Abelardo Morell es un fotógrafo nacido en La Habana (Cuba) en 1948, pero que desde 1962 reside en Estados Unidos. Desde los años 80 ha trabajado como fotógrafo. Sus primeras series fotográficas fueron en blanco y negro, aunque en los últimos años ha pasado a realizar imágenes en color. Su éxito vino al saber observar los objetos cotidianos de su propia casa y darles un enfoque y tamaño que los transformara en objetos novedosos y sorprendentes. Es como si adoptáramos el punto de vista de un niño que descubre todo un universo "gigante" y atractivo a nuestro alrededor. Con sus primeros planos, Morell se las ingenia para hacer extraño lo familiar.

Abelardo Morell. A Farewell To Arms. First And Last Pages, 2011

El Art Institute of Chicago presenta desde el 1 de Junio hasta el 2 de septiembre de 2013 una exposición retrospectiva de su obra desde 1986 hasta hoy, "The Universe Next Door, con más de 100 de sus mejores fotografías de todas sus series. Aquí aparecen sus primeras fotos, las series de objetos como mapas, libros, copas, dinero, museos, Alicia en el País de las Maravillas, infancia..., pero la serie de toda su obra que más me interesa es "Camera obscura".

Abelardo Morell. My Eyeglasses, 1991.

Cámara obscura tiene su origen en un proyecto didáctico que realizaba con sus alumnos del Massachusetts College of Art and Design en sus clases de fotografía desde 1991. Por aquella fecha comenzó a fabricar una cámara obscura, un instrumento óptico que permite obtener una proyección plana de una imagen externa sobre una superficie que se encuentra en el interior de la cámara. Este dispositivo se utilizaba ya  por pintores de los siglos XVII y XVIII, como Johannes Vermeer de Delf o Canaletto para ayudarse en la elaboración de sus bocetos y pinturas, aunque seguramente fue utilizado desde la antigüedad. Posteriormente, cuando se descubrieron los materiales fotosensibles, la cámara oscura se convirtió en cámara fotográfica estenopeica (la que usa un simple orificio como objetivo).

Abelardo Morell. The Philadelphia Museum of Art, East Entrance in Gallery with a de Chirico Painting, 2006.

Sus primeros trabajos en blanco y negro con la cámara obscura tenían lugar en su propia casa, pero con el tiempo diseñó una especie de tienda de campaña portátil a prueba de luz donde podía proyectar el paisaje de los alrededores, a través de la óptica de tipo periscopio, sobre la superficie de la tierra dentro de la tienda.

Abelardo Morell. Tienda de campaña con cámara obscura. Aquí se puede apreciar muy bien el método para obtener las imágenes proyectadas sobre el suelo en exteriores.

De ahí surgió la serie "Tent camera", donde podía fotografiar los paisajes sobre texturas muy atractivas (suelos de cemento, roca, gravilla, arena...), dando una dimensión pictórica a la imagen fotografiada.

Abelardo Morell. Serie Tent-Camera. Imágen sobre suelo de azotea. Vista del puente de Brooklyn. 2010.

En la serie "Cámara obscura" ha vuelto a reunir la fotografía de exteriores, ciudades y paisajes, con los ámbitos cotidianos de una vivienda, donde realizamos nuestra vida cotidiana. El artista tomó previamente sus fotografías al aire libre en lugares desde Times Square hasta el puente de Brooklyn, desde Venecia a Florencia, desde Roma a Central Park... y las proyectó sobre las paredes, techos y suelos de las habitaciones de una casa amueblada, con sus cuadros, camas, armarios, puertas o demás elementos domésticos. El resultado es una yuxtaposición de paisaje y de interior que fotografía, paisajes urbanos de ciudades reconocibles y a la vez inventadas.

Abelardo Morell. Serie  camera obscura. Co-vista de exterior de Florencia con librería, 2009.

El juego de la doble foto, que mezcla las imágenes del exterior con las del interior, hace que todo adquiera nuevo significado. Donde los paisajes urbanos se conviertan en ciudades inventadas, donde todo es posible, donde nuestra imaginación parece jugar como en un sueño. Podríamos considerar estas habitaciones como Las ciudades invisibles de Italo Calvino, que contienen todo y nada.

Abelardo Morell. Serie Camera Obscura. Co-vista del  Panteón y habitación 111 del Hotel Albergo Del Sole al Pantheon, Roma, 2008.

1. “Pero la ciudad no dice su pasado, lo contiene como las líneas de una mano, escrito en los ángulos de las calles, en las rejas de las ventanas, en los pasamanos de las escaleras, en las antenas de los pararrayos, en las astas de las banderas, surcado a su vez cada segmento por raspaduras, muescas, incisiones, cañonazos”

Italo Calvino, Las ciudades invisibles, 1978.

En la siguiente presentación podéis ver algunas fotos más de esta serie.

Berlín es aún hoy, después de más de veinte años de la caída del Muro, una de las obras en ejecución más importante de Europa y visita imprescindible para toda aquel que guste de la arquitectura moderna.

La destrucción de la Guerra.

Su centro completamente destruido durante la II Guerra Mundial se convirtió durante cuarenta años en un campo desolado, lugar fronterizo entre los dos bloques ideológicos que trazaron una barrera de hormigón, alambradas y puestos fronterizos. El resto de la ciudad también sufrió la decadencia de la destrucción y de la división. Es muy significativo que la ciudad tuviese antes de la guerra una población de 4,33 millones de habitantes y que la viera reducida a apenas dos millones al acabar.

Los bombardeos y de los combates en las calles por la toma de la ciudad en abril de 1945 dejaron un paisaje desolador, como podemos ver en el vídeo que viene a continuación. Tres cuartas partes de las viviendas de Berlín fueron destruidas o dañadas, convirtiéndose en lugares inhabitables. Los edificios representativos eran todos ruinas.

La reconstrucción. Urbanismo hasta la caída del Muro.

La reconstrucción de la posguerra no fue muy exitosa y se desarrolló por vías divergentes desde el mismo momento en que los aliados vencedores de la II Guerra Mundial se convirtieron en bloques enemigos irreconciliables. Alemania fue dividida y Berlín también, evolucionando a partir de ese momento las dos mitades como ciudades que se dieran la espalda.

Plano de Berlín con la zona soviética señalada en rojo.

• La parte occidental había perdido la capitalidad y se encontraba como una isla en zona de la República Democrática Alemana, por lo que se puede decir que cayó en la categoría de ciudad provinciana y sin especial interés para el capitalismo inmobiliario. El estilo predominante de la reconstrucción fue el tradicional neoclasicismo, interrumpido por los años del nazismo. Y sólo a partir de los años 60 se reactivó una cierto anhelo de modernidad.
• La parte oriental mantenía, en cambio, la capitalidad del Estado de la RDA, un Estado totalitario que planificó la ciudad como un lugar donde diseñar grandes espacios y avenidas para desarrollar desfiles (desde la puerta de Brandenburgo hasta la plaza de Alexanderplatz, hasta llegar a la nueva avenida Stalinallee conocida hoy como Karl-Marx-Allee). Como en la parte Occidental,  hasta los años 60 no hubo un crecimiento económico suficiente como para levantar edificios representativos interesantes. Los edificios creados en esta década en el Berlín Oriental estaban estilísticamente más cerca de la arquitectura racionalista y funcional que los de la parte occidental. El más significativo de todos fue la imponente Torre de la Televisión (Fernsehturm) de más de 360 metros de altura, construido entre 1965-69, como símbolo frente al oeste de la pujanza del Estado socialista y de la delantera en el carrera espacial.

Torre de la Televisión (Fernsehturm) tras la iglesia evangélica de Santa María, cerca de Alexanderplatz.

• En las década de los 70 y de los 80 se aunaron más los estilos de los dos Berlines, pero allí seguía estando ese Muro en el centro, que impedía hacer proyectos integrados y, sobre todo, urbanizar la brecha de contacto. Lo más interesante tal vez fuese la edificación en Karl Marx Allee de modernos y altos (10 pisos) de edificios de apartamentos colectivos con amplios espacios verdes y entramado abierto que resultan muy parecidos a los de los nuevos barrios de ciudades dormitorios que por esa época se levantaban, por ejemplo, en España.

• 1. Había que crear un nuevo centro gubernamental y dotar a la ciudad de edificios nuevos como: sede del gobierno, Parlamento, Senado federal, ministerios, embajadas... Se decidió concentrarlos mayoritariamente junto al río Spree y el parqueTiergarten.

El Tiergarten, el río Spree y los principales edificios de la zona. Para verlo con detenimiento se puede ampliar la imagen pinchando encima.

• Sólo se aprovecharon dos antiguos edificios aunque con sus correspondientes adaptaciones. Por un lado, el palacio barroco de Bellevue (1), que se convirtió en la sede de la presidencia federal de la República, al que se le añadió un edificio de oficinas de planta elíptica y exterior de granito negro pulimentado y cristales reflectantes. Sobre la techumbre se ha dispuesto placas solares que generan el 50 % de la energía necesaria para las oficinas.

Palacio de la presidencia de Bellevue (edificio en forma de U) y edificio de oficinas en Tiergarten (1 en el plano superior). El edificio elíptico es obra Martin Gruber, 1996-98.

• El otro edificio aprovechado fue el Reichastag o Cámara Baja del Parlamento alemán, edificio neobarroco de finales del siglo XIX, que fue transformado por Norman Foster rematándolo con una fantástica cúpula acristalada de la que hablaremos en otro artículo.

Edificio del Reichstag de Norman Foster. Reconstrucción, 1994-98.

• Los nuevos edificios del barrio gubernamental.  Están realizados por Axel Schultes y Charlotte Frank al norte del Reichstag en lo que se conoce como "Band des Bundes" (lazo de unión). Se eligió como emplazamiento unos amplísimos solares en el arco del Spree y extendiéndose a ambas orillas del río. El espacio principal, formado por los edificios de la Cancilería federal y los de oficinas de de los diputados (Casa Paul Löbe y Casa Marie Elisabeth Lüders) está diseñado a modo de abrazadera, uniendo simbólica y físicamente el este y el oeste de la ciudad.

Plano de la zona del Band des Bundes, con los principales edificios. Debajo esos mismos edificios en foto aérea pero orientados hacia el Oeste.

• A mí me gustó especialmente la cancillería federal o Bundeskanzleramt (2001), que no es el edificio más grande, pero sí el más imponente del nuevo conjunto. Las largas fachadas de hormigón, cristal  y arenisca de la sección de oficinas y el edificio de la presidencia forman un complejo de tres alas. Al Reichstag únicamente se abre una llamativa fachada con la escultura de Eduardo Chillida, "Berlín", en el patio que la precede. En el bloque central se encuentra el verdadero centro del poder: en el sexto piso, el salón del gabinete y arriba, el despacho del canciller. Omito otros edificios puesto que este artículo sería inacabable

Axel Schultes. Cancillería Federal, 1997-2001. Escultura de Eduardo Chillida, Berlín.

• 2. También había que restaurar y modernizar los antiguos museos, iglesias, palacios, universidades, bibliotecas, hospitales... Algunos de los edificios más bellos, como los que se encuentran en la conocida como isla de los museos (Museumsinsel), habían quedado en el lado oriental y necesitaban una indudable labor de mejora que todavía continúa. Sobre ella nos concentraremos.

La isla de los Museos. En primer lugar la cúpula de la catedral de Berlín (1905) y a la derecha el Altes Museum (1830). Bajo las grúas amarillas  el Alte Nationalgalerie (1879) y detrás el Neves Museum (1859) y el Museo de Pérgamo (1930). Por último, entre dos puentes sobresale la cúpula cobriza del Bodemuseum (1904).

• Esta isla del Spree alberga uno de los complejos museísticos más grandes del mundo, consagrado por completo al arte europeo y a la arqueología. Después de la Guerra sólo se emprendieron las reformas necesarias y por eso desde 1999 se ha emprendido un ambicioso proyecto de renovación. No sólo se han restaurado y reorganizado los museos, sino que se actúa para mejorar los accesos a través de puentes y conexiones entre ellos. Al sur de la catedral se espera reconstruir para el año 2015 el Palacio Real de la Dinastía Hohenzollern (en alemán Berliner Stadtschloss) que se levantaba en esta ciudad y que fue destruido en 1950, siendo reemplazado en los años 1970 por el Palacio de la República, sede del antiguo parlamento de la RDA, cuya demolición, ya terminada, se inició en 2006.

Isla de los Museos en el año 2006, cuando empezó a demolerse el Palacio de la República (RDA). Hoy ya desmantelado.

• 3. Había que urbanizar los feos yermos fronterizos que había dejado la posguerra y convertir los callejones sin salida de la frontera del Muro en arterias funcionales, en plazas dinámicas que ofrecieran todo tipo de servicios. En el mapa se puede ver la huella dejada por la tierra de nadie fronteriza y los zonas aledañas que se habían dejado sin urbanizar. La zona más importante es la que iba desde la Puerta de Brandenburgo hasta la plaza de Potsdam, donde la franja se ensanchaba y dejaba un notable espacio sin construir. En el gif que podemos ver debajo, podemos ver la evolución de la zona y los proyectos aún ejecutarse.

Tres momentos en los que podemos ver la evolución del espacio entre el parque de Tiergarten y la isla de los Museos desde 1989 a 2015. El pase de imágenes comienza en 1989 con la tierra fronteriza señalada en un notable color negro, continúa en el 2000 y termina en lo proyectado para más allá de 2015.

• La plaza Parisina (Parisier Platz), justo delante de la Puerta de Brandenburgo (1789-93), considerada un monumento característico de la ciudad y un símbolo de la reunificación alemana, ha recobrado su antigua majestuosidad, después de ser muchos años frontera principal entre el Berlín oriental y el occidental. En 1993 se decidió restaurar la plaza respetando sus antiguas proporciones, parcelas y usos que tuvieron antes de la guerra, pero con edificios modernos. Así el Hotel Adlon, la Academia de las Artes y las embajadas de los EE.UU. y Francia recuperaron sus antiguos emplazamientos junto a al puerta neoclásica.

La plaza Parisier hoy en día (arriba) y un momento de su construcción en 1995 (abajo), cuando lo único reconocible era la Puerta de Brandenburgo en la esquina inferior derecha.

• La Potsdamer Platz no es sencillamente una plaza, como el nombre hace pensar: aquí ha surgido una ciudad dentro de la ciudad. Tras su destrucción en la Segunda Guerra Mundial, el área quedó convertida en terreno baldío y formó parte de la franja de la muerte del Muro. Hoy la Potsdamer Platz, con grandes hoteles, sala de musicales, restaurantes, cines y un centro comercial, vuelve a ser sinónimo de la vida bulliciosa de Berlín. Posee dos centros a dos alturas: el Sony Center y el Daimler-Chrysler-Areal. El primero es obra de Helmut Jahn y presenta una  arquitectura de vidrio y acero con una plaza cubierta por una carpa de ese mismo material. El segundo es obra de varios arquitectos y presenta diversidad de materiales y de concepción.

Los edificios de Potsdamer Platz desde el Reichstag, obras de Helmut Jahn entre 1996 y 2000. Sobresale la carpa acristalada del Sony Center que parece flotar sobre la plaza ovalada que cubre debajo. Abajo los tres rascacielos que dan a la plaza. El de base semicircular mide 103 metros y se destina a oficinas.

• 4. Había que restablecer las comunicaciones internas por carreteras y puentes, así como los servicios ferroviarios de metro y cercanías  y crear nuevas estaciones de ferrocarril. La obra más espectacular es la Estación Central de Berlín (Hauptbahnhof), inaugurada en 2006 sobre el solar de la antigua estación de 1871. Además de ser la mayor estación de Europa, destaca por sus estructuras acristaladas y por su organización de enlaces ferroviarios y de metro de toda la ciudad. Los aeropuertos también debían estar a la altura de una capital europea.

Estación central o Hauptbahnhof de Berlín. Foto de 2008. Se puede ver todo el complejo sistema de comunicaciones por el centro. Abajo, un detalle de la marquesina de cristal y acero de entrada desde el río y una de las torres laterales.

Los  arquitectos  y el estilo.

La capital de Alemania requería una arquitectura solemne y  todos los arquitectos de fama internacional quisieron participar en esta oportunidad única de poder incidir sustancialmente en el centro urbano de una de las grandes metrópolis del mundo. Aquí se han dado cita -por nombrar algunos ejemplos-  Stephan Braunfels, David Chiperfield, Norman Foster, Frank Gehry, Nicholas Grimshaw, Helmut Jahn, Philip Johnson, Josef Paul Kleihues, Hans Kollhoff, Jena Nouvel, Ieoh Ming Pei, Dominique Perrault, Richard Rogers, Axel Schultes, Oswald Matias Ungers y Peter Zumthor.

Jean Nouvel, Gareías Lafayette en Friedrichstrasse, 1993-96.

El plan fue alentado determinantemente por Hans Strimmann, director de Obras Pública y Vivienda que veló porque todos los proyectos se adaptaran a la tradición arquitectónica berlinesa. A los arquitectos se les dio libertad creativa, aunque se les impusieron algunas pautas a tener en cuenta en relación con las plantas y las fachadas de la calle, por ejemplo, que procuraran que las esquinas de las manzanas fueran redondeas y que incluso la forma de acceso al interior estuvieran preferentemente allí. No se pretendía construir edificios aislados sino edificios integrados en sus entornos. El resultado es un eclecticismo donde se mezclan estilos muy variados entre los que  predominan el  neoclasicismo, el deconstructivismo y las soluciones ecológicas.

Ejemplo de integración entre edificios de corte antiguo con edificios modernos. Fijaos en las placas solares del edificio verde.

El día 10 de mayo se inaugura - y hasta el 9 de junio- en la Galería Barnadas de Barcelona la exposición "Interior" de la pintora madrileña Alejandra Caballero. Si podéis acercaros en estos días disfrutaréis de un estilo singular, íntimo y bello. Si no podéis os invito a echar un vistazo en el catálogo que ha editado la Galería y en las fotos de este post o en las de la  página del evento.

Interior Alejandra CABALLERO Galería BARNADAS

En este mismo blog ya he tratado su obra en otros artículos, por lo que no creo que sea necesario insistir en la calidad  de la artista ni en su capacidad de conmover con sus cuadros sencillos, pero esenciales. Sin embargo, hoy voy a reflexionar sobre algo que me atrapa cada vez que veo sus cuadros: sobre la serena soledad y el silencio.

Alejandra Caballero. Lectura, 2012. 50 x 81 cm.  Detalle.

Las protagonistas de los cuadros de Alejandra Caballero emanan serenidad, distancia y silencio. Son solitarias que buscan su momento para abstraerse de lo que sucede a su alrededor. Se ausentan del ruido que sufrimos durante el día a día; atesoran la intimidad de su silencio alejadas de todas esas personas que las rodearon en el trabajo y que supusieron la obligación y la tensión. Se encuentran en su santuario, alejadas del trajín vacío, en paz con ellas mismas.

Alejandra Caballero. Habitación azul, 2012. 65 x 84 cm.

Y es que la soledad de sus mujeres no es motivo de tristeza, sino de reflexión. Es una oportunidad para asomarse a ese ser que a menudo ignoramos y que está dentro de cada uno y que las prisas y el ruido de la vida que llevamos no te permiten oír. Es cuestión de detenerse un instante, de hacer un silencio, de confiar en que la inspiración de la pintora tiene que llegar para sacar a la superficie lo que somos: seres especiales y, a la vez, iguales; seres que nacemos, vivimos y morimos.

Alejandra Caballero.  Amanecer, 2011. Óleo sobre lienzo, 45 x 60 cms.

Y cuando algunos de sus personajes se encuentran no se producen silencios incómodos. Cada individuo respeta, como algo natural,  la interioridad del otro, sus fantasías y ensoñaciones. Y se hace cierto el dicho de que de los silencios surgen más frases que de los diálogos forzados. El mismo mundo por el que transitar, pero en vidas paralelas.

Los silencios son roedores de historias en nuestra mente.

Alejandra Caballero. Esplendor, 2012. Óleo sobre lienzo, 81 x 87 cms.

Para conocer mejor su obra podéis consultar además estos links.

- La pintura de Alejandra Caballero. La seducción por lo cotidiano.

- Alejandra Caballero. El inicio del viaje y habitación de hotel.

Tengo el placer de presentaros la obra pictórica de Juan Bautista Nieto, nacido en Lora del Río, Sevilla, en 1963.

Juan Bautista Nieto. La habitación, 2009. Detalle.

Su estilo es inconfundible.

1.- Técnicamente. Parte del hiperrrealismo fotográfico, pero en blanco y negro. Lo que me asombra de su trabajo es que con sólo las distintas tonalidades del gris sea capaz de transmitir tanta emoción a cada uno de sus cuadros. La mayor parte de su obra la realiza con una base de pintura acrílica sobre tabla preparada a la que aplica tinta, grafito y acuarela para conseguir los distintos tonos. El efecto final es una obra entre la fotografía en blanco y negro y el dibujo. En el vídeo se puede comprender cómo trabaja con estos materiales.

2.- Luego, por su puesto, está la calidad en reproducir hasta el más mínimo detalle, con una meticulosidad y un amor propio de un pintor flamenco del siglo XV. Se  podría decir que su intención es introducirse en el objeto para compartir su esencia y mostrarnos la perfección en su simplicidad. Él nos demuestra que una simple taza o una aceitera puede ser bella si somos capaces de contemplarla con amor.

3.- Su temática no es muy variada, se concentra básicamente en dos aspectos:

• Las naturalezas muertas de objetos simples o frutas (peras, granadas y melón) a las que a veces "da vida" con unas manos que las manipulan o las señalan dándoles un significado simbólico. Son manos de magos que juegan con nuestra imaginación al visto y no visto.

• La mujer es su otra dedicación. Mujeres que posan solitarias y  a las que el pintor contempla

El cuadro se llama "Culpa" y es una de sus últimos trabajos. si queréis saber más de su obra. Podéis ira a su web http://www.juanbautistanieto.com/ES/works.html

Allí encontraréis mujeres cocinadas a fuego lento, ensimismadas, en cuarto creciente, pilladas en su intimidad, recortadas por un silencio espeso. Mujeres que son una joya mal guardada, expuestas, sin rostro ni necesidad de la concreción pagana de una boca. Niñas que son una y a la vez son todas, pero, eso sí, sin color ni mirada. Cuerpos generosos, vestidos con ecos de surrealismo, ofrecidos en poses que son meditación sobre el acto mismo de pintar. Cuerpos carnales que gustan y reclaman manos. Cuerpos para el pecado, la curiosidad y la gula: curvas resucitadoras. Cuerpos que, de tan luminosos, no necesitan espíritu que los anime. Y el espejo, como dijo Roque Dalton, para los vampiros.

Ikenaga Yasunari es un artista japonés cada vez más conocido en Occidente. Su espaldarazo a la fama fue la última Art Fair Tokyo de 2011 (abril), en que se vendió toda su obra expuesta el primer día. Sus cuadros representan a hermosas mujeres, cuyas expresiones y posturas sugieren una atmósfera de nostalgia. Son siempre mujeres japonesas modernas, pero tratadas con un estilo de pintura que refleja las antiguas tradiciones japonesas o "Nihonga", lo que da a sus obras una sensación atemporal. Aquí os presento un vídeo con sus últimos lienzos y  espero que su estilo os guste tanto como a mí.

Datos biográficos.

Poco sabemos de Ikenaga Yasunari: que nació en 1965 en la prefectura de Oita y que se graduó en la High School Midorigaoka Universit en 1984. Sus primeras exposiciones son de 2004.

Materiales y técnica.

Las pinturas, ligeramente polícromas, están hechas con pigmentos que obtiene a partir de minerales, conchas, corales e incluso piedras semipreciosas como la malaquita, la azurita y el cinabrio. El aglutinante es la cola de pez. Para darle más sensación de lujo incluye a veces finas láminas de plata y oro. La pintura se extiende con agua y con pinceles especiales Menso, muy pelo muy fino, lo que permite la calidad de detalle.

Ikenaga Yasunari, Sachiko, 2010. Pigmentos minerales, lienzo de lino, cola de pez , tinta china y oro..

Pese a que su pintura se puede definir como tradicional o "Nihonga",  Yasunari introduce algunos elementos extraños a la cultura Japonesa, que proceden de la pintura occidental. El soporte es el primer elemento rupturista de este pintor al utilizar lienzos de tela de lino, en vez del tradicional washi (papel artesanal japonés) o la seda.  También utiliza la técnica del sombreado en algunas partes de los rostros, como labios u ojos, lo que les confiere mayor volumen y expresividad, pero ésto precisamente le aparta del "Nihonga" de planos de color uniformes. Los motivos vegetales que visten o con las que se rodean sus mujeres recuerdan a los diseños de Arts & Crafts y del modernismo, evidentemente influidos éstos a su vez por la moda y la estampa japonesa del siglo XIX.

Ikenaga Yasunari. Makiko. En este detalle se puede ver muy bien el tramado de la tela y los efectos volumétricos del sombreaso en labios y cejas.

Estilo. La belleza de lo efímero.

Yasunari combina el estilo artístico de las antiguas pinturas japonesas con los temas modernos.

Los principios estéticos del arte japonés están presentes en sus obras, como:

• - Kokoro o una especial sensibilidad entre la sensación y el pensamiento racional.
• - Miyabi o estética de líneas elegantes.
• - Mono no aware o empatía hacia las cosas efímeras. Es decir, nostalgia ante la belleza de las cosas que tan pronto las ves desplegadas, como un abanico, como se pierden.

Ikenaga Yasunari. Tomoko, 2004. 33cm x 24,5cm.

• - Yugen o atmósfera de misterio y profundidad, algo que está suspendido entre la presencia y la ausencia. Es más una sugerencia, que un perfil acabado. Es aquello que sólo puede ser sugerido, pero no definido, es una gracia refinada y subyacente.
• - Wabi o convencimiento de que la belleza debe nacer de la simplicidad extrema, que los rostros, por ejemplo, sean serenos en busca del recogimiento interno y no reflejen gestos o sentimientos grandilocuentes.

Ikenaga Yasunari. Yu, 2010.

• - Sabi o estética de la presencia del paso del tiempo en los objetos. Esa pátina de color sepia que tienen los cuadros que hace que pensemos que estamos ante fotografías antiguas
• - Fukinsei o búsqueda de la asimetría en las composiciones.

Ikenaga Yasunari. Natsumi, 2011.

A ello hay que añadir el toque de sensualidad y la atmósfera de ensueño que siempre tienen sus mujeres. Sus expresiones y posturas naturales atraen necesariamente al espectador. Y tan atractivos como sus rostros son las ropas que visten con motivos florales o rayas.

Ikenaga Yasunari. Shima, 2011.

En su  página web podéis seguir viendo su obra, en la que cada cuadro se acompaña de un poema sugerente o haiku, lo que pasa que en japonés (sólo para iniciados). El poema es una invitación a la participación del lector y del espectador. Invitación a que sea él, el que le de un posible sentido a ambos, así cada uno de nosotros rehacemos su significado una y otra vez, sin determinar una única posibilidad.

También podéis ver en este mismo blog:

UKIYO-E, IMÁGENES DE UN MUNDO FLOTANTE. LA PINTURA POPULAR JAPONESA DURANTE EL SHOGUNATO TOKUGAWA.

Alejandra Caballero (Madrid, 1974) nos ha regalado este verano tres nuevas obras cargadas de encanto donde la mujer, captada en momentos íntimos de soledad, sigue siendo el centro de su atención. Son cuadros bellísimos que merecían un nuevo artículo en este blog. Qué mejor forma de agradecer su detalle que ofrecer a una colaboradora y admiradora de su obra, Calíope, que nos deleitara con sus impresiones acerca de los cuadros. Espero que os guste este recorrido poético.

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Si algo caracteriza a Alejandra Caballero es la quietud profunda presente en sus obras. Una cotidianeidad íntima (semejante a la de los flamencos holandeses), acompañada de una pincelada difusa, dan como resultado la impresión de languidez, como si estuviera diluido. A su vez los tonos destilan armonía y suavidad, transmiten paz, sensación de nostalgia, de profunda calma, de serenidad.

Alejandra Caballero. El inicio del viaje, 2011. 81 x 73 cms.

Centrándome en El inicio del viaje es muy característica la negación del rostro de ella, como si estuviera destinada a comenzar a rehacerse, a empezar una nueva vida. La presencia del perro no hace más que acompañar este gesto, pues aunque ella va a emprender su viaje, no abandona esa parte de sí misma que simboliza el mayor amigo del hombre, sino que continúa evolucionando, con el hogar y su trayectoria a sus hombros.

También son significativas las dos puertas presentes en el cuadro. Una, llena de luz, a la que guía el pasillo central abierta de par en par, abre el paso a nuevas expectativas, a un paisaje desintegrado, lo que aún está por vivir, pero que la está esperando. En cambio la puerta que se posiciona tras ella es oscura, como si dejara el pasado o al menos un mal recuerdo atrás.

La misma posición sosegada pero indecisa de ella advierte de ese estado meditabundo que precede a las grandes decisiones. Tocada por la luz, la mujer se deja llevar por esa atmósfera refulgente, ese nuevo mundo, al que curiosamente el perro da la espalda, y ni siquiera hace el ademán de agarrar la maleta, pues se nos revela en ese instante de diálogo con uno mismo. El color blanco de la maleta produce un fuerte contraste con la indumentaria negra de ella, en relación a la sombra que aún la acecha detrás, la puerta ya mencionada, y que aún le cuesta dejar atrás, de la que aún está empapada. Todo este simbolismo aporta al conjunto la sensación de sublimación de la escena, como si fuera onírica, imprecisa, lo que se relaciona con el tema descrito.

A su vez, en el hermoso tapiz que es el suelo (que da cuenta de la diversidad del camino de la vida) convergen los tres tonos vagos e imprecisos que integran el cuadro: el azul pálido (que corona el horizonte y el marco de la puerta de salida), el siena que invade toda la pared y que a veces se torna sangriento pero otras se ve asediado por el blanco sucio o mejor, el gris más puro que irradia la puerta y el exterior y que es hacia donde, como ella, se dirige nuestra vista, al futuro, ese instante de presente que es el cuadro y el pasado que se esconde tras la puerta negra.

Alejandra Caballero. Habitación de hotel, 2011. 81 x 100 cms.

El de La Habitación de Hotel es aún más íntimo si cabe. El momento que Caballero comparte con nosotros es único, tiene un encanto personal, pues aunque es un gesto cotidiano, está tratado de forma natural y ahí se encuentra el hechizo, en esa atmósfera de nuevo borrosa, impresionista, de pincelada temblorosa, palpitante y amplia, que trasmite vacilación y una alta quietud.  De nuevo nos encontramos en un espacio cerrado, concretamente, en el ángulo de unión de dos de las paredes. Si algo rompe el equilibrio de los tonos eso es el rojo, intenso y evocador, de la falda de ella, que vistiéndose, da la espalda a la ventana, punto de luz (que sitúa el desequilibrio del encuadre fotográfico, de nuevo tan impresionista), poniéndose el sujetador, concentrada, con la cabeza gacha. El recurso del espejo rompe la calidez del ambiente con tonos no ocres y rojizos, sino verdosos y pardos, acompañado de un escaso mobiliario que hace notar la estancia en el hotel, (frugal y escasa), así como la tristeza del suelo o lo tenues que son las sombras que proyectan la mujer y la silla.

A destacar por último podemos señalar el pórtico en relieve que sobresale de la pared central, del color de la misma, y que llama la atención tanto por su sencillez rústica como por su presencia. Podría aventurarse que alude a la falta de libertad de ella, que busca la propia soledad dando la espalda a la ventana, así contribuye más a la sensación de un momento tan fugaz (rescatado como bello al igual que la mitificación que los impresionistas hacían de lo más trivial), vivido un instante, pero no por ello menos importante.

Alejandra Caballero. Vacaciones, 2011. 73 x 100 cms.

En Vacaciones, más de la mitad de la obra es un paisaje. De nuevo esos tonos pálidos, azul y amarillo, mar y arena, que se mezclan y encuentran su unión en el cielo, de un azul traqueteado por manchas de un ocre pálido, que se comen los últimos restos del horizonte. En el margen izquierdo la mirada perdida de una figura femenina observa meditativa en un momento totalmente casual, dicho paisaje. Es casual porque vemos que ni ha terminado de salir de un edificio del que solo contemplamos las puertas abiertas de par en par, de nuevo esa liberación, esa salida, esa vida respirable. El propio nombre del cuadro, Vacaciones, es visible en el calzado de ella, en su cabello recogido, su vestido instigado por el viento, su actitud de estar sumida en sus pensamientos, quizá el paisaje la propicia a ello y le sirve como telón de fondo. Se aprecia un blanco edificio empequeñecido por la distancia, de sinuosidades de tierra entrometiéndose en el mar.

Por Calíope.

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Los cuadros se han expuesto en la colectiva de verano (Julio) de la Galeria Jordi Barnadas de Barcelona. Para ver más cuadros de la artista os recomiendo esta presentación y el artículo que le dediqué allá por Mayo.

Descubrí la obra de la pintora Alejandra Caballero por azar. Navegaba sin rumbo por Internet, es decir, cotilleaba. Las páginas se sucedían a ritmo de rueda de ratón, dejándome llevar de unas a otras y a otras y a otras. Al cabo de media hora me di cuenta de que había una imagen que permanecía impresa en mi subconsciente y que merecía la pena volver atrás para recuperarla. No recordaba la web o el blog donde la había visto, pero sí que era una escena íntima y cercana que de alguna manera me había conmovido. Era La Cena de Alejandra Caballero, una pintora desconocida para mí entonces, y de la que todavía hoy sigo sin saber gran cosa porque hay poca información en la red. Tengo, por tanto, el atrevimiento de hablar de su obra y romper una lanza por ella, espero que sepáis disculparme si cometo algún error de apreciación.

Alejandra Caballero. La Cita (detalle), 120 x 130. 2009.

Lo que sé de Alejandra Caballero.

Nació en Madrid en 1974 y se licenció en 1997 en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.

Su primera exposición individual fue en 1999 en Madrid, pero desde el 2003 en que se afinca en Barcelona expone más habitualmente en las galerías de esta ciudad, especialmente en la galería Jordi Barnadas donde desde septiembre de 2004 acude a la cita cada dos años. Su última exposición la realizó en febrero de 2010 allí con el sugerente título “Yo no te pido…”, prestado del poema de Mario Benedetti. Esta exposición atrajo la atención de algunos medios como el dominical del periódico La Vanguardia (miércoles, 30 de febrero de 2010) que le dedicó un artículo a cuatro páginas. Más información sobre premios y exposiciones realizadas aquí. En Julio de 2011 ha participado en una exposición colectiva con tres nuevos cuadros que podéis ver comentados en este enlace. En Mayo de 2012 ha celebrado una exposición individual en la Galería Barnadas, llamada "Interior", que podéis ver comentada en este enlace.

Se le clasifica dentro de un estilo de figuración poética.

Alejandra Caballero. La piscina, 2009. 89 x 130 cms.

En esta presentación podéis ver algunas de las obras que he podido recopilar de ella. Aunque sin conocer a ciencia cierta la fecha de algunas me atrevería a decir que son en su mayoría de su producción más reciente, de entre 2007 y 2011. Espero que os gusten. Para verlas en todo su esplendor desplegarla a pantalla completa. Si queréis acompañarla con música tenéis una canción de Joan Manuel Serrat al final del artículo que le va al pelo.

Características artísticas y temáticas. Su relación con Hopper.

Es inevitable que la obra de Alejandra Caballero nos recuerde a la de Edward Hopper, porque sin duda le inspira en parte de sus cuadros. Comparte con él:

• - La atracción por lo cotidiano. A menudo la protagonista del cuadro es una mujer que realiza una acción intrascendente: lee, prepara el desayuno, duerme, contempla el exterior de lo que hay más allá de su espacio… Pero en el universo de Alejandra Caballero también tiene cabida la tierna infancia, lo que en la obra del pintor americano no existe, y los animales domésticos, perros y gatos, a los que dota de una expresividad muy humana. Los escenarios más habituales son en los dos casos espacios del ámbito privado, habitaciones, aunque el pintor americano prefiere representar a sus personajes en hoteles de paso y Alejandra en sus propios hogares. El tema del bar y el encuentro/desencuentro que se produce entre las personas que se refugian en ellos también es otro punto común.

Alejandra Caballero. El ángel del Raval, 2009. 50 x 50 cms.

• - Las composiciones simples. Una o dos figuras llenan la escena. No hacen falta más personajes para recrear una impresión. A menudo son personajes ensimismados en una tarea o acción como los de Hopper, aunque sin la carga de soledad o desamparo que tiene las de éste. Coinciden también en utilizar las estructuras arquitectónicas, sin aderezos decorativos, para obtener potentes perspectivas que nos guíen hacia el tema o hacia el espacio exterior. A veces, lo que sucede o, mejor dicho, lo que se sugiere que sucede más allá de la puerta o ventana abierta donde se desarrolla la escena es el verdadero protagonista del cuadro.

Alejandra Caballero, 2009. Amanecer (arriba). Comparación con Sol de amanecer de Hopper, 1952 (abajo).

• - Para ambos el tratamiento de la luz es decisivo para crear sensaciones, pero difieren en la sensibilidad de cómo lo abordan. Nuestra pintora prefiere que la luz inunde todos los rincones, es una iluminación que deja una sensación alegre y positiva. Hopper se sirve de la luz para crear violentos contrastes que dejan profundas y alargadas sombras que acentúan la soledad de sus personajes ante el mundo.

El cuadro "La Cena", 2009. Interpretación.

Una de las características más evidentes de la obra de Alejandra Caballero es que sus figuras aparecen en lugares donde todos podemos reconocernos: un pasillo, la cocina de un piso nuevo, un comedor, el porche de un chalet…, pero a la vez el ámbito resulta impersonal, como sacado de un recuerdo abstracto puesto que carece de detalles. Para ser más preciso diría que selecciona la información gráfica que le interesa según el ambiente que quiere crear o las posibilidades compositivas o expresivas que le den las formas de los objetos o su color.

En su cuadro de La Cena (2009) reconocemos una cocina alargada de cualquier piso moderno que termina en una puerta acristalada de salida a una terraza. Otros enseres comunes nos confirman el espacio: una encimera con su vitrocerámica… pero, incomprensiblemente, la cocina carece de frigorífico y, sin embargo, sí posee una campana extractora de humos. La razón es que la luz que puede emitir este aparato le sirve a la pintora para crear una iluminación cenital como un foco en el lado izquierdo del cuadro, desde donde redireccionar una luz indirecta e intima que necesita la ambientación del resto de la escena. Algo parecido ocurre con el fregadero que con su hueco geométrico y con sus brillos metálicos contribuye a compensar rítmicamente la mancha rectangular de la placa vitrocerámica, pero… sorprendentemente ese fregadero no tiene grifos.

La cocina está impoluta y sin un solo objeto decorativo ni cacharro, sólo un trapo de cocina ¿olvidado? No, se trata de introducir el objeto casual en un mundo tan ordenado y pulcro, algo que haga humano a ese espacio. Es  tan aséptico, un hogar limpio de paredes blancas, una casa recién estrenada que espera ser rellenada de recuerdos.

El ámbito impersonal descrito contrasta con la humanidad del otro foco de luz. Una lamparilla ilumina a un niño que toma la cena. Viste un sufrido babi azul con el que proteger la ropa de las manchas, lo que hace más real el momento familiar. Su madre le vigila amorosamente, pero esta escena queda abierta a la interpretación de cada cual. La madre contempla a su hijo con arrobo y seguramente escucha sus historias infantiles. ¿Pero en qué o en quién esta pensando ella? Su postura parece revivir con nostalgia el pasado… Tal vez el de otro momento parecido que vivió en su infancia junto a su madre o tal vez en su mente esté la pareja ausente que se pierde tan grato instante de paz familiar… Cada uno es libre de continuar la escena.

A través de la ventana vemos las luces de la noche de cualquier ciudad.

Pequeños instantes. La vida pasa tranquila.

Parafraseando a Joan Manuel Serrat "De vez en cuando la vida (:..) se hace de nuestra medida..."

De vez en cuando la vida
nos besa en la boca
y a colores se despliega
como un atlas,
nos pasea por las calles
en volandas,

y nos sentimos en buenas manos;
se hace de nuestra medida,
toma nuestro paso
y saca un conejo de la vieja chistera
y uno es feliz como un niño
cuando sale de la escuela.

De vez en cuando la vida
toma conmigo café
y está tan bonita que
da gusto verla.
Se suelta el pelo y me invita
a salir con ella a escena.

De vez en cuando la vida
se nos brinda en cueros
y nos regala un sueño
tan escurridizo
que hay que andarlo de puntillas
por no romper el hechizo.

De vez en cuando la vida
afina con el pincel:
se nos eriza la piel
y faltan palabras
para nombrar lo que ofrece
a los que saben usarla.

De vez en cuando la vida
nos gasta una broma
y nos despertamos
sin saber qué pasa,
chupando un palo sentados
sobre una calabaza.

Blog y contacto con la pintora.

http://www.alejandracaballero.com/

http://alejandracaballerosantamaria.blogspot.com/

Otros artículos de Alejandra Caballero en este  blog:

• Alejandra Caballero El inicio del viaje, Habitación de hotel  y otros cuadros.
• Alejandra Caballero. Interior. Sobre la serena soledad y el silencio.

Beyond the docks de 2009.