Eric Fischl en su estudio delante del boceto preparatorio del retrato de "Los Price", 2008.

Influencias

El estilo de Fischl bebe directamente en las fuentes de la pintura realista americana y europea del siglo XX. En su obra podemos encontrar, fundamentalmente, las siguientes influencias o inspiraciones.

• En sus inicios su figuración y temática está más cercana al pintor polaco-francés Balthus con el que puede compararse en sus inquietantes escenas eróticas de adolescentes.
• En los años posteriores está más en la línea de Lucien Freud, pintor británico, al que recuerda en sus desnudos maduros, en absoluto idealizados , y en los retratos tendentes a una caricaturización expresionista.
• Se le suele hacer deudor de su compatriota Edward Hopper, porque a veces se inspira en él para aquellas escenas en las que se requiere una iluminación de interior  y  para crear atmósferas de intimidad. Sin embargo,  en Fischl pone mucha carga sexual explícita en sus personajes y menos ensimismamiento introspectivo.
• También se le relaciona con los fotorrealistas e hiperrealistas americanos de los sesenta como Richard Estes, evidentemente por el uso que hace de la fotografía para elaborar sus cuadros y composiciones. Pero Fischl usa la fotografía como un medio no para conseguir una calidad de su pintura que dé apariencia de realidad, sino para captar el instante, el gesto o la composición. En esto se parece más a los impresionistas.

Descubre quién es quién. Tres obras de Fischl y tres de Balthus, Freud y Hopper

Los mundanos impresionistas me parecen más cercanos a su obra  que algunos de los anteriores. Con ellos tiene en común su obsesión por captar el instante y el momento lumínico. Otros puntos de contacto son la cotidianeidad de sus temas y las composiciones fotográficas. Fischl declara una admiración especial por Manet, tal vez porque se considere como el pintor del XIX un escandaloso revulsivo para la sociedad en que vivieron. El desayuno en la Hierba u Olimpia causaron un impacto en Francia parecido al que provocó su Bad Boy en Estados Unidos. No obstante,  en el conjunto total de su obra haya tal vez más de Degás y de Renoir.

Más remotamente, en sus caudros hay mucho de los pintores barrocos italianos, especialmente de Caravaggio del que admira el tenebrismo y el naturalismo. Su visita a Roma en 1996 le confirmó que su obra debía tener el sentimiento y la tensión dramática que supieron darle los grandes del Barroco. En su lista de pintores preferidos también están Velázquez y Goya.

En definitiva es un pintor postmoderno que se siente a gusto con los clásicos y con los pintores figurativos más cercanos a los que reinterpreta y de los que se sirve para crear su propio estilo.

La obra escultórica.

A mediados de la década de los 90 Fischl empezó a realizar esculturas como instrumento preparatorio para visualizar en tres dimensiones sus figuras pasadas a lienzo. Decisiva fue su visita a la ciudad de Roma en 1996 en las que realizó numerosos apuntes y luego óleos de las obras más importantes de Bernini, de Miguel Ángel y de los escultores helenísticos griegos (serie Roma). Este fue el detonante necesario para dar el paso al trabajo en serio con el bronce. Comprendió que este arte le permitía expresar mucho más profundamente sus sentimientos y emociones. Rodin también le dejó una profunda huella.

The Offspring of a Murderous Love. Roma, 1996. Óleo.

Sin título. 1997. Entre el Boxeador del Quirinal y Apolo, el desollador de Marsias.

Su primer trabajo importante en este campo es relativamente reciente. Después de los estudios preparatorios y ensayos de finales de los 90, le llegó un gran proyecto en el año 2000, la escultura del Memorial al tenista Arthur Ashe en el estadio de Flushing Meadows (Nueva York). En esta obra, titulada "Soul in flight", se compendian las enseñanzas obtenidas de los grandes maestros de la antigüedad y del siglo XIX. Fischl quiso crear un modelo épico y atemporal que enlazase la escultura contemporánea con la de los kuroi griegos, de ahí la necesidad de representar a Ashe desnudo y en el acto de sacar, pero sin raqueta. El bronce no aparece detallado, incluso tiene la apariencia de inacabado, pero a su vez es plenamente dinámico y expresivo. La postura recuerda a la del  Gladiador Borghese.

Soul in flight. 2000. Flushing Meadows (Nueva York).

Su obra más conocida y controvertida ha sido la "Mujer cayendo", que representa a una de las víctimas de las Torres Gemelas en caída libre desde el edificio. No es de extrañar la susceptibilidad que generó la obra al realizarse en 2001, el mismo año del atentado. A mi juicio, es tal vez oportunista y precipitado, pero no trata el suceso con banalidad, sino que intenta hacer comprensible el horror y la angustia de las vícitmas en esas horas trágicas. El espejo temático en el que se miró para conseguir la intensidad de estos sentimientos fue Los burgueses de Calais de Rodin, otra historia dramática que concentra en los cuerpos y en loss rostros las emociones de los condenados a muerte. Fischl quiso llegar al espectador a través del dolor y hacerle partícipe de lo vulnerable que es el ser humano.

Tumbling woman, 2001. Mujer cayendo.

La escultura que ha realizado desde el año 2000 se ha exhibido con el título "Ten Breaths" en la Galería Mary Boone de Nueva York a finales del 2008. También ha estado itinerante por Europa, en Hannover (Alemania) y en París, de donde se ha obtenido el vídeo en la Galería Daniel Templon. En esta serie, además de Mujer cayendo, también se expone El Buen Samaritano, que recuerda a la Piedad Rondanini de Miguel Ángel, y el conjunto de The Congress of Wits.

La escuela. The New York Academy of Arts.

Eric Fischl ha creado escuela en estos 40 años como artista. Su pasado como profesor de pintura entre 1974 y 1978 en el Nova Scotia College of Art and Design de Halifax (Canadá) le dejó buen regusto y por ello no es extraño que colabore con la New York Academy of Arts. Esta institución es muy diferente a la californiana en la que estudió, se podría decir que está en el polo opuesto, puesto que aquí la base educativa es tradicional, como podemos ver en las imágenes de abajo. Fue fundada en 1982 para que todo aquel que quisiera estudiar en ella pudiese adquirir las herramientas de anatomía, de historia del arte y de técnica escultórica, pictórica y dibujística que recibieron los grandes maestros del pasado.

De los artistas que han salido de esta institución y que tienen en Fischl un modelo a seguir destacaría a Jacob Collins y a Aaron Board, a los que os animo a seguir. Collins además de desnudos tiene unos paisajes bellísimos y también se ha especializado en bodegones e interiores en penumbra. Board es un pintor más joven, que está empezando a desarrollar su estilo y apunta maneras.

Jacob Collins. Anna and Arturo, 2006

Aaron Board. The Ill Astrayter. 2005 .

Página web

Autor: Pablo Picasso.

Título: Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912.

Estilo: entre el cubismo analítico y el cubismo sintético.

Técnica, soporte y dimensiones: collage de óleo, hule y pastel sobre tela, 27 x 35 cm.

Localización: París, Museo Picasso.

El cuadro que vamos a comentar es un bodegón realizado por Picasso, que anuncia el final del estilo que conocemos como cubismo analítico y los primeros pasos en la etapa sintética. Además es la primera exploración en serio del artista en el collage.

Descripción formal.

La primera impresión al mirar esta obra es de confusión.

• Podría ser un típico cuadro analítico donde los objetos aparecen descompuestos en multitud de facetas. Hay una parte que así está tratada reconociéndose algunos objetos diseñados en el ya consolidado lenguaje cubista de representarlos desde varios puntos de vista: una copa de cristal, una boquilla de pipa, un periódico, una rodaja de limón... Pero en la parte inferior izquierda  tenemos el trenzado de rejilla de una silla perfectamente detallada y definida.
• Los colores son austeros como todos los de la serie analítica, en tonos pardos para no distraer al espectador en la reconstrucción mental de los objetos.
• Aparecen signos tipográficos. Se puede leer las letra "JOU", inicio de "Journal". Este hecho resulta novedoso puesto que su existencia no funciona como símbolo o testimonio del objeto, como en otras ocasiones lo utiliza Picasso. El artista utiliza las letras como un efecto más para equivocar a los ojos del espectador. La "U" incluso parece sobrevolar la imagen al salir del periódico.
• El formato es ovalado, no muy usual en la obra de Picasso. La forma no es casual: crea un campo visual concentrado y al mismo tiempo asemeja a un espejo que refleja unos objetos depositados en una silla.

Juego visual con el cuadro.

Si nos acercamos un poco más descubrimos más elementos extraños.

• El marco es una cuerda de cáñamo elegida por el pintor en su creación. El pintor ha querido intervenir hasta en el espacio circundante del lienzo y romper hasta en esto con la tradición.
• El óleo ocupa la zona superior, pero la zona inferior, la de la rejilla,... es un hule. Braque y Picasso ya habían incorporado papeles, periódicos o cartones pegados en otras obras cubistas, pero por primera vez se introduce el material plástico estampado. Para integrar este material en el cuadro el pintor ha camuflado los bordes y ha manchado con trazos de pintura la superficie lisa del hule. El resultado es que hasta que no estamos encima no descubrimos la existencia del propio collage.

Trascendencia de la obra.

La combinación del pla no grande y las facetas resulta chocante y muy expresiva, abriendo la puerta a nuevas posibilidades del cubismo que indagará Picasso en los siguientes años ya con el nombre de sintético.

El juego con óleo y materiales de la vida cotidiana convertidos en objetos artísticos, también será de gran repercusión en otros movimientos y artistas del siglo XX. Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo, Abstracción Matérica, Arte Povera... aprovecharán este descubrimiento en sus futuras esculturas-pinturas, cuadros-objetos y ensamblajes.

Los manchas en diagonal sobre el plástico, junto con  los trazos oblicuos y las facetas de los objetos, crean un  efecto dinámico,  como si éstos se movieran. Tal descubrimiento ya había sido utilizado por Marcel Duchamp en Desnudo bajando por una escalera de diciembre de 1911.

Es difícil resumir cuarenta años de creación en un artículo del blog. Mi intención inicial era dedicarle sólo un artículo, pero habiendo aprendido tanto de su obra y comprobando que existía un vacío grande de este artista en páginas en español he decidido sacar una segunda parte.

En este primer artículo trataré de sus orígenes como pintor y de como se labró un estilo muy definido a partir de los 90, que hace que le incluya en ese cajón de sastre que es el término postmodernidad. En un segundo artículo profundizaré en las influencias artísticas en las que bebe su obra y trataré con un cierto detenimiento la faceta escultórica, a mi juicio aún tan destacable como la pictórica.

Eric Fischl a mediados de los 80.

• Ficha técnica.

Eric Fischl (1948, Nueva York)

Estilo: Postmodernismo. Neoexpresionismo americano o bad painting.

Técnica. Pintor al óleo y a la acuarela, fotógrafo, dibujante y escultor.

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Juventud y formación. Los años 80.

Pasó su infancia y juventud entre los suburbios de Long Island (Nueva York) y Phoenix (Arizona). En su familia se  aparentaba una felicidad exterior, mientras  internamente vivía su propio drama.

Tras iniciar sus primeros estudios artísticos en Phoenix, se trasladó a Los Ángeles para seguir cursando (1970-1972) en el California Institute of the Arts de Valencia, justo uno de los centros más vanguardistas por aquellos y por estos años. En aquellos tiempos se ponía especial énfasis en que el arte contemporáneo debía fluir espontáneo, sin ataduras con el pasado y siempre original. También le enseñaron que lo de menos para un artista era la técnica pictórica y el conocimiento de la historia de la pintura. En las entrevistas que concede Fischl suele quejarse de su "deformación" en este centro donde no aprendió los recursos técnicos necesarios para cualquier pintor. De esos años quedan  sus primeras obras cercanas a la abstracción de la década de los 70, pero de las que no hemos podido localizar ni una fotografía siquiera en la  web oficial del  pintor.

California Institute of the Arts sigue hoy en día una enseñanza muy parecida.

Sin embargo, algo bueno tuvo que tener su paso por el centro: le dotó de una actitud inconformista e irreverente que le llevó a cuestionar no sólo a la sociedad que le rodeaba, sino también a lo mismo que estaba estudiando. Creo que también fomentó en él un deseo de experimentación y de curiosidad constante que le acercó a otros medios expresivos a lo largo de su vida como la fotografía, el cine y, más recientemente, la informática y el photoshop.

La figuración llegó a Fischl a finales de los 70 como una liberación, como aquél que lleva tiempo atado y logra liberarse de las ligaduras que le aprietan. Tenía necesidad de expresar sus sentimientos de una forma directa y descarnada, que no podía hacer por medio del minimalismo o la abstracción. La pintura realista será para él una terapia a través de la cual desvelar sus traumas, desmontar la hipocresía que le había amordazado durante su adolescencia y juventud.

Arriba. Sleepwalker (1979) .

Debajo.  Bad Boy (1981).

Con  Sleepwalker (1979) y Bad Boy (1981) descubre los tabúes y la falsedad que encubren  la sociedad americana. Asistimos a escenas escabrosas de alto contenido sexual como la de un chico masturbándose en una piscina de terraza o el exhibicionismo de una mujer adulta ante un joven que le roba disimuladamente en el bolso. El pintor golpea en el subconsciente del espectador. Pretende que se sienta incómodo, como un sucio "voyeur", contemplando intimidades ajenas;  pretende, en definitiva,  que se desasosiegue ante sus cuadros. En otras obras, aparentemente más festivas, se denuncia la vacuidad de la clase media americana de la que procede, con sus ambientes "felices" de suburbio y barbacoa (Barbacoa, 1982).

Estas obras le hicieron popular pero a su vez le sirvieron para que le colgaran el sambenito de pintor obsceno e incómodo.

Su estilo se define a finales de los 80 y se perfecciona en las siguientes décadas.

Desde mediados de los 80 volvió su mirada sobre los clásicos que nunca le enseñaron. Recorrió Europa y visitó sus museos, sacando provechosas lecciones, sobre todo, del Barroco. Desde los noventa tiene un estilo neto e inconfundible que podemos analizar desde el punto de vista temático y técnico.

• Temática.

Ya hemos visto que desde el comienzo de su carrera se decantó por una pintura narrativa que afrontaba temas escabrosos de la sexualidad, pero también  sociales de la clase media norteamericana. Su objeto de estudio realmente es siempre el ser humano su cuerpo y su espíritu al desnudo. Sus cuadros siempre son historias expuestas como fotogramas de una película de la que nos hemos perdido el comienzo. Siempre nos sorprenden y nos hacen preguntar ¿Qué está sucediendo aquí?

The bed, the chair, the sitter, 1999.

• Estos son sus subgéneros preferidos que serán recurrentes  a lo largo de  toda su carrera artística:

1. Habitaciones interiores (dormitorios, cuartos de baños, comedor) donde los individuos  o las parejas deambulan, copulan o sufren en soledad. La única comunicación que existe es la sexual. Es gente "normal" que vive en espacios confortables, pero en una cotidianeidad deshumanizada. Con la madurez los cuadros de adolescentes "malos" y mujeres seductoras de la primera época dan paso a los "dramas contemporáneos" que captan el comportamiento de parejas de mediana edad. Los mejores ejemplos de esta segunda etapa serían los cuadros de la serie "The bed. the chair..." (1999-2001) o los de "Krefeld" (2002-2005). Para la última serie, el pintor organizó una sesión fotográfica durante tres días en la casa Esters en Krefeld (Alemania), una casa diseñada por Mies Van der Rohe que sirve de museo. Durante esos días obtuvo más de 2000 fotografías de una pareja de actores que convivieron actuando como si estuvieran en una ambiente doméstico normal. De estas fotografías seleccionó las imágenes que le sirvieron para componer en dos tandas (Krefeld Project y Redux) más de una veintena de cuadros.

Arriba. Dinning room, scene 2. Krefeld Project, 2003

Abajo. Bathroom, secen 4. Krefeld Redux, 2005

1. Las playas multitudinarias donde la humanidad se exhibe sin pudor es otro de sus temas preferidos. Lo practicó en los 80 y de nuevo lo ha recuperado con gran fuerza desde el 2006-09 con dos nuevas series tituladas "Late Paradise" y "Recent Beach Scenes". La primera serie expuesta en 2007 fue adquirida por entera por un coleccionista privado que pagó sus buenos millones de dólares. En estos cuadros del 2000 el pintor ya domina el Photoshop y realiza digitalmente los collages antes de pasarlos al óleo.

Collage fotográfico (1ª y 2ª imagen). 3ª imagen Late Paradise. The Wellcome. 2007

1. El desnudo, que en cierta manera es también el eje de los anteriores subgéneros, es una preocupación básica desde la segunda mitad de la década de los 80. Indaga sobre la forma de hacerlo más expresivo. Sus cuerpos representan todas las edades y, por supuesto, sin estereotipos idealizados. Son cuerpos reales. De este subgénero destacaría la serie "TheTravel of Romance" (1994) y las series de los bañistas de todas las épocas.
   
2. Desde los años 90 practica el retrato como género independiente. Sus retratados son amigos y gente corriente, en absoluto idealizada. Destaca de ellos la fuerza expresiva de sus rostros y los premeditados desarreglos compositivos y de luz. Tiene multitud de retratos individuales, de pareja y colectivos.

La familia Clemente, 2005

1. Hay un subgénero que calificaría como de búsqueda en otras culturas. El inconformismo en que vive dentro de su sociedad le hace anhelar algo que no encuentra en Norteamérica. Inició esta categoría  su serie sobre la India (1989-90), tras un viaje que le dejó impactado. Roma (1996), con sus iglesias y museos, le dejó impactado y a ella dedicó otra serie. La más reciente, todavía exponiéndose en la Galería Mary Boone, es sobre una corrida goyesca en Ronda (2008-09). Nos detenemos en esta última porque es la que me parece más interesante. Sorprende la fuerza expresiva que ha sabido darle un neoyorkino a la tauromaquia: sus toros son recios y sus toreros dignos. En sus lienzos gigantes no hay nada más que la nobleza de la fiesta... ¡ah, sí!, la lucha entre el albero incandescente y las profundas sombras realzan el dramatismo.

Corrida goyesca en Ronda, 2008.

• Técnica.

El artista era consciente  en sus primeros años de que no dominaba los rudimentos básicos de la pintura., Sus cuadros iniciales tenían mucha fuerza temática pero formalmente eran de estética  kistch. El pintor llegó a afirmar que debido a su mala formación en los centros artísticos se podía decir que estas obras eran casi autodidactas. En el cuadro que podemos ver debajo del año 1983, aunque todavía denota un desconocimiento de la entonación ya empieza a demostrar preocupaciones por la profundidad y el dibujo.

Bhirthday Boy, 1983.

• Desde mediados de los 80 podemos ver características artístico-técnicas más constantes que aquí apuntamos sintetizadas.

1. Sus figuras muestran un trazo más seguro, están mejor modeladas y proporcionadas. La pincelada es rápida y ancha, sin atender al detalle, pero sí buscando atrapar el gesto o el movimiento.
2. La luz es uno de los elementos más significativos de su estilo. Utiliza contrastes violentos de luces. Hay figuras que hacen daño mirarlas por la sobreexposición al sol y otras que hay que hacer esfuerzos por sacarlas de la penumbra. En los retratos es donde este recurso es utilizado de forma más descarada para obtener la máxima expresividad a sus personajes. En el del novelista Edward Lawrence Doctorow, que tenemos debajo, se permite jugar a una especie de tenebrismo al inversa, dejando en sombra su rostro e iluminando potentemente el resto de su cuerpo.
3. 
   

Retrato de Edward Lawrence Doctorow, 2005.

1. La sensación de profundidad y de volumen se consigue con luces y sombras extrañas, demasiado pronunciadas. La iluminación de las escenas se hace materialmente imposible con focos que provienen de direcciones opuestas. Aquí tiene mucho que ver el uso del collage fotográfico.
2. Desprecia las composiciones equilibradas o previsibles. Sus cuadros son encuadres fotográficos donde se nos puede cruzar alguien por delante del objetivo o una figura puede aparecer cortada o desenfocada. El collage fotográfico destruye todo estudio compositivo o el calculo correcto de la proporcionalidad entre sus figura.
3. No le interesan los fondos ni los paisajes. En retratos y escenas de interior encontramos paredes neutras o fondos oscuros. En los exteriores como las playas y el coso taurino escoge un punto de vista alto que fije a los personajes al suelo e impida desarrollar un paisaje. En la  obra que podemos ver debajo se pueden aplicar totalmente estos rasgos y otros ya apuntados.

The exchange, 2009.

1. El formato es otro elemento importante en su obra desde el comienzo. En sus primeros cuadros pintó premeditadamente unas figuras que superaran el tamaño real, para que el espectador se retrotrajera inconscientemente a su infancia y se sintiera como un niño que contempla escenas de los mayores. A mediados de los 80 experimentó fragmentando las escenas, primero, creando dípticos y, luego, paneles separados que se superponían en diferentes ángulos pero que conformaban un todo. Hoy, sus gigantes continúan apabullando en una visión directa (ver toreros abajo).

Arriba. The life of pigeons, 1987.

Debajo. Fotografía de mujer mirando con detenimiento un cuadro de la serie Corrida en Ronda. 2008-09.

Pulsa aquí para continuar en el siguiente artículo sobre influencias y escultura de Fischl.

Pulsa aquí si quieres ver más de su obra en su página web.

Pulsa aquí para ver a Fischl en una entrevista concedida en su taller de Long Island (Hamptons) en el que hace repaso de su vida y obra.

Cambia el nombre, pero no el examen.

Esperábamos ansiosos ver cambios en la prueba de acceso a la universidad, dado que el decreto/ley explicaba que estos exámenes buscarían ser lo más objetivos posibles. Se habló incluso de que podrían ser de tipo test, cosa con la cual tampoco estaba de acuerdo, al menos en esta asignatura. Pero cuál ha sido mi sorpresa al comprobar que lo único que ha cambiado ha sido el nombre de la prueba. Ya no podemos llamarla exámenes de selectividad, ahora lleva el rimbombante nombre de Prueba de Acceso a las Enseñanzas Universitarias Oficiales de Grado.

¡No ha cambiado casi nada más!

Por un lado, este profesor se alegra irónicamente del inmovilismo porque así no tiene que cambiar ni una sola coma de lo que ya tiene escrito sobre el examen de selectividad anterior (véase aquí y aquí),  pero, por otro, indigna que no se hayan molestado en mejorarlo. Miento, han suprimido el texto de una de las opciones, que no era más que un pretexto para desarrollar un tema, por lo que la estructura es más equilibrada ahora: tema 4 puntos e imágenes 3 puntos  en ambas opciones. Se mantiene, sin embargo, un temario amplísimo, de gran ambigúedad en su exposición curricular y en las posibilidades de preguntarlo.

Por otro lado, el modelo que nos han enviado como ejemplo de examen para 2009-2010 es un refrito de uno sobrante de cursos pasados, refundido con unas imágenes ya caídas en las pruebas de selectividad de COU (Partenón) y de 2º Bachillerato (Tiziano).

Se añaden al documento:

• Los criterios específicos de corrección, que no aportan nada nuevo.
• Las "Orientaciones" al programa de la Asignatura según B.O.C.M: nº 152 del  27-VI-08.
• Las aclaraciones a esas Orientaciones. Acuerdos tomados con los profesores que imparten la asignatura acerca del modo de preguntar cierta parte del temario, que no son fiables porque no siempre se cumplen.

Modelo de PAU curso 2009-2010. Asignatura Historia del Arte. Comunidad de Madrid

Para ver el modelo de PAU de Historia de España propuesto para el curso 2009-2010 pinchad en este enlace.

Para ver el modelo de PAU de Geografía  de España propuesto para el curso 2009-2010 pinchad en este otro enlace.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales".  No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte ROMANO.

Nuevo juego

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- Etapa o cronología.

3.- Dos ideas destacables de la obra que nos han servido para reconocerla."

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo. Ten en cuenta que:

• Sólo permitiré un comentario por persona. Si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo. Los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín. Utilizadla sabiamente.
  

• Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.
  

Otros juegos similares por temas.

Algunas imágenes no están todavía resueltas y desde aquí os animo a que las completéis de cara a ir preparando el examen de la primera evaluación. Ya no se ganan décimas para los controles, pero sí lo tengo en cuenta como actitud positiva. Las condiciones de participación son las mismas, por lo que sólo podrán contestar aquellos que no hayan utilizado su oportunidad en cada artículo.

Mesopotamia y Persia.

Egipto.

Grecia.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Borja, Borja... has sido muy rápido y has cometido un error de localización del monumento. He pensado mucho si concederte el acierto o no. Al final me he decidido por dártelo, dado que el resto del comentario está bien.

Acierto para Borja (1)

"imagen 2.

Pertenece al puente de Alcántara "(actualmente en Toledo)" -(los entrecomillados son míos)-. Fue construido entorno al año 100 d.C. se caracteriza por ser un puente construido por los romanos. En cuanto a la contrucción se caracteriza por ser totalmente horizontal, esta construido por una especie de almohadillado y principalmente compuesto de sillares, está compuesto en comienzo del pilar por la parte posterior por una especie de estructuras triangulares que permite que la acción del agua contra la roca impacte de menor manera, además en la parte de arriba se encuentra un arco de triunfo dedicado a Trajano."

Este puente romano de Alcántara está en Cáceres sobre el río Tajo. Fue construido entre los años 105 y 106 por el arquitecto romano Cayo Iulio Lacer en la Vía que comunicaba Norba -actual Cáceres- con Conimbriga - hoy Condeixa-a-Velha-, por lo que no es un acceso a ninguna ciudad. Tu confusión es lógica puesto que existe otro puente de Alcántara en Toledo sobre también el río Tajo, pero de dimensiones más reducidas y además hecho en época medieval (siglo XIII, la reconstrucción definitiva). Es el que se puede ver debajo dando acceso a la ciudad desde el castillo de San Servando. Lo que me extraña es que te hayas decidido por ubicarlo en Toledo y aplicarle datos de época de Trajano... Uhm, No sé que  pensar.

Puente de Alcántara en Toledo

Por cierto la estructura triangular bla, bla, bla... tiene una definición "tajamar". Y la parte de arriba es la calzada o vía.

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Acierto para Francisco Javier (2)

"Imagen 7.

Título de la obra: es un fragmento, en concreto el pie derecho, de la escultura llamada " El coloso de Constantino " el cual procede de la Basílica Majencia y es conservado en el Palacio de los Conservadores, Roma.

Etapa y Cronología: Pertenece a la época del Bajo Imperio ( s IV-V )

Razones: una de las razones es que durante el s. IV desapareció la representación de barba en las esculturas y otra fue la pérdida de técnica: los rostros se hacen mas inexpresivos y menos idealizados - con ojos agigantados y alguna que otra desproporcionalidad ."

Perfecto. Ninguna objeción, salvo que a mí me parece que es el pie izquierdo (je, je). He aquí la imagen.

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Tercer comodín para Lorena (3)

"Imagen 6

-Foro Romano
-La etapa es la República
-Dos características de este foro son: tiene un Arco de triunfo y también está compuesto por templos(uno de ellos es el de la Concordia)".

Correcto, aunque un tanto parco en explicaciones. El Arco del Triunfo que se ve es el Septimio Severo. Hay además otros templos, basílicas (Emilia y Julia) y columnas conmemorativas (los rostras). Dominado en altura este espacio la colina Capitolina con el templo de la Triada.

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Lo siento Cristina. Puede que hayas reconocido la obra y hayas dicho cosas ciertas acerca de ella, pero hay varias contradicciones/errores en tu comentario y además no das razones contundentes para atribuir la obra a Roma. No puedo darte como correcto el comentario. Otra vez será.

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Acierto para Francisco Javier (4). Muy "currado" y en un sprint con Enrique.

"Imagen Número 3:

Título: Augusto de Prima Porta - personificado como toracato, es decir, jefe supremo del ejército romano -. Es conveniente aclarar que se trata de una réplica en mármol de la original que estaba hecha en bronce y que se conserva a día de hoy en los Museos Vaticanos.

Etapa y Cronología: pertenece a la época imperial ( s.I-III d.C. ).

Razones: una de las razones más contundentes y, la cual hace que la obra sea reconocible dentro del periodo imperial, es el pelo "despeinado" que es habitual en todas las esculturas de periodo imperial. También lo podemos incluir en este periodo por sus vestimentas como toracato. Cabe mencionar como dato de interés los relieves que muestra su coraza con temas mitológicos, y la parecida postura al Doríforo de Policleto y sus influencia en esta escultura."

Ojo Francisco Javier, decir época Imperial es decir del siglo I al s. V d. C. Hay que precisar algo más. La obra muestra rasgos que has apuntado de la escultura Alto Imperial del siglo I d. C. Como has dado tantas razones  he pasado por alto esta imprecisión. También hay que describir con precisión y lo que se veía era un detalle de la escultura.

Dice Enrique además que la obra se data en el año 20 d. C. y que estaba policromada (quedan restos), lo que es cierto y sirve para completar el comentario de esta imagen.

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Lo siento Enrique, mis alumnos se te han adelantado esta vez y te han pisado la imagen. Ya sabes, sólo  un comentario. No obstante, añado algún detalle de tu comentario al de Francisco Javier.

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Lo siento Borja.  Ya te dije que iba a ser más riguroso contigo. En el comentario que haces de la imagen 4 hay varios errores e imprecisiones (¿El Altar de la Paz bélico? ¿la cacarra?). Tampoco me convencen las razones para atribuir la obra. Hay muchas razones temáticas y técnicas, que dimos en clase, porque es la obra más representativa del RELIEVE, no grabado, romano.

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Acierto para Enrique (5).

"imagen numero10.

Se trata del templo de la Fortuna Viril. Erigido entre los años 70 a.C. y 40 a.C., se alza en el Foro Boario, cerca del Tíber. Es de orden jónico y hexástilo, es decir tiene seis columnas en el pórtico. Llamado posteriormente Templo de Fortuna Viril, estaba dedicado a Portunus, dios romano de los puertos. Se diferencia del estilo griego porque las columnas que lo rodean están adosadas al muro de la cella."

En otras condiciones no habría aceptado este post (como ya he explicado en los comentarios del artículo), pero como Enrique no tenía clara las condiciones del juego y dado que ya hemos tenido el control del tema, no está de más tener resuelta otra imagen.

Enrique, difiero contigo en el número de columnas del pórtico, ahora soy yo el que ve dos columnas menos... El templo es tetrástilo (cuatro columnas) y como tú apuntas  jónico y semiperíptero. Faltaría un segundo argumento que haga distinto a este templo romano de uno griego. Por ejemplo, que es de  próstilo profundo, de escalinata frontal o que está levantado sobre podium en vez de sobre estereóbato.

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Acierto para Enrique (6).

"La imagen numero 4

pertenece a un edificio que se llama Ara Pacis ( Altar de la Paz). Aunque la foto parece una imagen virtual, es un monumento conmemorativo de la época del Imperio romano. Se halla en Roma y fue construido entre el 13 y el 9 A. de C. por decisión del Senado, en acción de gracias por el regreso del emperador Augusto tras sus victoriosas campañas en Hispania y Galia. Está hecho de marmol de Carrara, tiene una planta rectangular con unas dimensiones de 11 x 10 x 4'60 metros y no está cubierto. En el interior el friso está ocupado por guirnaldas y bucraneos. La procesión de los frisos laterales representa a Augusto, su familia, amigos magistrados y senadores. Las ideas que llevan a pensar que es romano, una que el marmol es de Carrara y la otra es el friso con la cara de entre otras del emperador Augusto."

Es la obra magna del relieve romano. Canta a la paz y la prosperidad traída por Augusto a Roma. Es todo un compendio de propaganda laudatoria y glorificación del soberano y de su familia. Efectivamente esta imagen está coloreada como se cree que estaba en su momento, cuando se construyó el edificio. Si quieres más información sobre ello, colgué hace meses un artículo, que se puede ver pinchando en este enlace. Para que se vean más imágenes voy a colgar a quí la presetnación en slide que hice ne su momento.

La muestra se realiza en colaboración con la Royal Academy of Arts de Londres (Gran Bretaña) que aporta cuadros e  importantes documentos como dibujos del artista y el Centro Internazionale di Studi di Architecttura Andrea Palladio di Vicenza (Italia) que ponen las interesantísimas maquetas de los principales edificios, así como las proyecciones de las imágenes reales de los edificios. Ya ha pasado por Barcelona y ahora la podemos contemplar en el Paseo del Prado de Madrid.

Alrededor de la exposición también se realizan otras actividades como un ciclo de conferencias, visitas comentadas, talleres para niños y "café tertulia".

La exposición estará abierta de lunes a domingo en horario de 10,00 a 20,00 h. del 7 de octubre de 2009 hasta el 17 de enero de 2010. La entrada es gratuita.

Origen, formación y tratados.

Nació en Padua, donde se formó como cantero. Este oficio humilde le permitió actuar con un rigor de ajuste y perfección en el material como pocos maestros. Gracias al gramático Gian Giorgino Trissino, que fue su mecenas, completó su formación y le introdujo en el círculo intelectual y dirigente de la ciudad de Vicenza. Allí conoció al orfebre Valerio Belli, amigo de Rafael y de Miguel Ángel, quien le encaminó hacia la arquitectura y le recomendó posiblemente a Guilio Romano, que trabajaba en los años 30 en el Palacio del Té de  Mantua y del que tomó la idea del motivo serliano.

Giulio Romano. Palazzo del Té, Mantua, 1526-34. Motivo serliano hacia la exedra del patio.

Entre 1541 y 1547 estudió las ruinas de los templos y santuarios de la antigua Roma, Palestrina y Tívoli. Con sus conclusiones y dibujos publicó en 1554 su tratado sobre "L'Antichità di Roma". En la exposición se recogen dibujos del Panteón de Agripa-Adriano y de los restos arqueológicos del foro romano (el templo de la Concordia). En  1570 completó su tratado de la Antigüedad con sus famosísimos "I Quattro Libri dell'Architettura" , Los cuatro libros de Arquitectura, con un formato de calidad y didáctico en los que yuxtaponía  textos e ilustraciones. A través de estos dibujos divulgó la obra de Vitrubio y de Serlio y sus propias experiencias sobre el mundo romano y la arquitectura. La exposición le dedica especial atención a este tratado por la influencia que tuvo  como libro de referencia para arquitectos de la época y de las siguientes generaciones (neoclasicismo y Juan de Villanueva en España).

Portada del Primer Libro de Arquitectura (1570) y dibujo con anotaciones de medidas y soluciones del templo junto a las fuente de Clitumno (década de los 40). Debajo página donde estudia la solución romana de soporte con pilar /columna jónica adosada y elemento sostendio con arco/dintel.

Su estancia en Roma también le sirvió para copiar y estudiar la obra de Bramante (templete de San Pietro in Montorio), Rafael y Miguel Ángel.

Características artísticas.

• Combinación equilibrada de materiales: mármoles para dar monumentalidad y riqueza a sus fachadas y ladrillo para las partes menos visibles. Buscaba soluciones ingeniosas que unieran bellaza, funcionalidad y economía.
• Inspiración en edificios romanos.
• Gran importancia del uso de la columna como elemento decorativo y con valor estructural o sustentante. Utiliza todos los órdenes romanos. La columna puede ser el sostén de un pórtico, la decoración de un muro o un pilar o puede ser empleada con efectos colosales en fachadas donde emplea el orden gigante  (sobrepasa la altura de un piso).
• Populariza y perfecciona el motivo serliano o palladiano consistente en asociar armónicamente los elementos portantes y sostenidos y los macizos y huecos: arco-arquitrabe, columnas de  dos tamaños (las pequeñas exentas y las grandes adosadas para provocar tensión), contraste de luces muy fuertes, con grandes vanos y óculos perforados en vez de medallones.

Motivo palladiano aplicado en la Basílica de Vicenza.

• Busca siempre adecuarse a las formas geométricas puras y las leyes de la simetría, lo que se refleja en sus fachadas e incluso también en los interiores de sus palacios y villas.
• Sus obras están hechas para ser vistas desde perspectivas concretas. Los juegos de perspectiva le obsesionan, de ahí la importancia que dio al Teatro Olímpico de Vicenza, su última obra. Está inspirado en un teatro romano, pero el escenario no se queda en una estructura arquitectónica y escultórica, sino que se prolonga creando una ilusión de calles interminables a través de los vanos. Está anticipando uno de los recursos más utilizados del barroco.
• Es muy importante la decoración escultórica, que rematan sus edificios o rellenan los nichos y recuadros intercolumnios de sus fachadas.

Teatro Olímpico de Vicenza, 1580. Terminado por Scamozzi en 1585.

La obra  arquitectónica de Andrea Palladio.

Tras esa extensa etapa de formación no es de extrañar que las primeras obras de Palladio sean de finales de los años 40. En la siguiente presentación puedes ver algunas de las obras más importantes que llevó a cabo este arquitecto.

Su obra se desarrolla en gran parte en Vicenza. La que le conduce al éxito es su proyecto para recubrir la basílica gótica de la ciudad. Rodeó el núcleo medieval con un anillo de pórticos clasicistas en dos pisos de arcadas, en las que repitió rítmicamente lo que, desde entonces, se llamará el motivo palladiano (serliano).

Basílica de Vicenza. 1546-49.

El patriciado de la ciudad se le disputará a partir de entonces para que realice palacios urbanos y villas campestres. Sus modelos alcanzarán gran difusión porque supo ennoblecer la vivienda señorial, utilizando una fachada inspirada en los templos romanos. El uso que dio también a la columna de orden gigante (ya utilizada por Miguel Ángel) dotó de monumentalidad a sus obras (Villa Foscari o Malcontenta y la loggia del Capitanio en Vicenza).

Palacio Chiericatti. 1550-57.

Entre los modelos de palacio urbano destaca el palacio Chiericatti (Vicenza) y entre las villas las realizadas para los Barbaro en Maser, de construcción extendida en alas, y La Rotonda o Villa Capra. esta última es su construcción más famosa dada su originalidad. Se trata de un edificio cuadrado cubierto con una cúpula en su nave central (la inspiración es el Panteón de Agripa- Adriano); sus cuatro lados ofrecen pórticos a imitación de templos romanos, precedidos incluso por escalinatas. Os recomiento que ampliéis información sobre esta obra clave. La podéis ver estupendamente comentada en el blog Sdelbiombo del profesor Vicente Camarasa.

Villa Capra o la Rotonda. 1566.

El Estado veneciano y las instituciones religiosas de Venecia también recurrirán a él para engalanar sus canales con construcciones espectaculares como las iglesias de San Jorge el Mayor y El Redentor.

San Jorge el Mayor. 1565.

Su obra es clave para entender el Barroco y, paradójicamente, el Neoclasicismo.

Más imágenes de la obra de Palladio por orden tipológico.

He estado viajando el último año y he visitado distintos lugares y museos de España y del mundo. Al llegar a casa y ver las fotos me he dado cuenta de que pasé demasiado rápido  por muchos sitios y ahora soy incapaz de  poner en algunas de ellas un pie de foto. Literalmente, he olvidado dónde las tomé ¿podrías ayudarme a identificar estas diez fotografías?

Si quieres jugar deberás resolver dos cuestiones...

1.- Identificar con precisión el lugar o el museo (hay museos muy grandes y que tienen obras desde la prehistoria hasta el siglo XXI, por lo que se debería, si es el caso, precisar la sala o la colección).

2.- Indicar qué obra u obras de arte te han llevado a descubrir el lugar. Haz un breve comentario de la misma que contenga como mínimo:

• Título o nombre de la obra u obras que habéis reconocido.
• Autor (siempre que sea conocido)
• Estilo artístico o cronología.

¡Ojo! porque algunas imágenes creo recordar que las tomé en exposiciones temporales, por lo que puede que la obra no encaje con el museo o donde debería estar.

Iré colgando vuestros comentarios bajo estas líneas, siempre y cuando me convenzan de que son correctos y completos. Con vuestra ayuda completaremos e ilustraremos este álbum de fotos.

Pincha aquí para descubrir otros juegos didácticos

COMIENZA EL JUEGO

Montse se ha decidido por una de las imágenes más claras.

"Imagen 3:

Bailarina de catorce años de Degas, expuesta en el Museo D'Orsay (París); estilo impresionista, mostrada en 1881.

Había tres obras que nos ponían sobre la pista: la que ha descubierto Montse y también los dos cuadros que se ven detrás: un Renoir, titulado El baile de 1883, y el otro está más borroso pero creo reconocer un Cezanne?, aunque también podría ser un paisaje de Renoir por coherencia con la obra segura de al lado... El caso es que estamos en una sala del museo que expone la mayor cantidad de obras del impresionismo francés. La obra de Degás tiene un trasfondo inquietante y escabroso que en otro momento contaré, aunque si alguien lo conoce y  quiere adelantarse que lo haga (lo publicaré a continuación).

16 de Noviembre de 2009

Vaya, Silvia acababa de pasar por Sevilla este fin de semana y parece que lo ha aprovechado divinamente.

"Imágen número 10
Se trata del Patio de las Doncellas, situado en los Alcázares Reales de Sevilla. Fueron realizados para el rey Pedro I el Cruel a mediados del siglo XIV, en estilo mudéjar. Es un lugar bellísimo, donde se observa muy bien ese concepto del arte tan particular que tenían los musulmanes y que los reyes cristianos aprovecharon para sus construcciones, como la unión de la arquitectura a través de la naturaleza con los jardines y fuentes. Las arquerías que rodean el patio por sus cuatro lados, son muy elaboradas y ricas, aportando monumentalidad al conjunto. Una de las obras más bellas del arte bajomedieval de la Península."

Efectivamente, ya veo que has disfrutado visitando esa bellísima ciudad y no te has podido engañar con su semejanza con otros palacios mudéjares o con la misma Alhambra.

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Enrique tampoco ha estado ocioso, aunque al parecer este fin de semana ha viajado más por internet, como hemos hecho otros. Ha resuelto dos obras de una tacada. Estas son las obras resueltas y sus comentarios:

"La imagen numero 6

pertenece al Museo Egipcio de El Cairo, que se encuentran en las salas centrales 23- 28- 33, Imperio Antiguo. Están datadas en el año 1350 A de C. Es evidente que lo que se ve. es el faraon y su esposa. Se trata del faraón Amenhotep III, su esposa Tiyi y una hija. Por lo que he leído tuvo un reinado de lo más prospero y constructivo de la historia, aunque se ve que le iba bastante la marcha con el asunto de las mujeres. También he leído que este año se han descubierto dos estatuas suyas en Luxor."

No podía esperar que esta imagen os causara ninguna dificultad, puesto que es la más representativa del interior del Museo Egipcio de El Cairo. La acumulación de obras es tal que no podía ser la última en ser descubierta.

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"La escultura numero 7

se llama No violencia. Hecha en bronce por el artista sueco llamado Karl Fredrik Reutersward y regalo de Luxemburgo. Se trata de una replica de un revolver calibre 45. Se encuentra en la plaza del edificio de la Asamblea General, frente a la Primera Avenida a la altura de la calle 45. Parece ser que es de un estilo surrealista -dadaísta."

La clasificación estilística no me convence mucho, pero es que en verdad que es de un expresionismo inclasificable y a la vez tiene algo de absurdo y alegoría onírica contra la violencia. Es un homenaje del escultor a su amigo John Lenon, asesinado de cinco disparos de revolver en 1980 y no muy lejos de allí.  Echo en falta que no hayas nombrado la ciudad donde se encuentra. Parece que pasearas todos los días por la Primera Avenida...  de Nueva York. Si se había visto la imagen antes, es fácil identificarla porque es tan curiosa que no se olvida. Aquel que no la hubiese visto tenía como otras pistas los rascacielos y la hilera de banderas delante del edificio de la ONU.

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17 de Noviembre de 2009

Enrique sigue empeñado en la búsqueda y ha descubierto una nueva imagen.

"Imagen numero 4,

es la catedral de San Romualdo de Malinas (Belgica). Construida en honor a un misionero irlandés del sigo VII. Se comenzó en el año 1200 se prolongó hasta comienzos del siglo XVI. De hecho la torre fue construida entre los años 1452 y 1520. Es de estilo gótico brabantino, también a causa de su larga duración de la construcción hay elementos de otros estilos. La torre cuenta con una altura de 97,28 m. y 540 escalones Cuenta con un carrillón formado por 49 campanas. Alberga esculturas y pinturas. El detalle que me ha llevado a descubrir la imagen ha sido la bandera de encima de la torre, la del león, que tengo que decir que me ha confundido con Holanda"

Me maravilla la vista que tienes. Es Malinas, su catedral y la plaza del Mercado, con las típicas viviendas del siglo XVII de los Países Bajos, que pensé podían ser la clave más directa para ir a la zona. La torre es alta como tú bien dices, pero se llegó a pensar levantarla hasta los 160 metros. Se pararon al llegar a los casi 100 por problemas económicos. Con este tipo de torres se buscaba crear edificios-estandartes de la ciudad. En el interior hay una maqueta con el diseño de lo que se pretendía. Se puede subir a la torre, si no os desaniman las escaleras, desde lo alto se tiene una vista de la ciudad espléndida. También podéis hacer ese mismo recorrido sin moveros del asiento sólo pinchando en este enlace . Con él accedéis a la página oficial de la Torre de San Romualdo que os permite  una visita virtual de 360º  e ir a dónde deseéis, meteros entre las campanas y por supuesto subir a lo más alto para contemplar la vista de la ciudad. (muy recomendable)

Imagen tomada desde la visita virtual. Los controladores de dirección son fáciles y la ascensión divertida.

Biografía y evolución artística.

Este breve apunte biográfico y artístico va para aquellos que no conozca la obra de Urzay. Nació en 1958 en Bilbao. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (1982), centro del que fue profesor durante cinco años. Desde 1989 a 1994 siguió sus estudios en Nueva York. Este último año regresó  y desde entonces  trabaja en su ciudad. Su obra se ha expuesto en numerosas galerías internacionales y nacionales, siendo adquirida por  muchas instituciones públicas (ICO, M. Guggenheim, MNCARS, M. B. A. de Bilbao, FNAC...) y fundaciones de empresas y bancos privados (BBVA; Santander, Telefónica, Cocacola, La Caixa o Banesto). Es sin ninguna duda uno de esos pintores que están en el gran mercado del arte.

Pasaje 42.744N-2.959W, 2008

Además de por la pintura se le conoce popularmente en su tierra por otra faceta polémica, la de diseñador original de camisetas para sus equipos de fútbol. Creó una para la participación del Athlétic de Bilbao en la UEFA del 2004. La camiseta causó una agria polémica en el club ( se la conocía como la de Ketchup) que impidió su estreno, tras lo cual Darió Urzay retiró los derechos de venta al Athlétic, siendo ahora un objeto de culto. También ha diseñado más recientemente la del Centenario del Club de Las Arenas de Getxo (1909-2009).

Camisetas del Athletic 2004 y Las Arenas 2009.

Estilo.

No hay ninguna duda de que el estilo en que clasificamos al pintor es la abstracción. Una abstracción puramente decorativista, de ahí el éxito entre las grandes instituciones que utilizan sus grandes cuadros como paneles ornamentales de sus salones y espacios interiores.

Su obra se caracteriza  por utilizar colores atractivos dispuestos en manchas o de forma filamentosa. El soporte de los colores puede ser madera o aluminio, utilizando para fijarlo y dar un acabado lacado una solución de resina. Utiliza además como herramientas en su proceso creativo fotografías, el vídeo y el Google Earth.

La muestra nos presenta 30 obras difíciles de describir en las que se unen al color referencias topográficas. De ahí que subtitule este artículo como la abstraccción topográfica. Algunas de sus manchas se disponen aguadas como si se trataran de curvas de nivel y de hecho los títulos de algunas de ellas hacen referencia a coordenadas geográficas (Bilbao). La realidad es que utiliza la fotografía aérea, manipulada por ordenador, para crear esos efectos de relieve.

A mí me gusta las sensaciones de texturas que crea y los efectos de relieve..., muy buenas para fondos de pantalla.

La reflexión profunda  que transmite es que el artista cuando construye su realidad tiene que tomar una serie de decisiones que suponen optar por un camino o por otro. Cada camino se bifurca en otros caminos y estos a su vez en otros milles que se interrelacionan. Esta "bifurcación perpetua" implica una no vuelta a atrás cuando tomas la decisión de comenzar la creación y, por tanto, hace impredecible el resultado final. También se plantea la duda de cómo habría sido el resultado de haber tomado otro camino... Es una metáfora de la vida misma.

Para saber más sobre la exposición y el "lenguaje emocional" de Urzay pincha en este enlace

Fue construido y terminado entre el 447 y el 432 a. C. por los arquitectos Ictino y Calícrates,  bajo la supervisión de Fidias que tenía la responsabilidad de todas las obras artísticas que se levantaban en el recinto. El estratega Pericles encarga y financia el edificio en nombre de la ciudad de Atenas. Su intención es crear el templo más bello de toda Grecia, que sirva de estandarte de la ciudad ante el resto de las polis.

Su fachada principal mira al Este, al nacimiento del sol, dando, por tanto, la espalda  a los propíleos de entrada a la Acrópolis. Se escogió para su ubicación el punto más alto de la meseta para que pudiera ser contemplado como si fuera una obra escultórica en sus tres dimensiones.

Ya hemos hablado de los templos griegos y este es el templo por excelencia sobre el que se aplican todas las perfecciones de la etapa clásica. Toca hablar o de contemplar a través de este vídeo de los casi 2500 años de historia.

Historia del edificio.

El edificio fue levantado por los atenienses, tras derrotar a los persas y haber sido destruido por éstos el anterior templo que había dedicado a Atenea en la Acrópolis.

En el siglo III d. C. fue incendiado por los Hérulos, cuando saquearon Atenas  en el  267.

El emperador Juliano lo restauró en el siglo IV d. C.

En el siglo VI se convirtió en iglesia cristiana, dedicándolo a la Sabiduría Divina (Santa Sofía). Del siglo anterior databan las primeras destrucciones de sus relieves, fundamentalmente de los cuerpos que mostraban desnudos.

En el siglo XV bajo dominación turca fue convertido en mezquita.

En el siglo XVII los turcos lo destinaron a ser el polvorín de la ciudad al considerar que sería el punto más a salvo de cualquier bomba de los venecianos, que en 1687 sitiaban la ciudad. Craso error una bomba estalló en él en  y provocó la destrucción de gran parte del edificio, aprovechándose sus mármoles caídos como material de construcción para otros edificios de Atenas.

Arrancando el friso del Partenón. 1802.

Finalmente el embajador inglés en Constantinopla, Lord Elgin, se llevó a su país entre 1804-05 la mayor parte de las esculturas que decoraban el templo. En 1816 las vendió al Museo Británico,  que es donde hoy se pueden contemplar. La acción de Elgin fue considerada, incluso por algunos de sus compatriotas como un acto de pillaje. Lord Byron, que viajó pocos años después,  compuso unos versos indignadísimo, que son los recitados en el vídeo y que provienen del texto  "La maldición de Minerva"(1811).

Todavía hoy en día siguen los trabajos de restauración del edificio y, sobre todo, los esfuerzos por recuperar  aquellos materiales que fueron sacados de Grecia hace más de 200 años. Este vídeo, dirigido por Costa Gavras, es uno más de los que colaboran a ese mensaje que pide al gobierno británico y a otros países la devolución de los conocidos como mármoles del Partenón.

Ésta es la Sala Elgin del Museo Británico en 1819 y  la de hoy en día.

Por último, veamos esta proyección del Museo Británico, que no está disponible libremente y que ha grabado un videoaficionado. Las imágenes tiemblan un poco (¿sería la emoción de hacerlo clandestinamente? Je, Je), pero creo que es de gran valor didáctico y nos puede servir para entender muy bien como estaban trazados y colocados estos relieves.

Función o finalidad.

La principal finalidad para la que se erigieron estos edificios fue la de cubrir las necesidades de ocio de la población. Los espectáculos y las competiciones que se celebraban en su interior estaban sufragados por el Estado a través de sus cargos públicos o por particulares que los encargaban como forma de promoción social.

Pese al carácter lúdico no debemos olvidar que el origen de estos espectáculos tenía un carácter sagrado. Los romanos heredaron las creencias tanto de etruscos como de griegos de dar culto a los dioses a través de una prueba física o espiritual o de hacer un tributo de sangre en honor de los difuntos (lucha de gladiadores en Etruria). No es de extrañar pues que estos edificios mantuvieran una función religiosa y que incluso pudieran tener templos anexos en donde se diera espacio a la divinidad.

Teatro de Mérida. Detalle central del escenario.

Junto a estas dos funciones, ocio y religión, también hay que destacar, la finalidad política de las obras. El edificio se hacía para la mayor gloria del que sufragaba los gastos de construcción, por lo que su nombre y estatuas debían aparecer bien visibles en el recinto.

Características comunes.

1.- Son edificios inspirados en modelos griegos. El anfiteatro, que es el novedoso, no es más que la uníon de dos teatros.

2.- La gran diferencia con los edificios griegos es que los de los romanos son casi siempre exentos. Es decir,  los griegos aprovechaban el desnivel o laderas de las montañas para hacer el graderío de espectadores. Los romanos, sin embargo,  levantaron  una estructura de pasillos anulares y vomitorios de entrada para acceder a los asientos y una espectacular fachada monumental.

Anfiteatro Flavio. Estructura interna de pasillos y subterráneos. Cávea y arena.

3.- La fachada es llamativa porque se curva siguiendo la forma semicircular del espacio de la cávea y porque se estructura en altura en varios piso muy decorados con elementos arquitectónicos y escultóricos. La fachada es un derroche de barroquismo por el recargamiento.

4.- El interior también es más decorativista que el griego, buscando crear escenografías arquitectónicas también muy sobrecargadas.

5.-  En la imagen inferior tomada en el teatro de Mérida podemos ver la convivencia de los tres materiales principales utilizados por los romanos: el hormigón para el esqueleto estructural, el ladrillo para ciertos arcos no visibles y los sillares almohadillados para el revestimiento en el exterior.

Teatro de Mérida. Estudio de materiales y estructuras.

Vamos a hacer una breve descripción y apunte de algunos de los edificios más importantes.

Teatros.

Partes de un teatro romano. Planta y vista del interior.

Derivan de los griegos, aunque se diferencian de éstos en que:

• La orchestra no es circular, sino semicircular.
• El graderío o cávea no supera el semicírculo como lo puede hacer el griego. Está dividido en tres secciones a las que tienen acceso distintas clases sociales: la inma, la media y la summa cávea.
• La amplitud y riqueza del telón arquitectónico que sirve de fondo a la escena. La decoración es abigarrada de columnas, mármoles y estatuas.
• Está construido sobre pasillos abovedados y no aprovechando las pendientes naturales del terreno.

Los primeros fueron en madera y desmontables. De hecho, el primero en ser levantado en piedra fue el de Pompeyo en Roma el año 58 a. C. El único de los que se han conservado restos de su fachada es el de Marcelo (año 11 a. C.). En Hispania tenemos los de Mérida, Sagunto, Tarraco, Clunia y Segóbriga.

Teatro de Mérida

El de Mérida, del que podemos ver unas cuantas imágenes se levantó el año 18 a. C. por orden de Marco Agripa. Su escena es de una riqueza excepcional. Lo rehicieron Trajano y, sobre todo, Adriano en el año 135. Conserva un graderío capaz para 5.500 espectadores.

Anfiteatros.

Son de planta elipsoidal. Consisten en un doble teatro con dos partes: la cavea o graderío para el público y la arena en el centro, con foso y construcciones subterráneas. En él se celebraban los combates entre los gladiadores y las fieras.

El Coloso de Nerón junto al anfiteatro Flavio.

El más importante sin duda es el Coliseo o Anfiteatro Flavio (porque se construyó en tiempo de Vespasiano y Tito, inaugurado el año 80 d. C.). Este edificio es una de las obras cumbres de la arquitectura romana. Recibe este nombre de la estauta en bronce "colosal" de Nerón junto a el que se edificó. Su fachada tiene 17 metros de altura y se divide en cuatro pisos. Presenta tres hiladas de arcadas superpuestas, con columnas adosadas a sus pilares; las de abajo son dórico-romanas, jónicas las del primer piso y corintias las del segundo, recordando la disposición ya ensayada en el teatro Marcelo. El gran ático, que forma el cuarto piso, está decorado con pilastras compuestas y ventanas. Podía contener 50.000 espectadores.

Además pueden citarse en la parte occidental del Imperio los de Arlés, Nimes, Verona, Mérida e Itálica. En África el de El Djem ofrece un espectáculo grandioso en pleno desierto.

Circos.

Derivan del hipódromo griego y se destinaban a carreras de caballos y de carros. Su forma es oblonga: en un extremo las cárceres o pequeños compartimentos desde donde tomar la salida; y en el centro la arena, dividida por la espina o zona con pedestal y distintos adornos escultóricos y arquitectónicos (hasta obeliscos) en torno a la cual se daban las vueltas. Rodeando la arena la cávea.

Circo máximo y Palatino.

El Circo Máximo en Roma, entre el Palatino y el Aventino, fue el más antiguo y monumental, pero no queda casi nada de él. Medía 600 metros de largo y 200 de ancho, y podía contener la colosal cifra de 260.000 espectadores. En Hispania quedan restos en Mérida.

Estadios.

Con formas parecidas a los circos, pero sin espina ni cárceres. Era donde tenían lugar las competiciones atléticas a la manera de los griegos. En Roma quedan restos del Estadio Domiciano (s. I d.C.) , hoy ocupado por la Plaza Navona.

Estadio Domiciano.

Odeones.

Como los teatros, pero de dimensiones más reducidas. Servía para celebrar los espectáculos musicales y de canto como se hacía en Grecia. Podían estar parcial o totalmente cubiertos. En Roma edificó uno Domiciano y otro Adriano, pero no nos han llegado restos significativos. Sí está muy bien conservado el de Pompeya (s. I a. C.).