es una de las que mejor encaja en el movimiento romántico ya que realiza cuadros de temas históricos, literarios, orientales (Marroquíes) y religiosos. También realizó retratos románticos. El género del  paisaje, en cambio, no le atrae, siendo incluso sólo esbozados en sus cuadros narrativos de gran formato.

• Entre sus cuadros destacamos:

1. -1822  La barca de  Dante.
2. -1824  La Matanza de Quios.
3. -1827 La muerte de Sardanápalo.
4. -1830 La Libertad guiando al pueblo.
5. - 1834 Mujeres de Argel en sus habitaciones.
6. - 1840 Entrada de los Cruzados en Constantinopla.
7. - 1845 El Sultán de Marruecos y su corte.
   
8. -  1854-60 Frescos religiosos en la iglesia de San Sulpico, Paris.

La libertad guiando al pueblo. 1830.

Ficha técnica de La Libertad guiando al Pueblo (1830).

Técnica y dimensiones. Óleo sobre lienzo, 260 x 325 cm.

Ubicación. Museo del Louvre, París desde 1839.

Contexto histórico. Tras el Congreso de Viena, en 1814, la restauración de las monarquías absolutistas se generalizó por todo el continente. La decepción hacia esa nueva realidad y la actitud crítica ante la situación social y económica llevó a la revolución burguesa de 1830. El cuadro de Delacroix se convirtió en el símbolo de toda esta época.

Historia del cuadro. Enviado al Salón de 1831, el Estado de la nueva monarquía de Luis Felipe lo adquirió para el Museo Real, pero por su carácter incendiario no se atrevió a mostrarlo en público.

Detalles particulares del cuadro.

A este cuadro le podemos aplicar todas las características que hemos señalado anteriormente y además algunas cosas más, como por ejemplo:

- Es una obra muy cruda, los cadáveres aparecen en primer plano de una forma muy realista. Es especialmente conmovedor el cuerpo del joven de la izquierda o los ojos abiertos del soldado muerto.

- La imagen de la Libertad va a ser adoptada por la República Francesa. Sintetiza el presente y el pasado. El presente porque es una mujer tocada con el gorro frigio que porta la bandera tricolor y un fusil en su otra mano. El pasado porque Delacroix eligió como modelo para crear este símbolo a las estatuas griegas (recuerda a la vez a la Venus de Milo y a la Victoria de Samotracia).

- Flanqueando a la alegoría de la Libertad aparecen con sus atributos las diversas clases sociales que participan en la revolución: Los obreros y campesinos desarrapados y la burguesía con chistera y levita. El artista no es imparcial en su militancia social, de ahí que sea el burgués quien está más cerca de la alegoría femenina defendiéndola con decisión.

David Roberts (1796 –1864)

Fue un pintor escocés romántico de óleos, acuarelas y litografías.  En el siguiente vídeo he recogido algunas de sus litografías más bellas fruto de su viaje el año 1838 a Egipto. Estas obras, junto con la expedición napoleónica de 1798-1800 y el descubrimiento  por Champollion de la escritura jeroglífica (desde 1821), influyeron notablemente  para desvelar esta civilización y crear un interés inusitado por ella en la sociedad europea. La música del vídeo es Inmortal Egypt (1998) de Phil Thornton and Hossam Ramzy. Disfrútalo y luego si quieres continúa leyendo el artículo que viene debajo.

Orígenes y formación artística.

Roberts nació cerca de Edimburgo en 1796. Su origen fue muy humilde, su padre era zapatero, razón por la cual no tuvo una formación académica normal como pintor. Durante su  adolescencia tuvo que alternar su trabajo por el día como pintor de brocha gorda con sus estudios nocturnos. Sin embargo, en 1815 hizo valer sus cualidades como artista y consiguió su primer trabajo como ayudante de decorador de escenarios teatrales. En 1819 ya era el escenógrafo del Teatro Real de Glasgow. En este trabajo aprendió dos cosas fundamentales que aplicaría a sus obras posteriores: a trazar perspectivas arquitectónicas y a considerar que la realidad a veces había que enmascararla para no hacerla tan vulgar.

El paisajismo romántico.

A comienzos de la década de los 20 empezó a pintar óleos y a se dio a conocer en el mundillo pictórico escocés con cuadros de paisajes al estilo romántico de ruinas medievales (La Abadía de Dryburgh),. En 1824 visitó Normandía (en Francia) y de su viaje trajo consigo cuadros como una vista de la Catedral de Rouen que le valió ganarse una reputación como paisajista. A finales de la década  pudo incluso dejar la escenografía y dedicarse a tiempo completo a la pintura de taller.

Alhambra y Albaicín, 1833.

El Guadalquivir y la Torre del Oro, 1833.

En los años siguientes tuvo el acierto de interpretar por donde se encaminaba los gustos de la burguesía y de la aristocracia británica e ir  a buscar y a ofrecerles los temas más atractivos. Entre 1832 y 1833 realizó un viaje a España y Tánger donde tomó bocetos de edificios y tipos populares con los que trabajará en los años siguientes para sacar a la luz numerosos óleos y acuarelas. En España dejó honda huella entre pintores como Jenaro Pérez Villamil. En 1837 publicó estos bocetos a través de cuadernos litografiados (Picturesque Sketches in Spain), haciendo que su obra llegara a un público mas amplio.

Porqué Egipto. El viaje de 1838-39.

Ante el éxito de este cuaderno, el pintor William Turner le animó a que buscara  paisajes aún más espectaculares y evocadores y que marchara a Egipto. Egipto, como todo lo oriental, estaba de moda en la sociedad de la época. La expedición napoleónica de finales de siglo XVIII había desvelado a Europa una civilización apasionante. La descripción que hicieron de las “antigüedades egipcias” los artistas que visitaron en aquellas fechas Egipto todavía seguía siendo casi 40 años después la referencia fundamental de aquel mundo misterioso.

En Septiembre de 1838 Roberts llegó a Alejandría. Desde allí comenzaría un viaje a través de Egipto, Nubia y Tierra Santa dibujado todos los paisajes, tipos y edificios que encontrara a su paso. Comenzó con El Cairo y los restos cercanos de Gizeh, para ir bajando a lo largo del río hasta llegar en noviembre de ese año a Abu Simbel.  En diciembre dejó Egipto para dirigirse a Palestina, Jordania y Siria donde continuó tomando notas de todos sus rincones. En mayo de 1839 dio por terminado su viaje  y regresó a Gran Bretaña. Consigo traía cientos de dibujos y bocetos.

El Cairo vista Oeste, 1838.

En Edimburgo, su amigo Robert Scout Lauder le retrató con la vestimenta árabe con la que se movió por todo Oriente (1840). Su fama como pintor se acrecentó a partir de su vuelta y en 1841 fue nombrado miembro de la Royal Academy.

Retrato de Roberts vestido de árabe por Lauder, 1840

Con todo el material que trajo de su viaje trabajará en las siguientes décadas y alcanzará un éxito notable. Durante los años 40 (1842-49) publicó junto con el litógrafo Louis Haghe hasta seis volúmenes de litografías de este viaje y numerosos óleos y acuarelas.

Pilonos y sala hípetra del templo de Isis en la isla de Filé, años 40.

Características artísticas.

Su estilo era muy libre y al mismo tiempo muy romántico. Para acentuar los detalles más pintorescos y atractivos no dudaba en:

- Añadir elementos idealizadores de luz y formas que embellecieran los paisajes y monumentos.

- Aumentar la escala de los edificios introduciendo figurillas a un tamaño menor.

- Contrastar las ruinas del Antiguo Egipto con tipos populares ataviados con los ropajes árabes.

- Variar el color y hacer borrosas aquellas estructuras menos atractivas.

Sala hipóstila del templo de Isis en Filé. Años 40.

Nuevos trabajos en las décadas de los 50 y 60.

En 1851 y 1853 viajó a Italia y visitó sus principales ciudades recogiendo nuevas vistas de paisajes ciudadanos y de interiores de edificios. Su trabajo se completa con vistas de Escocia y Londres en la segunda mitad de la década de los cincuenta y los primeros años de los 60. En 1864 moría en Londres de una apoplejía mientras pintaba vistas de la ciudad desde el Támesis.

Interior de San Juan y San Pablo, Venecia. 1851.

Para ver más imágenes de la obra de Roberts en Egipto y Tierra Santa.

Egipto al descubierto

Historia clásica

Roberts trabajando en Egipto.

Aquí tenéis un nuevo reto pictórico.

Diez cuadros que tiene en común el agua como recreo o como relax. Muy refrescante este verano tan caluroso.

Las obras han sido realizadas en los últimos 150 años y reflejan estilos más o menos "realistas" de estos tiempos. Algunas parecen fotografías de tan hiperrealistas que son. Esta vez no es necesario ponerles título (llamémosles a todos bañistas), pero sí  el estilo, el autor, la nacionalidad y la fecha aproximada.

Sólo daré por correctas las respuestas que cumplan los requisitos. Aunque no es necesario, os agradecería que pusierais además cuál ha sido el detalle o la pista que os ha llevado a descubrirlas.

Se abre el juego. Podéis participar a través del apartado de comentarios que viene al final del artículo.

Según se vayan  descubriendo las imágenes las iré añadiendo al pie de la presentación con un pequeño comentario. ESTE JUEGO HA SIDO SOLUCIONADO, PERO SI ERES UN ESPÍRITU CURIOSO TE ANIMO A QUE LO RESUELVAS SIN HACERTE TRAMPAS Y MIRAR LAS SOLUCIONES.

Buena suerte.

AQUÍ TENÉIS OTROS ENLACES CON OTROS JUEGOS QUE AUNQUE ESTÁN YA RESUELTOS TOTAL O PARCIALMENTE PUEDEN SER ENTRETENIDOS SI NO MIRÁIS LA SOLUCIÓN.

Bañistas y agua de verano.

Sólo había que buscar en Google este título y se desplegaba nuestra más recatada y angelical bañista.

Os dejo lo que ha averiguado Enrique de Ernest Berger (1857-1919), porque es verdaderamente difícil encontrar información de este pintor en la red. Si pincháis en su nombre incluso podéis ver alguna obra más, e incluso un desnudo donde la señorita va un poco más ligera de ropa

"Fue hermano del Baron Emile Berger oculista, estudió en el gimnasio,en la escuela secundaria comercial, y en 1874 en la Academia de Artes de su ciudad natal. Aunque la intención de su padre era una carrera comercial, pronto se dedicó al estudio de la pintura. Se convirtió en el alumno del profesor de Eisenmenger y el pintor Hans Makart. Bajo la dirección de este último Berger, expuso en el Künstlerhaus de Viena en 1882; "El entierro de Sara en la Cueva de Machpelah" y "Rebeca saliendo de la casa de su padre." Desde 1882 Berger vivió y trabajó en Munich. Sus producciones principales son "la Fuente de la eterna juventud," 1886, que obtuvo la medalla de plata en la Exposición de Melbourne, y "la Fuente de la Consagración1892".
Tengo que decirte que en una parte he leido que era suizo y en otra parte que nació en Viena, si creo que hablamos del mismo pintor. "

Efectivamente, como dice Enrique algo no concuerda porque nació en Viena y murió en Munich y, sin embargo, en unos sitios se le incluye entre los pintores suizos y en otros entre los austriacos. Si alguien sabe porqué que me lo cuente, por favor. La obra es académica y pertenece a  principios del siglo XX.

En 1886 tuvo lugar en París la última exposición conjunta de los impresionistas, para entonces este estilo pictórico y la filosofía que lo amparaba se encontraban profundamente arraigadas en Francia, iniciando a continuación su disolución en nuevas experiencias y, al mismo tiempo, extendiéndose por todos los países de Europa y del mundo occidental. París se había convertido en el centro de atracción para todo joven artista por la atmósfera de libertad que se respiraba en sus calles y la bohemia de los círculos de artistas y escritores. Muchos de los pintores españoles que vamos a ver pasaron por París, después de su visita obligada por Roma donde se impartía el arte oficial, contagiándose de las nuevas ideas artísticas y trasladándolas a España.

En la siguiente presentación  podresmos contemplar las obras de algunos de los principales pintores españoles que a lo largo de su carrera compartieron los presupuestos técnicos o temáticos del impresionismo francés: Beruete, Regoyos, Pinazo, Sorolla, Urgell, Meifrén, Gimeno, Rusiñol, Casas y Mir. Hay especial atención a la obra del más destacado de todos ellos Joaquín Sorolla. Si quieres puedes acompañarla con música de Phil Collins, In the air tonight. Tras la presentación puedes encontrar unos breves datos biográfico-artísticos de cada uno de ellos, que aclare un poco más su obra.

AURELIANO DE BERUETE (1845-1912)

Discípulo de Carlos Haes, se inicia en la pintura desde una posición económica desahogada que le permitió pintar a lo largo de su vida lo que quiso. Su vocación le lleva al paisajismo, primero en la línea más realista de Haes y de su amigo Martín Rico y de la escuela de Barbizon, que conoce por sus visitas a Francia. A partir de 1895, sus caudros adquieren más luz y color volcándose en la técnica impresionista. Berurete pinta paisajes sobrios de las llanuras castellanas y de los alredores de Madrid.

DARÍO DE REGOYOS (1857-1913)

Será el pintor más avanzado desde el punto de vista técnico de los pintores españoles del momento. Su estancia en Bélgica desde1879 le pone en contacto con la vanguardia de la pintura belga y francesa, con la que mantendrá contactos en los años 80 y que le influirá para acercarse al puntillismo. Este estilo será decisivo  para entender su obra, pero no debemos encasillarlo en él, porque atraviesa también fases simbolísta e incluso expresionista y desde finales del siglo XIX vuelve a un estilo próximo al impresionismo. Destacan sus paisajes del País Vasco, donde reside entre 1890 y 1910.

IGNACIO PICAZO (1849-1916)

Se inició como pintor académico, llegando a obtener reconocimiento por alguno de sus cuadros, pero a partir de 1884 comienza un línea pictórica impresionista. abandona los temas históricos para pasarse al paisaje de lugares típicos de Valencia y  de sus gentes. Su maestría con el color y la luz le lleva a ser considerado el precursor de su paisano Joaquín Sorolla.

JOAQUIN SOROLLA (1863-1923)

Como de este pintor ya hemos ofrecido un artículo monográfico e incluso un vídeo, no vamos a extendernos demasiado, aunque al ser el más sobresaliente internacionalmente de los pintores de esta época lo merecería. Formado como pintor realista, no empieza a practicar la técnica y la temática impresionista hasta mediados de los 90 . Su éxito internacional en esta década le permite pintar de una manera más libre, recuperando temas de su tierra y sobre todo imágenes de sol y playa. Desde comienzos del siglo XX su obra se especializa en captar los efectos colorísticos de la luz del sol sobre el agua, las telas y los cuerpos desnudos. También  tiene una destreza especial para realizar atractivos retratos de aspecto inacabado, pero plenos de carga psicológica. Tras estos retratos se adivina la influencia de Velázquez.

FRANCISCO GIMENO (1858-1927)

Es el primero de los pintores catalanes que voy a tratar. Fue un extraordinario paisajista y marinista, además de practicar las escenas de costumbres, con personajes sólidos, creados con una pincelada gruesa muy reconocible.

MODESTO URGELL (1839-1919)  

Discípulo de Ramón Martí Alsina, pasó un atemporada en París, donde se adscribió al realismo de Courbet. Desde los años 70 ya afincado en Cataluña practicará el paisaje escogiendo momentos lumínicos de atardecer. Sus cuadros reflejan ambientes solitarios, tristes y misteriosos, lo que le sitúa a medio camino entre el impresionismo y el romanticismo. Con este tipo de cuadros tuvo bastante éxito de ventas, lo que le permitió llevar una vida cómoda.

ELISEO MEIFRÉN (1858-1940)

Pintor de bastante éxito internacional desde los años 90. Sus pasos le llevan en su juventud a París, junto a Rusiñol y  Casas. Su obra principal trata de paisajes y marinas, hechos con una pincelada muy suelta y luminosa.

SANTIAGO RUSIÑOL (1861-1931)

Rusiñol llegó a París a inicios de 1889 y allí asimilará la pincelada suelta, el color y la luz de los pintores impresionistas; pero también una temática nueva: el mundo de los bulevares, los cafés y las salas de fiesta. Tras estos temas está la influencia de Degas, que también se refleja en sus composiciones. A su regreso a Barcelona reacciona frente a esta vida bohemia y prefiere centrarse en el paisaje de jardines (con un mensaje simbolista) y de la luz del Mediterráneo del pueblecito de Sitges y Mallorca.

RAMÓN CASAS (1866-1932)

Viajero desde muy joven y con unas cualidades pictóricas precoces que le catapultaron a la fama en la misma ciudad de París. Allí con su amigo Rusiñol pintaron el ambiente de Mommartré y del molin de la Galette. Su estilo se encuentra a mitad de camino entre el estilo realista y el impresionista en los cuadros en los que capta a personajes individuales y multitudes. Sus cuadros más famosos son los realiza en Barcelona, reflejando acontecimientos sociales tumultuosos (La carga,  Garrote vil...)Además de la pintura practicó el diseño gráfico,  como Toulosuse-Lautrec, de carteles y anuncios publicitarios.

JOAQUÍN MIR (1873-1940)

Paisajista barcelonés en la línea de Meifrén.

Que los cuadros se llenen de luz natural (luminismo), que la pincelada sea reconocible en el cuadro o que se trabaje a "pleinair" son rasgos que a menudo se suelen identificar como exclusivos de los pintores impresionistas, pero que no debe ser así. Tal hecho de modernidad ya tenía lugar entre ciertos artistas antes de que se desarrrollara el impresionismo, sin que por ello debamos atribuir a estos artístas tal calificativo.Si acaso podemos decir que son precedentes, pintores que compartieron algunas de las inquietudes que movieron al grupo francés a evolucionar entre los años 60 y 80 del siglo XIX hacia una ruptura con la pintura tradicional. En España podemos observar estos rasgos precursores en artistas que practican el género del paisaje y en ciertos pintores jóvenes que eclosionan a partir de los años 60.

Contempla esta presentación donde repasamos las características y las obras más importantes de cinco pintores españoles del siglo XIX en los que podemos apreciar en mayor o menor medida ideas que llevaron a cabo el impresionismo en Francia. Luego lee la nota biográfico-artística para terminar de comprender lo que aportan estos pintores.

LOS PRECURSORES DEL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA

EL PAISAJISMO EN ESPAÑA EN EL SIGLO XIX

El género del paisaje en España empezará a tener relevancia a partir de los años 30 con el romántico Jenaro Pérez de Villaamil (1807-1854), pero no será lo suficientemente valorado hasta el último tercio de siglo con los realistas Carlos de Haes (1829-1899)  o Martín Rico Ortega (1833-1908). A los tres pintores les une que practicaron la toma de apuntes directamente en el exterior, aunque luego recrearan las luces y las atmósferas en el taller.

• Pérez Villamil desde niño estaba acostumbrado al dibujo topográfico puesto que ayudaba a su padre, topógrafo militar, a levantar vistas del terreno. En 1833 conoce al pintor romántico escocés David Roberts que se encontraba en España tomando apuntes del natural de diversas ciudades, monumentos y paisajes. Villaamil se unió a él y realizó un bello, fantasioso y poético libro de litografías titulado España artística y monumental, poniendo de moda la pintura de paisajes en España. Sus paisajes al óleo reflejan atmósferas  mágicas, cargadas de tonos dorados y vaporosos.
• De Haes es pintor de origen belga que desde su cátedra de la Academia de Belllas Artes de San Fernando formará en el paisajismo a los principales pintores de la generación que asuman las novedades impresionistas. Su idea es que había que  acercarse a la realidad con sinceridad y respeto fidedigno, lo que supuso un abandono de la recreación fantástica del romanticismo, realizando excursiones por los parajes que quería pintar y recogiendo apuntes que luego recreaba en su estudio sin hacer modificaciones inventadas.Sus cuadros de paisajes naturales como los Picos de Europa resultan impresionantes por la capacidad para captar la luz natural.
• Rico Ortega fue un alumno de Pérez Villaamil.  Desde 1854 realiza recorridos por toda España tomando notas para sus cuadros de paisaje, en los que se especializa. En 1859 viaja becado a París donde conoce a los pintores paisajistas de la escuela de Barbizon, le interesa sobre todo Daubigny. En 1870 vuelve a España donde durante unos años compartirá ideas con su amigo Fortuny sobre la intensidad lumínica e incluso realizarán juntos cuadros en Granada e Italia (1872). En ese viaje quedará prendado por la ciudad de Venecia a donde acudirá todos los veranos desde  1879 para tomar apuntes al natural de sus rincones y canales, que luego le servirán para concluirlos con primorosa factura en su taller de Paris en invierno. Aunque conoció el impresionismo no se vio tentado de ensayar en esa técnica.

PINTORES PREIMPRESIONISTAS

Técnicamente también hay pintores en España dedicados a los grandes géneros que hacia la década de los 70 se muestran cercanos a las teorías impresionistas a cerca de la luz y de la pincelada. Entre ellos voy a destacar a Eduardo Rosales (1836-1873) y Mariano Fortuny (1838-1874), dos pintores que murieron jóvenes, truncando una prometedora evolución del realismo al impresionismo.

• Rosales se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y desde 1857 en Roma, a donde fue becado y residió hasta 1868. Su obra es muy escueta, poco más de una docena de óleos totalmente acabados, por lo que sorprende la legendaria fama que hoy le rodea, que en buena parte proviene de su cuadro El testamento de Isabel La Católica (1864). En él ya se apuntan detalles en ciernes de pintor impresionista como la búsqueda de inspiración en  Velázquez y el bocetismo. Su obra abrió los ojos a los pintores jóvenes incorformistas por el trato naturalista del tema de la muerte de la reina, sin la retórica sentimental y teatral habitual de los cuadros de historia. No obstante, este supuesto atrevimiento temático está lejos del naturalismo escandaloso de Manet practicado un año antes en París con su Desayuno en la Hierba. Su otra gran obra La muerte de Lucrecia, presentada en la Exposición de 1871, generó aún más críticas entre los académicos por su excesivo abocetamiento. Rosales se defendía diciendo: "una obra del carácter de la presentada  por mi no es un cuadro de gabinete, que ha de ser primorosamente ejecutado para que seduzca a la vista, es una obra de impresión y de impresión vigorosa y enérgica que debe ante todo hablar al alma y no al sentido.(...) De ahí la vehemencia en el hacer, la ejecución desaliñada y brutal; yo creo que con una ejecución primorosa el cuadro no sería lo que debía ser...". Pese a estas palabras que parecen autocalificarle como impresionista,  la obra de Rosales no puede ser consederada tal; es más, en sus vistas que hizo a París no se sintió nada interesado por la obra de estos pintores.
• Fortuny fue un pintor que alcanzó rápidamente reconocimiento internacional. Sus estancias en Roma y, sobre todo, el descubrimiento de la luz del norte de África, que conoció con motivo de la guerra hispano -marroquí de 1860 y a donde volvió de nuevo en 1862 y 1871, marcarán decisivamemente su estilo pictórico. Se especializó en un tipo de cuadro costumbrista o exótico, de pequeño tamaño, de carácter detallista y veraz y con un colorido muy  vivo como La Vicaría (1870). La muerte prematura a los 36 años cortó de raíz su prometedora carrera, e impidiió, problablemente, el desarrollo impresionista que ya se vislumbraba en sus últimos cuadros. El pintor desde su estancia en Granada en 1872 trabajaba al aire libre esforzándose en captar la impresión y la vibración de la luz en los objetos y en los cuerpos, como podemos observar en los cuadros de Viejo desnudo al sol (1873) o en el Desnudo en la playa de Portici.

Este artículo viene a ser un recopilatorio/síntesis de todo lo que hemos tratado en presentaciones anteriores sobre el movimiento impresionista francés. Si quieres profundizar en ellas pincha sobre el enlace:

Sobre la Historia del movimiento.

• El movimiento impresionista surge en Francia en el último tercio del siglo XIX.

• El nombre lo debe a un cuadro de Monet expuesto en la primera exposición conjunta de estos pintores de 1874, titulado, Impresión Sol naciente.

Sobre los antecedentes y las influencias del estilo.

• Influyen sobre el estilo impresionista pintores del pasado (como Velázquez, Goya, Corot o Turner) y acontecimientos cercanos como la difusión de la estampa japonesa o de la fotografía.

Sobre contra qué reaccionan.

• Su obra es una búsqueda de escapar a las normas académicas e incluso del realismo y ensayar nuevos caminos técnicos y temáticos en la pintura

Sobre las características artísticas y temáticas.

• Tonalidades claras y brillantes fruto de la pintura al aire libre.

• Representación de la visión fugaz, de los efectos de la luz sobre los paisajes y cosas.

• Los colores y las formas no son inmutables dependen de la intensidad de la luz que reciben, las horas del día o las condiciones climáticas. Pintura serial.

• Teoría científica del color

• El tema es algo accesorio.

A continuación te presento las obras de los principales pintores impresionistas franceses. Es una presentación en la que se funden las presentaciones de cinco artículos. La música es de Dire Straits. Luego continúa leyendo el esquema que te ofrezco a cerca de los mismos.Si existe la posibilidad de un enlace, pínchalo y accederás a más información de alguno de estos pintores.

Si quieres ver la presentación en pantalla completa, tendrás que pinchar sobre el logotipo de myplick, que te llevará a la página de esta aplicación en la que está colgada. Allí pincha sobre el símbolo de pantalla completa que aprecerá junto a la regleta de sonido y movimiento.

Estos son los principales autores del Impresionismo.

PREIMPRESIONISTA.

EDOUARD MANET (1832-1883).

IMPRESIONISMO PURO.

En el Café de Guerbois se reunían una serie de jóvenes pintores en torno a la figura de Manet para discutir sobre arte. Estas reuniones les ayudan a fijar sus ideas sobre la pintura y los caminos que convenía seguir. La guerra franco-prusiana dispersó al grupo, pero cuando vuelvieron a unirse cada uno había madurado y tenía una buena cantidad de obras que deseaban exponer y no podían a través del cauce oficial del Salón. Para darse a conocer crearán una especie de cooperativa para exponer conjuntamente en el salón del fotógrafo Nadar el año 1874. La experiencia se repetirá en años posteriores hasta 1886.

Entre los que expusieron, que recibieron el apelativo de impresionistas, están los siguientes.

CLAUDE MONET.(1840-1926)

AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

EDGAR DEGAS (1834-1917)

OTROS IMPRESIONISTAS.

Por último, vamos a mencionar algunos otros pintores que participaron en las exposiciones colectivas y que no tuvieron tanta repercusión como los anteriores y por ello están tratados en una presentación conjunta.

CAMILLE PIZARRO (1830-1903)

ALFRED SISLEY (1839-1899)

BERTHE MORISOT(1841-1895)

MARY CASSAT (1845-1926)

GUSTAVE CAILLEBOTTE (1848-1894)

ARMAND GUILLAUMIN (1841-1927)

FEDERICO ZANDOMENEGHI (1841-1917)

JEAN-FRANÇOIS RAFFAELLI (1850-1924)

JEAN-LOUIS FORAIN (1852-1931)

LUDOVIC PIETTE (1826-1877)

Quedarían por tratar algunos pintores que no llegaron a exponer en las muestras porque, como, por ejemplo, el prometedor Frederic Bazille falleció en 1870  o porque dejó París en los años siguientes como el puertorriqueño Francisco Oller,  que compartió amistad y aprendizaje con los grandes del Impresionismo en los años 60.  Tampoco incluímos a otros que sí participaron en las exposiciones colectivas, pero que demostraron enseguida un espíritu más rupturista o un deseo de ir por libre y que mejor encajan en lo que llamaremos Postimpresionismo como Paul Cezanne,  Paul Gaugin, Georges Seurat, Paul Signac y Lucien Pissarro (hijo de Camille). En este estudio no están tantos y tantos pintores que desarrollaron esta técnica pictórica en Francia o en sus respectivos países -y por ello, son llamados impresionistas- o aquéllos que en algún momento de su carrera adaptaron su paleta al nuevo estilo, aunque sólo fuera durante unos pocos años (v.g. John Singer Sargent).

El Impresionismo no fue un movimietno que tuviera un manifiesto y al que los artistas se adhieran. Se trata de una técnica aplicada a unas temáticas muy concretas, que unió a algunos de los pintores que desde los años 60 buscaban nuevas formas expresivas más allá de las normas académicas. Algunos de estos pintores fueron más allá y en 1874 decidieron crear una especie de cooperativa de artistas para poder exhibir sus obras en una muestra conjunta, que fue repetida en años posteriores, hasta la última de 1886. En estas exposiciones mostraron su obra artistas muy diversos: los ya explicados Monet, Renoir y Degás; pero también otros menos conocidos como Alfred Sisley, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Gustave Caillebotte, Armand Guillaumin, Federico Zandomeneghi, Jean-François Rafaelli, Jean-Louis Forain, Ludovic Piette... entre otros. De todos ellos mostramos obra gráfica en la presentación que viene a continuación y una breve nota artística sobre su obra posteriormente.

Los Otros Impresionistas

ALFRED SISLEY (1839-1899)

Pintor de origen inglés que recoge la tradición paisajística romántica de su país de origen, de  John Constable, de Thomas Gainsborough y naturalemente de J. W.M. Turner, a través de un color refinado y una pincelada ligera, que le da una gran calidad a sus paisajes. La influencia de Monet desde 1875 es muy evidente, preocupándose por los efectos luminosos, como se plasma en su conocida serie de cuadros sobre La inundación de Port-Marly (1876). Este contacto tan directo limitó la progesión de este pintor, que terminó asumiendo de Monet no sólo la técnica sino también la temática.

CAMILLE PISSARRO (1830-1903)

Es el único pintor que participó en todas las exposiciones colectivas convocadas por los impresionistas. Su aportación principal es haber servido de nexo de conexión entre pintores, sobre todo con aquellos que iban por libre como Cezanne o con los más jóvenes como Seurat o Gaugin.

Estudioso de Turner y formado bajo la influencia de los realistas  Courbet, Corot y Millet es, junto con Monet, el mejor representante de la nueva visión de la naturaleza, aunque más campestre y menos interesada por los reflejos acuáticos.Sus motivos predilectos son los paisajes de Pontoise el pueblo en donde residía.

Tiene una etapa en la que evoluciona hacia presupuestos puntillistas, pero es sólo una fase que abandonará para volver desde los años 90 al impresionismo.

BERTHE MORISOT (1841-1895)

Es discípula de Edouard Manet, su cuñada y su modelo. Tiene una etapa realista, pero desde los 70 evoluciona hacia el impresionismo animando a su maestro a que pintara al aire libre, aunque no pudo convercerle para que expusiera con los impresionistas. En la primera exposición de 1874 presentó su cuadro La cuna (1872), después continuaría acudiendo a la muestra, sólo faltando a la de 1879. Su temática se especializa en el retrato y en las escenas domésticas que reflejan la cotidianeidad femenina. Después de1886  tenderá más a la búsqueda de los volúmenes.

MARY CASSATT (1845-1926)

Norteamericana, de familia acomodada y culta. Estudió con Camille Pissarro en 1872 y admiró a Edgar Degas desde que en 1875 contempló una de sus obras en pastel, haciendo amistad con él, que es quien la introdujo en las exposiciones impresionistas a partir de 1879. Su grafismo es muy elegante influido por la estampa japonesa. Desde mediados de los 80 se aleja del impresionismo y practica una pintura más personal. Destacan sus obras que reflejan el amor materno y técnicamente la frescura y rareza de su color, como podemos comprobar en El paseo en barca de 1894.

GUSTAVE CAILLEBOTTE  (1848-1894)

De familia de la alta burguesía parisina y de formación académica. Participó desde 1876 en la segunda exposición conjunta aunque con cuadros de carácter realista Los acuchilladores de parqué. a partir de ese momento se dejó influir por los impresionistas, pero sobre todo por el atípico Degas en las escenas urbanas ( La plaza de Europa, efecto de lluvia, 1877) y  por el Renoir de escenas campestres de los años 70 (Remero con sombrero, 1877).

ARMAND GUILLAUMIN (1841-1927)

Paisajista de la ciudad de París con un uso del color intenso que preconiza el fauvismo. Destacan sus vistas del río Sena en distintas horas del día.

FEDERICO ZANDOMENEGHI (1841-1917)

Pintor italiano, amigo de Renoir y Degas, va a practicar en Francia el impresionismo buscando reflejar el ambiente ciudadano de París (Plaza de Anvers, 1880). También tiene multitud de estudios de mujeres en actos cotidianos y en pastel o carboncillo que recuerdan la obra de Degas.

JEAN-FRANÇOIS RAFFAËLLI (1850-1924)

Es el pintor de los tipos populares y de las clases medias de París. Su técnica varía entre el dibujismo de muchas de sus obras, que apenas llega a dar color a sus figuras a las preocupaciones impresionistas (Arboleda de los Campos Eliseos, 1893).

JEAN LOUIS FORAIN (1852-1931)

Fue uno de los más jóvenes impresionistas. Destaca como ilustrador humorístico y caricaturista para los periódicos en la línea de Daumier, del ocio burgués como Degas y de la noche parisina como lo hará posteriormente Toulouse-Lautrec. Su lenguaje se acerca al expresionismo por la deformación que realiza de los personajes (Café Nueva Atenas).

LUDOVIC PIETTE (1826-1877)

Aunque se inció en el academicismo con el mismo Coutoure, su obra más importante son paisajes o temas costumbristas campesinos que realiza junto a Camille Pissarro en Pontoise. Participó en la exposición de 1877 y póstumamente en la cuarta de 1879.

John Singer Sargent (1856-1925) fue un pintor a caballo entre el siglo XIX y el siglo XX que, como otros de estos momentos, resulta difícil de etiquetar en un estilo concreto, ya que practicó distintos estilos a lo largo de su carrera pictórica. Del academicismo más puro al costumbrismo; del impresionismo cercano a Monet al realismo de denuncia social en otros. Su obra es extensa y variada. Pese a que los estudios más superficiales le suelen encajar en el retratismo institucional con el que tuvo notable éxito económico, él se rebela en muchos momentos de este encasillamiento e incluso al final de su vida se libera totalmente del mercado y pintará lo que realmente le apetezca.

Distingue las etapas que atraviesa viendo este vídeo que he preparado. Si quieres puedes activar la música que lo acompaña, El amor Brujo de Manuel de Falla.

John Singer Sargent es atípico hasta en su biografía. Nació en Florencia de padres norteamericanos acomodados. Entre Italia y Alemania pasó su infancia y tomó las primeras clases de pintura. En 1874 con 18 años llegó a París para seguir su formación pictórica. Carolus-Durán, su maestro, será decisivo para el desarrollo de su obra posterior puesto que potenció en él sus capacidades para el retrato y le inculcó el amor por lo español y, sobre todo, por su idolatrado Velázquez.

Otro elemento a tener en cuenta en este pintor es su curiosidad por todo tipo de culturas. Fue un viajero incansable. Aunque vivió en París y Londres, donde tuvo su residencia desde 1885, no paró de visitar repetidas veces Estados Unidos, Italia, España, Holanda, el norte de África, Egipto, Constantinopla..., de todos estos sitios sacó ideas y dejó constancia en su obra.

ETAPAS

1.- De 1874 a 1890. Son años de indefinición en su estilo y de costantes cambios, buscando la mejor manera de expresión y de triunfar en el mundo del arte.

- Formación con Carolus-Duran entre 1874-79. Participación en los concursos de la Academia.

- Todavía se puede considerar de formación los viajes que realiza a España en 1879 donde copió en el Museo del Prado las obras de Velázquez y tomó muchos apuntes de paisajes y tipos españoles (Jaleo). Al año siguentes, 1880, viajó a Holanda para conocer la obra de Hals. Estos dos viajes le encaminaron hacia la especialización en el retrato capaz de captar los rasgos del retratado pero también su hondura psicológica. De Velázquez también toma la luz y aspectos de la composición de escenas en interiores. En 1881 recorre Italia y se detiene una temporada en Venecia, su tercera gran influencia.

- A su vuelta pinta cuadros de gran tamaño y se decanta hacia el retrato. En el retrato que reliza de las hijas de la familia Boit (1882) muestra su especial tributo a Las Meninas. Su maestría empieza a reconocerse y recibe encargos para retratos individuales de algunas damas parisinas y londinenses. Es hacia 1883 cuando entabla relación con los Guatreau. Madame Gautreau, compatriota de Sargent, casada con un banquero y conocida en París por su elegancia y belleza, se convertirá en su musa en los meses siguientes. Con el fin de realizar para ella un retrato  que ensalzara aún más su coquetería, vivirá con el matrimonio y realizará numerosos estudios preparatorios para conseguir el retrato definitivo, el que presentará al Salón de 1884. El cuadro titulado Madame X causo un grandioso escándalo en su presentación. Todo el mundo reconoció a la retratada. La hipócrita sociedad parisina podía ver sin sonrojo desnudos de diosas pero no podía consentir en alguien reconocible una pose altanera, un escote muy insunuante, un  tirante caído que acentuaba el erotismo del cuadro..., que dos norteamericanos adveenidos soliviantaran a la sociedad bien. Tal fue el revuelo que se montó que el propio pintor retiró el cuadro de la muestra antes de que acabara. El banquero no quiso pagarlo y Madame Gautreau le pidió que lo destruyera. Sargent se negó a esto último y lo tendrá consigo hasta 1916, año en el que lo vendió, aunque sí repintó el cuadro y subió el tirante causante del escándalo.

- Tras este suceso, los encargos empiezan a escasear y Sargent decide trasladarse a Londres, donde algunos de sus retratos más formales de otras damas habían tenido exito. No obstante, tal vez como reacción contra el Salón, durante los años siguientes el pintor se sentirá atraído por el movimiento pictórico que reacciona contra el academicismo, el impresionismo. Son los años de acercamiento a Monet y Degas. Al primero, le visita en Giverny y pintando con él le copia su técnica ( Retrato de Monet pintando o Mujeres en la Barca); del segundo recoge la libertad de encuadre y composición como si tomara  una fotografía (Retrato de Robert Louis Stevenson y su esposa). Sin embargo, aunque realizará preciosos cuadros en estilo impresionista como Carnation Lily Lily Rose (1885) será sólo una fase que le durará hasta aproximadamente 1890.

2.- De 1890 a 1906. Son los años del éxito social y económico de Sargent. Continúa viajando, aprendiendo  y reflejando los paisajes y los tipos por donde pasa, pero su obra principal serán los numerosos encargos que recibe para retratar a los ricos aristócratas ingleses y norteamericanos. Toda la sociedad victoriana/eduardiana como la seudoaristocracia norteamericana quiere ser retratada por Sargent, porque éste sabe dar a sus cuadros un toque de idealización y elegancia a la manera de Van Dyck. Son tantos los encargos que lo difícil es no repetir la pose o los tonos, darle la originalidad que cada uno de los mecenas requiere. Sus obras mas sinificativas de esta etapa, a mi parecer, están entre los retratos femeninos, de los que destacaría la belleza del retrato de Lady Agnew de Lochnaw (1892). El éxito económico viene parejo con el reconocimiento oficial siendo nombrado académico en Nueva York y Londres.

En esta época también recibe los encargos murales de la Boston Public Library y del Museum of Fine Arts de la misma ciudad, que no rematará hasta 1919.

3.- De 1906 a 1914. Son los años en el que Sargent decide liberarse de la tiranía de la clientela. Posee fortuna y todavía la suficiente salud para seguir recorriendo mundo. Deja aparcado el retrato al óleo, salvo para amigos o compromisos, y se dedica casi exclusivamente a la acuarela. La felicidad del pintor se refleja en el colorido y la despreocupación de sus temas. Vuelven los paisajes naturles y de ciudades (Canales de Venecia) a la manera impresionista, pero con esta técnica aún más rápida que el óleo. Sus grupos humanos como el pintor se complacen de las cosas más sencillas de la vida (La siesta o Dolce far niente), sin presentir la tormenta que se avecina.

4.- De 1914 a 1925. La Primera Guerra Mundial golpeará duramente a la sociedad europea y especialmente a nuestro pintor, que comisionado para narrar las hazañas de la Guerra, contemplará en ella también las miserias. Se muestra conmocionado con la destrucción de las ciudades, pero fundamentalmente por los horrores cometidos sobre los seres humanos. Un grito de protesta contra la brutalidad de todas las guerras es su magnífico y gigantesco cuadro titulado Gaseados (1918). En estos cuadros abandona la idealización para contarnos con crudeza realista, como un nuevo Goya, "los desastres de la guerra".