Como lo prometido es deuda, os doy la oportunidad, pero sólo durante todo este fin de semana, de responder correctamente al control que hicimos el miércoles sobre pintura y arquitectura de vanguardia.

CONTROL PINTURA Y ARQUITECTURA VANGUARDIAS. 2012

Las condiciones son las siguientes:

1. Se ha de mandar la lista numerada completa y correcta con las soluciones que se pedían el día del control y, por supuesto, no debe faltar al menos un rasgo distintivo del autor. Como seguramente ya las sabéis porque ha corrido la voz, tendré que endurecer las condiciones

2. Además se debe resolver como imagen 11 la que sirve de portada a la presentación, aunque sea de un artista que no entraba en el trabajo propuesto ¿Cómo lo averiguáis? Ese es vuestro problema. Dice el refrán que "quién algo, quiere algo le cuesta".

3. Para que no haya "copieteo" deberéis aportar además un comentario más profundo de una obra, la que más os guste de entre todas las que entran en la prueba. Este comentario debe ser personal. Anularé aquellos comentarios que sean "corta y pega" y os aseguro que eso es fácil de demostrar con el buscador de Google. Ese comentario además debe poner en relación o comparación  la obra  con otras del mismo artista o de otros que le influyeron o sobre los que influyó (para saber exactamente a qué obra nos referimos hay que indicar la dirección url de la misma). Seré duro en la corrección.

Sólo daré cinco premios a los cinco primeros que respondan correctamente a todas estas condiciones. El premio merece la pena porque es nada menos que 2 puntos extras en la nota del control.

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Los tres comentarios llegados son correctos y completos por lo que Anabel C., Cristina R. y Joel T. reciben el premio de los dos puntos a sumar al control. Publico el resultado correcto haciendo una mezcla de vuestras respectivas respuestas y dando protagonismo al comentario de la obra preferida por cada uno que ha resultado ser distinta.

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IMAGEN 1
TÍTULO: La condición humana I
AUTOR: Renè Magritte
ESTILO: Surrealismo

Característica: La obra nos muestra una pintura que representa la “realidad” que ya vemos en el propio cuadro, llevando a cabo un juego visual de imágenes muy propio del autor. Magritte plasma el mundo de los sueños del subconsciente, las figuras aparecen pintadas con gran detallismo, es una combinación de elementos que resulta sorprendente e incluso sin sentido, los fondos y las figuras se funden en el mismo cuadro. A través de la ventana divisamos un paisaje natural, bello, esta obra es de las llamadas cuadros dentro del cuadro, el lienzo representa el mismo paisaje que existe teóricamente en la realidad, vista a través de la ventana, a la naturaleza real se le añade una naturaleza pintada. La interpretación de este cuadro queda abierta para que nosotros busquemos explicaciones.

IMAGEN 2
TITULO: El carnaval de Arlequín
AUTOR: Joan Miró
Estilo: Surrealista

Características: vemos un mundo de fantasía de sueño de abstracción que hacen referencia a el simbolismo propio de Miró (por ejemplo escalera ascensión), mezcla objetos reales con otros inventados; Los objetos que se distribuyen por el espacio dan sensación de flotar al estar colocados no en una superficie, sino en una habitación en la que el suelo y la pared están realizados con perfecta perspectiva. Una ventana abierta al exterior nos muestra un paisaje típicamente mironiano. Sus figuras son alargadas y parecen que flotan en un espacio irreal de objetos y animales.

Usa colores primarios como el rojo, amarillo y azul. Es una obra muy simbolista, esto se ve en la representación de la escalera, que refleja la huída, algo que le obsesionaba mucho al autor y, que posteriormente plasmará en otras obras como "Una estrella que acaricia el pecho de una negra.

En esta obra plasma las alucinaciones que le ocasionaba el hambre que sufría en esta etapa. En esta obra predomina el grafismo, la recuperación perspectiva y las formas minuciosamente analizadas. Es muy expresiva y está realizada con un trazo espontáneo. Es muy imaginativa, nos llama la atención lo imposible, como son los objetos flotando, etc. El pintor observa elementos de la naturaleza y los plasma en el cuadro mediante un proceso de metamorfosis para crear formas diferentes, también pinta a los insectos que le fascinaban mucho. Respecto a los fondos, estos son neutros y planos con unas gamas limitadas de colores que dan lugar a un mosaico de figuras oníricas. Los objetos inanimados se presentan con vida propia y con formas abstractas.

IMAGEN 3
TITULO: Dinamismo de un perro sujeto con correa
AUTOR: Giacomo Balla
Estilo: Futurismo

Características: Los futuristas buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la dinámica, que un objeto nunca esta estático sino que hay movimiento en él, hay fuerza hay velocidad y sobre todo era buscar los medios para reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, usaron la multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un calidoscopio, Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros (obra de arriba) y figuras humanas con varias cabezas. El sonido lo representan con ondas. Este pintor trabajó sobre los aspectos ópticos del movimiento.

IMAGEN 4
TITULO: ICARO
AUTOR: Henri Matisse
ESTILO: fauvismo

Características: Matisse es el máximo representante de el fauvismo , que es un estilo que duró poco desde 1905 a 1910, busca la liberación de la forma mediante el color representado con un tono vitalista, no atiende a colores reales sino a colores estridentes se niega a ser una mera representación de la naturaleza quiere ir más allá otra caracteriza es como se adquieren los planteamientos simbolistas y sobre todo los postimpresionistas que destaco es utiliza un gesto espontáneo y un color puro. En los últimos años de Matisse incorpora una nueva técnica los papeles pintados con gouache y posteriormente recortados y pegados sobre el soporte (como es en el caso de Ícaro) juega con el color y las formas, se reduce a una mínima expresión plástica, y la temática mitológica es muy apreciada por el artista por último decir que hay una sensación de gravedad.

IMAGEN 5
TITULO: Composición X
AUTOR: Wassily Kandinsky
ESTILO: Expresionismo

Características: Kandinsky dice que el arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y establece las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, en una de sus etapas que es la composición introduce con gran maestría la abstracción son construcciones totalmente calculadas, que recogen lo intuitivo (cuyos colores y trazos habían sido tratados de forma instintiva) Utiliza una gran variedad de figuras geométricas aunque en esta ultima utiliza mas figuras orgánicas y biomórficas con una gama de colores intensos. Esta obra abstracta forma parte de la serie del autor Improvisaciones, composiciones e impresiones, para cuya realización se dejará llevar por la música. Destaca la importancia de la línea como limitadora de los planos.

IMAGEN 6
TITULO: El Banco Central (actual Instituto Cervantes)
AUTOR: Antonio Palacios
ESTILO: Escuela de Chicago, arquitectura española de principios del siglo XX.

CARACTERISTICAS: En esta obra, Palacios lleva a cabo con gran maestría una síntesis entre la arquitectura de acero (en el esqueleto) y cristal (las paredes laterales), y la arquitectura clásica (columnas jónicas y cariátides de la entrada). Edificio muy monumentalista. En la entrada principal se hallan 4 cariátides esculpidas en piedra, este edificio está construido con estructuras metálicas para soportar la 1ª planta de acceso, esto es muy característico de A. Palacios. Es un monumental paralelepípedo construido alrededor de un patio central cubierto, distinguiéndose dos cuerpos al exterior, conformado por un colosal orden jónico -cubiertos de vidrios los intercolumnios- y rematado por un entablamento el cuerpo inferior, mientras que el superior es más pequeño y aparece retranqueado. La esquina de las dos calles a las que da el edificio sirve de acceso principal, es decir que la puerta principal da salida a dos calles, es el punto de partida de ambas.

En el parque del Retiro de Madrid se levanta un bellísimo monumento del que disfrutan visitantes y madrileños, pero del que la mayoría apenas conoce algo de él: se trata del Monumento a Alfonso XII. Es una obra conmemorativa del rey que restauró la dinastía borbónica en España en 1875 y que murió en 1885, a la edad de 27 años, dejando una viuda y un hijo non nato.

El memorial, la inspiración.

La idea de recordar la memoria de Alfonso XII estuvo presente desde el año siguiente de su muerte, sin embargo no fue retomada en serio hasta 1901, poniéndose la primera piedra el 17 de mayo de 1902, el mismo día en que su hijo Alfonso XIII alcanzaba la mayoría de edad y era coronado rey de España. El conjunto aún tardó otros veinte años en ser terminado del todo.

Monumento a Alfonso XII desde el otro lado del estanque.

El edificio se diseñó como un complejo espacial que conjugara lo arquitectónico y lo escultórico, en la línea de otros que fueron realizados a finales del  siglo XIX y comienzos del XX en Europa para ensalzar la figura de ciertos monarcas. En concreto, fue su inspiración el levantado en Berlín a Guillermo I (1897) como homenaje al artífice de la unificación de Alemania. Por aquella época también se estaba levantando en Roma el dedicado al fundador del reino de Italia, Víctor Manuel II. El motivo para homenajear a nuestro rey, se muestra en una cartela en bronce sobre el alto pedestal que reza: A Alfonso XII, "El Pacificador". El seudónimo se hace patente en varias de las  representaciones escultóricas que ponen el énfasis en que consiguió acabar con las guerras civiles que asolaron nuestro país a lo largo del siglo XIX entre carlistas y liberales.

Monumento a Guillermo I en Berlín, 1897. Destruido por la RDA en 1950. Fue indudablemente la inspiración de José Grases.

El arquitecto José Grases Riera (1850-1919), la teatralidad como seña de identidad .

En 1901 se convocó el concurso para realizar el monumento y en las intrucciones sólo se estableció que debía tener una estatua ecuestre del rey. No se determinó el lugar en el que iba a ser emplazado, lo que fue precisamente el factor decisivo para que se le otorgara la obra al arquitecto José Grases Riera, que eligió el lugar más bello y donde podía lucir: el embarcadero del estanque del Retiro.  Este arquitecto catalán no era un desconocido en Madrid, puesto que ya había construido en 1887 otro de los edificios más bellos de la capital, el de la Equitativa. Esta construcción tenía un rasgo efectista que marcaría la seña de identidad de nuestro arquitecto. La parcela, con un ángulo agudísimo en la confluencia de las calles de Alcalá y de Sevilla, le inspiró para crear el efecto de una proa de barco hendiendo la ciudad. Su decoración barroquista y exótica, así como el efecto dinámico, también serán características que se aplicaran al monumento del Retiro.

José Grases Riera. Palacio de la Equitativa, actual Banco Español de Crédito, 1882.

La otra obra importante que levantará en Madrid este arquitecto, el palacio Palacio Longoria (1902), es uno de los pocos edificios claramente modernista de nuestra ciudad. Hoy es muy conocido por ser la actual sede de la SGAE. Aunque por estilo decorativo se aleja muchísimo de los dos anteriores, comparte con ellos el sentido de escenografía urbana.

José Grases Riera. Palacio Longoria, 1902.

Al elegir una orilla del estanque del Retiro como lugar para ubicar el monumento Grases Riera buscó crear premeditadamente efectos teatrales: la columnata actuaría de telón de fondo de un escenario en donde las esculturas serían simbólicos personajes de la vida de Alfonso XII y aquellos que lo contemplaran remando o desde  la otra orilla serían los siempre cambiantes espectadores. Al mismo tiempo pretendió que el recinto fuese una plaza donde pasear y descansar sentado en la escalinata que desciende suavemente hacia el agua. El mirador hacia el plácido estanque se hace especialmente atractivo cuando comienza la puesta de sol en el parque.

Tarde ideal bajo el monumento. Tonos dorados del atardecer, cálidos rayos y el reflejo sobre el agua.

EL MONUMENTO.

El conjunto, como ya he dicho, se compone de una parte arquitectónica, realizada por Grases Riera, y otra escultórica donde trabajaron muchísimos artistas, entre los que hay que destacar a Mariano Benlluire.

Grases Riera, José. Monumento a Alfonso XII. Planta y alzado, 1902-1922.

1. 1. La columnata

La parte arquitectónica la constituye un espacio abierto o plaza (86 metros de largo por 58 metros de ancho), casi cerrado por uno de sus lados por una columnata jónica doble que forma un hemiciclo dividido en dos tramos o logias, que recuerda, salvando las distancias y las dimensiones, a la columnata de Bernini en la plaza de San Pedro. En medio de éstas se abre una puerta trasera por la que se comunica a través de un paseo el monumento con la plazoleta donde está la estatua ecuestre de Arsenio Martínez Campos, el general que con su pronunciamiento de diciembre de 1874 trajo a Alfonso XII al trono. La concavidad de la plaza contiene la torre central de 30 metros de alto y una suave escalinata que desciende hacia el estanque y que ofrece el contraposto de la convexidad. Como si fuera un escenario teatral también posee dos entradas en los laterales con terrazas/miradores hacia el lago.

Entrada/salida trasera del monumento a Alfonso XII en el Retiro. Al fondo del paseo la estatua ecuestre de Martínez Campos, obra de Mariano Benlliure.

Hoy la columnata, restaurada y limpia, luce espectacular, aunque resulta monótona en relación al resto del monumento en donde se busca el contraste de colores y de materiales. Apenas destaca el gris del granito del banco corrido y de los fustes monolíticos sobre la arenisca blanquecina del conjunto.

Las cuatro esculturas sedentes femeninas adosadas a los pilares son las únicas notas de contraste en las logias. Estos bronces representan alegorías de todo aquello que el rey impulsó o fomentó bajo su breve mandato. Están realizadas por distintos escultores y  poseen, por tanto, una mayor o menor calidad artística y modernidad según la mano del maestro: “La Agricultura” es de José Alcoverro; “El Comercio y la Industria”  de José Clará; “Las Artes” de Joaquín Bilbao;  y “Las Ciencias” es de Manuel Fuxá.

Monumento a Alfonso XII en el Retiro, Madrid. Las Ciencias (1920) de Manuel Fuxá Leal, de una evidentísima influencia de Miguel Ángel y  sus sibilas de la capilla Sixtina.

En los pilares exteriores se realizaron también dos grupos alegóricos, pero en piedra, que representan el apoyo del ejército a la monarquía. En el lado izquierdo, según se entra en la plaza, se encuentra dos magníficas figuras que representan a La Marina de Mateo Inurria; y en el derecho dos soldados que representan al Ejército de Tierra de José Montserrat.

José Grases Riera. Monumento a Alfonso XII, entrada trasera.

La frialdad de materiales y la rigidez y el clasicismo de las esculturas no formaban parte del proyecto inicial de Grases Riera, que diseñó un monumento más dinámico y colorístico. En el friso, por ejemplo, se echa en falta una nota de color para resaltar mejor los dos elementos decorativos que lo configuran: los escudos de todas las provincias españolas intercalados entre las figuras de niños practicando oficios. La falta de presupuesto impidió que los escudos fueran realizados en bronce consiguiendo de esa manera un mayor impacto visual.

Monumento a Alfonso XII. Escudos y niños del friso de la columnata, obra de P. Estany.

El edificio además fue mutilado durante la Guerra Civil privándole de otras ornamentaciones en bronce como: las cuatro figuras aladas, Victorias y Famas, que coronaban las cúpulas de los cuatro pilares; los jarrones/florones que remataban las balaustradas; o las farolas con amorcillos y decoración vegetal que lo iluminaban desde la barandilla de la terraza corrida. En la composición fotográfica de abajo nos podemos hacer una idea de cómo fue con estos añadidos hasta finales de los años 30.

Reconstrucción del monumento con sus elementos decorativos perdidos.

1. 2. La torre central.

El protagonismo del monumento lo constituye, sin duda, el cuerpo central o torre que realza la estatua ecuestre de Alfonso XII y que sirve de soporte para el resto de la decoración escultórica que ensalza la figura del monarca.

La estatua en bronce de Alfonso XII es, a mi juicio, la obra de mayor calidad del conjunto, aunque al estar situada a tan gran altura nos impide verla con la cercanía que se debiera. Es uno de los mejores trabajos del escultor Mariano Benlliure, que también realizó la otra estatua ecuestre cercana del general Martínez Campos ya mencionada. Tiene un tamaño dos veces mayor que el natural y domina el horizonte desde la cúspide. Presenta al rey vestido de capitán general en el momento de pasar revista a las tropas. Todo el mundo alabó en su momento que fue un retrato muy realista del monarca. Su actitud, sin embargo, es idealizada porque quiso transmitir la idea de que él fue quien trajo la paz a los españoles. Tanto el rey como su caballo se muestran tranquilos, pero a la vez con un gesto enérgico que emana de su brazo y de la españa, como poniendo fin a las disputas de los españoles.

Mariano Benlliure. Retrato ecuestre de Alfonso XII en el monumento del Retiro, 1902.

Por debajo de la figura de Alfonso XII, la torre presenta una decoración muy historiada con estatuas, bajorrelieves y decoración arquitectónica en varios pisos.

• Dobles columnas de orden compuesto (bronce y piedra) sujetan un entablamento con friso con relieves de palomas, alusivas a su título de Pacificador, y cornisa muy volada.
• Entre las columnas hay tondos con las virtudes personificadas que deben atribuirse al soberano: Prudencia, Justicia, Fortaleza y Templanza.

Miguel Blay. Alegoría de la paz en el Monumento de Alfonso XII (1919).

• En la base de las columnas y orientadas hacia los tres frentes que son visibles desde el estanque aparecen grupos alegóricos de aquello que aportó el rey a España. Destaca el de "La Paz" (1919), obra de Miguel Blay, por sobrealzarse a los demás y estar hecho en bronce. La composición es dinámica y ascendente: dos soldados, enemigos hasta entonces, se abrazan mientras una madre retiene al niño que quiere sumarse a la acción y la figura femenina de la Paz les bendice. En el lateral derecho se representa “El Progreso” de Miguel Ángel Trilles y en el  izquierdo “La Libertad”  de Aniceto Marinas. Sobre el cuarto lado se pensó en otro grupo, pero no llegó a realizarse, reemplazándose con un águila que vigila la entrada a una cripta.

La Caridad Real de Lorenzo Coullaut Valera.

• En el proyecto inicial se preveía que en el zócalo de los grupos escultóricos se colocaran hasta quince paneles de bronce en los que se narrara la vida de Alfonso XII. Finalmente sólo se realizaron tres, quedando el resto lisos: “La Paz” de Miguel Blay, otra vez repitiendo el modelo que realizó en bulto redondo pero con menor gracia; “La Instauración de la Monarquía” de Pedro Carbonell; y “La Caridad Real” de Lorenzo Collaut Valera. Pese a su tamaño y el estar en el mejor sitio para ser vistos por el público, resultan ser las obras de peor calidad del conjunto.

1. 3. La escalinata/embarcadero y las terrazas.

Cierra el monumento la parte claramente vinculada al estanque la escalinata/ embarcadero que desciende hasta el agua y flanqueando las terrazas abaluastradas para apoyarse y mirar hacia el agua.

De la escalinata destacan las obras escultóricas de cuatro leones sobre pedestales, obra de Agapito Vallmitjana y Pedro Estany . Originalmente se hicieron en piedra por falta de presupuesto, pero debido a su deterioro fueron sustituidos por copias de bronce en el año 2000. Llegando cerca del agua hay otras cuatro figuras de sirenas que labraron Antonio Alsina, Rafael Atché, Antonio Parera y Antonio Coll. Cabalgan sobre peces y crustáceos a través de los cuales emana el agua cuando la fuente está activada.

Sirenas y leones del monumento a Alfonso XII.

El mismo efecto se realiza a través de las grutas que se abren medio camufladas bajo las terrazas laterales. Por último, en las entradas laterales hay dos grupos escultóricos en cada una con un león y niños juguetones, que complementan el conjunto escultórico. También éstos han sido sustituidos por copias en bronce.

He encontrado una herramienta muy interesante para elaborar líneas de tiempo que creo que puede ser muy útil a todos los bloggeros educativos. Se trata de TimeRime. Su versión gratuita te permite elaborar un número ilimitado de líneas de tiempo (LT) con sólo registrarte. En cada LT se pueden introducir hasta 100 entradas de texto, texto con imágenes, con vídeos (youtube), con presentaciones de Slideshare (con el código de Google maps) o con sonido (mp3). La única limitación es que en su versión gratuita sólo te permite un almacenamiento de 50 mb. Yo he hecho una prueba con lo que tenía más a mano. Los datos con los que he trabajado en el artículo último y he quedado encantado. Mirad el resultado.

• La línea de tiempo se puede estirar para alargarla (a lo ancho y a lo alto) y clarificarla en clase.
• Originalmente la información está comprimida, pero si estrecháis los cursores de abajo se puede desplegar la línea de año a año.
• Cada entrada puede ir con un pequeño texto informativo que nosotros pongamos y también con una galería de imágenes o de elementos multimedia (sonido, ppt, videos), que se pueden ver en la página de origen y a gran formato si se pincha sobre ellos.
• Los eventos cronológicos se pueden resaltar más o menos, según interese hasta en 5 niveles de zoom.

La herramienta está en español y es de uso fácil e intuitivo. Qué más se le puede pedir.

Las versiones de pago además te permiten trabajar en pizarra digital, trabajar colaborativamente y hasta cambiar la apariencia y utilizar un propio logo.

Las posibilidades  didácticas que se me ocurren son muchas.

1. Puede ser un instrumento del profesor para realizar a modo de presentaciones y proyectarla como presentación en clase, preferentemente desde la página propia.
2. Se puede mandar algún trabajo a los alumnos, puesto que como ya he dicho es de muy fácil uso. En este caso yo sugeriría repartir artistas o periodos por grupos. También se puede dar una lista de obras o de periodos y encargar a los alumnos que busquen la cronología y luego lo hagan. Como forma de entrega del trabajo sería en link o si los alumnos poseen blog o wiki la inserción en la página correspondiente. También hay la posibilidad de imprimir la LT.
3. Todo lo que pueda clasificarse cronológicamente puede ser utilizado y por tanto es válido en casi cualquier materia, no sólo la historia o el arte. He visto muchos trabajos en la página oficial de literatura, por ejemplo.
4. La precisión es tal que no sólo se puede hacer las cronologías por años, sino que se puede bajar al detalle del mes, el día, la hora y el minuto.

EL RACIONALISMO O FUNCIONALISMO. GROPIUS Y LA BAUHAUS.

El racionalismo es el resultado de la síntesis de muchas de las ideas de las vanguardias. No se impone en la sociedad hasta después de los cambios políticos y sociales producidos por la crisis posterior a la I Guerra Mundial, especialmente en Alemania.

Personalidad clave en esta transformación fue Walter Gropius (1883-1969) y la escuela de arquitectura creada por él en 1919 en la ciudad de Weimar, denominada La Bauhaus o "Casa de la Construcción”. Su idea fundacional fue crear una escuela que ofreciese teorías, pero también proyectos prácticos, que diesen solución, bajo presupuestos racionales y económicos, a los problemas de la vivienda y del urbanismo en las nuevas ciudades. El término funcionalismo proviene de asumir la máxima acuñada a finales del siglo XIX por Louis Sullivan en la Escuela de Chicago, "la forma debe seguir a la función", indicando con ello que había que preocuparse más de la comodidad de los que habitaban los edificios que de la belleza estética.

Antes de esa fecha, Gropius había trabajado en el despacho de Peter Behrens, uno de los arquitectos que trabajaron para dignificar las edificaciones fabriles. Inspirado en su obra y ya instalado por su cuenta, diseñó uno de los edificios más innovadores y transcendentales para la evolución posterior de la arquitectura, la fábrica Faguswerk en Alfeld an der Leine (1911-1913).  El uso extensivo que hizo del vidrio, en especial en la esquina saliente de la fachada lateral produce un efecto de gran ligereza y transparencia y anuncia los presupuestos teóricos de La Bauhaus.

Walter Gropius, y A. Meyer. Fábrica Fagus Shoe, 1911-13.

La primera Bauhaus comenzó en una línea expresionista, dominante en Alemania en esta época. Pero a partir de 1922, se decantó hacia el influjo de las geometrías simples , fruto de los cursos que impartió Van Doesburg de De Stijl en Weimar y la incorporación a la escuela de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano al constructivismo ruso de Tatlin. Esta nueva tendencia se reflejó en el texto de Gropius “Idea y estructura de la Bauhaus estatal de Weimar” (1923), pero alcanzó su expresión arquitectónica en la nueva sede de la escuela en la ciudad de Dessau (1925-1926), a donde hubo de trasladarse por motivos políticos en 1924.

Gropius. Maqueta y planta del edificio de La Bauhaus en Dessau. 1925-26.

En Dessau ya aparecen todos los presupuestos significativos de la escuela, que podemos resumir en:

1. 1. Un diseño funcional. El edificio constaba de los locales de la propia Bauhaus, una escuela municipal de formación profesional y viviendas para el director, los profesores y los estudiantes. Gropius separó cada función en un volumen prismático individual con entrada independiente: el más espectacular, por su fachada de vidrio, alberga los talleres; otro contiene las aulas de la escuela profesional, y el tercero, más alto, agrupa los estudios de los alumnos. Los dos primeros están unidos por un cuerpo elevado sobre una calzada en el que se encuentran la administración y el despacho del director. A su vez, talleres y estudios se conectan mediante un cuerpo bajo ocupado por el salón de actos y la cantina.

Gropius. Fachada con aulas y talleres. Pasarela de comunicación.

1. 2. La simplificación de las estructuras arquitectónica. No hay ni una concesión a la decoración, para no enturbiar la pureza de líneas y el diseño práctico. Las paredes son lisas dejando ver cara vista el material de construcción. El color que predomina por tanto en el exterior como en el interior es el gris del hormigón, que a lo sumo se pinta de blanco.

1. 3. El uso de líneas ortogonales y de volúmenes geométricos. Coincide con el Neoplasticismo en el gusto por combinar espacios cuadrados y rectangulares y con el Cubismo en que ambos intentan representar a los objetos desde varios ángulos de forma simultánea. Es decir, en los nuevos edificios se alternan las formas verticales con las horizontales: los soportes verticales conviven con azoteas horizontales en vez de tejados; las ventanas son apaisadas. Se abandona el concepto de fachada principal con lo que todas las vistas del edificio importan. El resultado es una construcción asimétrica, que exige un recorrido a su alrededor para apreciar los escorzos siempre cambiantes.

Gropius. Cristalera de los talleres.

1. 4. La utilización del acero y del hormigón armado, sin encubrirlos, para los elementos sustentantes y sostenidos permite librarse de muros, compartimentaciones y soportes interiores innecesarios. Estos materiales abaratan el coste del edificio porque son de fácil fabricación y se hacen en serie. Esto será esencial para sus propuestas posteriores de construir viviendas standard a base de elementos prefabricados. También introdujo el uso de la carpintería metálica para las cristaleras en sustitución de la madera. El vidrio sirve de cierre exterior sustituyendo a la fábrica de piedra o ladrillo llenando de luz el interior y dando un aspecto flotante e ingrávido a los pabellones.

1. 5. La decoración, la luz, el mobiliario, etc. también debían realizarse de acuerdo con principios racionales. De hecho en la escuela enseñaron como profesores pintores como Kandinsky y Paul Klee. La idea era revalorizar estéticamente los objetos utilitarios producidos por la maquinaria e integrar en el diseño común muebles, lámparas, tapicerías, sillas, carteles y letras de tipografía, etc.

En 1930 tomó la dirección de la escuela Mies van der Rohe (1886-1969), el arquitecto que más claramente representa el nuevo estilo. El Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 le había catapultado a la fama. El edificio consistía básicamente en un salón que pese a a extrema simplicidad compositiva se convirtió en un referente de la nueva arquitectura.

Mies van der Rohe. Pabellón de Alemania en la Exposición Internacional de Barcelona, 1929. Reconstruido de nuevo en 1986 (detalle del lateral con el estanque).

En 1932 nuevas presiones forzaron el traslado de la Bauhaus a Berlín, donde sólo duró nueve meses más antes de que los nazis la cerrasen definitivamente. Muchos de los profesores de la escuela se trasladarán por este motivo a Estados Unidos, donde seguirían con su obra docente y práctica. Gropius formó en 1946 el grupo TAC (The Arquitects Collaborative), aunque su influencia no derivó de sus obras, sino de sus enseñanzas en la escuela de arquitectura de Harvard. Van der Rohe fue nombrado director de la facultad de arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago, ciudad donde además construirá su sueño, levantar rascacielos de vidrio.

LE CORBUSIER

El defensor más importante del funcionalismo tal vez haya sido Le Corbusier (su nombre real era Charles Édouard Jeanneret-Gris, 1887-1965). Trabajó en el taller de Auguste Perret, arquitecto enamorado de la técnica de construcción con hormigón armado. También pasó un tiempo en Alemania bajo el estudio de Behrens, donde probablemente conoció a Gropius y Van der Rohe.

En 1920 funda la revista L´Espirit Noveau con gran resonancia internacional donde empieza a exponer sus ideas teóricas. En 1922 abrió despacho de arquitecto dedicándose inicialmente a proyectos urbanísticos y edificios residenciales.  En estos años levantó la Casa Citrohan y la Casa La Roche donde, como podemos ver en la recreación de la última ya se perfila un estilo racionalista definido.

Le Corbusier. Casa o Villa La Roche. 1923, Francia.

En 1926 publicó "Los cinco puntos de la nueva arquitectura", libro en el que sistematizó los principios básicos de la arquitectura funcionalista y que aplicó en su edificio de vivienda unifamiliar más paradigmático, la Villa Saboya (ville Savoye) en 1929 a las afueras de París.

1. 1. El empleo de pilotes o pilotis (un soporte cilíndrico que utiliza como elemento de sostén) y que eleva la vivienda principal del suelo dejando libre el piso inferior para el garaje.
2. 2. La planta libre, para colocar los tabiques con independencia de los pilares y poder hacer la distribución al gusto del cliente.
3. 3. La fachada libre, para abrir huecos son las limitaciones de los muros de carga.
4. 4. La ventana corrida (ventana cinta), para llevar la luz a todos los rincones, que discurre a lo largo de su planta principal.
5. 5. La cubierta-jardín, diseñada plana y con plantas para disfrutar desde la azotea de las vistas y de una naturaleza domesticada.

Su obra tomará nuevamente importancia después de la Segunda Guerra Mundial, cuando reciba el encargo de crear un conjunto residencial en Marsella para albergar a unas 1800 personas a la que denominó "unidad habitacional" (1947-52). Es una especie de rascacielos pero con desarrollo horizontal de140 metros de largo, 24 metros de ancho y 56 metros de altura. Las viviendas eran de varios tipos, van desde la "maissonette" de 137 metros cuadrados, concebida para ocho personas, hasta la vivienda individual o apartamento de 32,5 metros cuadrados. Es un solo bloque aislado y compacto hecho de  hormigón visto. Aunque incumplía todas las ordenanzas, este edificio se convirtió en el prototipo de vivienda social de los años 50.

Le Corbusier. Unidad habitacional, Marsella. Francia. 1947-52.

Su obra más famosa es la Capilla de Notre-Dame-du-Haut de Ronchamp, entre 1950-55. Según sus propias palabras quiere lograr un lugar de silencio, oración, paz y gozo espiritual, que consigue moldeando el hormigón orgánicamente y creando un interior donde la luz cambiante y coloreada, los muros curvos y la altura le dan una ambiente intimista. Como es una iglesia de peregrinación también diseña para el exterior una pared-altar para poder celebrar la misa hacia la explanada cuando hay gran cantidad de peregrinos. La cubierta, a modo de concha, protege la pared del altar, el púlpito y la plataforma de los cantores.

Le Corbusier, Notre Dame du Hant en Ronchamp, Francia, 1950-55.

Línea de tiempo con la obra de Le corbusier

Al comenzar el siglo XX los jóvenes arquitectos toman conciencia de que deben desarrollar una nueva arquitectura en consonancia con las nuevas necesidades del hombre y con los problemas planteados por el desarrollo de la moderna sociedad industrial y urbana. Las ciudades crecían de forma inusitada y había que dar solución a la vivienda y al crecimiento urbanístico. La Escuela de Chicago en Estados Unidos  llevaba desde el último tercio del siglo XIX introduciendo nuevos aires, que todavía tardarían por llegar a Europa.

Bruno Taut. El barrio de la herradura, Berlín, 1925-33. Barrio de viviendas obreras.

Por otro lado, era evidente que los estilos tradicionales (fundamentalmente el eclecticismo historicista y los coletazos del modernismo, que todavía eran predominantes en Europa a comienzos de siglo) resultaban inadecuados para la construcción de la nueva tipología de edificios: estaciones de ferrocarril, aeropuertos, rascacielos, torres de comunicaciones, grandes almacenes, fábricas, etc. Sin embargo, el nuevo lenguaje arquitectónico no terminará de echar raíces en todos los países, entre ellos en España, hasta la tercera década del siglo.

Max Berg.  Hall Centennial. Breslau. 1911-13. Edificio multiusos, hoy utilizado como pabellón cubierto para 6000 personas. Detalle de la construcción con hierro y hormigón de la cúpula.

En este artículo voy a tratar las características comunes a la nueva arquitectura del siglo XX y los primeros intentos de revolucionar la estética arquitectónica  a través de las vanguardias figurativas. Dejo para otros artículos por no hacer éste demasiado extenso, la arquitectura de los regímenes totalitarios de los años 30 y las tendencias triunfantes conocidas como funcionalismo y organicismo.

Características de la nueva estética arquitectónica.

Podemos sintetizar en unos cuantos puntos las características de la nueva arquitectura del siglo XX:

1. Los distintos estilos coinciden en una reacción extrema contra el exceso ornamental de los estilos históricos y del modernismo. El arquitecto pone por delante la funcionalidad a la belleza del edificio, porque ésta no debe radicar en su decoración sino en la sencillez y en la adecuación a la función a la que está destinado.

Adolf Loos. Edificio de vivienda, Viena, 1911.

2. Tanto las fachadas como los espacios interiores y los volúmenes se transforman. En parte ello es debido al uso de nuevos materiales como el acero, el hormigón armado o el vidrio, que asoman al exterior sin revocos y que hacen posible espacios abiertos y diáfanos, sin apenas elementos de sostén.

3. La estética se mueve entre la búsqueda de la desnudez y de la simplicidad geométrica y la adecuación con la naturaleza. Podemos decir que tras unos tanteos apegados a los presupuestos artísticos de las vanguardias figurativas de las tres primeras décadas (arquitectura vanguardista) y la arquitectura generada por los regímenes totalitarios que buscan una dimensión propagandística, la arquitectura evolucionará hacia un lenguaje propio a partir de los años 20 y 30 canalizado por medio de dos tendencias principales, el racionalismo y el organicismo, que no fueron necesariamente antagónicas y que reinarán tras la II Guerra Mundial.

Auguste Perret. Notre Dame Le Raincy, Francia, entrada 1923-24. También las iglesias se apuntarán a la nueva estética y los nuevos materiales. Hormigón y vidrio.

4. Algunos críticos consideran que el resultado final llevó a una arquitectura sin gracia, monótona y repetitiva, y que  con estos presupuestos artísticos se ha conseguido que cualquier ciudad del mundo tenga el mismo aspecto que las demás, eliminándose las características propias. La verdad es que no siempre es así, ya que pese a la simplicidad y uniformidad de las obras cada arquitecto que supo darle a sus obras el toque personal .

LA ARQUITECTURA DE LAS VANGUARDIAS DE PRINCIPIOS DE SIGLO.

Desde principios de siglo XX surge una serie de arquitectos que pretenden romper con las tradiciones arquitectónicas a la par que las vanguardias figurativas. La oposición al decorativismo modernista, la tendencia a la sencillez y a la geometrización de formas y la recreación personal de las respectivas estéticas pictóricas es lo que les une. La mayor parte de sus obras son visiones utópicas que se quedaron en el papel, pues resultaba imposible construirlas.

- Protorracionalismo. No forman propiamente una escuela sino que son arquitectos que preludian en distintos países el funcionalismo antes de la Primera Guerra Mundial.

1. Es el caso del vienés Adolf Loos, autor del libro "Ornamento y delito" (1908) y sus edificios de viviendas en esta ciudad la Casa Steiner (1910) y la Casa de Gustav Scheu (1912) .

Adolf Loos. Casa Gustav Scheu, 1912, Viena.

1. El del francés Auguste Perret, quien inició el uso sistemático del hormigón armado como material constructivo en las viviendas de la calle Franklin de París o en el garaje de la calle Ponthieu y que en 1922 realiza su obra más conocida, la iglesia en hormigón, acero y vidrio de Notre Dame du Raincy;
2. El de Peter Behrens en Alemania que diseña en 1909 la rotunda estructura espacial de la  fábrica de turbinas de la A.E.G. en Berlín, paradigma de la construcción industrial, porque el edificio debía ser el exponente de la calidad del producto realizado.
   

- Futurismo italiano. Antonio Sant´Elia en 1914 publica el Manifiesto de la arquitectura futurista en 1914. Su prematura muerte hace que sus proyectos no puedan cristalizar. Sus propuestas anunciaban la ciudad del futuro y fueron más influyentes en la segunda mitad del siglo XX. Sus dibujos para una central eléctrica y viviendas de 1914 son todo un mito de arquitectura dinámica.

Antonio Sant´Elia Estudio para edificio de viviendas y ferrocarril. 1914. Sorprende la modernidad del diseño.

- Neoplasticismo holandés. Es el ejemplo más representativo. Muy cercano al funcionalismo, aunque poseen unas características que les hacen singulares. Así, por ejemplo, Gerrit Rietveld en Villa Schroder (1923-24), en Utrecht, utilizó formas geométricas claras y rectilíneas, colores blancos, combinados con planos y detalles de cromatismos primarios que asemejan sus fachadas con cuadros de Piet Mondrian en tres dimensiones. Además buscó crear un espacio abierto con una planta libre de soportes. El mobiliario también reflejaba los presupuestos del movimiento.

Gerrit Rietveld. Casa Schröeder, interior. Utrecht, Holanda, 1924.

- Expresionismo. Los arquitectos expresionistas alemanes tienen la voluntad de asombrar y crear reacciones en el que vista sus edificios. Se desmarcaron los criterios funcionalistas por alegar que no eran artísticos.

1. Bruno Taut soñaba con edificios prismáticos flotantes donde los muros y las cúpulas  fueran de cristal. Sus realizaciones más importantes las hizo para la Exposición del Werkbund de Colonia de 1914.
   
2. Hans Poelzig levanta en 1919 el Gran Teatro de Berlín, un edificio fantástico. Su vestíbulo recibe a los espectadores con un gran pilar a modo de palmera que prepara el ánimo del visitante, que se queda absorto al acceder al salón principal, concebido como una cueva con techos de estalactitas.

Hans Poelzig. Gran Teatro de Berlían, palmera del vestíbulo, 1919. Destruido.

1. Eric Mendelshon potenció las formas orgánicas y fluidas, los juegos cóncavos y convexos y el carácter escultórico, acercándose, si cabe la comparación, a la estética de Gaudí y el modernismo. La obra más representativa es el conocido Observatorio Einsten en Postdam (1917-21).

Mendelsohn. Torre Einstein, expresionismo, 1917-21.

- Constructivismo ruso. Tatlin, proveniente de las artes figurativas, fue su  representante más notable. Quiso hacer del constructivismo la  expresión del avance dinámico de la Revolución en Rusia. Su proyecto para el Monumento a la III Internacional (1919) fue su gran obra, pero no llegó a construirse, aunque dejó maquetas gracias a las cuales podemos hacer una reconstrucción virtual. Se trataba de una torre de unos 400 metros de alto, superando en altura a la Torre Eiffel. Consistiría en una estructura espiral de hierro y acero, volcada hacia un lado en el ángulo del eje terrestre, conteniendo en su interior cuatro estructuras de vidrio con diferentes formas: un cubo, una pirámide, un cilindro y media esfera. Todos estos elementos rotarían a distintas velocidades.

LA ARQUITECTURA DE LOS REGÍMENES TOTALITARIOS.

EL RACIONALISMO O FUNCIONALISMO.

EL ORGANICISMO. FRANK LLOYD WRIGHT.

FRANK LLOYD WRIGHT. CARACTERÍSTICAS Y OBRA. LA ARQUITECTURA ORGÁNICA

A Frank LLoyd Wright (1869-1959) se le considera el más grande arquitecto norteamericano del siglo XX. Discípulo de Sullivan en Chicago, no sólo superó la teorías de éste, sino que elaboró sus propias concepciones y además asimiló las enseñanzas de los grandes arquitectos europeos como Le Corbusier y Mies Van der Rohe, que trabajaron ocasionalmente en Estados Unidos. El ideal constructivo de Lloyd Wright no se queda en racionalismo funcionalista de los anteriores arquitectos y prefiere indagar en la relación del edificio con el medio que le rodea. Por ello sus soluciones son muy variadas y resulta difícil formular una definición concreta de su estilo, aunque se le suele clasificar bajo el epígrafe que el mismo acuñó de arquitectura orgánica, porque en cierto sentido trata al edificio como algo vivo que se armoniza con el hombre y con la naturaleza.

En la siguiente presentación que he elaborado tenéis la oportunidad de ver parte de su obra. No os la perdáis porque os sorprenderá por la humanidad que desprende. A continuación podéis seguir aprendiendo algo más sobre su estilo y trabajo.

Los primeros años. La indefinición de estilos de la última década del siglo XIX.

Los inicios de Frank Lloyd Wright son muy precoces, en 1885 comienza a estudiar ingeniería civil en la Universidad de Wisconsin y en 1889, instalado en Chicago, ingresa en el estudio más prestigioso de la ciudad, el de Dankmar Adler y Louis Sullivan. Construye entonces su primera casa, para sí mismo, en el suburbio de Oak Park en Chicago (1889-1890). Paralelamente, participa en el diseño de la arquitectura monumental y racionalista que está realizando en Chicago el estudio Adler & Sullivan. Su aprendizaje durante esos años le llevará a realizar un trabajo ecléctico entre distintos estilos: el Shingle Style de tejados a doble vertiente pronunciados, el estilo tudor y el racionalismo de la Escuela de Chicago.

Frank Lloyd Wright. Casa y estudio. 1888.

Las características de la obra de Wright. La arquitectura orgánica.

En 1893 decide independizarse y dedicarse especialmente a la arquitectura doméstica, puesto que piensa que "el problema arquitectónico mayor" y "el objeto de arte absoluto" es la vivienda ordinaria de los hombres. En un artículo aparecido en 1908 en la revista Architectural Record (pero que, según él, habría sido escrito ya en 1894), Wright expone los principios que definirán su estilo, que el mismo califica como "arquitectura orgánica":

1.- Simplicidad y eliminación de lo superfluo, lo cual no quiere decir que su obra evolucione hacia el racionalismo funcional. Le desagradaba la simetría estática y prefiere las irregularidades dinámicas de la naturaleza. Juega con los elementos geométricos rectangulares en las composiciones de planos verticales y horizontales de sus viviendas, pero a la vez es capaz de experimentar con los círculos y las espirales como en la teatral fachada y escalinata ascendente del Guggenheim Museum de Nueva York.

Susan Lawrence Dana house, interior, 1902-04. Spingfiled. Illinois

2.- A cada cliente su estilo de vida y su estilo de casa. Gran parte de sus trabajos fueron viviendas unifamiliares para la burguesía industrial e ilustrada de Chicago y de California para la que diseño casas a medida. Sus clientes exigían casas cómodas, prácticas, modernas y, en principio, sin escatimar en el gasto. Cuando llegó la Gran Depresión supo adaptarse también a un tipo de vivienda más modesta.

3.- La naturaleza, la topografía y la arquitectura debían integrarse armónicamente. Deseaba que sus edificios formaran parte de la naturaleza y estudiaba topográficamente el terreno y hacía un estudio geológico y botánico de la zona. Elegía, si podía, emplazamientos cercanos a bosques, formaciones rocosas, desiertos o, incluso sobre cascadas, como en el caso de Fallingwater. Si el emplazamiento carecía del elemento natural, él disponía amplias áreas para que se plantara vegetación tanto dentro como alrededor del edificio.

Frank Lloyd Wright. Isabel Roberts House, 1908. River Forest, Illinois. Casa y árbol comparten espacio (lo que ha obligado a continuas reformas a medida que ha ido creciendo el árbol).

4.- Los materiales deben ser naturales. Utiliza la arcilla (ladrillo), la madera y la piedra en su revestimiento, adecuando el color del edificio y el entorno en el que se integra y armonizando entre todos los materiales empleados. Pero también utilizará los nuevos materiales de la revolución industrial para sus estructuras y, sobre todo, el cemento para crear motivos decorativos inspirados en la naturaleza o en las sociedades antiguas. Son especialmente originales las piezas de hormigón llamadas textile blocks con las que crea texturas y juegos geométricos que recuerdan a las culturas mayas y aztecas.

La primera década del siglo XX. Las “Prairie Houses”.

En 1901 comienza un periodo de mucho trabajo (más de ciento treinta obras), construyendo casas unifamiliares para la burguesía de Chicago. Las viviendas son de una o dos plantas integradas en la llanura de las afueras de la ciudad. A estas construcciones se las conoce como las "casas de la Pradera" (Prairie Houses). Entre las obras de esta época destacan las casas para Susan Lawrence Dana en Springfield (1902-1904), Avery Coonley en Riverside (1906-1908) y Frederick C. Robie en Chicago (1906).

Forest Avenue, Oak Park. Cerca de Chicago. Una de las avenidas donde más trabajó Wright.

Las características de estas casas, además de las antes expuestas, son:

a) En su espacio interior se aprecia una gran fluidez, pese a estar regidas por poderosas articulaciones. El núcleo lo constituye una gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las estancias. Cada habitación mantiene una continuidad con la anterior, evitando los cerramientos sólidos innecesarios. La sensación que se crea es de amplitud y la luz inunda el interior. Para diferenciar un espacio de otro recurre al uso de distintos materiales o a techos de altura diferente.

Ward W Willits House, 1902. Highland Park. Illinois. Comedor.

b) La relación con el exterior también es abierta gracias a los porches, a las terrazas y a la utilización de diversos tipos de huecos, guarnecidos a menudo con vidrieras horizontales. Las cubiertas sobresalen considerablemente de las fachadas acentuando el sentido horizontal del edificio.

e) Normalmente, el conjunto posee un tema decorativo de trazados geométricos repetitivos que da coherencia a la totalidad. Este aparece tanto en los paramentos como en los objetos como alfombras, papeles pintados y muebles que el mismo diseña en un esfuerzo integrador de varias artes a la manera del movimiento Art & Crafts.

En esta época también realiza uno de los pocos edificios fabriles. Se trata del Larkin Company Administration Building de Buffalo (Nueva York, 1902-1906). Se le presenta a Wright la ocasión de abordar el tema del espacio de trabajo. Organiza la actividad alrededor de un vasto atrio central y un pozo de luz, pero, dándole un aspecto macizo y cerrado al exterior. El edificio, derribado en 1950, es un monumento simbólico, una colmena laboriosa replegada sobre sí misma.

De 1909 a 1910 Wright se toma un tiempo sabático, a pesar de gozar de un éxito local importante, y lo abandona todo por viajar a Europa. Su visita dejará mucha influencia sobre los jóvenes arquitectos de Alemania que ya andan en busca de un estilo más moderno.

La segunda etapa. Secesión, japonesismo y "textile blocks".

Al volver de Europa en 1911 se establece en las tierras de su familia en Spring Green (Wisconsin), donde construye una morada, denomina Taliesin, como homenaje a un mítico poeta gaélico. Es a la vez su casa, un taller de arquitectura en el que acoge a artesanos en residencia, una galería de arte y una granja. Wright no cesará de ampliar y modificar este asentamiento, devastado por dos incendios en 1914 y en 1925.

Taliesin III, Spring Green, Wisconsin. 1925.

A partir de 1913, su lenguaje ornamental se radicaliza bajo la influencia de su experiencia europea y se hace más geométrico, incluso cúbico. Es el reflejo de la Secesión vienesa (Joseph Maria Olbrich) y de las primeras experiencias expresionistas europeas. Se puede apreciar en los Midway Gardens de Chicago (1913-1914), un centro de ocio que puede recordar algo a los cafés-concierto europeos y también es muy perceptible en el Hotel Imperial de Tokyo (1913-1923), ambos edificios desaparecidos..Aún así quedan de este momento algunas viviendas muy descarnadas de decoración exterior.

Su inclinación hacia el primitivismo le lleva a reinterpretar los monumentos mayas y las culturas amerindias en algunas viviendas que realiza en California entre 1916 y 1924. Con estas obras reivindica el juego y la constante indagación en la que tiene que estar el arquitecto. Los muros están hechos de sillares de hormigón moldeados según distintas formas geométricas inspiradas en la decoración maya, los "textile blocks". Realiza varias viviendas con este estilo tan peculiar, que algunos califican de extravagante: la casa Hollyhock para Aline Barnsdall en Los Ángeles (1916-1921); la casa de Mrs George Madison Millard ("La Miniatura"), en Pasadena (1923); la casa John Storer en Hollywood (1923-1924) y las casas Samuel Freeman y Charles Ennis en Los Angeles (1923-1924).

F. LLoyd Wright. La-Miniatura, Casa Millard House, interior. Pasadena, 1923

La etapa más organicista y las casas usonianas.

En 1927 Wright descubre el desierto de Arizona. Son otras condiciones naturales cuya dureza, simplicidad y orden oculto le fascinan. Su primer proyecto será el complejo hotelero en San Marcos, cerca de Chandler, en Arizona (1928-1929), que no llega a realizarse por la Depresión. años más tarde volverá allí para realizar su residencia de invierno, Taliesin West (1937-38), donde, como en la de Wisconsin, imparte docencia y convive con alumnos de todo el mundo. Le entusiasma el caos rocoso del paisaje y los tonos rojizos de los atardeceres.

Una serie de escándalos financieros y los efectos de la depresión le impiden entonces realizar sus proyectos y sólo con la casa de vacaciones de la familia Kaufmann en Bear Run, Pennsylvania, la famosa "casa de la cascada" (1934-1937), logra Wright unificar naturaleza salvaje y tecnología a través de la arquitectura. El hormigón de las terrazas en voladizo se escalona y apoyan en la roca de los muros y la chimenea recreando la misma cascada que esta bajo la edificación. El interior se abre hacia el paisaje por terrazas y ventanas. El sonido del agua es continuo y relajante. 

No os podéis perder este vídeo hecho por el zaragozano Cristóbal Vila que reconstruye en 3D el edificio, es espectacular. Podéis ver tanto el exterior como el interior con mucho detalle

Fallingwater from Cristóbal Vila on Vimeo.

Sin embargo, desde que observa los problemas sociales, morales y económicos acaecidos por causa de la Depresión, piensa que el arquitecto debe comprometerse y contribuir a hacer la vida más agradable a la mayor parte de la sociedad. Surge así el proyecto de realizar nuevos tipos de casas más económicas, que denominará casas "usonianas", un término que forja a partir de los conceptos USA, utopía y "organic social order". El  prototipo de este tipo de vivienda la casa Herbert Jacobs en Madison (Wisconsin, 1936-1937). A través de un sistema de módulos reduce la casa a lo esencial: un cobertizo para el coche, una cocina compacta adosada al baño y la articulación de una planta en L que distribuye la sala común a un lado y las habitaciones a otro, dando todo el conjunto sobre un pequeño jardín. La casa Herbert JacobsII (1943) es una variante donde la L de distribución es sustituida por el hemiciclo. Al final llegó a construir cerca de 150 viviendas parecidas, aunque siempre con algún toque individualizado. El coste de cada una era de 5500 dólares, de los que el arquitecto sólo recibía 450.

F. Lloyd Wright. Kenneth Laurent House, 1949-52. Una de las casa usonianas.

Los últimos proyectos.

El gran proyecto de Wright al final de su vida es el museo de arte "no objetivo" encargado por Solomon Guggenheim para la 5ª Avenida de Nueva York (1943-1959). Evocando el zigurat antiguo, produce un edificio-escultura y un espacio sagrado que testimonia su apego al simbolismo monumental. El uso de la espiral le permite hacer un museo más asequible donde el visitante recorre las salas ascendiendo progresivamente y de continuo.

F. Lloyd Wright. Museo Guggenheim, Interior.

En los últimos años de vida de Wright su lenguaje formal se radicaliza y se hace cada vez más exagerado y fantástico. Las últimas realizaciones de importancia son la iglesia unitariana de Madison (1945-1951), la sinagoga de Beth Sholom en Alkins Park (Pennsylvania, 1953-1959), la iglesia griega ortodoxa de la Anunciación en Wautatosa (Wisconsin, 1955-1961) y el Centro cívico de Marin County en San Rafael, California (1957-1962).

Para un conocimiento más profundo de cada una de sus obras en la web.

- A Digital Archive of America Architecture.

En 1904 Josep Batlló encargó a Antoni Gaudí la reforma de su residencia en el Paseo de Gracia nº 43 de Barcelona. El edificio había sido levantado por el arquitecto Lluís Sala en 1877, por lo que lo único que quería el industrial catalán era que Gaudí le hiciera una nueva fachada personal al estilo modernista de los nuevos tiempos, que a su vez compitiera con la de su colindante, la Casa Amatller, levantada por Josep Puig y Cadafalch entre 1898 y1900 en un estilo mezcla de neogótico y de secesionismo austriaco.

Maqueta con el diseño de la casa de 1877 y de la levantada por Gaudí en 1904-06. Del edificio antiguo respeta las ventanas rectangulares de los pisos superiores, aunque los reviste con balcones de forja. También se aprecia que levantó una altura más y la espectacular crestería-torre.

Los dos edificios en competencia artística en el Paseo de Gracia. A la izquierda la Casa Amatller de Puig i Cadafalch y a la derecha la Casa Batlló de Gaudí.

Aún tratándose de la reforma de un edificio anterior se puede decir que con esta obra Gaudí alcanzó una de sus obras arquitectónicas más personales y señeras. El  artista se muestra maduro y original en el proyecto, ya que no se aprecia ni una sola referencia al lenguaje de otros arquitectos y sólo se deja inspirar por la naturaleza.

Los balcones de ambos edificios también compiten. Uno en estilo neogótico flamígero, el otro en un estilo orgánico modernista.

También intervendrá en la distribución del patio de luces y en la adaptación del piso principal para vivienda.

Patio de luces decorado con cerámica azul. Bellísimas ventanas curvilíneas en madera.

La fachada se diseña como si fuera un paisaje marino onírico.

• En la planta baja y en el piso principal deja una estructura más abierta donde predomina el vacío sobre el muro. Lo escultórico se impone sobre lo arquitectónico. Las cornisas parecen rocas erosionadas por las olas y las columnas extraños huesos que actúan de pórticos de grutas. La espuma y las burbujas del agua al retirarse las olas son los reflejos de la coloreada cristalera y los ovalados óculos de los balcones.

Balcón-cristalera del piso principal.

• En los pisos superiores Gaudí talla la suave piedra arenisca de Montjuic para crear formas recurvadas y caprichosas en el muro macizo. En la arena de la playa queda las marcas onduladas de las suaves olas. Los vanos cartilaginosos van dejando paso a los balcones antifaz de hierro colado, como grandes bocas de peces abisales.

• El muro brilla con tonos verdes y azules debido al revestimiento hecho con fragmentos de cristal  y de porcelana a modo de mosaico o trencadís. Esta técnica la emplea Gaudí en casi todos sus edificios y se popularizará entre los arquitectos mediteráneos por su capacidad para ofrecer en la fachada luz y color. El efecto es como si el mar hubiera dejado en la playa salpicaduras de algas y espuma.

• La parte más alta, el tejado, está coronado por un montículo irregular que recuerda las escamas petrificadas del lomo de un dragón. La sensación es que en la cumbre vive un gran monstruo del que vemos la piel  y el espinazo y que incluso se mueve según le incida la luz del día.

• La zona de las buhardillas es la más novedosa, puesto que Gaudí la realizó de nuevas. Interiormente despliega en los pasillos una cubierta con arcos parabólicos muy originales. Exteriormente, además del tejado escamado, levanta chimeneas coloristas y una torre de forma cilíndrica coronada por un chapitel bulboso que sostiene una cruz cerámica de cuatro brazos. Este motivo fue muy utilizado por el arquitecto y en él se manifiesta el misticismo que late en todas sus obras, no sólo por la cruz, sino también por los anagramas de Jesús, María y José dispuestos helicoidalmente sobre la torre. El conjunto denota un marcado simbolismo fantástico (¿San Jorge y el Dragón?).

• El interior del piso principal también está diseñado por Gaudí. Continúa en él  la emoción orgánica del exterior, pese a los condicionamientos de la estructura antigua de los muros de carga y viguería de madera. Las puertas, los techos y los muebles son originales y a la vez funcionales.

Balconada vista desde el interior del piso principal.

Efecto mágico-espiral de techo y marcos superiores de puertas del salón principal.

La fantasía gaudiniana se hace patente cuando la luz mediterránea incide en la fachada metamorfoseándola.

Para saber más sobre la obra de Antoni Gaudí podéis consultar el exhaustivo estudio que ofrece la Wikipedia (muy recomendable).

En este artículo os presento un trabajo escolar de Javier Oviedo, uno de mis alumnos de 4º de la ESO.

Para quien no esté muy puesto en el sistema escolar español os diré que en este curso se enseña Historia Contemporánea Universal y de España a alumnos de entre 15-16 años. En el temario se tratan también algunos temas de arte, pero de una manera somera.

La actividad consistió en realizar un pequeño informe con obras seleccionadas de arquitectura, escultura y pintura de un periodo comprendido entre el último tercio del siglo XIX y el primero del siglo XX. Se trataba de buscar información e imágenes de las siguientes obras claves de los principales "ismos" y artistas de estos 70 años.

Ofrecí a mis alumnos la posibilidad de que el formato de presentación pudiera ser powerpoint o vídeo, además del tradicional papel. Para evitar el "corta y pega" excesivo, les advertí que valoraría el trabajo personal de síntesis y la claridad de las ideas. También les propuse que aquel trabajo TIC que tuviera calidad sería expuesto en este blog y... como lo prometido es deuda aquí tenéis el trabajo de Javier. Espero que os guste. Podéis dejar vuestra opinión sobre el mismo en los comentarios.

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Otros trabajos de arte contemporáneo

• Pintura contemporánea I, del Impresionismo a las primeras vanguardias del siglo XX.
• Pintura contemporánea II, del cubismo a las tendencias actuales.