En 1886 tuvo lugar en París la última exposición conjunta de los impresionistas, para entonces este estilo pictórico y la filosofía que lo amparaba se encontraban profundamente arraigadas en Francia, iniciando a continuación su disolución en nuevas experiencias y, al mismo tiempo, extendiéndose por todos los países de Europa y del mundo occidental. París se había convertido en el centro de atracción para todo joven artista por la atmósfera de libertad que se respiraba en sus calles y la bohemia de los círculos de artistas y escritores. Muchos de los pintores españoles que vamos a ver pasaron por París, después de su visita obligada por Roma donde se impartía el arte oficial, contagiándose de las nuevas ideas artísticas y trasladándolas a España.

En la siguiente presentación  podresmos contemplar las obras de algunos de los principales pintores españoles que a lo largo de su carrera compartieron los presupuestos técnicos o temáticos del impresionismo francés: Beruete, Regoyos, Pinazo, Sorolla, Urgell, Meifrén, Gimeno, Rusiñol, Casas y Mir. Hay especial atención a la obra del más destacado de todos ellos Joaquín Sorolla. Si quieres puedes acompañarla con música de Phil Collins, In the air tonight. Tras la presentación puedes encontrar unos breves datos biográfico-artísticos de cada uno de ellos, que aclare un poco más su obra.

AURELIANO DE BERUETE (1845-1912)

Discípulo de Carlos Haes, se inicia en la pintura desde una posición económica desahogada que le permitió pintar a lo largo de su vida lo que quiso. Su vocación le lleva al paisajismo, primero en la línea más realista de Haes y de su amigo Martín Rico y de la escuela de Barbizon, que conoce por sus visitas a Francia. A partir de 1895, sus caudros adquieren más luz y color volcándose en la técnica impresionista. Berurete pinta paisajes sobrios de las llanuras castellanas y de los alredores de Madrid.

DARÍO DE REGOYOS (1857-1913)

Será el pintor más avanzado desde el punto de vista técnico de los pintores españoles del momento. Su estancia en Bélgica desde1879 le pone en contacto con la vanguardia de la pintura belga y francesa, con la que mantendrá contactos en los años 80 y que le influirá para acercarse al puntillismo. Este estilo será decisivo  para entender su obra, pero no debemos encasillarlo en él, porque atraviesa también fases simbolísta e incluso expresionista y desde finales del siglo XIX vuelve a un estilo próximo al impresionismo. Destacan sus paisajes del País Vasco, donde reside entre 1890 y 1910.

IGNACIO PICAZO (1849-1916)

Se inició como pintor académico, llegando a obtener reconocimiento por alguno de sus cuadros, pero a partir de 1884 comienza un línea pictórica impresionista. abandona los temas históricos para pasarse al paisaje de lugares típicos de Valencia y  de sus gentes. Su maestría con el color y la luz le lleva a ser considerado el precursor de su paisano Joaquín Sorolla.

JOAQUIN SOROLLA (1863-1923)

Como de este pintor ya hemos ofrecido un artículo monográfico e incluso un vídeo, no vamos a extendernos demasiado, aunque al ser el más sobresaliente internacionalmente de los pintores de esta época lo merecería. Formado como pintor realista, no empieza a practicar la técnica y la temática impresionista hasta mediados de los 90 . Su éxito internacional en esta década le permite pintar de una manera más libre, recuperando temas de su tierra y sobre todo imágenes de sol y playa. Desde comienzos del siglo XX su obra se especializa en captar los efectos colorísticos de la luz del sol sobre el agua, las telas y los cuerpos desnudos. También  tiene una destreza especial para realizar atractivos retratos de aspecto inacabado, pero plenos de carga psicológica. Tras estos retratos se adivina la influencia de Velázquez.

FRANCISCO GIMENO (1858-1927)

Es el primero de los pintores catalanes que voy a tratar. Fue un extraordinario paisajista y marinista, además de practicar las escenas de costumbres, con personajes sólidos, creados con una pincelada gruesa muy reconocible.

MODESTO URGELL (1839-1919)  

Discípulo de Ramón Martí Alsina, pasó un atemporada en París, donde se adscribió al realismo de Courbet. Desde los años 70 ya afincado en Cataluña practicará el paisaje escogiendo momentos lumínicos de atardecer. Sus cuadros reflejan ambientes solitarios, tristes y misteriosos, lo que le sitúa a medio camino entre el impresionismo y el romanticismo. Con este tipo de cuadros tuvo bastante éxito de ventas, lo que le permitió llevar una vida cómoda.

ELISEO MEIFRÉN (1858-1940)

Pintor de bastante éxito internacional desde los años 90. Sus pasos le llevan en su juventud a París, junto a Rusiñol y  Casas. Su obra principal trata de paisajes y marinas, hechos con una pincelada muy suelta y luminosa.

SANTIAGO RUSIÑOL (1861-1931)

Rusiñol llegó a París a inicios de 1889 y allí asimilará la pincelada suelta, el color y la luz de los pintores impresionistas; pero también una temática nueva: el mundo de los bulevares, los cafés y las salas de fiesta. Tras estos temas está la influencia de Degas, que también se refleja en sus composiciones. A su regreso a Barcelona reacciona frente a esta vida bohemia y prefiere centrarse en el paisaje de jardines (con un mensaje simbolista) y de la luz del Mediterráneo del pueblecito de Sitges y Mallorca.

RAMÓN CASAS (1866-1932)

Viajero desde muy joven y con unas cualidades pictóricas precoces que le catapultaron a la fama en la misma ciudad de París. Allí con su amigo Rusiñol pintaron el ambiente de Mommartré y del molin de la Galette. Su estilo se encuentra a mitad de camino entre el estilo realista y el impresionista en los cuadros en los que capta a personajes individuales y multitudes. Sus cuadros más famosos son los realiza en Barcelona, reflejando acontecimientos sociales tumultuosos (La carga,  Garrote vil...)Además de la pintura practicó el diseño gráfico,  como Toulosuse-Lautrec, de carteles y anuncios publicitarios.

JOAQUÍN MIR (1873-1940)

Paisajista barcelonés en la línea de Meifrén.

Que los cuadros se llenen de luz natural (luminismo), que la pincelada sea reconocible en el cuadro o que se trabaje a "pleinair" son rasgos que a menudo se suelen identificar como exclusivos de los pintores impresionistas, pero que no debe ser así. Tal hecho de modernidad ya tenía lugar entre ciertos artistas antes de que se desarrrollara el impresionismo, sin que por ello debamos atribuir a estos artístas tal calificativo.Si acaso podemos decir que son precedentes, pintores que compartieron algunas de las inquietudes que movieron al grupo francés a evolucionar entre los años 60 y 80 del siglo XIX hacia una ruptura con la pintura tradicional. En España podemos observar estos rasgos precursores en artistas que practican el género del paisaje y en ciertos pintores jóvenes que eclosionan a partir de los años 60.

Contempla esta presentación donde repasamos las características y las obras más importantes de cinco pintores españoles del siglo XIX en los que podemos apreciar en mayor o menor medida ideas que llevaron a cabo el impresionismo en Francia. Luego lee la nota biográfico-artística para terminar de comprender lo que aportan estos pintores.

LOS PRECURSORES DEL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA

EL PAISAJISMO EN ESPAÑA EN EL SIGLO XIX

El género del paisaje en España empezará a tener relevancia a partir de los años 30 con el romántico Jenaro Pérez de Villaamil (1807-1854), pero no será lo suficientemente valorado hasta el último tercio de siglo con los realistas Carlos de Haes (1829-1899)  o Martín Rico Ortega (1833-1908). A los tres pintores les une que practicaron la toma de apuntes directamente en el exterior, aunque luego recrearan las luces y las atmósferas en el taller.

• Pérez Villamil desde niño estaba acostumbrado al dibujo topográfico puesto que ayudaba a su padre, topógrafo militar, a levantar vistas del terreno. En 1833 conoce al pintor romántico escocés David Roberts que se encontraba en España tomando apuntes del natural de diversas ciudades, monumentos y paisajes. Villaamil se unió a él y realizó un bello, fantasioso y poético libro de litografías titulado España artística y monumental, poniendo de moda la pintura de paisajes en España. Sus paisajes al óleo reflejan atmósferas  mágicas, cargadas de tonos dorados y vaporosos.
• De Haes es pintor de origen belga que desde su cátedra de la Academia de Belllas Artes de San Fernando formará en el paisajismo a los principales pintores de la generación que asuman las novedades impresionistas. Su idea es que había que  acercarse a la realidad con sinceridad y respeto fidedigno, lo que supuso un abandono de la recreación fantástica del romanticismo, realizando excursiones por los parajes que quería pintar y recogiendo apuntes que luego recreaba en su estudio sin hacer modificaciones inventadas.Sus cuadros de paisajes naturales como los Picos de Europa resultan impresionantes por la capacidad para captar la luz natural.
• Rico Ortega fue un alumno de Pérez Villaamil.  Desde 1854 realiza recorridos por toda España tomando notas para sus cuadros de paisaje, en los que se especializa. En 1859 viaja becado a París donde conoce a los pintores paisajistas de la escuela de Barbizon, le interesa sobre todo Daubigny. En 1870 vuelve a España donde durante unos años compartirá ideas con su amigo Fortuny sobre la intensidad lumínica e incluso realizarán juntos cuadros en Granada e Italia (1872). En ese viaje quedará prendado por la ciudad de Venecia a donde acudirá todos los veranos desde  1879 para tomar apuntes al natural de sus rincones y canales, que luego le servirán para concluirlos con primorosa factura en su taller de Paris en invierno. Aunque conoció el impresionismo no se vio tentado de ensayar en esa técnica.

PINTORES PREIMPRESIONISTAS

Técnicamente también hay pintores en España dedicados a los grandes géneros que hacia la década de los 70 se muestran cercanos a las teorías impresionistas a cerca de la luz y de la pincelada. Entre ellos voy a destacar a Eduardo Rosales (1836-1873) y Mariano Fortuny (1838-1874), dos pintores que murieron jóvenes, truncando una prometedora evolución del realismo al impresionismo.

• Rosales se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y desde 1857 en Roma, a donde fue becado y residió hasta 1868. Su obra es muy escueta, poco más de una docena de óleos totalmente acabados, por lo que sorprende la legendaria fama que hoy le rodea, que en buena parte proviene de su cuadro El testamento de Isabel La Católica (1864). En él ya se apuntan detalles en ciernes de pintor impresionista como la búsqueda de inspiración en  Velázquez y el bocetismo. Su obra abrió los ojos a los pintores jóvenes incorformistas por el trato naturalista del tema de la muerte de la reina, sin la retórica sentimental y teatral habitual de los cuadros de historia. No obstante, este supuesto atrevimiento temático está lejos del naturalismo escandaloso de Manet practicado un año antes en París con su Desayuno en la Hierba. Su otra gran obra La muerte de Lucrecia, presentada en la Exposición de 1871, generó aún más críticas entre los académicos por su excesivo abocetamiento. Rosales se defendía diciendo: "una obra del carácter de la presentada  por mi no es un cuadro de gabinete, que ha de ser primorosamente ejecutado para que seduzca a la vista, es una obra de impresión y de impresión vigorosa y enérgica que debe ante todo hablar al alma y no al sentido.(...) De ahí la vehemencia en el hacer, la ejecución desaliñada y brutal; yo creo que con una ejecución primorosa el cuadro no sería lo que debía ser...". Pese a estas palabras que parecen autocalificarle como impresionista,  la obra de Rosales no puede ser consederada tal; es más, en sus vistas que hizo a París no se sintió nada interesado por la obra de estos pintores.
• Fortuny fue un pintor que alcanzó rápidamente reconocimiento internacional. Sus estancias en Roma y, sobre todo, el descubrimiento de la luz del norte de África, que conoció con motivo de la guerra hispano -marroquí de 1860 y a donde volvió de nuevo en 1862 y 1871, marcarán decisivamemente su estilo pictórico. Se especializó en un tipo de cuadro costumbrista o exótico, de pequeño tamaño, de carácter detallista y veraz y con un colorido muy  vivo como La Vicaría (1870). La muerte prematura a los 36 años cortó de raíz su prometedora carrera, e impidiió, problablemente, el desarrollo impresionista que ya se vislumbraba en sus últimos cuadros. El pintor desde su estancia en Granada en 1872 trabajaba al aire libre esforzándose en captar la impresión y la vibración de la luz en los objetos y en los cuerpos, como podemos observar en los cuadros de Viejo desnudo al sol (1873) o en el Desnudo en la playa de Portici.

Los 82 años de la vida de Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) abarcan un amplio y trascendente espacio de la vida española. No ha habido ningún pintor en la historia de España tan comprometido con su tiempo, que dejara una visión tan mordaz y tan profunda. Y es que le tocó vivir dos épocas muy distintas, que casi coinciden con sus etapas vitales: la del optimismo de la Ilustración y la del pesimismo de la guerra y el oscurantismo. Hay un Goya sano, alegre y esperanzado que confía en la razón para cambiar el mundo en el que vive  y un Goya enfermo que se duele de la tragedia de la invasión napoleónica, el fracaso liberal y el enfrentamiento entre las dos Españas.

Aquí os ofrezco un breve esquema de sus etapas pictóricas y de su vida, que podéis completar con el breve apunte en Scribd que viene a continuación.

• El Romanticismo. Admira su atrevimiento temático.
• El impresionismo. Recoge sus aportaciones técnica sobre la pincelada.
  
• El expresionismo. Pocos pintores han trasmitido tanto de su interior a través del color o la deformidad de sus personajes como Goya.
• El fauvismo. Le interesa cómo en su etapa final libera el color de su dependencia de la realidad.
• El surrealismo. El mundo de los caprichos o de los disparates es una inmersión en el mundo de las pesadillas.

Este artículo sale a la luz con motivo de la gran exposición que desde el 26 de mayo ha inaugurado el Museo del Prado sobre Joaquín Sorolla, el principal representante del Impresionismo en España. La muestra presenta más de cien cuadros del artista de todas las épocas, desde las obras de realismo social como Otra Margarita o el más conocido Aún dicen que el pescado es caro a las obras puramente impresionistas donde juega con la luz levantina o con la pincelada rápida en los retratos y paisajes. Creo que merecerá la pena visitarla.

Para ir abriendo boca te ofrezco este video que he elaborado con algunas de sus obras más destacadas y al que acompaña una canción de Billy Joel, "She's Always a Woman".

Joaquín Sorolla nació en Valencia y se educó como pintor de forma muy académica. En 1885 marchó a Roma pensionado por la Diputación de Valencia, y allí se relacionó con los artistas de la colonia española como Pradilla. Desde allí se trasladó a París, donde permaneció seis meses, y surgió su interés por el realismo y por la pintura impresionista, aunque no mantuvo ninguna relación con el grupo. En 1889 ya estaba en Madrid. Todavía tardará en deshacerse del tema social que ocupa gran parte de sus composiciones de los años 90, pero poco a poco el camino aprendido en París irá ganando terreno. En esos años son frecuentes los viajes a su tierra atraído por la luz.  Allí realiza sus cuadros más célebres, los de las orillas del Mediterráneo. El tema de los pescadores o costumbrismo marinero le granjeará los primeros éxitos, pero serán sobre todo las escenas playeras las que capten la atención del gran público por sus presupuestos claramente impresionistas. Nadie ha pintado como Sorolla el reflejo vidriado de los cuerpos mojados de los niños en la playa o las telas blancas deslumbrantes iluminadas por el sol. También le atraen notablemente las figuras femeninas a las que retrata una y otra vez con absoluta originalidad. El conjunto de su obra nos trasmite optimismo y alegría.

En 1900 obtuvo el Premio de Honor de la Exposición Universal de París, convirtiéndose en uno de los artistas más cotizados de su tiempo. Su fama y proyección internacional le puso en contacto con Archer M. Huntington fundador de la Hispanic Society de América. Esta institución le encargó en 1911 la decoración del salón de su sede en Nueva York: catorce paneles de grandes dimensiones que representan regiones españolas y una galería de retratos para la biblioteca, algunos de los cuales podemos ver en esta exposición. Esta obra ocupó al artista desde 1912 a 1919, años en los que viajó por toda la geografía española tomando apuntes y haciendo bocetos. El resultado es un conjunto de obras muy singulares de paisajes y tipos populares o folklóricos.

Como retratista captó a los principales españoles de la época: Benito Pérez Galdós (1894), Miguel de Unamuno, Mariano Benlliure, Ramón y Cajal, Juan Ramón Jiménez, Alfonso XIII... Pero sobre todo se recreó en su familia, su mujer y sus hijos.

Para más información véase también el artículo El impresionismo en  España, donde se repasa la obra de los principales pintores que trabajan con esta técnica o temática y además se pueden ver en la presentación que acompaña más cuadros de este pintor.

Benito Pérez Galdós, 1894

EL REALISMO EN ESPAÑA. En este artículo vamos  a apuntar a modo de esquema o ficha los datos fundamentales sobre este movimiento artístico. En otros capítulos tramos o trataremos como es la pintura realista en países como Francia, Gran Bretaña o Estados Unidos.

CRONOLOGÍA:

Triunfa entre 1850 y 1900.

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS:

• No se despojó del todo de las tendencias románticas y el resultado es un realismo retrospectivo, es decir, la utilización de las técnicas realistas pero para pintar tipos y acontecimientos del pasado.
• Escenas sin exageración teatral, pero se intenta captar los sentimientos.
• Importancia del dibujo.
• Acabados con detalles muy cuidados.
• Inspiración temática y técnica en los grandes maestros españoles como Velázquez y Goya.

Muñoz Degrain. Los amantes de Teruel

CARACTERÍSTICAS TEMÁTICAS:

• Hechos de la Historia de España desde la Edad Media hasta el siglo XIX. Se plantean los hechos con mesura. Reconstrucción arqueológica de la Antigüedad.
• Algunos pintores transmiten ideología política a través de sus cuadros, pero a menudo como apoyo al liberalismo.La crítica social y el mundo obrero sólo aparece en Ramón Casas.
• Gran importancia del retrato burgués.
• Casi todos estos pintores estuvieron en la campaña de Marruecos. Se ven atraídos por la luz y los tipos marroquíes

PINTORES Y OBRA:

• JOSÉ CASADO ALISAL (1832-1886). La rendición de Bailén, La campana de Huesca y retrato de Sagasta.
• ANTONIO GISBERT (1835-1902). Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros y Los comuneros.
• EDUARDO ROSALES (1836-1873). El testamento de Isabel la Católica y Juan de Austria presentado a Carlos V en Yuste.
• FRANCISCO PRADILLA (1848-1921). Rendición de Granada y Juana La Loca.
  
• MARIANO FORTUNY (1838-1874). La vicaría y Tipos marroquíes.
• RAMÓN CASAS ( 1864-1931). La carga y El garrote vil.
  

En la siguiente presentación puedes ver estas obras y alguna característica especial de cada autor. Aplica las características anteriores si quieres completar un pequeño comentario de estas pinturas.

EL REALISMO ESPAÑOL 1850-1900

En 1799 se publicó la primera serie de grabados al aguafuerte de Francisco de Goya. Se trataba de una colección de 80 estampas de “asuntos caprichosos”, que el pintor había ido haciendo a lo largo de esa década. A través de esta colección Goya expresó lo que pensaba y sentía como hombre ilustrado sobre la sociedad española de finales del siglo XVIII. Lo hace, en ocasiones, a través de dibujos realistas y, la mayor parte de las veces, por medio de imágenes fantasiosas más o menos delirantes:

- En unos censuraba errores y vicios universales como la ociosidad, el fanatismo religioso, la vanidad o la hipocresía…

- En otros satirizaba sobre tópicos del momento, como la defectuosa educación de los niños, las leyes injustas, los matrimonios desiguales, el comportamiento de los frailes o los prejuicios que resultaban de la ignorancia y de la superstición.

- En la mayoría subyacía una profunda crítica a las instituciones y al sistema social tan injusto del Antiguo Régimen.

Hasta la Muerte

La técnica artística es expresionista, deformando fisonomías y cuerpos humanos para dar aspecto bestial a los vicios y torpezas humanas. Según palabras del propio Goya no estaba en su ánimo ridiculizar a ningún individuo concreto, aunque desde el momento de su publicación ya hubo quien quiso ver en algunos de los personajes a figuras del momento. Las escenas son aparentemente cotidianas pero en escenarios tenebrosos, donde la luz crea ambientes irreales para acentuar el mensaje, y con seres monstruosos, brujas, prostitutas, duendes, frailes...

El sueño de la razón produce monstruos

Los títulos que acompañan a los grabados son sentencias punzantes e irónicas. En ellas siempre hay que distinguir un doble significado: el literal y el profundo. El juego de dobles sentidos permite una interpretación libre al que los contempla y protege al artista de una acción directa contra él por parte de la Inquisición o de sus enemigos.

La obra de los Caprichos ha influido sobre varios movimientos artísticos por distintos motivos. El romanticismo apreció sobre todo su espíritu rebelde y de crítica social. El expresionismo la capacidad de mostrar lo que sentía a través de esos seres deformes. El surrealismo reconoce en él a un artista que obtiene su lenguaje de un mundo onírico de pesadilla.

Analicemos dos caprichos relacionados entre sí porque los asnos se convierten en protagonistas (serie de asnerías). El asno es un personaje típico de fábula, que simboliza a los hombres que actúan como seres carentes de razón o juicio.

El Capricho 37. Si sabrá mas el discípulo? Un burro enseña en la escuela a unos burritos. ¿Acabará sabiendo más el alumno que su profesor? No. Todos acabarán como lo que son: jumentos. Por mucho empeño que se ponga -viene a decir Goya-, de donde no hay, no se puede sacar. El mensaje profundo es la crítica a un sistema educativo donde tan ignorante puede ser quien enseña como quien recibe la enseñanza, porque no se transmiten conocimientos racionales.

El Capricho 42, titulado Tu que no puedes . Se trata de la primera parte de un refrán popular que concluye con la coletilla … llévame a cuestas. En él dos campesinos llevan a cuestas a dos burros muy

pesados y contentos. Detrás de la imagen cómica de un mundo al revés, en el que los seres humanos tienen que soportar como carga a los animales hay un mensaje metafórico. Los seres humanos son el pueblo, que carga afligido, con los ojos cerrados, tal vez por la ignorancia, con los burros, las clases ociosas, la nobleza y el clero. La lámina nos muestra que el sistema social es totalmente inadecuado e injusto, un sinsentido carente de humanidad.

ACTIVIDAD PARA EL ALUMNO.

• Describe las otras dos imágenes que sirven para ilustrar este artículo.

• Distingue entre el mensaje superficial y el mensaje más profundo.

• Atribúyeles un movimiento artístico en el que puedan haber influido. ¿Por qué?

• Busca información sobre otras colecciones de grabados goyescos. ¿Qué temática tratan?

• ¿Tienen algo que ver estas estampas con Las Pinturas Negras? ¿Por qué?