Aprovechando la magnífica exposición que nos ofrece Caixaforum de Madrid, titulada Palladio (1508-1580), el Arquitecto, voy a dedicar este artículo a Andrea Palladio, el representante más sobresaliente del manierismo clasicista.

La muestra se realiza en colaboración con la Royal Academy of Arts de Londres (Gran Bretaña) que aporta cuadros e  importantes documentos como dibujos del artista y el Centro Internazionale di Studi di Architecttura Andrea Palladio di Vicenza (Italia) que ponen las interesantísimas maquetas de los principales edificios, así como las proyecciones de las imágenes reales de los edificios. Ya ha pasado por Barcelona y ahora la podemos contemplar en el Paseo del Prado de Madrid.

Alrededor de la exposición también se realizan otras actividades como un ciclo de conferencias, visitas comentadas, talleres para niños y "café tertulia".

La exposición estará abierta de lunes a domingo en horario de 10,00 a 20,00 h. del 7 de octubre de 2009 hasta el 17 de enero de 2010. La entrada es gratuita.

Origen, formación y tratados.

Nació en Padua, donde se formó como cantero. Este oficio humilde le permitió actuar con un rigor de ajuste y perfección en el material como pocos maestros. Gracias al gramático Gian Giorgino Trissino, que fue su mecenas, completó su formación y le introdujo en el círculo intelectual y dirigente de la ciudad de Vicenza. Allí conoció al orfebre Valerio Belli, amigo de Rafael y de Miguel Ángel, quien le encaminó hacia la arquitectura y le recomendó posiblemente a Guilio Romano, que trabajaba en los años 30 en el Palacio del Té de  Mantua y del que tomó la idea del motivo serliano.

Giulio Romano. Palazzo del Té, Mantua, 1526-34. Motivo serliano hacia la exedra del patio.

Entre 1541 y 1547 estudió las ruinas de los templos y santuarios de la antigua Roma, Palestrina y Tívoli. Con sus conclusiones y dibujos publicó en 1554 su tratado sobre "L'Antichità di Roma". En la exposición se recogen dibujos del Panteón de Agripa-Adriano y de los restos arqueológicos del foro romano (el templo de la Concordia). En  1570 completó su tratado de la Antigüedad con sus famosísimos "I Quattro Libri dell'Architettura" , Los cuatro libros de Arquitectura, con un formato de calidad y didáctico en los que yuxtaponía  textos e ilustraciones. A través de estos dibujos divulgó la obra de Vitrubio y de Serlio y sus propias experiencias sobre el mundo romano y la arquitectura. La exposición le dedica especial atención a este tratado por la influencia que tuvo  como libro de referencia para arquitectos de la época y de las siguientes generaciones (neoclasicismo y Juan de Villanueva en España).

Portada del Primer Libro de Arquitectura (1570) y dibujo con anotaciones de medidas y soluciones del templo junto a las fuente de Clitumno (década de los 40). Debajo página donde estudia la solución romana de soporte con pilar /columna jónica adosada y elemento sostendio con arco/dintel.

Su estancia en Roma también le sirvió para copiar y estudiar la obra de Bramante (templete de San Pietro in Montorio), Rafael y Miguel Ángel.

Características artísticas.

• Combinación equilibrada de materiales: mármoles para dar monumentalidad y riqueza a sus fachadas y ladrillo para las partes menos visibles. Buscaba soluciones ingeniosas que unieran bellaza, funcionalidad y economía.
• Inspiración en edificios romanos.
• Gran importancia del uso de la columna como elemento decorativo y con valor estructural o sustentante. Utiliza todos los órdenes romanos. La columna puede ser el sostén de un pórtico, la decoración de un muro o un pilar o puede ser empleada con efectos colosales en fachadas donde emplea el orden gigante  (sobrepasa la altura de un piso).
• Populariza y perfecciona el motivo serliano o palladiano consistente en asociar armónicamente los elementos portantes y sostenidos y los macizos y huecos: arco-arquitrabe, columnas de  dos tamaños (las pequeñas exentas y las grandes adosadas para provocar tensión), contraste de luces muy fuertes, con grandes vanos y óculos perforados en vez de medallones.

Motivo palladiano aplicado en la Basílica de Vicenza.

• Busca siempre adecuarse a las formas geométricas puras y las leyes de la simetría, lo que se refleja en sus fachadas e incluso también en los interiores de sus palacios y villas.
• Sus obras están hechas para ser vistas desde perspectivas concretas. Los juegos de perspectiva le obsesionan, de ahí la importancia que dio al Teatro Olímpico de Vicenza, su última obra. Está inspirado en un teatro romano, pero el escenario no se queda en una estructura arquitectónica y escultórica, sino que se prolonga creando una ilusión de calles interminables a través de los vanos. Está anticipando uno de los recursos más utilizados del barroco.
• Es muy importante la decoración escultórica, que rematan sus edificios o rellenan los nichos y recuadros intercolumnios de sus fachadas.

Teatro Olímpico de Vicenza, 1580. Terminado por Scamozzi en 1585.

La obra  arquitectónica de Andrea Palladio.

Tras esa extensa etapa de formación no es de extrañar que las primeras obras de Palladio sean de finales de los años 40. En la siguiente presentación puedes ver algunas de las obras más importantes que llevó a cabo este arquitecto.

Su obra se desarrolla en gran parte en Vicenza. La que le conduce al éxito es su proyecto para recubrir la basílica gótica de la ciudad. Rodeó el núcleo medieval con un anillo de pórticos clasicistas en dos pisos de arcadas, en las que repitió rítmicamente lo que, desde entonces, se llamará el motivo palladiano (serliano).

Basílica de Vicenza. 1546-49.

El patriciado de la ciudad se le disputará a partir de entonces para que realice palacios urbanos y villas campestres. Sus modelos alcanzarán gran difusión porque supo ennoblecer la vivienda señorial, utilizando una fachada inspirada en los templos romanos. El uso que dio también a la columna de orden gigante (ya utilizada por Miguel Ángel) dotó de monumentalidad a sus obras (Villa Foscari o Malcontenta y la loggia del Capitanio en Vicenza).

Palacio Chiericatti. 1550-57.

Entre los modelos de palacio urbano destaca el palacio Chiericatti (Vicenza) y entre las villas las realizadas para los Barbaro en Maser, de construcción extendida en alas, y La Rotonda o Villa Capra. esta última es su construcción más famosa dada su originalidad. Se trata de un edificio cuadrado cubierto con una cúpula en su nave central (la inspiración es el Panteón de Agripa- Adriano); sus cuatro lados ofrecen pórticos a imitación de templos romanos, precedidos incluso por escalinatas. Os recomiento que ampliéis información sobre esta obra clave. La podéis ver estupendamente comentada en el blog Sdelbiombo del profesor Vicente Camarasa.

Villa Capra o la Rotonda. 1566.

El Estado veneciano y las instituciones religiosas de Venecia también recurrirán a él para engalanar sus canales con construcciones espectaculares como las iglesias de San Jorge el Mayor y El Redentor.

San Jorge el Mayor. 1565.

Su obra es clave para entender el Barroco y, paradójicamente, el Neoclasicismo.

Más imágenes de la obra de Palladio por orden tipológico.

Vamos a comentar la obra de Luis de Morales La virgen con el niño, tal vez  la más representativa del maestro del manierismo renacentista español.

Virgen con el niño. 1570. Museo del Prado.

El cuadro representa una Madonna, una virgen madre de Dios.  Es un óleo sobre tabla pintado en 1570. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, pero hay otras versiones en otros museos, lo que de partida ya nos indica que es uno de los temas predilectos de este pintor.

Iconografía o tema.

El autor sigue la  temática medieval gótica del "coloquio maternal", según la cual la madre mira melancólicamente al niño, consciente de su futura pasión, mientras éste, también consciente de su destino, busca el pecho de su madre para alimentarse y demostrarnos su naturaleza mortal. El tema es uno de los más demandados por la Contrarreforma católica y, en concreto, por los conventos españoles.

Características artísticas manieristas.

En la obra se aprecian muchas influencias de la pintura renacentista italiana, por lo que hacemos de nuestro pintor uno de los principales manieristas españoles:

• En las formas robustas del niño se refleja el concepto de la grandiosidad del cuerpo humano conforme al manierismo romano que proviene de Miguel Angel.
• La gradación cromática, así como el tratamiento del pelo y el esfumato son fruto de la influencia de Leonardo Da Vinci.
• El alargamiento y languidez del modelo humano y el colorido pastel nos recuerda al Parmigianino.

Nótese otro rasgo manierista como es el unir los dos dedos centrales de la mano.

Pese a estas deudas de la pintura italiana hay que decir que Morales es de los pintores más originales de nuestra pintura del siglo XVI. Aporta:

• Un modelo femenino muy delicado. El rostro de la virgen, de forma oval, barbilla puntiaguda y ojos abultados resulta reconocible en toda su obra. Se ha querido ver en este modelo la influencia de Rafael Sanzio, pero a mi entender son bellezas femeninas muy distintas.
• Se adelanta en varias décadas a Caravaggio en la utilización del tenebrismo como recurso pictórico. La luz nos resalta exclusivamente las figuras de la virgen y del niño, dejando en absoluta oscuridad el lugar donde se encuentran.
• Su obra invita al recogimiento, al misticismo sentimental y a la devoción.

La obra y la trascendencia de Luis de Morales.

Luis de Morales realiza su obra básicamente en Extremadura (Badajoz).

Sus cuadros son de una espiritualidad tan descarnada que han enfervorizado a los fieles a lo largo de los siglos y han influido notablemente en las artes figurativas del barroco español. En la siguiente presentación podemos ver una amplia muestra de su obra.

La virgen con el niño es su obra más conocida y replicada, pero además posee muchos otros modelos iconográficos, sobre todo, de la Pasión de Cristo, que también tuvieron mucho éxito en el siglo XVII como La Piedad, El Ecce-Homo, La Dolorosa o El Cristo atado a la columna. También son reseñables las escenas compuestas para retablos sobre la historia de la virgen (La Visitación, La Anunciación, La presentación...).

Presentación en la que trato sobre la escultura del siglo XVI español. Se expone con ejemplos algunas de las características más notables de este estilo, destacando aquellos aspectos más originales y que le diferencian del renacimiento italiano:  su origen, los materiales empleados, la temática y la finalidad y la forma de expresión artística. A continuación se pasa a analizar las etapas y los autores, poniéndo énfasis en lo que aporta de novedoso cada escultor.

- El primer tercio destaca por la presencia todavía fuerte del espíritu goticista en escultores  como Vigarny, junto con las ideas que intentan introducir artistas italianos como Fancelli o Torrigiano. La obra de los escultores españoles sirven para hacer pequeños comentarios sobre géneros concretos como el sepulcro de El Tostado de Vasco de la Zarza o los relieves de  B. Ordóñez y comprobar como los ideales renacentistas ya han calado en la década de los 20. Pero también en la obra deotros no menos importantes, como Damian Forment o  Diego de Siloe.

- El segundo tercio de siglo lo dominan las figuras de Alonso Berruguete y Juan de Juni. Los escultores que más influencia dejarán en el Barroco y que a su vez reciben más netamente las influencias manieristas italianas. También se señala la obra de Gaspar Becerra.

- Mientras que el último tercio es para la familia italiana de los Leoni, que trabajan de forma muy distinta a lo que se había hecho hasta ese momento en España, puesto que sus obras son en bronce y fundamentalmente retratos idealizadores de los Austrias.

Segunda parte de la escultura italiana del renacimiento, la que abarca el siglo XVI (las etapas del Cinquecento y el Manierismo). En esta presentación arrancamos con la obra de Miguel Ángel, el mayor genio escultórico de todos los tiempos, analizamos sus etapas y sus relaciones con el pasado clásico, para ver a continuación como evoluciona hacia una escultura muy personal, cargada de expresividad. Sus seguidores son llamados manieristas por trabajar a la "maniera" de este escultor y denotan un nuevo espíritu más cercano al barroco. Entre los escultores italianos que estudiaremos están Giovanni Bolonia y Benvenuto Cellini.

Primera presentación sobre la escultura italiana renacentista. Se trata la escultura del siglo XV o Quattrocento, el siglo en que Florencia es la ciudad difusora de las nuevas tendencias artísticas. En primer lugar, se esquematizan unas características y, a continuación. se pasa a tratar las características y obras de los artistas más importantes, ya que a partir de este siglo cada artista marca su propio estilo y es más necesario especificar lo personal, además de lo general del Renacimiento. Estudiaremos la obra de Ghiberti, Donatello y Verrochio, que pueden ser los más grandes, aunque también daremos cabida a  Della Quercia y a la familia Della Robbia. En aquellas obras más interesantes reflexionaremos sobre la influencia de la iconografía griega y romana, comparándolas con aquellas que pudieron ser origen de su inspiración o "renacer".

Es imposible comprender la obra de El Escorial sin tener en cuenta complejidad del propio rey que la encargó. En este artículo nos aproximaremos a algunos de los rasgos de la formación y la personalidad de Felipe II más tópicos, pero también algunos de los más desconocidos, que manifiestamente influyeron en la traza y en la esencia de nuestro edificio.

1.- En primer lugar, Felipe II era un hombre versado en arquitectura. Los viajes que había realizado el joven Felipe II por Europa le habían llevado a admirar la obra de los arquitectos más importantes del renacimiento italiano. Sus gustos estilísticos coincidían en gran parte con los de los arquitectos principales de El Escorial Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera. En esta obra no es difícil encontrar referencias a las obras de Bramante (claustro y templete de los Evangelistas y planta de la iglesia), Miguel Ángel (cúpula de la iglesia) o de Palladio (clasicismo colosal de las fachadas). La pasión que tenía por este arte le llevó a tomar parte activa en el diseño del edificio (simbolismo y austeridad clásica) y a supervisar personalmente las obras de construcción.

2.- Felipe II es un monarca formado en el humanismo renacentista. Desde joven se rodeó de intelectuales y colaboradores especialistas en distintas disciplinas. Algunos de ellos trabajarán en este mismo edificio. Entre ellos destacaría a Arias Montano, prestigioso filólogo que desde 1568 es quien supervisará la Biblia Políglota que saldrá a la luz en Amberes. La confianza de Felipe II en Arias Montano es tal, que el rey le protegerá junto a su discípulo, el padre Sigüenza, cuando la Inquisición inicie un proceso contra ellos por herejía evangélica. El rey le encargará de la organización de la biblioteca de El Escorial en 1576 (colección de mapas, libros y globos terráqueos). Seguramente también está detrás del complejo programa iconográfico de las pinturas de dicha biblioteca.

3.- También Felipe II era un entendido en pintura. Gustaba especialmente de la obra de pintores venecianos como Tiziano. Precisamente a éste le encargó una serie de cuadros de temática mitológica que hoy son la base de la colección de este pintor en el Museo del Prado. Puede que sorprenda que fuera capaza de admirar la belleza de estos cuadros, como entendido en arte que era, y que luego eligiera a pintores de segunda fila como Luca Cambiaso, Federico Zúccaro y Pellegrino Tibaldi para decorar la basílica. Es conocida la historia de Felipe II y el Greco, que puede servir para ilustrar en qué medida el rey controlaba todo lo que tenía que ver con el edificio, inclusive la iconografía.

El Greco vino a España en torno al año 1575 atraído por las perspectivas de trabajar en el gran palacio que Felipe II estaba levantando. En 1580 el rey le encargó el El martirio de San Mauricio con intención de otorgarle después el resto del retablo de la basílica. Era la ocasión que esperaba el pintor para ganarse el favor del monarca. El pintor se esmeró en este gran cuadro, pero Felipe II no quedó satisfecho. Le pagó el cuadro al artista, pero ni lo colocó en el lugar para el que estaba destinado ni le volvió a encargar más obras. Es evidente que el rey valoró la belleza artística del cuadro, que fue reservado para la sacristía, pero le pareció que la forma de representar el mensaje religioso no era la más adecuada para ser exhibido cara al público. La obra era muy bella, pero según la máxima de la contrarreforma “los santos se han de pintar para que no quiten las ganas de rezar”.

4.- Otro de los datos que nos permiten apreciar el talante de Felipe II es su interés por la ciencia de su época. En el siglo XVI el desarrollo de la ciencia va unido a todos aquellos saberes que aportan algún medio de conocimiento de la realidad. El palacio viene a ser una primitiva academia de todas las ciencias. Miles de volúmenes de todas las disciplinas se van reuniendo en la biblioteca. Se prepara al mismo tiempo por ilustres geómetras información par emprender un mapa geodésico de España. También se realizan en el palacio experimentos químicos y farmacéuticos. Incluso las ciencias esotéricas como la astrología, la alquimia, la cábala y el neoplatonismo tienen cabida entre esos muros. En realidad, El Escorial es el único lugar del Imperio en el que se puede leer y comentar la Biblia con absoluta libertad o realizar experimentos seudocientíficos gracias al patrocinio del monarca.

Deberíamos desprendernos ya de la leyenda negra que ha acompañado a este monarca.

PRIMERAS IMPRESIONES DEL EXTERIOR.

- Grandiosidad. El edificio es un inmenso rectángulo de 208 por 162 metros.Las dimensiones apabullan. Los guías del monumento se complacen en enumerar que posee más de 2000 estancias, de 2600 ventanas, de 1200 puertas, 86 escaleras, 16 patios, 15 claustros, 88 fuentes... Afortunada o desgraciadamente, la visita se reduce a muchos menos espacios.

- Austeridad y monotonía. El colosalismo contrasta con la sencillez de formas, sobre todo en el exterior: muros lisos sólo interrumpidos por ventanas , sin molduras ni cornisas, y por decoración arquitectónica que se concentra en las puertas de entrada principales que se orientan hacia el oeste.

La fachada sur iluminada durante todo el día atrae a los fotógrafos visitantes, que intentan captar esta esencia.

- Geometrismo. Todo el edificio está concebido bajo las leyes matemáticas y geométricas:

• Las proporciones del edificio responden a los elementos básicos del sistema de Euclides. En la planta sintética se puede observar que la totalidad del perímetro se inscribe en una circunferencia; por otro lado, se dibuja un triángulo equilátero desde los extremos de la fachada principal y el altar, el punto emocional más importante del edificio.
• Cuadrados y rectángulos se disponen en fachadas a modo de ventanas y en los patios que forman la retícula de su planta. Triángulos, semicírculos y círculos se disponen como elementos en los frontones y en las cúpulas.

• La geometría tiene su expresión más original en dos motivos decorativos exentos creados por el arquitecto  Juan de Herrera: la pirámide y la esfera granítica que rematan lugares significativos del edificio.LOS MATERIALES DE CONSTRUCCIÓN

El edificio se construyó con grandes sillares de granito obtenido en canteras de la misma sierra de Guadarrama. El gris amarillento del granito contrastra con la pizarra azulada utilizada para los tejados. La pendiente de éstos se debe a una cuestión funcional: evitar que se acumule la frecuente nieve invernal.

LA FORMA EXTERNA

• Su forma es el paradigma de la simetría: un rectángulo inmenso parcelado en una estructura reticular parecida a una parrilla, cuyo eje central se prolonga con un apéndice a modo de mango (el palacio de Felipe II en los pisos superiores/panteón en el bajo y cripta).

Destacan sus  torres esquineras, que sólo sobresalen en altura. Estas torres se rematan con una estructura puntiaguda hecha de pizarra y plomo llamado chapitel, que será a partir de ahora signo de identidad de la arquitectura de los Austrias en España.LA PORTADA PRINCIPAL

La fachada principal es la oriental, presidida por una portada de estilo clasicista. En ella destaca:

- la superposición del orden toscano y el jónico en las columnas colosales, que sostienen entablamentos correctos. El piso superior está rematado además por un frontón.

- En los intercolumnios se alternan los vanos ciegos con ventanas. También podemos encontrar algún motivo decorativo como bolas graníticas, pirámides, rectángulos rehundidos y hornacinas vacías, así como tres elementos figurativos: la estatua de San Lorenzo (el santo patrón), un bajorrelieve con el símbolo de la parrilla en la que fue martirizado el santo y el escudo de armas de Felipe II.

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