ESTE ES UN EJERCICIO QUE PRETENDE COMBINAR LA ASIGNATURA DE HISTORIA DEL ARTE (ARQUITECTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX) CON LA ASIGNATURA DE GEOGRAFÍA DE ESPAÑA (LA CIUDAD). En realidad es válido para estas dos asignaturas por separado e incluso es necesario saber algo de historia, literatura, costumbres, etc.. de Madrid para resolver la última propuesta  didáctica que versa sobre la canción. Aquí el profesor podría ayudar a los alumnos a resolver algunos "enigmas" de las estrofas.

EJERCICO VISUAL SOBRE LA CIUDAD DE MADRID Y LA ARQUITECTURA ESPAÑOLA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX.

Lee esta introducción y, a continuación, contempla el vídeo musical  a través del cual podrás viajar por la Gran Vía, desde la calle de Alcalá a la Plaza de España, acompañado por una canción de Joaquín Sabina ("Yo me bajo en Atocha"). Luego contesta las preguntas de más abajo.

INTRODUCCIÓN

La apertura de la Gran Vía es una de las reformas urbanas de mayor envergadura e importancia en el casco antiguo de Madrid. Se encuadra dentro del movimiento que se inició a mediados del siglo XIX en favor de las vías amplias y rectas, rompiendo los trazados medievales de las ciudades. Supuso la comunicación del barrio de Salamanca con el de Argüelles a través del casco histórico, evitando así los grandes desplazamientos periféricos que hasta entonces eran necesarios.

Las obras se realizaron en tres etapas consecutivas durante las tres primeras décadas del siglo XX.

• - El primer tramo desde la calle de Alcalá hasta la plaza conocida como Red de San Luis.

• - El segundo desde la Red de San Luis (confluencia de calles Montera, Fuencarral y Hortaleza) hasta la plaza de Callao.

• - El tercero desde la Plaza de Callao (confluencia de las calles Preciados, Carmen y Jacometrezo) hasta la Plaza de España.

Fue una actuación de "cirugía urbana" que no afectó al tejido preexistente que se puede observar en la foto con plano irregular. Sólo los edificios de ambos lados de la Gran Avenida fueron construidos de nuevo. La íntención urbanística y artística era la de crear fachadas monumentales y edificios que fueran símbolos de los servicios que podía ofrecer una ciudad moderna.

Estilísticamente reflejan la evolución de la arquitectura española desde 1910 hasta la década de los años 50. A medida que avanzamos por la calle vamos dejando atrás edificios donde predomina la inspiración historicista ecléctica: el neobarroco parisino del siglo XIX, la secesión vienesa y los estilos nacionales (neomudéjar, platereso salmantino)... Pero también hay obras que buscan la identificación con los rascacielos de Nueva York y con el funcionalismo y el racionalismo.

CUESTIONES A RESOLVER.

Fíjate en los pies de foto  de las imágenes del vídeo y contesta:

• 1.- Haz una ficha de al menos seis edificios (debe haber uno mínimo por cada tramo) de los que aparecen citados en los pies de foto del vídeo. Valen los edificios de la Calle Alcalá desde donde arranca la Gran Vía, puesto que son su antesala, y los rascacielos de la plaza España, que son su colofón. Busca la información por internet o en bibliografía especializada. Indica junto al nombre del edificio y su foto o fotos los siguientes aspectos:

1. Autor.
   
2. Año/s de construcción.
   
3. Estilo.
4. Historia y características artísticas .
   

Ejemplo.

Edificio Madrid-París. Gran Vía, 32.

Edificio a partir de la remodelación y ampliación de 1934.

1. Autor. Teodoro Anasagasti.
2. Año de construcción. 1920-24. Reforma y ampliación. 1933-34.
3. Estilo. Eclecticismo entre el historicismo clasicista que recuerdan sus pilastras y ménsulas con aristas planas y el funcionalismo del diseño de grandes ventanales para dar luz a los grandes almacenes que se levantaron en su interior y el uso del hormigón armado. Esta obra también hay que relacionarla con la Secesión vienesa.

El edificio de 1924

1. Historia y características del edificio. Este edificio fue levantado en el segundo tramo de la Gran Vía en un momento de euforia modernizadora de la ciudad. Lo mandó construir la Sociedad de capital francés y español Madrid- París, primera compañía de grandes almacenes que se asentaba en la ciudad. Anasagasti fue el elegido para realizar el proyecto. El edificio original levantado desde 1922 constaba de un primer piso de escaparates con soportales rematado al exterior por una cornisa sobresaliente. Por encima de ella, se levantaban un cuerpo central de cuatro pisos con ventanales separados por pilastras acanaladas. A continuación, de nuevo, una cornisa separadora y un tercer cuerpo de remate donde destacaban dos torres a modo de templete circular en las esquinas, donde se encontraban los depósitos de agua ( la presión sólo llegaba hasta el tercer piso). En el interior se proyectó una cúpula de 30 metros de diámetro que daba luz natural a las escaleras y el hall circular del interior.

El edificio a comienzo de los años 30. Detrás el edificio de Telefónica.

1. Desde el primer momento las ventas no fueron como se previeron y ya en 1925 los almacenes tuvieron que alquilar el último piso a Unión Radio (la primitiva cadena Ser). En 1933 la empresa quebró y tuvo que vender el edificio que fue adquirido por otra compañía de grandes almacenes, la Sociedad Española de Precios Únicos (SEPU). Al mismo tiempo, se reformó el edificio,  para convertirlo en un edificio más grande y multifuncional. Se recurrió al arquitecto inicial, Anasagasti, que cerró los soportales, desapareció la cúpula y el patio central de entrada, se construyó un cine. En la segunda mitad del siglo se levantaron cinco plantas nuevas haciendo desaparecer los templetes esquineros y sustituyendo el remate por una gran cúpula con una estatua del Ave Fénix. Para conservar el estilo inicial se prolongaron en los pisos superiores las franjas verticales.

Para saber más sobre la historia del edificio Madrid-París.

• 2.- Localiza esos edificios en la foto-plano de la Gran Vía que te ofrezco más arriba.
• 3.- Averigua algo sobre La Gran Vía y sobre el momento en que se construyeron los tres tramos que lo constituyen. Localízalos en el plano aéreo.
• 4.- Fíjate en la canción de Joaquín Sabina "Yo me bajo en Atocha". Interpreta algunas de las frases que "suelta" el cantante, aparentemente sin sentido, pero que aluden a hechos históricos, personajes, edificios y lugares típicos de Madrid. La interpretación total es merecedora de una nota alta. Os dejo la letra en el siguiente Scribd.

Yo Me Bajo en Atocha

Te propongo un nuevo juego.

He estado viajando el último año y he visitado distintos lugares y museos de España y del mundo. Al llegar a casa y ver las fotos me he dado cuenta de que pasé demasiado rápido  por muchos sitios y ahora soy incapaz de  poner en algunas de ellas un pie de foto. Literalmente, he olvidado dónde las tomé ¿podrías ayudarme a identificar estas diez fotografías?

Si quieres jugar deberás resolver dos cuestiones...

1.- Identificar con precisión el lugar o el museo (hay museos muy grandes y que tienen obras desde la prehistoria hasta el siglo XXI, por lo que se debería, si es el caso, precisar la sala o la colección).

2.- Indicar qué obra u obras de arte te han llevado a descubrir el lugar. Haz un breve comentario de la misma que contenga como mínimo:

• Título o nombre de la obra u obras que habéis reconocido.
• Autor (siempre que sea conocido)
• Estilo artístico o cronología.

¡Ojo! porque algunas imágenes creo recordar que las tomé en exposiciones temporales, por lo que puede que la obra no encaje con el museo o donde debería estar.

Iré colgando vuestros comentarios bajo estas líneas, siempre y cuando me convenzan de que son correctos y completos. Con vuestra ayuda completaremos e ilustraremos este álbum de fotos.

Pincha aquí para descubrir otros juegos didácticos

COMIENZA EL JUEGO

Montse se ha decidido por una de las imágenes más claras.

"Imagen 3:

Bailarina de catorce años de Degas, expuesta en el Museo D'Orsay (París); estilo impresionista, mostrada en 1881.

Había tres obras que nos ponían sobre la pista: la que ha descubierto Montse y también los dos cuadros que se ven detrás: un Renoir, titulado El baile de 1883, y el otro está más borroso pero creo reconocer un Cezanne?, aunque también podría ser un paisaje de Renoir por coherencia con la obra segura de al lado... El caso es que estamos en una sala del museo que expone la mayor cantidad de obras del impresionismo francés. La obra de Degás tiene un trasfondo inquietante y escabroso que en otro momento contaré, aunque si alguien lo conoce y  quiere adelantarse que lo haga (lo publicaré a continuación).

16 de Noviembre de 2009

Vaya, Silvia acababa de pasar por Sevilla este fin de semana y parece que lo ha aprovechado divinamente.

"Imágen número 10
Se trata del Patio de las Doncellas, situado en los Alcázares Reales de Sevilla. Fueron realizados para el rey Pedro I el Cruel a mediados del siglo XIV, en estilo mudéjar. Es un lugar bellísimo, donde se observa muy bien ese concepto del arte tan particular que tenían los musulmanes y que los reyes cristianos aprovecharon para sus construcciones, como la unión de la arquitectura a través de la naturaleza con los jardines y fuentes. Las arquerías que rodean el patio por sus cuatro lados, son muy elaboradas y ricas, aportando monumentalidad al conjunto. Una de las obras más bellas del arte bajomedieval de la Península."

Efectivamente, ya veo que has disfrutado visitando esa bellísima ciudad y no te has podido engañar con su semejanza con otros palacios mudéjares o con la misma Alhambra.

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Enrique tampoco ha estado ocioso, aunque al parecer este fin de semana ha viajado más por internet, como hemos hecho otros. Ha resuelto dos obras de una tacada. Estas son las obras resueltas y sus comentarios:

"La imagen numero 6

pertenece al Museo Egipcio de El Cairo, que se encuentran en las salas centrales 23- 28- 33, Imperio Antiguo. Están datadas en el año 1350 A de C. Es evidente que lo que se ve. es el faraon y su esposa. Se trata del faraón Amenhotep III, su esposa Tiyi y una hija. Por lo que he leído tuvo un reinado de lo más prospero y constructivo de la historia, aunque se ve que le iba bastante la marcha con el asunto de las mujeres. También he leído que este año se han descubierto dos estatuas suyas en Luxor."

No podía esperar que esta imagen os causara ninguna dificultad, puesto que es la más representativa del interior del Museo Egipcio de El Cairo. La acumulación de obras es tal que no podía ser la última en ser descubierta.

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"La escultura numero 7

se llama No violencia. Hecha en bronce por el artista sueco llamado Karl Fredrik Reutersward y regalo de Luxemburgo. Se trata de una replica de un revolver calibre 45. Se encuentra en la plaza del edificio de la Asamblea General, frente a la Primera Avenida a la altura de la calle 45. Parece ser que es de un estilo surrealista -dadaísta."

La clasificación estilística no me convence mucho, pero es que en verdad que es de un expresionismo inclasificable y a la vez tiene algo de absurdo y alegoría onírica contra la violencia. Es un homenaje del escultor a su amigo John Lenon, asesinado de cinco disparos de revolver en 1980 y no muy lejos de allí.  Echo en falta que no hayas nombrado la ciudad donde se encuentra. Parece que pasearas todos los días por la Primera Avenida...  de Nueva York. Si se había visto la imagen antes, es fácil identificarla porque es tan curiosa que no se olvida. Aquel que no la hubiese visto tenía como otras pistas los rascacielos y la hilera de banderas delante del edificio de la ONU.

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17 de Noviembre de 2009

Enrique sigue empeñado en la búsqueda y ha descubierto una nueva imagen.

"Imagen numero 4,

es la catedral de San Romualdo de Malinas (Belgica). Construida en honor a un misionero irlandés del sigo VII. Se comenzó en el año 1200 se prolongó hasta comienzos del siglo XVI. De hecho la torre fue construida entre los años 1452 y 1520. Es de estilo gótico brabantino, también a causa de su larga duración de la construcción hay elementos de otros estilos. La torre cuenta con una altura de 97,28 m. y 540 escalones Cuenta con un carrillón formado por 49 campanas. Alberga esculturas y pinturas. El detalle que me ha llevado a descubrir la imagen ha sido la bandera de encima de la torre, la del león, que tengo que decir que me ha confundido con Holanda"

Me maravilla la vista que tienes. Es Malinas, su catedral y la plaza del Mercado, con las típicas viviendas del siglo XVII de los Países Bajos, que pensé podían ser la clave más directa para ir a la zona. La torre es alta como tú bien dices, pero se llegó a pensar levantarla hasta los 160 metros. Se pararon al llegar a los casi 100 por problemas económicos. Con este tipo de torres se buscaba crear edificios-estandartes de la ciudad. En el interior hay una maqueta con el diseño de lo que se pretendía. Se puede subir a la torre, si no os desaniman las escaleras, desde lo alto se tiene una vista de la ciudad espléndida. También podéis hacer ese mismo recorrido sin moveros del asiento sólo pinchando en este enlace . Con él accedéis a la página oficial de la Torre de San Romualdo que os permite  una visita virtual de 360º  e ir a dónde deseéis, meteros entre las campanas y por supuesto subir a lo más alto para contemplar la vista de la ciudad. (muy recomendable)

Imagen tomada desde la visita virtual. Los controladores de dirección son fáciles y la ascensión divertida.

BODEGÓN CON ZANAHORIA Y CARDO

Ficha técnica.

Fray Juan Sánchez Cotán (Orgaz (Toledo), 1560 - Granada, 1627).
Óleo sobre lienzo. 62 x 82 cm.
Fechado entre 1603 y 1627. Probablemente de 1610.

Procede de la Cartuja de la Asunción, Granada. Actualmente en el Museo de Bellas Artes de Granada.

Temática. El bodegón ascético.

En el barroco los temas de bodegones y naturalezas muertas tuvieron gran predicamento.

Son sólo seis las naturalezas muertas acreditadas que se conservan de Sánchez Cotán. Es característico de ellas la representación de una serie de vegetales humildes, bien dibujados y con gran exactitud en la plasmación de sus pormenores, que se colocan en una ventana o fresquera. Sus objetos no son escogidos por su belleza per se, sino por su sencillez y por su significado de pobreza. Clave para entender el tema es saber que en 1603 ingresó en la orden de los cartujos. Esta orden se distinguía especialmente por su austeridad y la búsqueda de Dios a través del recogimiento interior, la soledad y el  silencio. Desde 1612 se trasladó a La Cartuja de Granada, donde vivió ascéticamente y  pintó hasta su muerte en 1627.

La imagen trasmite por tanto:

• Austeridad. Los representados  no son exquisitos manjares y no tienen siquiera un  llamativo colorido. No importa que las zanahorias estén pasadas y ennegrecidas, porque son frutos de la tierra. Dios ha dado a los hombres estos alimentos no para su disfrute goloso, sino para permitirle la subsistencia. El huir de los placeres de la carne, la privación corporal, es una de las formas que tienen los cartujos de ofrecerse a Dios.

• Soledad y silencio. La estantería medio vacía y la luz selectiva crean la sensación de no haber nada más  que los objetos y el vacío. Contemplándolos nos sumimos en la meditación interior, porque nada nos perturba, ni un ruido, ni una voz ,ni un movimiento.

Técnica artística.

Técnicamente hay que destacar cuatro recursos que utiliza Sánchez Cotán a la perfección.

• La delicadeza en la plasmación de los detalles y de la calidad de los objetos. Escoge el tono justo y sobrio en las hortalizas. La penca de cardo va del blanco al rosado en una magistral graduación. La sensación de las distintas texturas también está perfectamnte conseguida.
• Un sistema de iluminación tenebrista que le sirve para destacar los objetos con una fuerte luz, que da a los objetos casi un volumen escultórico. Hay que tener en cuenta que no conoció a Caravaggio y que incluso parte de sus bodegones los realizó antes que los primeros cuadros del maestro italiano que popularizaron esta técnica.
• La composición en diagonal es sencilla, pero cuidadosamente estudiada. Los objetos y la luz llenan el triángulo formado en la esquina inferior derecha, dejando un enorme vacío negro en la mitad opuesta que compite en protagonismo con la parte figurativa. El contraste resulta impactante.
• El juego de apariencia o trampantojos ("trompe l´oeil"), en el que las zanahorias, colocadas al borde del alféizar, parecen querer traspasar el plano pictórico e invadir el espacio del espectador. El bodegón se encuadra en un marco de ventana dibujado en perspectiva, que termina en un absoluto vacío: de nuevo el juego del engaño con el que contempla la obra. Las sombras de las hortalizas también contribuyen a este efecto.

Otros pintores españoles de bodegones del Barroco. Trascendencia de su obra.

La pintura barroca española dio otros pintores sublimes del bodegón. Algunos como Cotán, Juan van der Hamen y León y Francisco Palacios en el siglo XVII y Luis Meléndez en el XVIII desarrollaron gran parte de su carrera en torno a este género. Otros, en cambio, como Francisco de Zurbarán o Diego de Velázquez, sólo hicieron  incursiones en el género o  manifestaron en sus cuadros un gusto especial por  realizar objetos de gran calidad en sus obras.

Juan van der Hamen y León. Cajitas de dulces y objetos de cocina. 1621.

ESTE ES UN JUEGO PARA RECONOCER 10 IMÁGENES FUNDAMENTALES DE LAS ARTES PREHELÉNICAS Y GRIEGAS.

Es un juego de animación al estudio para mis alumnos y para todo aquel que quiera participar.

Mi intención es que a través del juego:

1.- Estudien, investiguen y reflexionen sobre las imágenes.
2.- Se inicien jugando en el comentario de imágenes.
3.- Utilicen la herramienta informática.
4.- Hagan unos "deberes especiales".  No es obligatorio comentar en el blog, pero sí lo es tener las 10 imágenes correctas en el cuaderno de clase el día que se haga el control del arte prehelénico y griego.

Indica para cada una de las fotos numeradas:

1.- Titulo de la obra o descripción precisa.

2.- Civilización y etapa o cronología. Por civilización, en este juego, sólo puede ser minoica, micénica o griega. Etapas para la civilización griega con precisión cronológica.

3.- Autor (sólo si debiéramos saberlo porque lo hemos citado en clase. Ej.  los escultores de etapa clásica).

3.- Dos razones exclusivas (no generales o porque sí) para haberlas atribuido a la civilización, a la etapa o al autor.

Con ello estarás haciendo un pequeño comentario de una imagen.

Participa con tus comentarios al pie del artículo.

Sólo permitiré un comentario por persona (ved excepción en el siguiente párrafo), por lo tanto pensad bien que foto vais a escoger y responded con corrección, porque si falláis o no contestáis de forma completa no habrá segunda oportunidad. Pero tampoco os retraséis mucho porque cada vez que haya un acierto, esa imagen ya estará resuelta y, por tanto,  ya no se podrá comentar sobre ella, quedando retirada del juego.

Excepción. He modificado ligeramente el sistema para que no lo dejéis para el final y también tenga algo de ventaja el que rompe el hielo. Los tres primeros que contesten correctamente tendrán derecho a resolver una segunda imagen.

Pongamos un ejemplo. El  que conteste correctamente el primero sabe que obtiene una décima para el control, pero además que podrá resolver otra segunda imagen con un segundo comentario que realizará cuando le convenga (pero dentro del plazo fijado). Así  si resulta que acierta además la sexta obtendrá otras 6 décimas. En total,  ganará para el control 7 décimas, 1 por la primera imagen resuelta  más 6 por la segunda.

IMÁGENES YA DESVELADAS

Acierto para Francisco Javier (3) y tercer comodín.

"Imagen a comentar: 6

Titulo o descripción: Se trata de un altar, resultado de la evolución de los templos griegos dedicado al dios Zeus o a la diosa Atenea, en Pérgamo.

Civilización y etapa cronológica: Pertenece a la civilización griega en concreto a la Etapa Helenística (s.III-II a.C).

Razones: Dos de las razones pueden ser la utilización de columnas del orden jónico que constituye el elemento de sostén de todo el edificio y su elevación en un podio. También resalta la colocación de acróteras en las esquinas de dicho altar, todo típico de la civilización griega."

Tus razones no son de mucho peso. Yo hubiera destacado más los elementos de ruptura helenística, que es lo exclusivo, que los elementos que le hacen ser griego. Pero tampoco está mal lo que has hecho.

Lo siento Borja creo que te has equivocado de número, la imagen 3 no coincide con tu descripción. Por otro lado también contenía un error cronológico que la invalidaría. Has desperdiciado tu segunda oportunidad, ten más cuidado la próxima vez porque el resto estaba bien. Casualmente tres minutos después ha llegado el mensaje de Lorena contestando la imagen que tu debías querer resolver  y por justicia tengo que darle el acierto a ella.

Acierto para Lorena (4). Estas son sus palabras.

"Imagen 5

Titulo: Atenea Pártenos
Pertenece a la civilización griega, a la etapa clásica (segunda mitad del siglo V a.C.- al siglo IV a.C.)
Su autor es Fidias

Dos de las razones, pueden ser: una idealización corporal, con un canon proporcional, el cual no tiene imperfecciones y la pose trascendente y digna propia de un dios."

Dos matizaciones: la cronología exacta es segunda mitad del siglo V a. C. y la obra se encuentra en el interior del templo dórico del Partenón de Atenas, que también se aprecia en la imagen y por tanto en un comentario más extenso también habría que citar y explicar. El material en que está realizada la diosa también debería ser objeto de análisis.

Acierto para Enrique (5).

Tienes razón y haces bien en utilizar tu comodín. Como no te puedo premiar como a mis alumnos con décimas en los controles, he decidido otorgarte un premio honorífico al colaborador más fiel y persistente, que pudes descargar en esta dirección. Espero que te guste.

"numero 7.

Se llama "el doríforo" (portador de lanza) de Policleto, hecha entre los años 450 y 455 A. de C identificable con el mítico héroe de Aquiles. A pesar de que esta considerada como clásica conserva rasgos de un cierto arcaísmo. Tallada con cierta rudeza los pectorales son casi planos y las líneas de las caderas está perfectamente marcadas. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.
Se le atribuye a Policleto porque responde a canon de belleza de las 7 cabezas que es la proporción ideal del cuerpo humano. Aunque las que he encontrado son mas claras que tu imagen ¿Pueden ser replicas de mármol y la de tu imagen ser de bronce?"

Te doy por correcto tu comentario, pero te falta más claridad en la atribución de la obra. Toda la descripción que haces de la postura del atleta se resume en la expresión "movimiento contenido". Efectivamente esta imagen se acerca mucho más a la realidad del Doríforo que estamos acostumbrados a encontrar en los libros de arte, porque el original (que no se conserva) era en bronce. El problema con las copias romanas es que ha deformado mucho la percepción que tenemos de la etapa clásica.

Acierto para Alba Pérez (6). Este es su comentario.

"Imagen 10
Título: Artemisa cazadora
Pertenece a la civilización griega, a la segunda mitad de la etapa clásica (siglo IV a.C.).
Su autor es Leocares.
Dos de las razones son la teatralidad de sus gestos y el movimiento no contenido, ambas características de su autor."

Sólo completar diciendo que la estatua es una copia romana y se encuentra en el Louvre,

Nuevo acierto para Francisco Javier (7), que ha utilizado sabiamente su comodín. Su nuevo comentario:

"Imagen 2.

Creo que tengo el tercer comodín por la corrección del profesor así que elijo esta imagen.

Titulo o descripción: se trata de un relieve de dos leones llamado La puerta de los Leones, en Micenas.

Civilización y cronología: pertenece a la civilización micénica (1700 a.C.).

Razones: la utilización de falsos arcos, como aquí vemos, por la aproximación de sillares y también cabe destacar en el centro del relieve la columna, representada en tamaño reducido y como elemento decorativo - no como elemento de sostén-. También con formas geométricas en el friso -círculos-."

Correcto. Éste es un ejemplo de imagen que a la hora de comentar nos ofrece la posibilidad de centrarnos en el relieve, porque es lo que se trata en primer plano, o del lugar donde se encuentra, ya que es un elemento decorativo de un edificio (la puerta principal de la muralla de Micenas). Debemos actuar con sentido común, como ha hecho Francisco Javier, en este caso analizando el relieve y el edificio. No obstante, me extraña que al referirte a la columna no hayas utilizado la palabra capitel y cómo éste influye sobre el dórico griego.

Acierto para Rebeca (8).

"Imagen número 9.

Se trata del Erecteion, templo erigido el héroe fundador de la ciudad de Atenas, en la acrópolis de Atenas. Pertenece a la civilización Griega, más concretamente a la etapa clásica pero se sale del esquema de cualquier otro templo de esta etapa. El uso del orden jónico con su capitel de volutas y su friso corrido lo sitúan en la civilización griega, destaca la tribuna de las cariátides, esculturas en bulto redondo de mujeres que tomaban función de elemento de sostén, como columnas"

Muy bien, pero ¿qué siglo? Segunda mitad del siglo V a. C.

Acierto para Alma (9).

"Imagen 8:
Titulo: Fresco de un pescador que lleva su pesca.
Civilización: Minoica
Razones: La intranscendencia y la cotidianeidad del tema, y la cintura de avispa típica de la pintura minoica, es la etapa en la que se da el arte por el propio arte, y la pintura tiene una función artística, decorativa."

Coral ya lo intentó y estuvo cerca, incluso aportó que era de Akrótiri. Tal vez deberías compartir con ella las nueve décimas (je, je). No obstante le falta  algo al comentario para ser completo... la cronología: siglo XV a. C.

Breve apunte biográfico.

Eugène Delacroix (1798-1863) es el máximo exponente de la segunda generación de pintores románticos europeos.  Continuador de la obra de Géricault, desde sus inicios buscó la fama en los salones oficiales, pero mediante un lenguaje que se oponía a las formas pulidas de los pintores neoclásicos. De ahí su antipatía por Ingres, al que tachaba de ultraconservador.

Autorretrato, 1837.

Sus primeros éxitos le llegan muy joven en la década de los veinte. En 1832 visita Marruecos y se enamora de la luz, del color y del exotismo del lugar, siendo a partir de entonces un tema recurrente hasta el final de sus días. Desde  la década de los 40 su obra se hace un tanto repetitiva. El pintor se institucionaliza al trabajar en muchos encargos oficiales e incluso desprecia la revolución de 1848, cuando tanto había alabado la de 1830.

Características artísticas.

Contemplemos este detalle del óleo titulado La muerte de Sardanápalo (1827).

• Por encima de cualquier otra característica destaca la emoción, la fuerza o la audacia (como queramos calificarla) que ponía en sus obras. Para él, como buen romántico, la pintura era la mejor manera de reafirmar su individualidad y su sentimiento apasionado.

• Todas sus obras están tocadas de un intenso dramatismo. Sus personajes se muestran agitados y en pleno movimiento. A menudo, como esta vez, están viviendo una tragedia. De sus obras emana mucha sensualidad, rayando con el erotismo.
• El color es vivo. Gusta de los rojos intensos que tras su visita a Marruecos aún cobrarán más importancia en su obra. La pincelada debe ser suelta, ayudando a crear la atmósfera y el movimiento ¡Qué lejos queda el espíritu neoclásico aferrado a la mesura, la línea y el dibujo!
• El artista se implica en los hechos históricos que le toca vivir. En este caso no hay una referencia directa a esta característica, sin embargo, el cuadro que analizaremos posteriormente es la mejor muestra. El pintor, como otros jóvenes románticos de la época se decanta apasionadamente a favor de la independencia griega y de la revolución de 1830.

La matanza de Quios. 1824.

Influencias.

Su obra está influida por la pintura y la escultura de Miguel Ángel, sobre todo, en el modelo humano de sus desnudos y en las posturas retorcidas que adoptan. Es también evidente la influencia de pintores barrocos como Rubens y Rembrandt. Otros pintores que influyen en su obra son sus contemporáneos Gèricault, Constable y Turner.

Su técnica de pincelada breve y vibrante y su concepción del color inspiraron a los impresionistas.

Temática.

En esta presentación podemos hacer un repaso de su producción pictórica. Desde el punto de vista temático su obra es una de las que mejor encaja en el movimiento romántico ya que realiza cuadros de temas históricos, literarios, orientales (Marroquíes) y religiosos. También realizó retratos románticos. El género del  paisaje, en cambio, no le atrae, siendo incluso sólo esbozados en sus cuadros narrativos de gran formato.

• Entre sus cuadros destacamos:

1. -1822  La barca de  Dante.
2. -1824  La Matanza de Quios.
3. -1827 La muerte de Sardanápalo.
4. -1830 La Libertad guiando al pueblo.
5. - 1834 Mujeres de Argel en sus habitaciones.
6. - 1840 Entrada de los Cruzados en Constantinopla.
7. - 1845 El Sultán de Marruecos y su corte.
   
8. -  1854-60 Frescos religiosos en la iglesia de San Sulpico, Paris.

La libertad guiando al pueblo. 1830.

Ficha técnica de La Libertad guiando al Pueblo (1830).

Técnica y dimensiones. Óleo sobre lienzo, 260 x 325 cm.

Ubicación. Museo del Louvre, París desde 1839.

Contexto histórico. Tras el Congreso de Viena, en 1814, la restauración de las monarquías absolutistas se generalizó por todo el continente. La decepción hacia esa nueva realidad y la actitud crítica ante la situación social y económica llevó a la revolución burguesa de 1830. El cuadro de Delacroix se convirtió en el símbolo de toda esta época.

Historia del cuadro. Enviado al Salón de 1831, el Estado de la nueva monarquía de Luis Felipe lo adquirió para el Museo Real, pero por su carácter incendiario no se atrevió a mostrarlo en público.

Detalles particulares del cuadro.

A este cuadro le podemos aplicar todas las características que hemos señalado anteriormente y además algunas cosas más, como por ejemplo:

- Es una obra muy cruda, los cadáveres aparecen en primer plano de una forma muy realista. Es especialmente conmovedor el cuerpo del joven de la izquierda o los ojos abiertos del soldado muerto.

- La imagen de la Libertad va a ser adoptada por la República Francesa. Sintetiza el presente y el pasado. El presente porque es una mujer tocada con el gorro frigio que porta la bandera tricolor y un fusil en su otra mano. El pasado porque Delacroix eligió como modelo para crear este símbolo a las estatuas griegas (recuerda a la vez a la Venus de Milo y a la Victoria de Samotracia).

- Flanqueando a la alegoría de la Libertad aparecen con sus atributos las diversas clases sociales que participan en la revolución: Los obreros y campesinos desarrapados y la burguesía con chistera y levita. El artista no es imparcial en su militancia social, de ahí que sea el burgués quien está más cerca de la alegoría femenina defendiéndola con decisión.

Vamos a comentar la obra de Luis de Morales La virgen con el niño, tal vez  la más representativa del maestro del manierismo renacentista español.

Virgen con el niño. 1570. Museo del Prado.

El cuadro representa una Madonna, una virgen madre de Dios.  Es un óleo sobre tabla pintado en 1570. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado, pero hay otras versiones en otros museos, lo que de partida ya nos indica que es uno de los temas predilectos de este pintor.

Iconografía o tema.

El autor sigue la  temática medieval gótica del "coloquio maternal", según la cual la madre mira melancólicamente al niño, consciente de su futura pasión, mientras éste, también consciente de su destino, busca el pecho de su madre para alimentarse y demostrarnos su naturaleza mortal. El tema es uno de los más demandados por la Contrarreforma católica y, en concreto, por los conventos españoles.

Características artísticas manieristas.

En la obra se aprecian muchas influencias de la pintura renacentista italiana, por lo que hacemos de nuestro pintor uno de los principales manieristas españoles:

• En las formas robustas del niño se refleja el concepto de la grandiosidad del cuerpo humano conforme al manierismo romano que proviene de Miguel Angel.
• La gradación cromática, así como el tratamiento del pelo y el esfumato son fruto de la influencia de Leonardo Da Vinci.
• El alargamiento y languidez del modelo humano y el colorido pastel nos recuerda al Parmigianino.

Nótese otro rasgo manierista como es el unir los dos dedos centrales de la mano.

Pese a estas deudas de la pintura italiana hay que decir que Morales es de los pintores más originales de nuestra pintura del siglo XVI. Aporta:

• Un modelo femenino muy delicado. El rostro de la virgen, de forma oval, barbilla puntiaguda y ojos abultados resulta reconocible en toda su obra. Se ha querido ver en este modelo la influencia de Rafael Sanzio, pero a mi entender son bellezas femeninas muy distintas.
• Se adelanta en varias décadas a Caravaggio en la utilización del tenebrismo como recurso pictórico. La luz nos resalta exclusivamente las figuras de la virgen y del niño, dejando en absoluta oscuridad el lugar donde se encuentran.
• Su obra invita al recogimiento, al misticismo sentimental y a la devoción.

La obra y la trascendencia de Luis de Morales.

Luis de Morales realiza su obra básicamente en Extremadura (Badajoz).

Sus cuadros son de una espiritualidad tan descarnada que han enfervorizado a los fieles a lo largo de los siglos y han influido notablemente en las artes figurativas del barroco español. En la siguiente presentación podemos ver una amplia muestra de su obra.

La virgen con el niño es su obra más conocida y replicada, pero además posee muchos otros modelos iconográficos, sobre todo, de la Pasión de Cristo, que también tuvieron mucho éxito en el siglo XVII como La Piedad, El Ecce-Homo, La Dolorosa o El Cristo atado a la columna. También son reseñables las escenas compuestas para retablos sobre la historia de la virgen (La Visitación, La Anunciación, La presentación...).

Llevamos aproximadamente un mes de clase y los alumnos deberían haberse familiarizado con ciertos procedimientos y conceptos utilizados en Historia del Arte. Es, por tanto, buen momento para plantear otra forma de trabajar en clase esta asignatura.

Hasta ahora ha sido el profesor el que ha elaborado los materiales y los ha expuesto en clase o a través del blog. En este artículo propongo que sea el alumno quien de forma dirigida realice un pequeño trabajo de un tema.

Objetivos de un trabajo de Historia del Arte.

1.- Que el alumno ponga en práctica conocimientos y procedimientos aprendidos hasta ese momento: recopilando información, sintetizándola, organizándola y exponiéndola estructuradamente.

2.- Que el alumno realice sus primeros comentarios artísticos propios.

3.- Que el alumno utilice internet para su trabajo.

4.- Que adelantemos materia del temario tan amplio que tenemos.

Reflexiones sobre lo que debe ser un trabajo.

• El trabajo debe partir de una propuesta del profesor que plantee y desarrolle un esquema de lo que quiere y en qué extensión (máxima y mínima).
• Ha de exigirse la inclusión de una serie de imágenes obligatorias, que representen a las obras más destacadas.
• Ha de evitarse el "corta y pega". Dando importancia a la originalidad y a las aportaciones personales y reflexiva, al trabajo de síntesis y a los comentarios artísticos.
• Se podrá presentar en formato papel o en formato digital (power point). Aquellos trabajos excelentes podrán ser publicados en este blog.

El resultado debe ser personal, aunque se haya obtenido las piezas de distintos lados.

Valoración del trabajo.

El esfuerzo realizado en hacerlo bien tiene que tener su recompensa. Debe valer como nota de clase extra y procurar que caiga en el examen de evaluación de forma segura.

La nota del trabajo se otorgará en función a tres criterios:

1. El contenido. El 40 por ciento de la nota. El contenido debe ser completo, correcto, sin errores, adaptado a lo que se pedía en profundidad...
2. El trabajo personal. El 40 por ciento de la nota. Debe notarse el trabajo personal en la síntesis, en la originalidad de la información y de las imágenes y, sobre todo, en la elaboración personal de los comentarios siguiendo un método.
3. La presentación. El 20 por ciento restante. Se valorará la limpieza, el orden, las citas, la ortografía, la expresión y, en definitiva, todo lo formal.

Esquema de trabajo sobre el Arte Bizantino:

En la siguiente presentación se desarrolla este esquema.

1.- Introducción histórica-geográfica.
2.- Arquitectura. Características y principales edificios.
3.- Las artes figurativas. Características. La escultura, la pintura y el mosaico.

Trabajo de Arte de Bizancio. Arquitectura y artes figurativas.

También se
incluyen las 24 imágenes que al menos deben aparecer en el trabajo con el indicativo de la importancia y desarrollo que deben tener cada una:

- una (I) significa foto con pie exclusivamente y aparecer al menos citada en el texto.

- una (BC) significa que en el texto o bajo la foto habrá que hacer un breve comentario de la imagen, destacando al menos dos ideas de importancia que aporta la obra.

- una (C) significa que la obra es tan interesante que debe ser comentada con cierta profundidad.

Ofrezco otro esquema de trabajo para la primera evalución  de Arquitectura romana y paleocristiana, que se puede consultar en esta dirección.

Como el lunes tenemos un control sobre el arte egipcio, imagino que estudiaréis este fin de semana y que visitaréis este blog. Para ayudaros os propongo que al terminar el estudio repaséis vuestros conocimientos sometiéndoos a este excelente cuestionario de Quiz que ha elaborado el profesor Gonzalo Durán. También os animo a que visitéis su blog, que se llama Línea Serpentinata, donde podéis completar el conocimiento del mundo egipcio.