Os presento dos interesantes documentos que nos pueden servir como instrumentos didácticos, pese a que provengan de programas de televisión en absoluto relacionados con el arte. Los dos tienen en común la desacralización del Arte y nos han de mover a la risa y a ver lo artístico como algo menos serio. También de estos documentos se puede aprender y puede ser motivo de debate y comentario.

El primero es un reportaje de un programa vespertino, El Buscador de Tele 5, que deciden hacer un experimento sociológico en el que se demuestra que no es oro todo lo que reluce en el ARTE. Introducen en ARCO (feria del Arte contemporáneo) un lienzo pintado con las manos por 12 niños de una guardería. Se cuelga en una pared de la muestra y la reportera pregunta la opinión a los visitantes y supuestos entendidos de arte contemporáneo que visitan la feria y.... ¡no hay nadie que dude de que no se trata de la obra de un pintor consagrado! Tampoco a ninguno de los que contemplan la obra les parece disparatado que se pida por ella 15.000 euros. Toda una lección de la altura de papanatismo a la que hemos llegado entre artistas, galerías, crítica y público.

El segundo es para reírse un rato con las excentricidades de José Mota interpretando al "Cansino Histórico" en su programa La Hora de José Mota. Esta vez le ha tocado a Vicent Van Gogh, en la persona de Pablo Motos que está "clavado" en la caracterización como el pintor pelirrojo.

Lo que parece todo un reconocimiento al pintor holandés se trastoca en un instante en una serie de improperios. Hay muchos guiños y alusiones a la vida y a la obra del pintor que podemos desmenuzar en un comentario "a posteriori", es decir, cuando paremos de reír.

Deja correr la música y las imágenes.

Leonard Cohen - Darkness by leonardcohen

Show Me The Place by leonardcohen

Corren malos tiempos para la educación y para la cultura en todos los países. Estamos viviendo unos tiempos especialmente mezquinos. La economía es la prioridad y por ella se permite atentar contra lo que debería ser más sagrado de una sociedad: la educación de los jóvenes y la cultura. En Italia también corren malos tiempos, pero por lo menos allí hay personas de empaque, valientes y sensibles, que se atreven a denunciar ante las autoridades este mercantilismo al que los Estados han sometido todo. Echo de menos un gesto parecido en España, donde parece que todo nos da igual.

Os dejo el siguiente correo que me ha llegado, muy emocionante, y espero que le sirva de inspiración a alguien.

El pasado 12 de marzo, Silvio Berlusconi debió enfrentarse a la realidad. Italia festejaba el 150 aniversario de su creación y en esta ocasión se representó en Roma la ópera Nabucco, de Giuseppe Verdi, dirigida por el maestro Riccardo Muti.

Riccardo Muti dirigiendo el bis de "Va pensiero".

Nabucco evoca el episodio de la esclavitud de los judíos en Babilonia, y el famoso canto "Va pensiero" es el canto del coro de esclavos oprimidos. En Italia, este canto es un símbolo de la búsqueda de la libertad (en los años en que se escribió la ópera, Italia estaba bajo el imperio de los Habsburgo).

Antes de la representación, Gianni Alemanno, alcalde Roma, subió al escenario para pronunciar un discurso en el que denunciaba los recortes del presupuesto de cultura que estaba haciendo el Gobierno, a pesar de que Alemanno es miembro del partido gobernante y había sido ministro de Berlusconi. Esta intervención del alcalde, en presencia de Berlusconi que asistía a la representación, produjo un efecto inesperado. Ricardo Muti, director de la orquesta, declaró al "Times": "La ópera se desarrolló normalmente hasta que llegamos al famoso canto "Va pensiero". Inmediatamente sentí que el público se ponía en tensión. Hay cosas que no se pueden describir, pero que uno las siente. Era el silencio del público el que se hacía sentir hasta entonces, pero cuando empezó el "Va Pensiero", el silencio se llenó de verdadero fervor. Se podía sentir la reacción del público ante el lamento de los esclavos que cantan: "Oh patria mía, tan bella y tan perdida." Cuando el coro llegaba a su fin, el público empezó a pedir un bis, mientras gritaba "Viva Italia" y "Viva Verdi". A Muti no le suele gustar hacer un bis en mitad de una representación. Sólo en una ocasión, en la Scala de Milan, en 1986, había aceptado hacer un bis del "Va pensiero". "Yo no quería sólo hacer un bis. Tenía que haber una intención especial para hacerlo" - dijo Muti -. En un gesto teatral, Muti se dio la vuelta, miró al público y a Berlusconi a la vez, y se oyó que alguien entre el público gritó: "Larga vida a Italia!". Muti dijo entonces:

"Sí, estoy de acuerdo: "Larga vida a Italia", pero yo ya no tengo 30 años, he vivido ya mi vida como italiano y he recorrido mucho mundo. Hoy siento vergüenza de lo que sucede en mi país. Accedo, pues, a vuestra petición de un bis del "Va Pensiero". No es sólo por la dicha patriótica que siento, sino porque esta noche, cuando dirigía al Coro que cantó "Ay mi país, bello y perdido", pensé que si seguimos así vamos a matar la cultura sobre la cual se construyó la historia de Italia. En tal caso, nuestra patria, estaría de verdad "bella y perdida".

Muchos aplausos, incluidos los de los artistas en escena. Muti prosiguió.

"Yo he callado durante muchos años. Ahora deberíamos darle sentido a este canto. Les propongo que se unan al coro y que cantemos todos el "Va pensiero"

Toda la ópera de Roma se levantó. Y el coro también. Fue un momento mágico. Esa noche no fue solamente una representación de Nabucco, sino también una declaración del teatro de la capital para llamar la atención a los políticos.

En el vídeo se puede vivir ese momento mágico, lleno de emoción.

En el año 2004 el equipo del programa de radio "No somos nadie" (M80), que conforma hoy  básicamente el del  programa televisivo El Hormiguero, le dedicaban este rap a Esperanza Aguirre a raíz de unas declaraciones en las que venía a decir que "Si eres pobre para que quieres estudiar". La letra no tiene desperdicio y  está muy relacionada tanto con la temática de este blog como con el conflicto de fondo que enfrenta a los profesores de la enseñanza pública madrileña con la presidenta de la Comunidad de Madrid en el inicio del curso 2011-2012. ¿Sorprende a alguien?

Esta es la estrofa que da comienzo a la canción, que no mienten sobre la temática artística del mismo y la preocupación de nuestra presidenta.

Oye muchacho, si no quieres estudiar,
Esperanza Aguirre te va ayudar.
¿Pa´ qué quieres estudiar
el románico,
si tú lo que quieres
es ser mecánico?

Debajo os pongo el enlace original de la grabación sonora.

El rap que el equipo de "No somos nadie" (M80) dedica a Esperanza Aguirre: "Si eres pobre para que quieres estudiar"

Cuando uno pone mucha ilusión en un empeño, para él no tiene importancia el tiempo. Cuando la satisfacción proviene del trabajo bien hecho y del servicio a los demás no importan los sacrificios ni las tareas a realizar… Pero todo tiene un límite. Desde hace años el colectivo de profesores de secundaria (desconozco la situación de otros colectivos) venimos siendo maltratados por la administración. Cada vez se nos exige más y a cambio se nos recortan derechos y sueldo. Cuando llegó el primer apretón de tuerca creí que era necesario para ajustar la maquinaria; con el segundo me hizo sentir muy incómodo porque empezó a estrechar mi margen de paciencia; pero el tercero ha sido brutal, asfixiante, intolerable.

Este profesor que suscribe con 24 años de docencia a sus espaldas dice basta. Las últimas instrucciones recibidas para el comienzo de curso de 2011-2012 en la Comunidad de Madrid han sido el aldabonazo para despertar y ver que no estamos ante ajustes para mejorar la calidad de la enseñanza, sino ante un intento de acabar con lo que ha sido la Educación Pública en Madrid. Esa vuelta de tuerca ha dañado mi autoestima y hoy, sin haber comenzado el curso, me siento quemado. A ello le han seguido las declaraciones de una Consejera de Educación que no sabe de qué está hablando o que cree que su oficio es mentir con descaro y tratar al profesorado como una chusma de vagos.

Ya sé que tenemos un oficio especial, porque especial es lo que tenemos que hacer en él. Ya sé que el país anda metido en una crisis que exige el sacrificio de todos para salir de ella…, pero también sé que los profesores ya estamos haciendo todo lo posible por hacer de tripas corazón e ir capeando la crisis sin mermar la calidad de la enseñanza, pese a los continuos despropósitos de la Administración educativa. La entrega de este profesor a este oficio le ha llevado a cumplir más allá de las 37,5 horas semanales de trabajo; ya que, hasta ahora, además de mis clases directas con alumnos (18 horas) y el cumplimiento de guardias, reuniones, tutorías, bibliotecas y demás tiempo que paso en el centro (siempre por encima de las 25 horas semanales que dice la ley), dedico horas incontables de mis tardes para preparar clases y materiales, corregir ejercicios, exámenes y trabajos y llevar abierto tres blogs que ayuden a mis alumnos, como sabe todo aquel que me conoce personalmente o me sigue en la red. Ese último trabajo nunca ha sido recompensado por la administración, ni económicamente, ni como tiempo no lectivo, ni siquiera anímicamente. La única satisfacción ha sido que mis alumnos tuvieran una mejor preparación. Me duele que una señora arrogante e ignorante, que no sabe el trabajo que le dedico a la educación, me desprecie de esa manera y encima que me haga parecer a mí o mis compañeros como insolidarios y vagos y, poco menos, como los culpables de un fracaso educativo que ellos con sus leyes e instrucciones, a cual peor, han ido degradando desde décadas acá. Me duele que se diga que no queremos trabajar dos horas más, cuando yo trabajo gustosamente cuatro y veinte si hace falta, con tal de que eso sea por la mejora de la educación. Pero lo que ocultan esas declaraciones es que por cada dos horas de más que asumen 9 profesores (18 horas totales) se manda al paro a otro profesor. En concreto se calculan que 3000 compañeros interinos, que hasta ahora han trabajado codo con codo con nosotros, irán al paro (la señora consejera dice que no habrá despidos, porque no serán contratados). Esta brutal reducción de plantilla provocará con toda probabilidad un preocupante deterioro en la calidad de la enseñanza pública ¿o es calidad educativa que aumente el número de alumnos por aula? ¿Es calidad educativa que si el curso pasado impartiera mis clases a 120 alumnos, este año tenga que hacerlo a 160 o a saber? ¿Es calidad educativa que los alumnos tengan que prescindir de desdobles en idiomas, de refuerzos en lengua y matemáticas, de laboratorios…? ¿Es calidad educativa que los profesores tengan que asumir materias de las que no son especialistas y los alumnos aguantarse porque no hay voluntad de contratar profesorado suficiente y adecuado? ¿Es calidad educativa que los alumnos no puedan tener tutorías? ¿Es calidad educativa prescindir de los profesores de compensatoria?

Estoy quemado por la incompetencia de la Administración y por el escaso apoyo que recibimos de la sociedad, que se ha creído los mensajes que van lanzando políticas como Lucía Figar y Esperanza Aguirre, así como por la mayoría de los medios de comunicación que sólo hacen seguidismo de las consignas que vienen de arriba. El plan está claro, desmotivemos a aquellos que todavía creen posible una enseñanza pública de calidad y que nos den argumentos para echarle el cierre o marginarla más. Si la sociedad no reacciona, van camino de conseguirlo, porque éste que ha combatido siempre por dar calidad en su trabajo está a punto de tirar la toalla y asumir el papel que me otorgan de trabajador que cumple su horario y una vez fuera de él no quiere saber nada más durante el resto del día. No quisiera que esto fuera así y lucharé con la huelga, o con lo que se decida en el colectivo, para que no sea.

De momento, como medida unipersonal de protesta, tomo la decisión de dar por difuntos dos de mi blogs: el de Geografía y el de Historia de España. En breve sacaré una esquela que lo atestigüe. El del Arte lo mantendré a medio gas y con sólo los artículos que me interesen, los que me dan satisfacción personal, pero que no necesariamente tienen que ver con el devenir académico. Lo siento por alumnos y seguidores pero me he cansado de hacer el tonto y ahora pienso vivir mejor... como un político.

Si sois seguidores de este blog, seguro que ya sabréis que Lawrence Alma Tadema es un pintor que admiro y que he reivindicado en algunos artículos. He hablado de sus primeros pasos en la pintura y  de su etapa en Inglaterra ya como pintor consagrado, o de su inspiración en la escultura grecorromana, además de utilizar algunos de sus cuadros para juegos o ilustraciones. Hoy quiero dedicarle un artículo a dos cuadros que han sido noticia en el último año y que han puesto en valor la obra de este artista. En concreto son: El Encuentro de Antonio y Cleopatra: año 41 a. C. (1883) y El hallazgo de Moisés (1904). Nunca mejor dicho lo de valor, puesto que ambos han sido subastados recientemente en Sotheby´s (mayo de 2011 y noviembre de 2010, respectivamente) alcanzando una cotización mareante. En los dos casos el precio de salida fueron de 3 a 5 millones de dólares y después de una puja muy competida se pagó por el primero 29,2 millones y por el segundo ¡35,9 millones de dólares! Un record en subasta para una pintura del siglo XIX no impresionista.

El Encuentro de Antonio y Cleopatra: año 41 a. C. (1883) y El hallazgo de Moisés (1904).

La historia de El hallazgo de Moisés, 1904. El valor de un cuadro.

El precio monetario de una obra es un índice del valor de la misma, aunque como siempre digo algo vale lo que estés dispuesto a pagar por ello y este cuadro es buen  ejemplo de la valoración histórica que ha tenido este artista y de lo relativo que es el valor de una obra.

El hallazgo de Moisés, que ya hemos dicho fue vendido en noviembre de 2010 por 35,9 millones de dólares, fue encargado por John Aird en 1904 y pagó por él  5.250 libras, algo más de lo habitual porque se empeñó en que la modelo de la hija del faraón fuera su propia hija. No le costó más caro porque entre Tadema y él existía una amistad y, en cierta manera, porque él también contribuyó a la creación del cuadro. Aird era ingeniero y en 1902 terminó de construir su obra más importante, la primera presa de Assuam. Con motivo de la inauguración invitó a su amigo Alma-Tadema a Egipto. De este viaje salió la idea del cuadro y, por supuesto, la luz desbordante y el ambiente recreado. John Aird era un amante de la pintura inglesa del XIX, que ya poseía por esas fechas otro cuadro muy significativo de Tadema, Las Rosas de Heliogábalo, y una buena colección de cuadros de pintores tan reconocidos y cotizados a comienzos de siglo XX como Leighton, Poynter, Dicksee y Waterhouse.  Apenas treinta años después (1935), sus descendientes no apreciaban la obra y la mal vendieron a Christie´s por sólo 820 libras.

Alma Tadema. Las rosas de Heliogábalo, 1888. Un cuadro que necesariamente hay que poner en relación con los dos analizados.

Durante muchos años se perdió la pista del cuadro y corre una leyenda de que un estudioso lo encontró tirado en un callejón, porque había sido adquirido por alguien que sólo quería el marco y que se deshizo del óleo de esa manera. El caso es que en la década de los 60 volvió a estar en el mercado y que fue adquirido a precio de ganga, 7000 dólares,  por Allan Funt, productor de televisión y otro coleccionista de Tadema que llegó a tener hasta 32 obras de este pintor. En 1973 un Funt, arruinado y desesperado, puso a la venta toda su colección y obtuvo por El Hallazgo 50.000 dólares. A partir de entonces, empezó a subir en los mercados la consideración y la cotización de la pintura del XIX. En 1995 fue revendido en Christi´s por 2.750.000 dólares, el precio más alto pagado hasta ese momento por una pintura de esta época, lo que ha sido pulverizado 15 años más tarde en Sotheby´s por los 35.922.500 dólares, más de siete veces de la estimación de partida de la subasta, que se pagaron por el mismo cuadro. ¿Hay alguna lógica para que este cuadro no valiera nada entre los años 20 a los 60 y  que medio siglo después cueste una fortuna?

Pero ya está bien de hablar de dinero y hablemos de arte.

El hallazgo de Moisés. Análisis de la obra.

El hallazgo de Moisés es sin duda una de las obras maestras de Alma-Tadema, realizada entre 1902 y 1904, fecha ésta que podemos considerar el momento cumbre de su carrera. El reconocimiento del pintor en Gran Bretaña era incuestionable, el mismo rey Eduardo VII, que había visitado su taller, le otorgó ese año la prestigiosa  Orden del Mérito junto a Holman Hunt y a G. F. Watts. También expuso con gran éxito en Estados Unidos.

Alma-Tadema. El hallazgo de Moisés, 1904. Óleo sobre lienzo, 137,7 x 213,4 cm.

El lienzo cuenta un tema narrado en la Biblia, aunque en este caso con muchas licencias pictóricas del pintor. Según el Exodo, 2:6 la hija del faraón encuentra a un niño entre los juncos de la orilla del Nilo. Ese niño era Moisés, hijo de una familia judía que lo abandonó allí para evitar la muerte ordenada de todos los varones recién nacidos de este pueblo. La hija del faraón decidió, contraviniendo la norma adoptarlo como su hijo. Pero..., qué tenemos en el cuadro, que la hija del faraón exhibe al niño y convierte el descubrimiento en una procesión religiosa, donde recrear una escenografía teatral muy a su gusto. Este es finalmente su atractivo, la fascinación por una escena bella y colorista. Si la obra nos resulta familiar es porque esta imagen impregnó el universo icónico de algunos directores de las superproducciones de Hollywood de tema egipcio, en concreto me recuerda a momentos de Los Diez Mandamientos de Cecil B. DeMille.

La actriz Anne Baxter. Escenas de la película "Los diez mandamientos" de Cecil B. DeMille (1956)

La interpretación fantasiosa que hace del hecho se compensa con detalles arqueológicos y de ambientación que hacen muy creíble la escena y parece que asistimos  a una escena de la princesa entrando en los jardines de su palacio..

• Los pies de la escultura o el jarrón que enmarcan la composición tienen la inscripción jeroglífica en cartucho de Ramses II, lo que identifica el momento histórico.
• La hija del faraón es llevada en una litera, tal como se representaba a los dioses conducidos en procesión por los sacerotes en la pintura egipcia.
• El escabel bajo sus pies está adornado con imágenes de enemigos vencidos, como es habitual en el mobiliario real.
• Las vestimentas y los objetos y adornos son adecuados.
• Los lotos que cuelgan de la canastilla y las flores azules (delfinios) y frutas (higos) están inspirados en la vegetación del Nilo.

La escena se desarrolla al aire libre en una mañana entre luminosa al fondo y brumosa en primer plano junto al río.  En la otra orilla una multitud se afana acarreando jarrones que llenan con el agua del río. Un templo y las pirámides de Gizeh terminan por ubicarnos la escena en Menfis.

Rasgo muy típico de la obra de Tadema es la yuxtaposición que hace de la belleza femenina. En muchos de sus cuadros busca contraponer una modelo pelirroja y otra morena, que en este caso portan al niño. Los servidores masculinos son de tez oscura, lo que contrasta con la piel blanca de las mujeres, respetando el simbolismo del color utilizado en la representación de los sexos en el Antiguo Egipto. También es muy típico del pintor el recrearse en la calidad de la materia pétrea: en los cuadros con temas romanos o griegos impresionan sus mármoles, pero en esta ocasión, para adaptarse a la realidad arqueológica, se recrea en el granito de colores y la caliza.

El Encuentro de Antonio y Cleopatra: año 41 a. C., 1883.

Entre 1883 y 1888 Alma-Tadema centró su atención en grandes lienzos que pudieran venderse a precios elevados. Se estaba construyendo una casa en uno de los mejores barrios de Londres y los trabajos estaban resultando bastante caros. Para la mayoría de estas obras eligió temas históricos y El Encuentro de Antonio y Cleopatra es tal vez el mejor de ellos.

Encuentro de Antonio y Cleopatra: año 41 a. C., 1883. Óleo sobre tabla, 65,5 x 92,3 cm.

Representa uno de los momentos más icónicos de la historia romano-egipcia, el primer encuentro de Antonio y Cleopatra en el puerto de Tarso, Cilicia. Para ello no recurre a los textos clásicos y sí como hacían los prerrafaelistas a la descripción literaria que hace Enobarbo, oficial que acompaña a Antonio, del encuentro en la obra Antonio y Cleopatra de Shakespeare. La reina de Egipto seduce al triunviro romano por medio de una escenografía muy sensual. En el relato se dice que la popa del barco era como el oro y esa es la sensación que da con los cortinajes dorados; también que de la barcaza de Cleopatra provenía un perfume embriagador y esto se sugiere al espectador a través de los incensarios que soplan los sirvientes y de las guirnaldas de rosas.

La escena está repleta de detalles arqueológicos veraces, de hecho, se sabe la procedencia de donde sacó algunos de ellos por fotografías y bocetos que se conservan del archivo del pintor:

• Las armas, las armaduras y los trirremes romanos son una de las más acertadas reconstrucciones del material y los usos militares de finales de la República.
• En costado del barco hay un cartucho donde está inscrito el nombre jeroglífico de la reina Cleopatra.
• Los instrumentos musicales, la flauta y el sistro (especie de sonajero) que portan las esclavas, son representados en numerosos convites funerarios de las tumbas tebanas;
• Los adornos de las criadas con pluma de avestruz y lapislázuli.
• Los incensarios, brazaletes y  pelucas de los sirvientes provienen de los tesoros del Louvre obtenidas en excavaciones del Egipto romano;

• El trono de marfil tiene como detalle a unos babuinos que sostiene el popular amuleto o wedjet de Horus que protege contra el mal.
• Cleopatra viste con gasas y una piel de leopardo y porta unos finísimos báculos y mayales, símbolos del poder de los faraones de Egipto, así como una diadema con el Ureus en forma de Cobra que simboliza su poder en el Bajo Egipto.

Alma-Tadema elige para representar un momento sutil del encuentro de los que serán famosos amantes. Antonio todavía no conoce a Cleopatra, pero ha oído hablar de ella y desprecia el poder magnético que ha causado en otros romanos. La ha convocado a Tarso para que se presente ante él como aliada tributaria de Roma y porque necesita su ayuda tras la guerra civil que ha sacudido a Roma. Cleopatra, que considera esto indigno para ella y para su reino, acude a regañadientes porque necesita a los romanos para estabilizar su trono pero pone como condición no desembarcar, considerando que estando en su nave, la entrevista se desarrollaría en tierra de Egipto. Por el camino Cleopatra urde un plan para servirse del arrogante romano. Antonio navega hasta la barcaza del encuentro y según se acerca va quedando más impresionado por el lujo de la barcaza, tal es así, que  se levanta para mirar con asombro y curiosidad a la reina que apenas se deja ver en el interior del baldaquino.

La reina mira de reojo al espectador para hacernos cómplices de este juego de seducción y adopta una pose de lánguida y voluptuosa. Algunos detalles del cubículo son un guiño acerca de lo que pretende. El más explícito es el bordado de la cortina con  motivos de tela de araña, una metáfora de lo que pretende Cleopatra: atrapar a Antonio. También los hay más intelectuales como el detalle de la cabeza/capitel que sostiene la estructura, que es del dios Bes, dios de la música y protector de la casa real, pero a su vez asimilado en la Baja Época egipcia con el amor sexual y los placeres libertinos. La seducción está conseguida y Antonio caerá en su tela de araña, marchando con ella a Alejandría donde llevará una vida escandalosa de placeres.

Además de por las calidades técnicas evidentes, este cuadro me sorprende y agrada sobremanera por el interesante juego compositivo que realiza entre primeros, segundos y terceros planos, perspectiva y luz. Utiliza las líneas para guiarnos a través de la escena, dejando que cada detalle nos guíe al siguiente nivel y otra vez volvamos para atrás. Los sirvientes, que son los personajes más cercanos, están inclinados hacia Cleopatra, que recoge sinuosamente el foco de atención del primer plano. La mirada de su sirvienta nubia nos guía con ayuda de la falúa romana hacia el lado opuesto, donde rebota nuestra vista contra el muro de remos. Las diagonales de la trirreme nos introducen de nuevo en la ventana interior del cuadro donde Antonio y su acompañante son los protagonistas del segundo plano. Espero que con la línea que he trazado sobre el cuadro se entienda. La luz y las gamas de colores también sirven para entrar y salir o acercarnos y alejarnos en el cuadro, consiguiendo un efecto muy cinematográfico.

Os presento la plasmación de un ejercicio de clase que mandé para la asignatura de Historia de España de 2º de Bachillerato. Pedí a mis alumnos que realizaran cuatro mapas reflejando los acontecimientos más importantes que tuvieron lugar durante cada uno de los años de la Guerra Civil, pero les di libertad para presentarlo como quisieran.

Detalle de1939. Guera Civil. Madrid-Valencia, por Elisa Rodríguez.

Los hubo muy simples y muy historiados, pero también los hubo artísticos. He destacado éste de la alumna Elisa Rodríguez porque me parece que tuvo una idea muy interesante al combinar el rigor histórico con la expresión artística. Se le ocurrió recrearse en una libre interpretación del cuadro del Guernika de P. Picasso para ir representando como en un tapiz desgarrado el territorio que dominaba la República durante estos años. No hay obra mejor que represente el drama de nuestra Guerra; aún así, para aumentar la sensación de angustia decidió introducir unas líneas ondulantes que recuerdan los cielos y los mares de El Grito de E. Munch. El trabajo final merecía ser publicado en este blog de arte.

Para acentuar el patetismo y recrearnos en las imágenes me he permitido duplicarlas e invertir los colores, así como destacar algunos detalles y titularlos. El resultado es este Slide que aquí podéis ver y que espero apreciéis como experiencia a caballo entre dos asignaturas. Se puede ver a pantalla completa.

Leyendo el Episodio Nacional de Benito Pérez Galdós "El equipaje del rey José" se me ocurrió que podría escribir un artículo que sirviera para entender una de las consecuencias más calamitosas de la conocida en España como Guerra de la Independencia y en el mundo anglosajón como Peninsular War (1808-1813).

Se suele conocer la relación entre Arte e Historia de estos momentos a través de algunas de las mejores obras de Goya que nos reflejan con crudeza los desatres morales y humanos de la Guerra. Sus óleos (El 2 de Mayo y Los fusilamientos del 3 de Mayo en Madrid, 1814) y sus grabados (Los desastres de la Guerra, 1810-15) son el doloroso testimonio de esta guerra. Son tan expresionistas que no dejan a nadie indiferente. También  en estos años el artista realizó los excelentes retratos de algunos de sus protagonistas (Palafox, Lord Wellington, Juan Martín "El Empecinado").

Francisco de Goya. Los fusilamientos del 3 de Mayo en Madrid, 1814.

Sin embargo, son menos conocidas las pérdidas artísticas sufridas por las destrucciones o por los expolios de estos años, que es a lo que vamos a dedicar este artículo. Para un exhaustivo estudio sobre la destrucción del patrimonio español en la época contemporánea consúltese la obra de Francisco Fernández Pardo "Dispersión y destrucción del patrimonio artístico español".

La ocupación francesa y la destrucción del patrimonio.

La ocupación de los franceses y el gobierno de José I Bonaparte fue quiza el periodo de la Historia de España en el que se produjo un mayor saqueo y destrucción del patrimonio histórico y artístico. La destrucción por motivo de los asedios o de las represalias afectó notablemente al patrimonio arquitectónico y figurativo, pero también al documental y sentimental. Muchos edificios (iglesias, monasterios, palacios) fueron demolidos por formar parte del sistema defensivo de las ciudades como Zaragoza, Gerona, Cádiz, Alicante, Salamanca, Burgos...,pero otros fueron saqueados e incendiados sin más por vandalismo o por venganza. Algunos nunca fueron recuperados y otros por su valor artístico fueron reconstruidos entre los siglos XIX y XX. Valga como ejemplo el monasterio de San Juan de los Reyes de Toledo, joya del Gótico isabelino, cuya biblioteca, dos claustros e iglesia fueron incendiados y muchas de sus esculturas decapitadas en diciembre de 1808 por el ejército francés. La imagen de abajo, dibujada por Francisco Javier Parcerisa hacia mediados del siglo XIX , nos muestra todavía el claustro derruido como consecuencia de aquellos hechos.

El expolio más documentado es el saqueo pictórico, al menos el realizado a gran escala por los generales franceses y por el propio José I. Conocemos muchos de sus robos porque no hicieron nada por ocultarlos y l y porque tarde o temprano se comercializaron a través de marchantes, pinacotecas y colecciones particulares.

El robo particular: los marchantes y los generales franceses.

Desde antes del dos de  mayo de 1808 ya pululaban por España algunos individuos como el marchante Juan-Baptiste-Pierre Le Brun que, sacando partido del desorden nacional, habían comenzado a adquirir obras de arte a buen precio y a sustraerlas del país a escondidas. Pero comenzada la Guerra el expolio fue a gran escala.

Uno de los personajes que más destacaron por la avidez fue el mariscal Soult, quien a su paso ordenaba a las iglesias y comunidades que "le regalaran" los mejores cuadros. No muy atrás se quedaron los general Mathieu de Faviers, Lapereyre, D´Armagnac, Desollè y Sebastiani. Se calcula que sólo de los conventos e iglesias de Sevilla se llevaron más de 180 cuadros de primeros maestros españoles, entre los que destaca la rapiña que hicieron de los Murillos, tal vez porque sabían que eran más cotizados que otros artistas. La calidad de los cuadros sustraídos y su diáspora posterior es impresionante. Aquí señalamos algunos de la colección que atesoró Soult y que sus descendientes vendieron y hoy se reparten por todo el mundo:

• Del Convento de San Francisco, “El alma de Felipe II sube al cielo”, hoy en Williamstown (Massachusetts); “La cocina de los ángeles” y “Fray Junípero y el pobre”, en el Louvre (Paris);

Murillo, La cocina de los ángeles, Louvre.

• De la Merced Calzada, “La huida a Egipto”, hoy en Génova y “La Resurrección”, recuperado en 1.814 para la Real Academia de San Fernando;
• De la Catedral de Sevilla, “El Nacimiento de la Virgen”, hoy en el Louvre;
• De la iglesia de Santa María la Blanca, “Triunfo de la Inmaculada”, también  hoy en el Louvre ;
• Del Hospital de los Venerables Sacerdotes , “San Pedro arrepentido”, hoy en Newick; “El Niño Jesús repartiendo pan a los peregrinos”, en Budapest y “La Inmaculada Concepción”, recuperado para el Museo del Prado en 1.941;

Murillo, La inmaculada Concepción de los Venerables o de Soult.

• del Hospital de la Caridad, “San Pedro libertado por un ángel”,  en el Ermitage de San Petersburgo; “La curación del paralítico” en la National Gallery de Londres; “La vuelta del hijo pródigo”, en Washington; “Abraham y los tres ángeles”, en Ottawa.

Murat, en cambio, despreció los cuadros de los pintores españoles y prefirió quedarse con todos los que pudo de los maestros italiano y flamencos. En septiembre de 1808 saqueó el palacio de Aranjuez de Godoy y robó sus cuadros. En ningún caso lo que impulsó a su robo fue el "amor por el arte", sino el hacer fortuna con su venta.

No sólo fue el lucro lo que animó a la destrucción, sino también la incultura y el desprecio por todo lo que fuera del enemigo. Se dio el caso que los soldados del general Lejeune, acampados en los alrededores de Zaragoza, hicieron improvisadas tiendas de campaña para protegerse de la lluvia y el frío con los lienzos de las iglesias y conventos que habían saqueado. En otros casos fueron puertas, vigas y toda clase de objetos de madera, incluidas las estatuas, las que fueron utilizadas para hacer fuegos con las que calentarse.

El robo institucional del Estado francés y de José I.

Pero si el botín de los generales causó estragos, la rapiña oficial no le fue a la zaga. El 20 de diciembre de 1809 se publicó el Real decreto fundacional del Museo de Madrid, que fue una simple excusa para expropiar y recopilar un gran número de pinturas. Inicialmente se argumentó que el museo jesefino tenía como misión salvarlas estas obras del saqueo, pero posteriormente se convirtió en un proyecto para ser enviadas finalmente al Louvre en Francia. Napoleón quería potenciar los fondos del museo con las principales obras de aquellos países que invadió.

Couder. Napoleón visita el Museo de Louvre, 1833.

Se formaron comisiones regionales de requisa dirigidas por Frederic Quilliet con el fin de localizar las obras más importantes guardadas en monasterios exclaustrados, edificios públicos y palacios reales. Para ello utilizaron como guía el Diccionario histórico de las Bellas Artes en España de Ceán Bermudez, publicado en 1800. El número de cuadros requisados en Madrid sobrepasó el millar y medio y fueron acumulados en malas condiciones en los conventos del Rosario y de San Francisco. En el Alcázar de Sevilla se reunieron un millar de toda Andalucía. El deterioro por humedades y mal almacenamiento en estos depósitos y los robos que sufrieron por el mismo Quilliet y su camarilla (Maignien, Napoli y el marchante inglés G. A. Wallis)  fue tan flagrante que fue denunciado en 1810 y el comisario fue apartado de su puesto. Finalmente sólo 300 de elllos, no los mejores, fueron enviados a París  junto con El Tesoro del Delfín en mayo de 1813. Bien es cierto que estos cuadros y objetos serían devueltos a partir de 1816 cumpliendo con lo acordado en el Congreso de Viena. Del resto algunos se esfumaron, como los centenares sacados de San Lorenzo de El Escorial de los que sólo se recuperaron una veintena, y otros componen la base de nuestro Museo del Prado actual.

Salero hecho en ónice y oro. Incrustaciones de rubíes y diamantes. Una de las piezas del Tesoro del Delfín, hoy en el Museo del Prado.

José Bonaparte tampoco se marchó con las manos vacías. En su retirada de1813 hacia Francia llevaba consigo  1500 carruajes cargados con oro, monedas, joyas, plata, seda, orfebrería, plantas rarísimas del jardín botánico, colecciones de minerales y, en fin, cuadros de las colecciones reales de los palacios cercanos a Madrid. El ejército francés fue interceptado por las tropas anglo-luso-españolas al mando de Arthur Wellesley, duque de Wellington el 21 de junio a la altura de la ciudad de Vitoria.

La victoria de los aliados sentenció la guerra y puso al descubierto el botín que se llevaba José Bonaparte. La joyería y la plata fue hecha desaparecer por los soldados durante la noche. La parte del convoy que contenía los grandes cuadros y las esculturas se salvó de la rapiña por haber salido doce horas antes que los demás carros con el general Maucune. Muchos de ellos llegarían a Francia y serían devueltos en los años siguientes. Otra parte acabó en manos del propio duque de Wellington, el gran héroe de la jornada, que sin desembalar los bártulos los remitió a Inglaterra. Allí, su hermano, lord Marlborough, le escribió poco después: "He abierto los paquetes tomados en Vitoria y los he enviado a su casa para que fueran cuidadosamente examinados, habiendo encontrado que contienen una colección de pinturas como usted no puede concebir... Le envío un catálogo de 165 de las pinturas más valiosas."

Velázquez. El aguador de Sevilla. Museo Wellington, Londres.

La lista la componían cuadros procedentes del Palacio Real de Madrid, del Palacio de Aranjuez y del Palacio de la Granja de San Ildefonso de pintores como Teniers, Brueghel, Van Dyck, Rubens, Tiziano, Guido Renni, Corregio, Ribera, Claudio Coello, y Murillo. Entre ellos destacaban tres de Velázquez El aguador de Sevilla, Dos jóvenes comiendo en una mesa humilde y Retrato de caballero.

Asombrado, el duque de Wellington consideró que había que devolver aquel tesoro y así lo propuso en 1814 a Fernando VII cuando fue repuesto como rey de España. El rey de forma estúpida le respondió que se quedara las pinturas, "que habían venido  a su posesión por medios tan justos como honorables". El duque no rehusó el regalo y colgó las pinturas en su residencia, el palacio de Apsley House en Londres, donde hoy en día se conservan como parte fundamental de la pinacoteca del Museo Wellington.