Te ofrezco diez imágenes del Renacimiento para reconocer y comentar. Míiralas y luego contesta según la fórmula que te propongo. Si quieres ver la imagen a gran formato y entrar en los detalles, usa la pantalla completa.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

"Imagen .........X (el número que se quiera resolver)

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- País o región. Etapa o cronología. Autor

3.- Dos ideas o características destacables de la obra que nos ha servido para reconocerla. Hay que argumentar con fundamento.

4.- Propón otra obra de otro artista de cualquier tiempo (añade una dirección url con tu imagen propuesta, vg. h ttp://www.elolimpo.com/ico/600/22.jpg) con la que se la podría relacionar e indica porqué.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa escribiendo tu comentario al pie del artículo. Ten en cuenta que:

  • Sólo permitiré uno por persona. Si falláis o contestáis de forma incompleta no habrá segunda oportunidad. Aunque para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo, los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen. Esa segunda oportunidad la llamaremos comodín . Utilizadla sabiamente.

Cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego. Comprobad que no repetís la obra repasando el artículo y LOS COMENTARIOS.

Este es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien
en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.

---------------------

IMÁGENES RESUELTAS

Abrió el fuego Joel (1) con la Imagen 10, pero al darse mucha prisa olvidó poner uno de los requisitos. Como nadie había respondido esa misma imagen hasta este momento he considerado válida su ampliación llegada unas horas más tarde y también le concedo el derecho a comodín.

"Retrato de Simonetta Vespucci, de Sandro Botticelli. Esta obra pertenece al Renacimiento italiano de la segunda mitad del s. XV, período conocido también como segundo quattrocento. Esta obra refleja algunas de las características propias del Renacimiento de la época, como la pose de la joven, que está colocada totalmente de perfil, la clara nitidez de las figuras y la delimitación del dibujo a través de la línea perfectamente dibujada. Pero, además, se pueden observar muchas de las características propias del autor en este cuadro, sobretodo en lo que se refiere al modelo humano femenino (mujer delgada y pálida, de largos cabellos rizados y rubios). También, como característica propia de Botticcelli, señalar la ausencia del fondo, pues pudiendo situar a la joven en algún lugar, prefiere centrarse en el dibujo del personaje sobre un fondo oscuro.

La relaciono con la obra de Pop Art de Marilyn Monroe por la temática de la obra, ya que también se trata de un retrato (sin fondo), aunque esta vez de frente, de una joven que marcó un estereotipo de belleza de la época, así como Botticelli utilizará a Simonetta Vespucci en diversas ocasiones para poner rostro a las bellezas de sus cuadros (incluso después de morir ésta), como será el caso de "La primavera" o "El nacimiento de Venus". Los contrastes en cuanto a la forma de ambas obras son más que evidentes, debido en gran parte, por el carácter vanguardista de la propuesta."

Echo en falta que no hayas dicho que es obra florentina. Por otro lado, me parece muy atrevida la comparación con A. Warhol (al que no citas), cuando hubiera sido más sencilla con el retrato de Leonardo, y más cuando está tan vigente la Gioconda, aunque creo saber porqué no has ido a lo obvio. También he de decir que te ha faltado la "url" indicativa de la imagen a la que te refieres como propuesta. Por todo ello, tengo que decirte que en tu próximo comentario no te dejaré pasar ni una, que tiene que ser perfecto para aceptarlo como válido.


---------------------++++++++---------------------

El segundo comodín se lo lleva Silvia (2) que ha resuelto la imagen 6. Lo siento Anabel tu comentario llegó mucho después, lo tengo en cuenta como actitud porque además está muy bien. Una lástima, lo siento.


"Santo entierro de Cristo
España ,1541-1544, Juan de Juni
Se trata de un retablo, realizado en madera policromada (estofado en óleo y vestiduras de pan de oro). Representa un tema religioso (el santo entierro de Cristo). En esta imagen podemos observar el retorcimiento de las figuras sobre si mismas, puesto que el autor tiene influencia Miguelangelesca. El cuerpo de Cristo aparece representado tumbado, sobre una especie de túmulo, y los personajes que le rodean aparecen con unos gestos angustiosos y desesperados. Además, todos ellos aparecen representados con amplios ropajes, incluido Cristo.
Cristo yacente de Gregorio Fernández, se puede relacionar con El Santo entierro de Cristo primero por el empleo de la temática religiosa y la representación de Cristo tumbado sobre una especie de túmulo. Segundo por las heridas que aparecen en el cuerpo de Cristo. Y tercero, por el uso de paños que utiliza Gregorio Fernández para acentuar el mensaje a través del juego de luces y sombras."


---------------------++++++++---------------------

Víctor (3) es el que se lleva el tercer comodín al responder a la Imagen nº 9.

"Título: La virgen del huevo (1472)

Autor: Della Francesca. Florencia (Italia)

En el centro está representada María en un trono, con el Niño Jesús adormecido, y en torno a ellos están los santos. El hombre arrodillado a la derecha, pintado de perfil y armado es el duque Federico de Montefeltro. La Virgen en base al criterio jerárquico es más grande que los demás personajes, y el mismo Federico de Montefeltro está colocado muy al exterior para respetar el aura sagrado que se crea en torno a la virgen con el niño y los santos. El marco de la obra es claramente arquitectural. La composición tiene como fondo un ábside de iglesia en forma de vénera de la que pende un huevo. Tiene una construcción perspectiva muy precisa, monofocal con el punto de fuga coincidiendo con el rostro de la Virgen. Los cuerpos de los personajes son prolongados por las pilastras. Se trata de una obra majestuosa, con un inigualable equilibro de rigurosa arquitectura pintada y una luz que hace que los personajes se sumerjan en una clara atmósfera luminosa. El autor buscó representar la escena en el interior de una arquitectura clasicista porque considera que aumenta el sentido de sacralidad y monumentalidad de la obra. Se pone en práctica los efectos del uso de la luz para diversos objetivos: para dar más volumen y plasticidad a las figuras y para equilibrar las figuras con diversas elecciones cromáticas en las ropas. Los personajes son hieráticos, fríos e idealizados.

Una obra que relaciono es La Virgen del canónigo Van der Paele de Van Eyck porque la temática de las dos obras se asemeja bastante en cuanto lo religioso (Virgen y niño) y la disposición de los demás personajes a los lados dejando a la Virgen y al niño en una jerarquización central es la misma en cuanto la obra de della Francesca. Ambas obras están presididas por una arquitectura clasicista y por una luminosidad considerable."

He tenido que poner nombre y autor a la obra que proponías porque no lo has hecho tú. Es una imagen con mucha semejanza en la composición donde incluso aparece el donante arrodilado, pero difiero en lo de la arquitectura clasicista de la obra de Van Eyck: se trata de un ábside románico. Te digo lo mismo que a Joel, por estos fallos de forma seré muy estricto con el segundo comentario.


---------------------++++++++---------------------

Cristina R. (4) responde a la imagen  8.

"Se trata de la escultura de Felipe II realizada por los broncistas milaneses Pompeo y Leone Leoni aunque tuvo que terminarla el primero debido al fallecimiento de su padre esto data en el último tercio del siglo XVI. Responde a una obra inspirada en el retrato imperial romano que responde perfectamente al afán de exaltación de la monarquía hispana, la escultura esta en bronce , Felipe II se muestra con una majestuosa gravedad que nos remite a la estatuaria clásica , más aún si se tiene en cuenta que la armadura se puede desprender para dejar al descubierto su cuerpo desnudo , contrasta con la figura del Furor , símbolo de los enemigos derrotados ,que presenta rasgos propios del manierismo: expresividad, agitación y una forzada contorsión que ofrece visiones múltiples
Mi imagen propuesta es Augusto de Prima Porta ya que es una escultura en bulto redondo que representa al emperador de cuerpo entero, de pie, el movimiento es sosegado y se sugiere por la posición del brazo derecho, una característica esencial es el realismo del rostro, donde los rasgos son perfectamente reconocibles hay una visión idealizada que infunde autoridad, las proporciones anatómicas responden al canon griego de Policleto. La expresión del rostro reflejan las cualidades ideales que deben adornar al emperador: serenidad, autocontrol y autoridad sin renunciar del todo a su caracterización individual. La escultura presenta al emperador Augusto arengando a sus legiones, con coraza y manto de general pero también con bastón consular y descalzo.
La indumentaria militar y el bastón consular simbolizan la legitimidad de su poder y el hecho de que aparezca descalzo simboliza su carácter divino, pues no pisa suelo humano, el original fue en bronce, la coraza está decorada con relieves."

¡Ojo! Cuidado. El comentario está muy bien, pero has cometido dos errores que podían invalidarlo:

1. Al introducir detalles de otra obra de Leoni relacionada con esta la de Carlos V y el furor... son dos obras distintas.

2. Pero lo más grave es que has puesto que es del "siglo XV", cuando debería decir siglo XVI Mira en tu contestación porque en el texto lo he corregido para que apareciera correcto. No te he penalizado porque he imaginado que ha sido un lapsus.


---------------------++++++++---------------------

Alejandra (5) descubre la imagen 3.

"Esta obra es del italiano Tiziano y se titula “La Bacanal de los andrios”. Fue pintada entre 1523-1526. Pertenece a la pintura renacentista veneciana, específicamente del cinquecento y primer manierismo.
Es un óleo sobre lienzo donde se representa un tema mitológico, una bacanal, fiesta del dios del vino Baco. Hay una gran visión de profundidad del paisaje. Las figuras y el monte que se ve por detrás están en modo diagonal. Cada personaje está pintado individualizado, en pleno movimiento, cada uno con diferentes caracteres. Tiziano pintaba al natural, y este cuadro es un buen ejemplo de ello. Todo es una exaltación de la luz, el movimiento y el color. La composición es caótica, tiene como centro la jarra de cristal. Hay contrastes en las actitudes de los personajes; unos en pleno movimiento, y otros tumbados. En la pintura veneciana destaca por encima del dibujo la pincelada pastosa y el color.
Esta obra puede ser compara con El festín de los dioses, de Giovanni Bellini.
Puede ser relacionado porque ambos cuadros tienen tema mitológico. Podemos observar otro festín en plena naturaleza. Con colores muy vivos, personajes en pleno movimiento y otros totalmente relajados. Son obras con un parecido que a plena vista se percibe."


---------------------++++++++---------------------

Silvia (6) ha debido ser por apenas segundos más rápida que Joel, puesto que el blog la coloca en primer pero en el mismo minuto que a él. Es una verdadera lástima porque los dos han querido hacer la misma imagen, la imagen 2, y en los dos casos, esta vez, es todo correcto, por lo que la puntuación es sólo para una y para el otro sólo queda la actitud.

"Cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua
Italia (Mantua), Quattrocento-1474, Andrea Mantegna
La cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua, es un ejemplo de trampantojo (técnica pictórica que intenta engañar la vista jugando con la perspectiva y otros efectos ópticos).Por ello, esta obra es una pintura mural realista que fue creada para ofrecer una perspectiva falsa. Debido a esto, puede decirse que se trata de un óculo fingido, donde aparece representada la familia de los Gonzaga, disfrutando de un momento de su vida cotidiana, junto con unos ángeles escorzo. Todos ellos aparecen asomándose a través del óculo, posados entre una especie de balaustrada. Además, cuando observamos esta obra, podemos ver que alrededor del óculo hay una especie de guirnalda compuesta de plantas y frutos que provocan en el espectador la sensación de que pueden caerse. Esta obra en fresco, tendrá gran importancia en la pintura ilusionista de espacio de las bóvedas del Barroco.
La asunción de la Virgen de Correggio, se puede relacionar con la cámara de los esposos del palacio ducal de Mantua, primero porque también está pintada al fresco. Segundo porque en los cuatro triángulos curvados, formados por las cuatro pechinas aparecen representados los santos patronos de la ciudad como escorzos, San Juan Bautista con el cordero, San Hilario con un mantón amarillo, Santo Tomás junto al que se encuentra un ángel llevando la palma del martirio, y San Bernardo, la única figura que mira hacia arriba. Y tercero, porque este fresco sirvió como modelo de pintura ilusionista que predominó en la época barroca. Toda la superficie es una única unidad pictórica de vastas proporciones, que hace equivaler la cúpula con el cielo. Además, las figuras están representadas de manera realista, por ello parecen sobresalir hacia el espacio en el que se encuentra el espectador. Finalmente, se puede observar como alrededor de la Virgen gira un torbellino de ángeles y otros personajes en movimiento, que dan lugar a círculos concéntricos con sentido ascensional. Entre ellos se puede reconocer a Adán y Eva, a Judit con la cabeza de Holofernes y algunos ángeles que tocan instrumentos musicales. Y en el centro de la composición observamos a Jesucristo, que desciende del cielo para coronar a su madre,"

---------------------++++++++---------------------

Víctor (7) ha usado el comodín para contestar a la Imagen 4
Título: El rapto de Ganímedes (1531-1532)
Autor: Correggio. Perteneciente al primer tercio del Cinquecento.
Correggio realizó una serie de lienzos para la Corte de los Gonzaga en Mantua con el tema de "Los amores de Zeus" al que pertenece este cuadro. La escena se desarrolla al aire libre siendo contemplada por un perro en primer plano, y consigue un sensacional efecto de perspectiva baja. Júpiter, bajo la forma de un águila, despliega sus grandes alas donde se agarra con toda su fuerza el joven príncipe para evitar la mortal caída, dirigiendo su mirada al espectador con gesto de resignación. En el cuerpo de Ganímedes encontramos ligeras influencias de Miguel Ángel, mientras que el aspecto difuminado de la composición es herencia de Leonardo. La aportación de Correggio está en la maestría a la hora de mezclar influencias tan diversas para configurar un estilo propio lleno de gracia y ternura, donde el color y la luz tienen un papel destacado, al igual que los escorzos y el movimiento en sus escenas. Como es común en las obras de Correggio, el tema es claramente mitológico y la postura del niño dejando ver un semidesnudo transmite sensualidad. El cuadro está compuesto por colores de la gama de los terrosos, tales como el marrón, ocres, negros, naranjas y rosáceos (éste último aplicado en la indumentaria de Ganímedes) son apreciables.

La obra que relaciono con ésta es “Saturno devorando a su hijo” de Goya. Lo que me ha hecho relacionarlo con la obra de Correggio es que ambos presentan un tema claramente mitológico en los cuales unas criaturas superiores (en este caso dioses los dos) aparecen manifestando sus ansias de posesión de un ser indefenso. Ambas obras poseen una gama de colores terrosos. En la obra de Goya esta gama aparece en la figura de Saturno.

La verdad es que la imagen escogida es adecuada, pero la relación está un poco traída por los pelos. Hubiera sido mejor insistir en que ambas historias mitológicas son truculentas y en absoluto ennoblecen a los dioses clásicos.

---------------------++++++++---------------------

Ana (8) se decidió a última hora por la imagen 5.

-Obra conocida como Santísima Trinidad
- Pertenece a la pintura italiana renacentista del quattrocento. Florencia. Su autor es Masaccio.
- Las figuras se inscriben en un triángulo subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad; esta composición es típicamente renacentista. Predomina la línea sobre el color. Los rojos y azules se van alternando en el cuadro. En cuanto a la luz, Masaccio la utiliza de forma representativa, creando con ella claroscuros que refuercen el carácter volumétrico de las figuras.
- La podemos comparar con una obra gótica conocida como La crucifixión, obra de Giotto . Podemos hacer esta comparación debido a que ambos tienen tema religioso, además de mostrar la figura de Cristo en la cruz en posición de crucifixión. Las dos obras están realizadas utilizando la técnica del fresco. En En La crucifixión se utiliza, al igual que en la Santisima Trinidad, la alternación del azul y el rojo en las vestiduras.

Reconoces la obra, pero el comentario es muy pobre. No has destacado lo más notable de la obra de Masaccio que es la captación de la profundidad a través de reglas matemáticas: la perspectiva arquitectónica. Tienes en este mismo blog un artículo dedicado sólo  a esta obra. Ni tampoco la obra elegida de Giotto da mucho juego si no es para contraponerla totalmente por el goticismo que trasmite. Me siento generoso y te voy a dar la mitad de las décimas de la imagen, porque el cuerpo me pide anularte la opción.