Te propongo un nuevo juego.

He estado viajando el último año y he visitado distintos lugares y museos de España y del mundo. Al llegar a casa y ver las fotos me he dado cuenta de que pasé demasiado rápido  por muchos sitios y ahora soy incapaz de  poner en algunas de ellas un pie de foto. Literalmente, he olvidado dónde las tomé ¿podrías ayudarme a identificar estas diez fotografías?

Si quieres jugar deberás resolver dos cuestiones...

1.- Identificar con precisión el lugar o el museo (hay museos muy grandes y que tienen obras desde la prehistoria hasta el siglo XXI, por lo que se debería, si es el caso, precisar la sala o la colección).

2.- Indicar qué obra u obras de arte te han llevado a descubrir el lugar. Haz un breve comentario de la misma que contenga como mínimo:

• Título o nombre de la obra u obras que habéis reconocido.
• Autor (siempre que sea conocido)
• Estilo artístico o cronología.

¡Ojo! porque algunas imágenes creo recordar que las tomé en exposiciones temporales, por lo que puede que la obra no encaje con el museo o donde debería estar.

Iré colgando vuestros comentarios bajo estas líneas, siempre y cuando me convenzan de que son correctos y completos. Con vuestra ayuda completaremos e ilustraremos este álbum de fotos.

Pincha aquí para descubrir otros juegos didácticos

COMIENZA EL JUEGO

Montse se ha decidido por una de las imágenes más claras.

"Imagen 3:

Bailarina de catorce años de Degas, expuesta en el Museo D'Orsay (París); estilo impresionista, mostrada en 1881.

Había tres obras que nos ponían sobre la pista: la que ha descubierto Montse y también los dos cuadros que se ven detrás: un Renoir, titulado El baile de 1883, y el otro está más borroso pero creo reconocer un Cezanne?, aunque también podría ser un paisaje de Renoir por coherencia con la obra segura de al lado... El caso es que estamos en una sala del museo que expone la mayor cantidad de obras del impresionismo francés. La obra de Degás tiene un trasfondo inquietante y escabroso que en otro momento contaré, aunque si alguien lo conoce y  quiere adelantarse que lo haga (lo publicaré a continuación).

16 de Noviembre de 2009

Vaya, Silvia acababa de pasar por Sevilla este fin de semana y parece que lo ha aprovechado divinamente.

"Imágen número 10
Se trata del Patio de las Doncellas, situado en los Alcázares Reales de Sevilla. Fueron realizados para el rey Pedro I el Cruel a mediados del siglo XIV, en estilo mudéjar. Es un lugar bellísimo, donde se observa muy bien ese concepto del arte tan particular que tenían los musulmanes y que los reyes cristianos aprovecharon para sus construcciones, como la unión de la arquitectura a través de la naturaleza con los jardines y fuentes. Las arquerías que rodean el patio por sus cuatro lados, son muy elaboradas y ricas, aportando monumentalidad al conjunto. Una de las obras más bellas del arte bajomedieval de la Península."

Efectivamente, ya veo que has disfrutado visitando esa bellísima ciudad y no te has podido engañar con su semejanza con otros palacios mudéjares o con la misma Alhambra.

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Enrique tampoco ha estado ocioso, aunque al parecer este fin de semana ha viajado más por internet, como hemos hecho otros. Ha resuelto dos obras de una tacada. Estas son las obras resueltas y sus comentarios:

"La imagen numero 6

pertenece al Museo Egipcio de El Cairo, que se encuentran en las salas centrales 23- 28- 33, Imperio Antiguo. Están datadas en el año 1350 A de C. Es evidente que lo que se ve. es el faraon y su esposa. Se trata del faraón Amenhotep III, su esposa Tiyi y una hija. Por lo que he leído tuvo un reinado de lo más prospero y constructivo de la historia, aunque se ve que le iba bastante la marcha con el asunto de las mujeres. También he leído que este año se han descubierto dos estatuas suyas en Luxor."

No podía esperar que esta imagen os causara ninguna dificultad, puesto que es la más representativa del interior del Museo Egipcio de El Cairo. La acumulación de obras es tal que no podía ser la última en ser descubierta.

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"La escultura numero 7

se llama No violencia. Hecha en bronce por el artista sueco llamado Karl Fredrik Reutersward y regalo de Luxemburgo. Se trata de una replica de un revolver calibre 45. Se encuentra en la plaza del edificio de la Asamblea General, frente a la Primera Avenida a la altura de la calle 45. Parece ser que es de un estilo surrealista -dadaísta."

La clasificación estilística no me convence mucho, pero es que en verdad que es de un expresionismo inclasificable y a la vez tiene algo de absurdo y alegoría onírica contra la violencia. Es un homenaje del escultor a su amigo John Lenon, asesinado de cinco disparos de revolver en 1980 y no muy lejos de allí.  Echo en falta que no hayas nombrado la ciudad donde se encuentra. Parece que pasearas todos los días por la Primera Avenida...  de Nueva York. Si se había visto la imagen antes, es fácil identificarla porque es tan curiosa que no se olvida. Aquel que no la hubiese visto tenía como otras pistas los rascacielos y la hilera de banderas delante del edificio de la ONU.

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17 de Noviembre de 2009

Enrique sigue empeñado en la búsqueda y ha descubierto una nueva imagen.

"Imagen numero 4,

es la catedral de San Romualdo de Malinas (Belgica). Construida en honor a un misionero irlandés del sigo VII. Se comenzó en el año 1200 se prolongó hasta comienzos del siglo XVI. De hecho la torre fue construida entre los años 1452 y 1520. Es de estilo gótico brabantino, también a causa de su larga duración de la construcción hay elementos de otros estilos. La torre cuenta con una altura de 97,28 m. y 540 escalones Cuenta con un carrillón formado por 49 campanas. Alberga esculturas y pinturas. El detalle que me ha llevado a descubrir la imagen ha sido la bandera de encima de la torre, la del león, que tengo que decir que me ha confundido con Holanda"

Me maravilla la vista que tienes. Es Malinas, su catedral y la plaza del Mercado, con las típicas viviendas del siglo XVII de los Países Bajos, que pensé podían ser la clave más directa para ir a la zona. La torre es alta como tú bien dices, pero se llegó a pensar levantarla hasta los 160 metros. Se pararon al llegar a los casi 100 por problemas económicos. Con este tipo de torres se buscaba crear edificios-estandartes de la ciudad. En el interior hay una maqueta con el diseño de lo que se pretendía. Se puede subir a la torre, si no os desaniman las escaleras, desde lo alto se tiene una vista de la ciudad espléndida. También podéis hacer ese mismo recorrido sin moveros del asiento sólo pinchando en este enlace . Con él accedéis a la página oficial de la Torre de San Romualdo que os permite  una visita virtual de 360º  e ir a dónde deseéis, meteros entre las campanas y por supuesto subir a lo más alto para contemplar la vista de la ciudad. (muy recomendable)

Imagen tomada desde la visita virtual. Los controladores de dirección son fáciles y la ascensión divertida.

Todavía hay tiempo para contemplar la exposición del bilbaíno Darío Urzay que refleja su trayectória pictórica de estos 13 últimos años con una muestra de sus creaciones, reunidas con el título "Bifurcaciones". Puede hacerse hasta el 22 de noviembre de 2009 en el Museo Colecciones ICO  de Madrid (c/ Zorrilla nº 3)

Biografía y evolución artística.

Este breve apunte biográfico y artístico va para aquellos que no conozca la obra de Urzay. Nació en 1958 en Bilbao. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (1982), centro del que fue profesor durante cinco años. Desde 1989 a 1994 siguió sus estudios en Nueva York. Este último año regresó  y desde entonces  trabaja en su ciudad. Su obra se ha expuesto en numerosas galerías internacionales y nacionales, siendo adquirida por  muchas instituciones públicas (ICO, M. Guggenheim, MNCARS, M. B. A. de Bilbao, FNAC...) y fundaciones de empresas y bancos privados (BBVA; Santander, Telefónica, Cocacola, La Caixa o Banesto). Es sin ninguna duda uno de esos pintores que están en el gran mercado del arte.

Pasaje 42.744N-2.959W, 2008

Además de por la pintura se le conoce popularmente en su tierra por otra faceta polémica, la de diseñador original de camisetas para sus equipos de fútbol. Creó una para la participación del Athlétic de Bilbao en la UEFA del 2004. La camiseta causó una agria polémica en el club ( se la conocía como la de Ketchup) que impidió su estreno, tras lo cual Darió Urzay retiró los derechos de venta al Athlétic, siendo ahora un objeto de culto. También ha diseñado más recientemente la del Centenario del Club de Las Arenas de Getxo (1909-2009).

Camisetas del Athletic 2004 y Las Arenas 2009.

Estilo.

No hay ninguna duda de que el estilo en que clasificamos al pintor es la abstracción. Una abstracción puramente decorativista, de ahí el éxito entre las grandes instituciones que utilizan sus grandes cuadros como paneles ornamentales de sus salones y espacios interiores.

Su obra se caracteriza  por utilizar colores atractivos dispuestos en manchas o de forma filamentosa. El soporte de los colores puede ser madera o aluminio, utilizando para fijarlo y dar un acabado lacado una solución de resina. Utiliza además como herramientas en su proceso creativo fotografías, el vídeo y el Google Earth.

La muestra nos presenta 30 obras difíciles de describir en las que se unen al color referencias topográficas. De ahí que subtitule este artículo como la abstraccción topográfica. Algunas de sus manchas se disponen aguadas como si se trataran de curvas de nivel y de hecho los títulos de algunas de ellas hacen referencia a coordenadas geográficas (Bilbao). La realidad es que utiliza la fotografía aérea, manipulada por ordenador, para crear esos efectos de relieve.

A mí me gusta las sensaciones de texturas que crea y los efectos de relieve..., muy buenas para fondos de pantalla.

La reflexión profunda  que transmite es que el artista cuando construye su realidad tiene que tomar una serie de decisiones que suponen optar por un camino o por otro. Cada camino se bifurca en otros caminos y estos a su vez en otros milles que se interrelacionan. Esta "bifurcación perpetua" implica una no vuelta a atrás cuando tomas la decisión de comenzar la creación y, por tanto, hace impredecible el resultado final. También se plantea la duda de cómo habría sido el resultado de haber tomado otro camino... Es una metáfora de la vida misma.

Para saber más sobre la exposición y el "lenguaje emocional" de Urzay pincha en este enlace

Esta es mi propuesta cultural para el fin de semana de aquellos que lo pasen en Madrid.

El 29 de Octubre se inauguró en la Real Academia de San Fernando de Madrid la exposición "Carlos III, entre Nápoles y España". La organiza la Embajada de Italia en conjunto con la Academia y la patrocina ENDESA.

Retratos de Carlos III y Amalia de Sajonia por Giuseppe Bonito.

La exposición no es muy extensa, apenas 48 piezas, pero merece la pena ya que están bien seleccionadas y nos permiten conocer el contexto artístico y político de 1759, año en que se produjo la ascensión al trono de Carlos III. Su hermano Fernando VI, había fallecido sin descendencia y Carlos, que ya era rey de Nápoles y Sicilia desde 1734, tiene que asumir la corona española. Dejó tras 25 años de gobierno el reino italiano a su tercer hijo  -Fernando-, que sólo tenía en ese momento 8 años, y partió de Nápoles con el resto de su familia hacia España.

Embarque de Carlos III desde la dársena de Nápoles, 1760, por Antonio Joli.

La muestra nos enseña que Carlos III trajo consigo además unas vivencias artísticas que explican el apoyo decidido del monarca a la transformación del barroquismo de inspiración francesa por un nuevo espíritu neoclásico. Durante su reinado fue el impulsor de las primeras excavaciones de Pompeya y Herculano, pero también -y esto es algo que desconocía- de las ruinas del santuario de Paestum. El cuadro de Antonio Joli alude a esos trabajos de dibujo y catolagación del conjunto de templos mejor conservados de Grecia. El interés por rescatar el mundo grecorromano animará a la transformación artística.

Templo de Hera en Paestum, por Antonio Joli.

El espíritu del neoclasicismo ya se respira en la obra de su arquitecto Luigi Vanvitelli, del que se exponen algunos diseños del palacio que construyó para Carlos en Caserta o de su ideas para el palacio de Oriente de Madrid, que por entonces estaba en construcción.

Proyecto escalera  para el Palacio Real de Madrid, por Luigi Vanvitelli.

Se exponen algunos de los objetos que Carlos III se trajo de Nápoles para iniciar en Madrid una nueva vida: cerámicas de Capodimonte, esculturas, una mesa de piedras duras y, sobre todo, los retratos familiares. De éstos  destacaría los magníficos retratos de Giuseppe Bonito del rey y de su esposa Maria Amalia de Sajonia, que podemos ver en una foto anterior, y los realizados por Francesco Liani de los pequeños príncipes.

Manufactura de Capodimonti. Satiros en porcelana.

Retrato de Antonio Pascual de Borbón, por Francesco Liani.

Giacinto Diano pinta a otros personajes de la corte. Mientras Michele Foschini retrata el acto de renuncia de Carlos III a la corona italiana ante su hijo y la jura posterior de éste como nuevo rey de Nápoles y de Sicilia.

Antonio Joli nos ofrece unas vistas impresionantes de la bahía de Nápoles en el momento de la partida del rey. Los cuadros de Joli son, a mi parecer, el mayor atractivo de la muestra. Razón por la cual vamos a recrearnos un poco en su obra.

Discípulo de Canaletto y experto en decorados teatrales sabe captar los paisajes y las perspectivas como pocos. Con una minuciosidad increible refleja el ambiente que se vivía en la ciudad italiana con la partida del rey. Con mucho acierto se incluye también en la exposición  una de las mejores vistas que realizó de Madrid entre 1750-54. La ciudad que va a acoger al nuevo rey empieza a cambiar su imagen, se están haciendo obras todavía en el Palacio Real. Merece la pena contemplar en directo este gran cuadro y no perderse ni un sólo detalle: las fotos que he conseguido le hacen poca justicia.

Embarque de Carlos III, detalle de la vista desde el otro lado de la bahía. Por Antonio Joli, 1760.

Embarque de Carlos III visto desde la dársena del puerto, detalle. Al fondo se puede ver como testigo del acontecimiento al Vesubio humeante. Por Antonio Joli, 1760.

Vista de Madrid. Antonio Joli, 1750-54.

Vista de Madrid. Detalle del puente de Segovia, la ermita de la Virgen del Puerto, la puerta de Segovia y el Palacio sin la plaza de la Armería (en explanación) ni los jardines del Campo del Moro . Antonio Joli, 1750-54. El "skyline" es muy detallado y se pueden reconocer muchos edificios más.

En este artículo vamos a tratar de un sorprendente grupo de artistas jóvenes argentinos, que  llevan unos años  irrumpiendo con fuerza en los círculos artísticos internacionales. Sus obras ya se han vendido a la Tate Gallery de Londres y al Moma de Nueva York.

Exponen desde el 1 de Julio al 7 de agosto en la galería Ruth Benzacar de Buenos Aires.

Pronto los tendremos de nuevo en España, mientras tanto aquí os dejo un vídeo y un artículo que he elaborado para conocer un poco mejor su obra. El vídeo repasa en imágenes  la obra del grupo desde 2002 con música de Fito Páez, Buenos Aires

Estos son algunos datos a tener en cuenta sobre ellos.

NOMBRE

Mondongo.

Una comida popular argentina parecida a los callos. La rotundidad del término les gustaba y querían que fuera un símbolo de sus intenciones como artistas: acercar el arte a la gente del pueblo y hacer de sus creaciones un plato de muchos ingredientes y casi literalmente comestible.

COMPONENTES

Son tres creadores unidos por la amistad (Juliana y Manuel están casados) y por una visión del arte provocador.

Juliana Lafitte, 1974, Buenos Aires.

Manuel Mendanha, 1976, Buenos Aires.

Agustina Picasso, 1977, Buenos Aires.

ESTILO

Difícil de encajar. Están a caballo entre el arte conceptual, el surrealismo, el pop art y lo kitsch. Sin embargo, sus raíces son más profundas. Enlazan con pintores de otras épocas de la historia del arte que también están fuera de estilo, que han buscado expresar un mundo muy profundo y personal a través del juego con las imágenes. Su obra me recuerda especialmente a Arcimboldo y  a El Bosco.

- Con  Arcimboldo comparten la fantasía de destruir la objetividad de lo observado creando imágenes simbólicas con objetos inverosímiles, lo que pasa que en este caso sus objetos son el verdadero material de creación de la obra.

- El Bosco asoma en aquellas obras en donde se desborda el miniaturismo y la caricatura (Calavera); donde se crea un mundo imposible de imágenes unidas por el sueño; donde la realidad nunca es lo que parece; donde lo imposible nos invita a reflexionar; donde apreciamos un poso de crítica social...

MATERIALES

Es uno de sus rasgos más distintivos y rompedores.

En sus orígenes, ante de trabajar en conjunto, eran pintores de óleo y acrílico, pero desde que decidieron trabajar y exponer en conjunto han ensayado con todo tipo de materiales, para crear collages de materiales increíbles.

En las primeras obras utilizaron muchos materiales perecederos (lonchas de chacinería, galletitas, migas de pan, chicles, caramelos…) tratados con una solución de resina tóxica para evitar su corrupción. Algunos de estos materiales les han causado malas pasadas (v. g. el retrato del crítico Jorge Glusberg hecho con caramelos terminó derretido o algunos trabajados con carne que no han podido evitar la putrefacción). Ante estos problemas desde el 2005 trabajan con materiales de mayor durabilidad como hierro, plásticos y sobre todo, plastelina y e hilos de algodón, que son los materiales que predominan en la exposición. En plastelina se han convertido en virtuosos artesanos capaces de modelar pacientemente miles de formas.

HISTORIA E ICONOGRAFÍA

Los integrantes del grupo se conocieron estudiando la carrera en la Escuela Nacional Priliano Pueyrredón (la Antigua Escuela de Bellas Artes Argentina).

- En 1999 deciden unirse para trabajar juntos tras compartir ideas en un viaje a Estados Unidos.

- En 2000 exponen por primera vez en Buenos Aires, pasando un tanto inadvertidos. Esta exposición se tituló La primera Cena y presentó 120 "máscaras mortuorias" de personajes vivos argentinos.

- En 2002 la galerista Florencia Braga Menéndez les dio el espaldarazo al exponer en su Sala un conjunto de atrevidos retratos dedicados a figuras de la “jet set” del arte argentino, que no a todos agradó. Entre los retratados estaban Amalia Fortabet, Federico Klem, Jorge Glusberg o Ruth Benzacar. Sin embargo, el éxito les vino del entusiasmo por su obra del secretario de Estado español Miguel Ángel Cortés, quien les propuso pintar para la monarquía española. Lo que aceptaron inmediatamente. De ese encargo salieron tres retratos: el del rey Juan Carlos, el de la reina Sofía y el del príncipe Felipe.

- En 2004 expusieron parte de su obra en la Casa América de Madrid con notable éxito. La muestra era un conjunto de retratos personalidades internacionales hechos con materiales simbólicos. Destacamos un Juan Pablo II hecho con hostias o un Lucien Freud realizado con embutidos.

En Buenos Aires ese mismo año también exponen dos nuevas tendencias temáticas en la Galería de Daniel Maman. La exposición se llamó Esa boca tan grande y tanto podía hacer mención a la expresión del cuento de caperucita roja de Perrault ilustrado irreverentemente por Mondongo (Serie Roja) como a las 14 obras de la Serie Negra que recrea escenas de sexo explícito bajadas de internet modeladas con galletitas.

- Durante el 2005 y el 2006 siguieron creando retratos de personalidades argentinas con materiales diversos. Hay un famoso cuadro de Maradona hecho con cadenitas de oro.

- En 2007 y 2008 vino su despegar en el mercado del arte anglosajón exponiendo en la Galería Track 16 de Santa Mónica (Los Ángeles) y en la Galería Maddox de Londres con indudable éxito de ventas. También sirvió para que su obra fuera conocida por Rei Kawakubo, diseñadora de Comme des Garçons que ha decidido aplicar sus obras como imagen comercial de la marca de moda.

En estas exposiciones siguieron la línea temática del sexo provocación ampliando las Series Roja y Negra y aportando nuevos cuadros de formato ojival donde aparecen máscaras de payasos inquietantes o decenas de bebés flotantes como amasijo de carne con el nombre de la Peste. También aparecen los cuadros de gran formato y el ensayo con nuevos materiales como el hierro (billete de Dolar) y los animales disecados.

- En 2009 ha llegado esta nueva muestra que aquí traemos en imágenes.

LA EXPOSICIÓN Silencio EN LA GALERÍA RUTH BENZACAR

La componen  nueve obras de gran formato que recogen tendencias individuales de cada artista. El nexo de conexión entre ellas son los materiales utilizados.

La "vanitas" Calavera.

Esta obra conmueve especialmente. Es una imagen que según te vas acercando va descubriéndote una multitud de mensajes, como si ante la presencia de la muerte nuestra imaginación nos jugara malas pasadas y comenzáramos un viaje onírico. Creo no equivocarme al pensar que esta obra será con el tiempo  una de las más valoradas de su producción, en ella han volcado todo su bagaje personal de estos años, todos sus iconos admirados y todas sus pesadillas. Es un repaso a su vida, a  lo estudiado, a lo vivido y a lo trabajado.

Como ya hiciera El Greco en el Entierro de El conde de Orgaz los artistas abren el cielo, esta vez sobre el cráneo y  aparecen ene él cabecitas de sus santos queridos y odiados presidiendo el Juicio Eterno de muchas almas. Allí se mezclan: sus retratados con el gato japonés Menki Neko; las cabezas de dioses y monstruos aztecas y sus espermatozoides vestidos de nazarenos; El Coliseo, la Piedad de Miguel Ángel, La estatua de la libertad, El Taj mahal, un Cristo en la cruz y el "único dios verdadero, el dinero"...

Los retratos.

Una inocente niña con una diadema vista de lejos, se convierte de cerca en un rostro formado por espermatozoides y la diadema en una arbórea corona de penes.

El otro retrato infantil es otro homenaje al surrealismo y al puntillismo. La sonrisa angelical de la niña,  se desvanece cuando descubrimos de cerca que ha sido creado por multitud de pechos y pecas de plastelina de colores. Objetivo cumplido: nos han engañado y, sobre todo, nos han desestabilizado. El espectador ya no puede estar seguro de que lo que ve es real o se trata de otro juego óptico más, ya no puede pasar de largo del cuadro, tiene que meterse en él y buscar el truco.

Majestuoso e inquietante resulta el retrato femenino hecho con hilos del algodón, que apenas cabe en la sala.

Los paisajes.

Resultan perturbadores:

- Un apacible parque urbano se convierte en sala de partos donde una parturienta da a luz a una multitud de niños (La República de los Niños). Los niños corretean y juegan aparentemente alegres y despreocupados, pero si nos acercamos a una esquina descubrimos la presencia de cráneos y espermatozoides atrapados en la tierra...

- A más de quince metros un Río Rojo como de lava se desvela en la proximidad como una amalgama de vísceras y cuerpos humanos desollados atrapados entre decenas de objetos de la sociedad de consumo.

Más sobre Mondongo en su página web .

El día 9 de Junio se inauguró en el Musseo Thyssen-Bornemisza una exposición sobre la figura del más conocido de los pintores fauvistas, Henri Matisse (1869-1954). Aunque su trayectoria pictórica abarca toda la primera mitad del siglo XIX, la muestra ilustra el periodo entre las dos guerras mundiales. Por motivos biográficos la muestra se alarga un poco más allá, entre 1917 y 1941. Se escoge como partida 1917 porque ese año el pintor decide trasladarse de París a Niza para dar un giro a su obra: abandonar su pintura más decorativista e investigar en lenguajes más personales e intuitivos. Y se finaliza en 1941 porque Matisse se enfrentó a una operación quirúrgica  que le dejó graves secuelas que condicionarán su obra posterior.

Aprovechemos la oportunidad de contemplar esta exposición y aprendamos algo más sobre el fauvismo y sobre la obra de Matisse. En la siguiente presentación puedes contemplar una selección de las obras más importantes de este artista. Especialmente he cargado más el periodo del que trata la exposición para que tengáis algunas referencias antes de visitarla. Si queréis ver las imágenes a pantalla completa hay que pinchar sobre el logo de Myplick que aparece en la esquina inferior izquierda y luego en la página emergente en el recuadro de pantalla completa, que aparecerá bajo de la presentación. La música es de Al Stewart y se titula Sand in yor shoes

EL FAUVISMO

La historia del arte vincula  a Matisse al fauvismo, un movimiento que animó la escena artística francesa durante la primera década de siglo. Los fauvistas eran un pequeño grupo de pintores jóvenes que trabajaba en París  a los que se les dio este nombre, que significa "animales salvajes", cuando expusieron en el Salón de 1905. El líder del grupo era Henri Matisse, pero también pertenecieron a él  Albert Marquet, André Derain, Maurice de Vlamick, Raoul Dufy y George Braque. Nunca tuvieron la intención de formar un grupo organizado, por lo que desde 1907 en que apareció  el cubismo y  mucho más desde 1910 en el que surgió Die Brucke, el expresionismo, puede darse por liquidado al seguir caminos distintos cada uno de sus integrantes.

André Derain, El puente de Westminster, 1906

Características de los pintores fauvistas.

De una u otra forma todos tenían en común:

• La influencia de Paul Cezanne, Paul Gaugin, Vincent Van Gogh y los puntillistas rompedores de la pintura tradicional.
• La influencia de Gustave Moreau, pintor simbolista en cuyo taller trabajaron algunos de estos pintores, que gustaba de temas exóticos y decorativos, además de animar a sus discípulos al cultivo de su propia personalidad individual.
• El interés por un color brillante, saturado y arbitrario, es decir, independiente del color del objeto representado.

HENRI MATISSE

a) Formación  e indefinición estilística hasta 1905

Matisse estuvo muy  influido desde sus inicios por Cézanne del que consevaba un cuadro de Bañistas, que también se expone en esta muestra. Y, por supuesto, por Gustave Moreau que le acercó al estudio de  Rafael, los maestros holandeses y Poussin, pero que, sobre todo, le inculcó el amor por la decoración ondulante, basada en el "arabesco" de líneas curvas del arte islámico. También Paul Signac le  inspiraba  a comienzos de siglo,  como podemos ver en el caudro puntillista Lujo, calma y voluptuosidad de 1904.

b) El Fauvismo decorativista 1905-1917

Las pinturas realizadas en el verano de 1905 con Derain inauguraron el periodo fauve y también la consolidación de un Matisse con estilo definido. En el retrato de La raya Verde, se establece el manifiesto de esta corriente: el pintor construye un cuadro mediante al intereacción de planos yuxtapuestos de color subjetivo, sin relación con el de la modelo. No importa el color real, pero tampoco la ubicación espacial o el volumen.

En los años siguientes Vlaminck o Dufy se interesarán por el lado expresivo del fauvismo,  pero Matisse sintió  la pintura de forma distianta. Para él que el color debía servir "como lenitivo, como calmante cerebral, algo semejante a un buen sillón", que reconfortara y aportara sensaciones agradables y positivas. Su pintura  es, pues, puramente decorativista, sin más pretensiones que construir con el color y la forma sensaciones bellas. La elección de los colores obedecerán a sus sensaciones armónicas del momento en que los reparte en el cuadro. Este planteamiento culmina con obras como La Música y La Danza de 1910, en donde con una escueta combinación de  formas y colores consigue dos bellísimos paneles de gran formato.

En estos años visitará Argelia y Marruecos y, como otros muchos pintores, quedará atrapado por el colorido y la luz norteafricana. De allí traerá temas, como el de la sensual odalisca, y estampados que decorarán las habitaciones y las superficies planas de las escenas interiores de sus cuadros (Armonía en Rojo, 1908). Le interesa el caracter repetitivo de los estampados, poniéndolos en el mismo plano de igualdad que los personajes. Estos temas no le abandonará hasta el final de su obra.

c) Entre el Fauvismo intimista y el decorativista. Niza 1917-1941

En los años veinte volverá a recuperar la sensación de volumen y de espacio que había abandonado en el periodo anterior, aunque evitando el claroscuro y la perspectiva tradicional, como podemos ver en sus series de odaliscas y sus interiores con ventana abierta en esta misma exposición.

Sus figuras femeninas volverán a la planitud desde los años 30 y hacerse cada vez más sintéticas, recordando los modelos decorativos de los primeros años. El color se diluye cada vez más en aguarrás, haciéndolo "incorpóreo", y la forma se sintetiza en leves curvas y contracurvas. Todavía existen fondos. Ejemplo de este periodo podría ser Mujer del vestido azul reflejado en el espejo.

d) Los últimos quince años. 1941-1956

Los últimos años de su vida estuvieron marcados por constantes problemas de salud, agravados por las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación alemana, que llevó a la cárcel durante unos meses a su mujer y su hija. Un Matisse anciano y enfermo, que no dejará de trabajar como puede, a menudo desde la cama. Este handicap le llevan a incorporar una nueva técnica que protagoniza esta etapa: los papeles pintados con gouache y posteriormente recortados y pegados sobre el soporte. Ya los había utilizado en el proceso de trabajo para La danza de Merion en 1930, pero será desde 1943, con el libro ilustrado Jazz, publicado en 1947 (Icaro), cuando esta técnica se genralice. Con esta técnica el pintor puede alcanzar su ideal de una pintura plana y sintética, que se puede aplicar al lienzo, al papel, a la vidriera o al tapiz. Año a año simplifica más sus colores y formas, los detalles se pierden, y  nos acercamos  a una pintura cada vez más abstracta, donde la referencia figurativa está en el título, un pretexto para jugar con el color y la forma (Animales marinos de 1950 o La tristeza del rey de 1952).

La retrospectiva de la obra de Juan Muñoz que ha recorrido la Tate Modern de Londres, el museo Serralves de Oporto y el Guggenheim de Bilbao concluye su recorrido en Madrid, ciudad natal del escultor. En el Museo Reina Sofía se han juntado un centenar de obras que ocupan distintos espacios: el jardín, el claustro, las salas y la terraza interior del edificio Sabatini. Sin duda es la exposición más completa que se haya celebrado sobre el artista  hasta la fecha. La exposición hace un recorrido por toda su obra, desde sus primeras miniaturas de elementos arquitectónicos, hasta sus últimos trabajos en forma de grandes composiciones.

Juan Muñoz, nacido en Madrid en 1953 y fallecido de forma prematura en 2001 en Ibiza, es uno de los escultores contemporáneos españoles que ha logrado el reconocimiento internacional y cuya obra figura en los museos más importantes del mundo pese a su contemporaneidad. Se dará a conocer  a mediados de los años 80, pero hasta  la década siguiente no alcanzará la fama que hoy tiene gracias, sobre todo, a sus instalaciones escultóricas "narrativas". En ellas juega con el espectador, convirtiéndolo en un elemento más de la composición.

Many Times, 1999.

Eso sucede con Many times (Muchas veces) (1999), seguro su obra más conocida. Está formada por cien figuras de rasgos asiáticos que sonríen con beatitud. Todos los rostros son similares, sólo sus posturas los distinguen y llenan de movimiento. Pasear entre ellos nos provoca sensaciones extrañas. Invadimos su espacio y ellas permanecen impertérritas, sonriendo, sin  mirar directamente al visitante. La falta de individualidad y de privacidad nos incomoda.

En la escultura El ventrílocuo mirando un interior doble el visitante contempla una imagen, en negativo, de dos puntos de vista de un apartamento moderno. Su mirada, la comparte con la de un muñeco de ventrílocuo, que mueve los labios sin emitir sonido alguno... El silencio que emana de su boca no puede ser mas inquietante, para el que está a su lado.

La figura del Ahorcado se inspira en la de un equilibrista que pintó Edgar Degas.  Juan Muñoz  transforma esta  escena bella en algo dramático, que nos golpea y que no acertamos a comprender: estamos ante un torturado o ante un suicida.

En Tierra Baldía, "The Wasteland" (1987), el espectador ha de caminar por un  suelo geométrico bajo la muda mirada de una pequeña figura sentada sobre una repisa en el fondo. Todo el mundo calla y pasa rápidamente a la sala siguiente...

En el siguiente vídeo puedes conocer algo más acerca del mundo creado por Juan Muñoz

Este artículo sale a la luz con motivo de la gran exposición que desde el 26 de mayo ha inaugurado el Museo del Prado sobre Joaquín Sorolla, el principal representante del Impresionismo en España. La muestra presenta más de cien cuadros del artista de todas las épocas, desde las obras de realismo social como Otra Margarita o el más conocido Aún dicen que el pescado es caro a las obras puramente impresionistas donde juega con la luz levantina o con la pincelada rápida en los retratos y paisajes. Creo que merecerá la pena visitarla.

Para ir abriendo boca te ofrezco este video que he elaborado con algunas de sus obras más destacadas y al que acompaña una canción de Billy Joel, "She's Always a Woman".

Joaquín Sorolla nació en Valencia y se educó como pintor de forma muy académica. En 1885 marchó a Roma pensionado por la Diputación de Valencia, y allí se relacionó con los artistas de la colonia española como Pradilla. Desde allí se trasladó a París, donde permaneció seis meses, y surgió su interés por el realismo y por la pintura impresionista, aunque no mantuvo ninguna relación con el grupo. En 1889 ya estaba en Madrid. Todavía tardará en deshacerse del tema social que ocupa gran parte de sus composiciones de los años 90, pero poco a poco el camino aprendido en París irá ganando terreno. En esos años son frecuentes los viajes a su tierra atraído por la luz.  Allí realiza sus cuadros más célebres, los de las orillas del Mediterráneo. El tema de los pescadores o costumbrismo marinero le granjeará los primeros éxitos, pero serán sobre todo las escenas playeras las que capten la atención del gran público por sus presupuestos claramente impresionistas. Nadie ha pintado como Sorolla el reflejo vidriado de los cuerpos mojados de los niños en la playa o las telas blancas deslumbrantes iluminadas por el sol. También le atraen notablemente las figuras femeninas a las que retrata una y otra vez con absoluta originalidad. El conjunto de su obra nos trasmite optimismo y alegría.

En 1900 obtuvo el Premio de Honor de la Exposición Universal de París, convirtiéndose en uno de los artistas más cotizados de su tiempo. Su fama y proyección internacional le puso en contacto con Archer M. Huntington fundador de la Hispanic Society de América. Esta institución le encargó en 1911 la decoración del salón de su sede en Nueva York: catorce paneles de grandes dimensiones que representan regiones españolas y una galería de retratos para la biblioteca, algunos de los cuales podemos ver en esta exposición. Esta obra ocupó al artista desde 1912 a 1919, años en los que viajó por toda la geografía española tomando apuntes y haciendo bocetos. El resultado es un conjunto de obras muy singulares de paisajes y tipos populares o folklóricos.

Como retratista captó a los principales españoles de la época: Benito Pérez Galdós (1894), Miguel de Unamuno, Mariano Benlliure, Ramón y Cajal, Juan Ramón Jiménez, Alfonso XIII... Pero sobre todo se recreó en su familia, su mujer y sus hijos.

Para más información véase también el artículo El impresionismo en  España, donde se repasa la obra de los principales pintores que trabajan con esta técnica o temática y además se pueden ver en la presentación que acompaña más cuadros de este pintor.

Benito Pérez Galdós, 1894

Han vuelto a exponerse desde el 29 de abril los 400 frescos que componen la colección del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. La restauración ha durado más de 10 años, pero ha valido la pena porque de nuevo pueden contemplarse con todo su esplendor. Gracias a la restauración han salido a la luz colores y detalles, que han permitido a los especialistas profundizar en la evolución, los géneros y las técnicas de la pintura romana.

También se puede ver  la exposición "Roma. La pintura de un Imperio".

El orden elegido para exponerlas ha buscado tanto la cronología estilística como la recreación del ambiente de las viviendas pompeyanas de las que las pinturas fueron arrancadas. De esta manera hay salas monográficas dedicadas a la Casa de Meleagro, a la Casa de los Dioscuros o a la Villa de Boscoreale.

Cubículo de la Casa de los Vetii

No hay ejemplos de la pintura romana del Primer Estilo (150-80 a.C.), que no fue arrancada de las paredes de Pompeya porque no era figurativa. Estas pinturas pueden contemplarse in situ en la ciudad y consisten en imitaciones marmóreas de sillares isodómicos o almohadillados, recreados con estuco coloreado.

La colección, sin embargo, contiene algunas de las obras más importantes de los otros tres estilos:

• El Segundo Estilo (80- 30 a. C), llamado también "arquitectónico", tiene su mejor exponente en la Villa de Fanius Synistor en Boscoreale hoy en el Museo Metropolitano de Nueva York, sobre un fondo de rojo cinabrio, se disponen paisajes urbanos, donde a través de la perspectiva se entreven palacios, columnatas, templos, casa privadas, estatuas...

Detalle del segundo estilo de cubículo de la Villa de Boscoreale

• La sala dedicada al Tercer Estilo u ornamental (30 a. C a 60 d. C.) comprende una serie de ejemplos de finísima ejecución: elementos ornamentales con gusto miniaturístico (edificios fantásticos, elementos vegetales muy estilizados, figuritas de animales, niños humanos y pequeños dioses) , junto con cuadritos que narran temas mitológicos, copias de celebres obras de la pintura helenística griega. Destacan las pinturas de la villa de Agripa Postumo y  las de la Casa del Amor Fatal o de Giasone donde la iconografía se inspira en el tema de la fatalidad del amor en las heroínas de la antigüedad con frescos que recrean a Medea, Fedra y Helena…

Tercer Estilo

• El Cuarto Estilo o ilusionista(60-80 d.C.),mezcla de los dos anteriores, es el más presente en la ciudad, muestra un gusto por la arquitectura teatral, pero sin la profundidad del II estilo. Cortinajes, podiums, máscaras y paisaje idílicos. Cuenta con ejemplos tan destacados como los de la Casa de Meleagro, la Casa del Poeta Trágico, la Casa de Marte y Venus y la Casa de los Dioscuros. Aparecen escenas mitológicas como en el estilo III destacando “Perseo y Andrómeda”, "Las bodas de Hera y Zeus", "Aquiles en Esciro", “El sacrificio de Ifigenia”,"los amores de Marte y Venus" o "Ariadna abandonada", entre otras. ..

Cuarto estilo.

También hay frescos llamados por Vitrubio "Megalográficos", que se dan en el s.I a.C. y parte del I d.C. Representan personajes de tamaño natural que componen escenas. Pueden aparecer arquitecturas para dar un mayor realismo. No hay muchos, pero sí de una gran calidad. Destaca "La villa de los misterios", no representada en la colección.

Tema aparte lo constituye el paisaje idealizado sobre el fondo de las escenas mitológicas. Se representan villas de ocio con sus jardines y pórticos. Los “hortus” con los que se decoraban triclinios y habitaciones para ampliar la perspectiva de las estancias, nos permiten recrear los que existieron en estas casas.

El retrato en Roma tuvo gran relevancia y en los frescos pompeyanos se pueden apreciar ejemplos muy representativos como la poetisa Safo y el retrato del panadero Paquio Próculo y su mujer.

De notable interés es el género de la naturaleza muerta o bodegón. Muy bellas son las que provienen de la Casa de Julia Félix..

Bodegón

Algunas pinturas aluden al mundo dionisiaco y de Afrodita, refugios de felicidad. En este sentido también hay que entender los paisajes y animales exóticos .

Otro género mucho más popular sería las pinturas que los tenderos encargarían para reclamar la atención del comprador o de lo que ofrecen sus establecimientos comerciales.

La exposición pretende ser "un viaje por imágenes a través del mundo greco-romano". Dioses, héroes, rituales, escenas de la vida cotidiana y del erotismo se suceden, permitiendo al visitante considerar estas pinturas no sólo desde el punto de vista formal, sino "sobre todo en razón de su modo de expresar un imaginario colectivo quizá no tan lejano" del nuestro.

Junto con las pinturas se exhibirán otros objetos relacionados con los pintores de estos frescos, como bocetos, cuencos para la mezcla de los colores e instrumentos de medida.

Por último deléitate contemplando algunas de las pinturas más notables que se han encontrado en las excavaciones de las ciudades sepultadas por al erupción del Vesubio el año 79 d. C. Si quieres puedes acompañarte con una canción de Jordin Sparks Tattoo