Ya hemos tratado del pintor estadounidense Eric Fischl en un primer artículo: de cómo se inició en la figuración a finales de los 70 y de las características temáticas y técnicas que le definen en su madurez. En este segundo artículo vamos a analizar  aquellas influencias artísticas que han dejado huella en su obra pictórica de gran formato. También entraremos a ver su trabajo artístico en  la escultura, una dedicación relativamente reciente. Por último, veremos algún otro pintor americano más joven en la línea de Fischl, surgidos de la New York Academy of Arts, la institución con la que colabora nuestro pintor..

Eric Fischl en su estudio delante del boceto preparatorio del retrato de "Los Price", 2008.

Influencias

El estilo de Fischl bebe directamente en las fuentes de la pintura realista americana y europea del siglo XX. En su obra podemos encontrar, fundamentalmente, las siguientes influencias o inspiraciones.

• En sus inicios su figuración y temática está más cercana al pintor polaco-francés Balthus con el que puede compararse en sus inquietantes escenas eróticas de adolescentes.
• En los años posteriores está más en la línea de Lucien Freud, pintor británico, al que recuerda en sus desnudos maduros, en absoluto idealizados , y en los retratos tendentes a una caricaturización expresionista.
• Se le suele hacer deudor de su compatriota Edward Hopper, porque a veces se inspira en él para aquellas escenas en las que se requiere una iluminación de interior  y  para crear atmósferas de intimidad. Sin embargo,  en Fischl pone mucha carga sexual explícita en sus personajes y menos ensimismamiento introspectivo.
• También se le relaciona con los fotorrealistas e hiperrealistas americanos de los sesenta como Richard Estes, evidentemente por el uso que hace de la fotografía para elaborar sus cuadros y composiciones. Pero Fischl usa la fotografía como un medio no para conseguir una calidad de su pintura que dé apariencia de realidad, sino para captar el instante, el gesto o la composición. En esto se parece más a los impresionistas.

Descubre quién es quién. Tres obras de Fischl y tres de Balthus, Freud y Hopper

Los mundanos impresionistas me parecen más cercanos a su obra  que algunos de los anteriores. Con ellos tiene en común su obsesión por captar el instante y el momento lumínico. Otros puntos de contacto son la cotidianeidad de sus temas y las composiciones fotográficas. Fischl declara una admiración especial por Manet, tal vez porque se considere como el pintor del XIX un escandaloso revulsivo para la sociedad en que vivieron. El desayuno en la Hierba u Olimpia causaron un impacto en Francia parecido al que provocó su Bad Boy en Estados Unidos. No obstante,  en el conjunto total de su obra haya tal vez más de Degás y de Renoir.

Más remotamente, en sus caudros hay mucho de los pintores barrocos italianos, especialmente de Caravaggio del que admira el tenebrismo y el naturalismo. Su visita a Roma en 1996 le confirmó que su obra debía tener el sentimiento y la tensión dramática que supieron darle los grandes del Barroco. En su lista de pintores preferidos también están Velázquez y Goya.

En definitiva es un pintor postmoderno que se siente a gusto con los clásicos y con los pintores figurativos más cercanos a los que reinterpreta y de los que se sirve para crear su propio estilo.

La obra escultórica.

A mediados de la década de los 90 Fischl empezó a realizar esculturas como instrumento preparatorio para visualizar en tres dimensiones sus figuras pasadas a lienzo. Decisiva fue su visita a la ciudad de Roma en 1996 en las que realizó numerosos apuntes y luego óleos de las obras más importantes de Bernini, de Miguel Ángel y de los escultores helenísticos griegos (serie Roma). Este fue el detonante necesario para dar el paso al trabajo en serio con el bronce. Comprendió que este arte le permitía expresar mucho más profundamente sus sentimientos y emociones. Rodin también le dejó una profunda huella.

The Offspring of a Murderous Love. Roma, 1996. Óleo.

Sin título. 1997. Entre el Boxeador del Quirinal y Apolo, el desollador de Marsias.

Su primer trabajo importante en este campo es relativamente reciente. Después de los estudios preparatorios y ensayos de finales de los 90, le llegó un gran proyecto en el año 2000, la escultura del Memorial al tenista Arthur Ashe en el estadio de Flushing Meadows (Nueva York). En esta obra, titulada "Soul in flight", se compendian las enseñanzas obtenidas de los grandes maestros de la antigüedad y del siglo XIX. Fischl quiso crear un modelo épico y atemporal que enlazase la escultura contemporánea con la de los kuroi griegos, de ahí la necesidad de representar a Ashe desnudo y en el acto de sacar, pero sin raqueta. El bronce no aparece detallado, incluso tiene la apariencia de inacabado, pero a su vez es plenamente dinámico y expresivo. La postura recuerda a la del  Gladiador Borghese.

Soul in flight. 2000. Flushing Meadows (Nueva York).

Su obra más conocida y controvertida ha sido la "Mujer cayendo", que representa a una de las víctimas de las Torres Gemelas en caída libre desde el edificio. No es de extrañar la susceptibilidad que generó la obra al realizarse en 2001, el mismo año del atentado. A mi juicio, es tal vez oportunista y precipitado, pero no trata el suceso con banalidad, sino que intenta hacer comprensible el horror y la angustia de las vícitmas en esas horas trágicas. El espejo temático en el que se miró para conseguir la intensidad de estos sentimientos fue Los burgueses de Calais de Rodin, otra historia dramática que concentra en los cuerpos y en loss rostros las emociones de los condenados a muerte. Fischl quiso llegar al espectador a través del dolor y hacerle partícipe de lo vulnerable que es el ser humano.

Tumbling woman, 2001. Mujer cayendo.

La escultura que ha realizado desde el año 2000 se ha exhibido con el título "Ten Breaths" en la Galería Mary Boone de Nueva York a finales del 2008. También ha estado itinerante por Europa, en Hannover (Alemania) y en París, de donde se ha obtenido el vídeo en la Galería Daniel Templon. En esta serie, además de Mujer cayendo, también se expone El Buen Samaritano, que recuerda a la Piedad Rondanini de Miguel Ángel, y el conjunto de The Congress of Wits.

La escuela. The New York Academy of Arts.

Eric Fischl ha creado escuela en estos 40 años como artista. Su pasado como profesor de pintura entre 1974 y 1978 en el Nova Scotia College of Art and Design de Halifax (Canadá) le dejó buen regusto y por ello no es extraño que colabore con la New York Academy of Arts. Esta institución es muy diferente a la californiana en la que estudió, se podría decir que está en el polo opuesto, puesto que aquí la base educativa es tradicional, como podemos ver en las imágenes de abajo. Fue fundada en 1982 para que todo aquel que quisiera estudiar en ella pudiese adquirir las herramientas de anatomía, de historia del arte y de técnica escultórica, pictórica y dibujística que recibieron los grandes maestros del pasado.

De los artistas que han salido de esta institución y que tienen en Fischl un modelo a seguir destacaría a Jacob Collins y a Aaron Board, a los que os animo a seguir. Collins además de desnudos tiene unos paisajes bellísimos y también se ha especializado en bodegones e interiores en penumbra. Board es un pintor más joven, que está empezando a desarrollar su estilo y apunta maneras.

Jacob Collins. Anna and Arturo, 2006

Aaron Board. The Ill Astrayter. 2005 .

Página web

FICHA TÉCNICA.

Autor: Pablo Picasso.

Título: Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912.

Estilo: entre el cubismo analítico y el cubismo sintético.

Técnica, soporte y dimensiones: collage de óleo, hule y pastel sobre tela, 27 x 35 cm.

Localización: París, Museo Picasso.

El cuadro que vamos a comentar es un bodegón realizado por Picasso, que anuncia el final del estilo que conocemos como cubismo analítico y los primeros pasos en la etapa sintética. Además es la primera exploración en serio del artista en el collage.

Descripción formal.

La primera impresión al mirar esta obra es de confusión.

• Podría ser un típico cuadro analítico donde los objetos aparecen descompuestos en multitud de facetas. Hay una parte que así está tratada reconociéndose algunos objetos diseñados en el ya consolidado lenguaje cubista de representarlos desde varios puntos de vista: una copa de cristal, una boquilla de pipa, un periódico, una rodaja de limón... Pero en la parte inferior izquierda  tenemos el trenzado de rejilla de una silla perfectamente detallada y definida.
• Los colores son austeros como todos los de la serie analítica, en tonos pardos para no distraer al espectador en la reconstrucción mental de los objetos.
• Aparecen signos tipográficos. Se puede leer las letra "JOU", inicio de "Journal". Este hecho resulta novedoso puesto que su existencia no funciona como símbolo o testimonio del objeto, como en otras ocasiones lo utiliza Picasso. El artista utiliza las letras como un efecto más para equivocar a los ojos del espectador. La "U" incluso parece sobrevolar la imagen al salir del periódico.
• El formato es ovalado, no muy usual en la obra de Picasso. La forma no es casual: crea un campo visual concentrado y al mismo tiempo asemeja a un espejo que refleja unos objetos depositados en una silla.

Juego visual con el cuadro.

Si nos acercamos un poco más descubrimos más elementos extraños.

• El marco es una cuerda de cáñamo elegida por el pintor en su creación. El pintor ha querido intervenir hasta en el espacio circundante del lienzo y romper hasta en esto con la tradición.
• El óleo ocupa la zona superior, pero la zona inferior, la de la rejilla,... es un hule. Braque y Picasso ya habían incorporado papeles, periódicos o cartones pegados en otras obras cubistas, pero por primera vez se introduce el material plástico estampado. Para integrar este material en el cuadro el pintor ha camuflado los bordes y ha manchado con trazos de pintura la superficie lisa del hule. El resultado es que hasta que no estamos encima no descubrimos la existencia del propio collage.

Trascendencia de la obra.

La combinación del pla no grande y las facetas resulta chocante y muy expresiva, abriendo la puerta a nuevas posibilidades del cubismo que indagará Picasso en los siguientes años ya con el nombre de sintético.

El juego con óleo y materiales de la vida cotidiana convertidos en objetos artísticos, también será de gran repercusión en otros movimientos y artistas del siglo XX. Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo, Abstracción Matérica, Arte Povera... aprovecharán este descubrimiento en sus futuras esculturas-pinturas, cuadros-objetos y ensamblajes.

Los manchas en diagonal sobre el plástico, junto con  los trazos oblicuos y las facetas de los objetos, crean un  efecto dinámico,  como si éstos se movieran. Tal descubrimiento ya había sido utilizado por Marcel Duchamp en Desnudo bajando por una escalera de diciembre de 1911.

Eric Fischl es uno de los artistas estadounidenses que surgieron con más fuerza  a finales de los 70 y durante la década de los 80 encabezando un movimiento postmoderno de retorno a la representación figurativa. Su estilo  fue clasificado en el neoexpresionismo y en el  "bad painting", nombre otorgado por la crítica artística Marcia Tucker que despreciaba la intromisión de esta pintura más "tradicional" cuando en el país triunfaba el arte conceptual y el minimalismo. Hoy sigue en la brecha y es un pintor y un escultor consagrado en el mercado americano e internacional, en cambio muchos de los que partieron con él en la abstracción y el minimalismo ya han sido olvidados.

Es difícil resumir cuarenta años de creación en un artículo del blog. Mi intención inicial era dedicarle sólo un artículo, pero habiendo aprendido tanto de su obra y comprobando que existía un vacío grande de este artista en páginas en español he decidido sacar una segunda parte.

En este primer artículo trataré de sus orígenes como pintor y de como se labró un estilo muy definido a partir de los 90, que hace que le incluya en ese cajón de sastre que es el término postmodernidad. En un segundo artículo profundizaré en las influencias artísticas en las que bebe su obra y trataré con un cierto detenimiento la faceta escultórica, a mi juicio aún tan destacable como la pictórica.

Eric Fischl a mediados de los 80.

• Ficha técnica.

Eric Fischl (1948, Nueva York)

Estilo: Postmodernismo. Neoexpresionismo americano o bad painting.

Técnica. Pintor al óleo y a la acuarela, fotógrafo, dibujante y escultor.

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Juventud y formación. Los años 80.

Pasó su infancia y juventud entre los suburbios de Long Island (Nueva York) y Phoenix (Arizona). En su familia se  aparentaba una felicidad exterior, mientras  internamente vivía su propio drama.

Tras iniciar sus primeros estudios artísticos en Phoenix, se trasladó a Los Ángeles para seguir cursando (1970-1972) en el California Institute of the Arts de Valencia, justo uno de los centros más vanguardistas por aquellos y por estos años. En aquellos tiempos se ponía especial énfasis en que el arte contemporáneo debía fluir espontáneo, sin ataduras con el pasado y siempre original. También le enseñaron que lo de menos para un artista era la técnica pictórica y el conocimiento de la historia de la pintura. En las entrevistas que concede Fischl suele quejarse de su "deformación" en este centro donde no aprendió los recursos técnicos necesarios para cualquier pintor. De esos años quedan  sus primeras obras cercanas a la abstracción de la década de los 70, pero de las que no hemos podido localizar ni una fotografía siquiera en la  web oficial del  pintor.

California Institute of the Arts sigue hoy en día una enseñanza muy parecida.

Sin embargo, algo bueno tuvo que tener su paso por el centro: le dotó de una actitud inconformista e irreverente que le llevó a cuestionar no sólo a la sociedad que le rodeaba, sino también a lo mismo que estaba estudiando. Creo que también fomentó en él un deseo de experimentación y de curiosidad constante que le acercó a otros medios expresivos a lo largo de su vida como la fotografía, el cine y, más recientemente, la informática y el photoshop.

La figuración llegó a Fischl a finales de los 70 como una liberación, como aquél que lleva tiempo atado y logra liberarse de las ligaduras que le aprietan. Tenía necesidad de expresar sus sentimientos de una forma directa y descarnada, que no podía hacer por medio del minimalismo o la abstracción. La pintura realista será para él una terapia a través de la cual desvelar sus traumas, desmontar la hipocresía que le había amordazado durante su adolescencia y juventud.

Arriba. Sleepwalker (1979) .

Debajo.  Bad Boy (1981).

Con  Sleepwalker (1979) y Bad Boy (1981) descubre los tabúes y la falsedad que encubren  la sociedad americana. Asistimos a escenas escabrosas de alto contenido sexual como la de un chico masturbándose en una piscina de terraza o el exhibicionismo de una mujer adulta ante un joven que le roba disimuladamente en el bolso. El pintor golpea en el subconsciente del espectador. Pretende que se sienta incómodo, como un sucio "voyeur", contemplando intimidades ajenas;  pretende, en definitiva,  que se desasosiegue ante sus cuadros. En otras obras, aparentemente más festivas, se denuncia la vacuidad de la clase media americana de la que procede, con sus ambientes "felices" de suburbio y barbacoa (Barbacoa, 1982).

Estas obras le hicieron popular pero a su vez le sirvieron para que le colgaran el sambenito de pintor obsceno e incómodo.

Su estilo se define a finales de los 80 y se perfecciona en las siguientes décadas.

Desde mediados de los 80 volvió su mirada sobre los clásicos que nunca le enseñaron. Recorrió Europa y visitó sus museos, sacando provechosas lecciones, sobre todo, del Barroco. Desde los noventa tiene un estilo neto e inconfundible que podemos analizar desde el punto de vista temático y técnico.

• Temática.

Ya hemos visto que desde el comienzo de su carrera se decantó por una pintura narrativa que afrontaba temas escabrosos de la sexualidad, pero también  sociales de la clase media norteamericana. Su objeto de estudio realmente es siempre el ser humano su cuerpo y su espíritu al desnudo. Sus cuadros siempre son historias expuestas como fotogramas de una película de la que nos hemos perdido el comienzo. Siempre nos sorprenden y nos hacen preguntar ¿Qué está sucediendo aquí?

The bed, the chair, the sitter, 1999.

• Estos son sus subgéneros preferidos que serán recurrentes  a lo largo de  toda su carrera artística:

1. Habitaciones interiores (dormitorios, cuartos de baños, comedor) donde los individuos  o las parejas deambulan, copulan o sufren en soledad. La única comunicación que existe es la sexual. Es gente "normal" que vive en espacios confortables, pero en una cotidianeidad deshumanizada. Con la madurez los cuadros de adolescentes "malos" y mujeres seductoras de la primera época dan paso a los "dramas contemporáneos" que captan el comportamiento de parejas de mediana edad. Los mejores ejemplos de esta segunda etapa serían los cuadros de la serie "The bed. the chair..." (1999-2001) o los de "Krefeld" (2002-2005). Para la última serie, el pintor organizó una sesión fotográfica durante tres días en la casa Esters en Krefeld (Alemania), una casa diseñada por Mies Van der Rohe que sirve de museo. Durante esos días obtuvo más de 2000 fotografías de una pareja de actores que convivieron actuando como si estuvieran en una ambiente doméstico normal. De estas fotografías seleccionó las imágenes que le sirvieron para componer en dos tandas (Krefeld Project y Redux) más de una veintena de cuadros.

Arriba. Dinning room, scene 2. Krefeld Project, 2003

Abajo. Bathroom, secen 4. Krefeld Redux, 2005

1. Las playas multitudinarias donde la humanidad se exhibe sin pudor es otro de sus temas preferidos. Lo practicó en los 80 y de nuevo lo ha recuperado con gran fuerza desde el 2006-09 con dos nuevas series tituladas "Late Paradise" y "Recent Beach Scenes". La primera serie expuesta en 2007 fue adquirida por entera por un coleccionista privado que pagó sus buenos millones de dólares. En estos cuadros del 2000 el pintor ya domina el Photoshop y realiza digitalmente los collages antes de pasarlos al óleo.

Collage fotográfico (1ª y 2ª imagen). 3ª imagen Late Paradise. The Wellcome. 2007

1. El desnudo, que en cierta manera es también el eje de los anteriores subgéneros, es una preocupación básica desde la segunda mitad de la década de los 80. Indaga sobre la forma de hacerlo más expresivo. Sus cuerpos representan todas las edades y, por supuesto, sin estereotipos idealizados. Son cuerpos reales. De este subgénero destacaría la serie "TheTravel of Romance" (1994) y las series de los bañistas de todas las épocas.
   
2. Desde los años 90 practica el retrato como género independiente. Sus retratados son amigos y gente corriente, en absoluto idealizada. Destaca de ellos la fuerza expresiva de sus rostros y los premeditados desarreglos compositivos y de luz. Tiene multitud de retratos individuales, de pareja y colectivos.

La familia Clemente, 2005

1. Hay un subgénero que calificaría como de búsqueda en otras culturas. El inconformismo en que vive dentro de su sociedad le hace anhelar algo que no encuentra en Norteamérica. Inició esta categoría  su serie sobre la India (1989-90), tras un viaje que le dejó impactado. Roma (1996), con sus iglesias y museos, le dejó impactado y a ella dedicó otra serie. La más reciente, todavía exponiéndose en la Galería Mary Boone, es sobre una corrida goyesca en Ronda (2008-09). Nos detenemos en esta última porque es la que me parece más interesante. Sorprende la fuerza expresiva que ha sabido darle un neoyorkino a la tauromaquia: sus toros son recios y sus toreros dignos. En sus lienzos gigantes no hay nada más que la nobleza de la fiesta... ¡ah, sí!, la lucha entre el albero incandescente y las profundas sombras realzan el dramatismo.

Corrida goyesca en Ronda, 2008.

• Técnica.

El artista era consciente  en sus primeros años de que no dominaba los rudimentos básicos de la pintura., Sus cuadros iniciales tenían mucha fuerza temática pero formalmente eran de estética  kistch. El pintor llegó a afirmar que debido a su mala formación en los centros artísticos se podía decir que estas obras eran casi autodidactas. En el cuadro que podemos ver debajo del año 1983, aunque todavía denota un desconocimiento de la entonación ya empieza a demostrar preocupaciones por la profundidad y el dibujo.

Bhirthday Boy, 1983.

• Desde mediados de los 80 podemos ver características artístico-técnicas más constantes que aquí apuntamos sintetizadas.

1. Sus figuras muestran un trazo más seguro, están mejor modeladas y proporcionadas. La pincelada es rápida y ancha, sin atender al detalle, pero sí buscando atrapar el gesto o el movimiento.
2. La luz es uno de los elementos más significativos de su estilo. Utiliza contrastes violentos de luces. Hay figuras que hacen daño mirarlas por la sobreexposición al sol y otras que hay que hacer esfuerzos por sacarlas de la penumbra. En los retratos es donde este recurso es utilizado de forma más descarada para obtener la máxima expresividad a sus personajes. En el del novelista Edward Lawrence Doctorow, que tenemos debajo, se permite jugar a una especie de tenebrismo al inversa, dejando en sombra su rostro e iluminando potentemente el resto de su cuerpo.
3. 
   

Retrato de Edward Lawrence Doctorow, 2005.

1. La sensación de profundidad y de volumen se consigue con luces y sombras extrañas, demasiado pronunciadas. La iluminación de las escenas se hace materialmente imposible con focos que provienen de direcciones opuestas. Aquí tiene mucho que ver el uso del collage fotográfico.
2. Desprecia las composiciones equilibradas o previsibles. Sus cuadros son encuadres fotográficos donde se nos puede cruzar alguien por delante del objetivo o una figura puede aparecer cortada o desenfocada. El collage fotográfico destruye todo estudio compositivo o el calculo correcto de la proporcionalidad entre sus figura.
3. No le interesan los fondos ni los paisajes. En retratos y escenas de interior encontramos paredes neutras o fondos oscuros. En los exteriores como las playas y el coso taurino escoge un punto de vista alto que fije a los personajes al suelo e impida desarrollar un paisaje. En la  obra que podemos ver debajo se pueden aplicar totalmente estos rasgos y otros ya apuntados.

The exchange, 2009.

1. El formato es otro elemento importante en su obra desde el comienzo. En sus primeros cuadros pintó premeditadamente unas figuras que superaran el tamaño real, para que el espectador se retrotrajera inconscientemente a su infancia y se sintiera como un niño que contempla escenas de los mayores. A mediados de los 80 experimentó fragmentando las escenas, primero, creando dípticos y, luego, paneles separados que se superponían en diferentes ángulos pero que conformaban un todo. Hoy, sus gigantes continúan apabullando en una visión directa (ver toreros abajo).

Arriba. The life of pigeons, 1987.

Debajo. Fotografía de mujer mirando con detenimiento un cuadro de la serie Corrida en Ronda. 2008-09.

Pulsa aquí para continuar en el siguiente artículo sobre influencias y escultura de Fischl.

Pulsa aquí si quieres ver más de su obra en su página web.

Pulsa aquí para ver a Fischl en una entrevista concedida en su taller de Long Island (Hamptons) en el que hace repaso de su vida y obra.

Los  20 años que van entre 1915 y 1935 son, con toda probabilidad, los menos apreciados  y comprendidos de la obra de Picasso. La razón es que el pintor trabajará en distintos estilos sin aparente coherencia, lo que desazona mucho a la crítica artística que clasifica y ordena en cajones estancos y racionales. Durante estos años la vida de Picasso atraviesa vaivenes sentimentales y eso se refleja en su obra. Su producción pictórica no encuentra una expresión unívoca y oscila entre distintos lenguajes, a veces contradictorios: el cubismo decorativo, el clasicismo y el surrealismo.

La imagen que sirve de portada a esta presentación está hecha con pedazos de tres cuadros (Los Tres músicos de 1921, Los enamorados de 1923 y La danza de 1925) que manifiestan la trayectoria tan peculiar de estos años.

Durante estas dos décadas el mundo también atraviesa  situaciones muy convulsas, absurdas y discordantes : la Gran Guerra de 1914-18; la revolución socialista en Rusia; la crisis de posguerra; los felices años veinte; el ascenso de los totalitarismos; la crisis económica del 29 y de los años venideros; la escalada de tensión que augura una nueva guerra... Artista y sociedad en el fondo van de la mano.

La Gran Guerra y sus consecuencias en la obra pictórica de Picasso (1914-18).

La I Guerra Mundial (1914-18) trajo el fin de una época en el mundo y en el París de Picasso. El dramatismo de estos años transformó a los parisinos y a los artistas que allí trabajaban.

• Producción artística. Muchos artistas están en el frente, quedando en retaguardia los más ancianos o aquellos como nuestro pintor o Juan Gris que, como extranjeros, no estaban alistados. La fructífera relación con Braque y otros pintores se rompe. La obra de Picasso se resiente, no son años de grandes innovaciones. Su producción continúa, pero pierde originalidad, manteniéndose en un cubismo sintético "decorativo".
• Situación personal. En diciembre de 1915 muere su compañera Eve Gouel. Se siente solo, sin amor y sin amigos,  lo que le sume en una depresión. La tragedia de la guerra y la muerte  transforman la mentalidad de Picasso y de otros artistas hacia posturas más conservadoras: los experimentos llevados a cabo entre 1905 y 1914 se ven como arrebatos adolescentes que la Guerra ha frenado. Se extiende la idea de que lo más sensato sería reposar lo ya aprendido e incluso apreciar lo bueno que tiene aquello contra lo que reaccionaron. A ésto se suma la muerte en noviembre de 1918 de su amigo Guillaume Apollinaire.

• El ballet y Olga Koklova. En este ambiente tan negativo, Picasso encuentra un escape en la propuesta que le hace su amigo Cocteau en 1916 de trabajar diseñando escenarios y vestuario para la compañía de ballet de Serge Diaghilev. El pintor acepta porque le atrae hacer cosas nuevas y porque le permite alejarse de París, ya que la compañía hace una gira por la principales ciudades europeas. En Roma (febrero de 1917), durante los ensayos de "Parade", conoce a una de las bailarinas, Olga Koklova, de la que se enamorará y con la que... ¡se casará por el rito ortodoxo en París al año siguiente!

Olga Koklova sentada en un sillón, 1917

El contacto con esta mujer cambia su estilo pictórico y sus amistades. Picasso deja la vida bohemia y la cambia por el círculo de la "alta sociedad". Ella es de porte aristocrático y gusta ser pintada de forma realista, como podemos ver en el cuadro de arriba. El pintor se somete y vuelve a sus orígenes de pintor académico. Una nueva etapa creativa se avecina.

El clasicismo o neoclasicismo picassiano (1917- 1924).

No obstante, Picasso es consciente del  éxito económico obtenido con el cubismo y, por tanto, no lo abandonará totalmente durante estos años. En 1922 vende Las señoritas de Avignon por 25.000 francos. Picasso es un pintor cotizadísimo. Como el doctor Jeklly y  Mr. Hyde será capaz de simultanear el cubismo con el "clasicismo", que está en las antípodas pictóricas. Por ejemplo, en  1921 realiza  Los Tres Músicos (MOMA de Nueva York), una de sus obras más ortodoxas en el cubismo sintético, pero también las volumétricas Tres mujeres en la Fuente de estilo clasicista.

El estilo clasicista de Picasso recuerda su etapa rosa precubista por las tonalidades cálidas predominantes y sobre todo por la importancia que otorga al volumen de los cuerpos. Las figuras de esta época  son simples,  pero a la vez macizas y gigantes. En este cuadro de Tres mujeres en la Fuente sus ropas recuerdan estrías de los fustes de  columnas griegas y ellas parecen altorrelieves arcaizantes.

Entre los temas más representados de este estilo clasicista están los retratos de su mujer y de su hijo Paul, que nace en 1921, así como los sempiternos Arlequines. Algunas figuras pueden aparecer descoyuntas y con unas proporciones que invaden el espacio pictórico (gigantismo), como los durmientes de La siesta, o resultar exquisitamente ingresianos como Los enamorados. Las imágenes de la maternidad y de las familias felices disfrutando de la playa nos presentan a su propia persona disfrutando de los pequeños placeres de la vida.

Familia a la orilla del mar, 1922.

Su relación con la compañía de ballet durará hasta 1924 y se conservan muchos dibujos preparatorios de las 5 o 6 obras en las que colabora. Son diseños muy originales de vestuarios y decorados están a medio camino entre la vanguardia cubista y el neoclasicismo. Algunos se pueden ver en la presentación inicial.

El surrealismo dentro del cubismo (1925-35).

La complacencia conservadora de Picasso fue un episodio pasajero. Duró tanto como la felicidad de su matrimonio. Las desavenencias en la pareja comienzan a ser evidentes a partir de 1925. Su pintura se vuelve intranquila y la violencia, que no había aparecido hasta ahora en su obra, se manifiesta en figuras humanas deformadas e inquietantes. Los símbolos y el lenguaje surrealista será su nuevo canal expresivo.

El beso, 1925.

Picasso había estado atento al movimiento Dada y a sus epígonos los Surrealistas, surgidos en 1924. Su espíritu era tan libre que podía expresarse en un mismo día mediante tantos estilos diferentes como creyese necesario, por ello, nunca consideró el adscribirse a un solo estilo o a un determinado grupo de artistas que le pusiese ataduras. André Breton, líder del grupo, admiraba esta cualidad de Picasso y en su libro El surrealismo y la pintura de 1925 le dedicó una serie de reflexiones en las que justificaba la ambivalencia del pintor como un rasgo propio del surrealismo. Con ello contribuyó a que en el movimiento se fomentara la práctica de diversos lenguajes (desde la abstracción al realismo) y que se considerara al pintor como surrealista. Sin embargo, como ya hemos dicho Picasso sólo utilizará los recursos de este movimiento cuando lo crea necesario.

Tampoco podemos hablar desde 1925 de un Picasso único, ya que aunque abandona el clasicismo al acabar el amor por Olga, incorpora el surrealismo y el expresionismo como nuevos elementos a superponer sobre el cubismo sintético, decorativo o curvilíneo (como queramos llamarlo).

La danza, 1925.

• La primera obra de gran formato en la que podemos apreciar este cambio es La danza (1925). Tres mujeres bailan en frenesí dionisiaco en absoluta distorsión de sus cuerpos y de sus rostros. Fijémonos en la de la izquierda, con su pequeña cabeza y una boca agresiva, que asemeja una vagina dentada. Para los surrealistas estas figuras esconden múltiples explicaciones psicoanalíticas. El inconsciente aflora en la pintura de Picasso, la mujer se convierte en un ser "ente tenebroso y luminoso a la vez, fuente de éxtasis y de tragedia, mantis religiosa, amante insaciable y devoradora del objeto de su amor."¿Está detrás de esta representación las tormentosas relaciones conyugales con Olga? Olga Koklova ya no volverá a ser retratada a su gusto en los años siguientes y en 1927 el pintor iniciará relaciones extramaritales con la joven Maria Therese Walter. Aún así la obra encaja estilísticamente en el cubismo picassiano o en el cubismo surrealista.  En este mismo estilo y dramatismo podríamos incluir obras como El beso, vista más arriba, o La crucifixión de 1930.

La crucifixión, 1930.

• De 1928 a 1931 podemos ver un nuevo estilo de expresión del pintor. Las obras son en tonos marrones o anaranjados y representan a figuras femeninas como Mujer sentada al borde del mar que se han convertido en formas orgánico-geométricas casi abstractas. Realmente son cuadros en los que pinta obras escultóricas de hierro a lo Julio González, escultor con el que colabora en estos años y que le enseña a trabajar en este material.
  

Bañista, 1928.

• Junto a este estilo de obras continua con el cubismo colorista y curvilíneo, que tanto éxito le había proporcionado hasta ahora. Famosos son los retratos de Maria Therese de 1932 porque a través de su sensualidad y de su dulzura se intuye de nuevo en Picasso la alegría de vivir. El estilo está cercano al fauvismo de Matisse.

El sueño. Retrato de Maria Teresa Walter. 1932

• Un nuevo estilo más cercano al surrealismo simbólicoy violento de la segunda década de los veinte   aparece entre 1933 y 1936, coincidiendo con la definitiva ruptura con su esposa Olga (1935). Lo que tienen en común estas obras es el tema taurino y la presencia del minotauro, que como ocurriera con el arlequín se convierte en el "alter ego" del pintor. El artista se identifica con su impulso animal y sexual, pero también con su ternura y sufrimiento. El minotauro es humano y animal a la vez y como en el toro en las corridas puede ser actor de una drama inexorable o bestia sanguinaria. Su obra está cargada de erotismo y alusiones sexuales bastante explícitas, junto con otros universos oníricos más difíciles de interpretar.

Desde el punto de vista estilístico, no se parece a la obra de los años 20, el dibujo clasicista toma protagonismo frente al color, de hecho a menudo son aguafuertes coloreados. Veamos algunas de las obras de la conocida como Minotauromaquia. En estas obras se muestran algunas de las claves que formarán parte del Guernika, pero esa es una historia que contaremos en otro capítulo.

Minotauro y caballo, 1934.

Minotaruo y Dionisos. 1933.

Minotauro y yegua muerta delante de una gruta y niña, 1936.

Buscando por aquí y por allá he encontrado un interesante recurso que puede sernos de gran utilidad a los profesores que trabajamos con blogs educativos. Se trata del Quiz. Con sólo registrarte en MyStudiyo puedes acceder a poder hacer tests con autocorrección.  Las ventajas de éste sobre otros  es que te da la posibilidad de incluir imágenes, textos e incluso vídeos. Además te deja suficiente espacio para plantear preguntas y respuestas. Creo que con un poco de imaginación puede ser un instrumento didáctico excelente.

Os incluyo uno que he elaborado rápidamente para que veáis el resultado con lo más a mano que tenía ... Como estoy trabajando con la obra de Picasso, pues de Picasso.

El Quiz se puede modificar en su plantilla y añadir o quitar preguntas y respuestas. Al acabar te ofrece una puntuación sobre los aciertos obtenidos. Hay varias opciones de personalización.

Tengo que seguir investigando para intentar sacarle más posibilidades. Si se os ocurre alguna idea contármela.

En este artículo voy a tratar sobre la vida, las características y las obras más significativas de Pablo Ruiz Picasso desde el momento en que se puede dar por creado el cubismo -entre 1907 y 1909- hasta 1914, año en que dio comienzo la Gran Guerra y separó a Picasso de los otros pintores con los que colaboraba en este nuevo estilo. Seguiremos una década más adentrándonos en este estilo, puesto que Picasso lo utiliza a menudo para obras decorativistas, alternándolo con un estilo clasicista. En otros artículos  de este blog desarrollo otras etapas. Para poder leerlos cronológicamente o para buscar una etapa muy concreta, recomiendo pinchar sobre el enlace  que dirige al esquema general de etapas y obras. Pinchando sobre otros links se podrá acceder a otras páginas relacionadas.

En la siguiente presentación he expuesto algunas de las obras más importantes que se conservan de Pablo Picasso durante estos quince años. Os aconsejo la abráis para tener una visión más completa de la obra del pintor y poder entender el texto que viene a continuación.

La obra creada por Picasso y Braque entre 1907-09 produjo una auténtica revolución en todos los ámbitos del Arte: en la perspectiva, en la utilización del color, en la composición y en la representación fragmentada de los objetos. Pero aún no había dado todo lo que podía dar de sí.

El cubismo analítico, 1909-1912

Después del verano de 1909 en Horta de Ebro, Picasso viene dispuesto a un nuevo cambio en su vida personal y en su forma de pintar.

Desde el punto de vista biográfico, deja Bateau Lavoir, la que había sido su residencia y lugar de trabajo desde que se instaló en París en 1904, y se traslada a un buen apartamento-estudio en Boulevard Clichy, cerca de la plaza de Pigalle. Pese a que le vaticinaron el desastre económico al lanzarse a su investigación cubista, no le ha ido mal. Su fama no sólo no se resintió, sino que su cotización ha subido (su obra de las épocas azul y rosa tiene gran éxito) y puede permitirse ciertos lujos y, sobre todo, tener la libertad de pintar lo que quiera. Personalmente, su vida amorosa no va tan bien. La relación entre Fernande Olivier y Picasso es tirante y termina por romperse en 1912. Es curioso que esta etapa de infelicidad coincida con el periodo menos emotivo del artista, el del cubismo analítico.

Fernande Olivier, Georges Braque y André Derain. En algún momento entre 1908 y 1910. El fotógrafo es el mismo Picasso.

Desde el punto de vista artístico es un periodo de investigación. Durante estos años Picasso y Braque comparten experiencias, discuten y descubren nuevas posibilidades para el arte

Estas son las características del cubismo analítico:

• Las formas que se habían geometrizado en la etapa anterior empiezan ahora a descomponerse. Las imágenes se convierten en una serie de planos de tamaño desigual, discontinuos  y cortados con complejos entramados de líneas. El volumen y la profundidad de los objetos desparecen ante la infinidad de fragmentos en que se descomponen, a modo de cristalinos reflejos de la realidad. Unos planos nos acercan detalles lejanos o menores y otros nos alejan los que en la figuración al uso debían estar en primer plano. La visión frontal y lateral se superponen en planos contiguos, que se mezclan e invaden.
• Las gamas de color son sobrias y tendentes a la monocromía. Son sienas, pardos, grises y azules oscuros. Esta casi negación del color es  una reacción muy dura contra los estilos tan inmediatos como el impresionismo, el divisionismo o el fauvismo, que habían apostado decididamente por el color como eje de la pintura.

• Los temas son músicos, algún retrato y numerosos bodegones. Lo que importa de ellos es el ensayo de la nueva técnica, no lo que representan.

Picasso. Retrato de Ambroise Vollard, 1910.

Evolución.

Inicialmente, en el año 1910, las facetas son grandes o medianas y el objeto o el personaje aparece desmenuzado, pero reconocible. Es el caso de los retratos de los tres marchantes de Picasso: Ambroise Vollard, Daniel Kahnweiler y Wilhelm Uhde.

En 1911, siguiendo el desarrollo del ensayo pictórico, los planos van siendo más pequeños y parecen disgregarse por la forma casi puntillista de la pincelada. El objeto o el personaje casi se hace irreconocible. La investigación llega a un punto en el que se está a punto de sobrepasar el límite de lo figurativo hacia la abstracción. En El hombre del clarinete apenas podemos intuir las formas del personaje y del instrumento musical, de hecho sólo el título nos aclara la obra.

Picasso. El hombre del clarinete, 1911.

Este peligro de caer en la abstracción, de la cual Picasso renegaba, les llevará a recuperar los planos de tamaño mayor a partir de 1912 . La novedad de este año es que por influencia de Braque introduce  letras tipográficas pintadas en principio a mano alzada. Las letras se disponen formando palabras con lo que suponen un recurso pictórico y  aportan a su vez un nuevo significado simbólico. Otra novedad es que además de los pigmentos los artistas empiezan a introducir nuevos materiales que se pegan sobre el lienzo como papeles pintados que imitan madera, hules de plástico, cuerdas o etiquetas. Había nacido el collage, una nueva forma de entender la obra pictórica a caballo entre la pintura, la escultura y el ensamblaje industrial. Los cuadros Naturaleza muerta con trenzado de silla o Violín "Jolie Eva" son  buenos ejemplos de todas estas aportaciones que van a dar paso al cubismo sintético.

Picasso. Violín "Jolie Eva", 1912.

El cubismo sintético, 1912-1915.

Fernande es ya pasado en la primavera de 1912 y entra en su vida otra nueva mujer Eva Gouel y con ella un nuevo cambio en su estilo. El cuadro que acabamos de ver es todo una declaración de amor a su querida Eva, con la que vivirá desde esta fecha hasta su muerte por enfermedad a finales de 1915.  Pero también es una forma nueva de entender el cubismo y una muestra de que el  color comienza a motivar al artista.

Picasso. Guitarra, 1913.

El objeto ya no es despedazado/analizado en multitud de planos, sino que el objeto empieza a ser sintezado en sus formas esenciales y volverá a ser fácil de descifrar. La entrada en el cuadro de materiales extrapictóricos permite dar a cada superficie una estructura más simple y una textura mucho más variada. La utilización de peródicos recortados, con sus textos, imprime un nuevo efecto casual al cuadro, que será aprovechado pocos años después por el Dadaísmo y sus juegos con el azar. En cuanto al color volverá recuperarse progresivamente la variedad cromática.

Picasso. Vive la France, 1914-15.

El cubismo termina bruscamente su evolución como proyecto compartido al estallar la Gran Guerra o Primera Guerra Mundial. Los pintores franceses son llamados a filas. Sólo Pablo Picasso y Juan Gris, como españoles, pueden continuar su evolución. Picasso introduce como novedad utilizar grandes planos en donde combina unos  coloreados con puntos con otros de color liso.

La guerra, la muerte trágica de su amante Eva Gouel y su matrimonio con Olga Koklova en 1918 terminarán por influir sobre su producción artística. La técnica y temas del cubismo no desparecen e incluso todavía realizará a comienzos de la década siguiente importantes cuadros como Los tres músicos, pero esta obra convive con la vuelta a un estilo neoclasicista que será objeto de otro artículo. A estas obras de estética cubista podemos seguir llamándolas sintéticas, pero también han sido  llamadas de un cubismo decorativista, al tener como base la combinación de colores contrastados en grandes planos, ya muy alejada de aquella monocromía de 1910.

Picasso. Los tres músicos, 1921.

Picasso. Mandolina y Guitarra, 1924.

En estos cuadros se funden el dominio del color de su formación postimpresionista, la herencia temática de la primera década del siglo XX y los descubrimientos técnicos de la segunda.

En décadas posteriores volverá de alguna manera a este estilo.

En este artículo voy a tratar sobre la vida, las características y las obras más significativas de Pablo Ruiz Picasso en el momento en que decide dar un vuelco a la historia de la pintura y crear un nuevo estilo que conocemos como cubismo (1906-1909). En otros artículos  desarrollo otras etapas. Para poder ir leyendo cronológicamente los distintos artículos que dedicaré al artista o para buscar una etapa muy concreta, recomiendo pinchar sobre el enlace  que dirige al esquema general de etapas y obras. Pinchando sobre otros links se podrá acceder a otras páginas relacionadas.

En la siguiente presentación he expuesto algunas de las obras más importantes que se conservan de Pablo Picasso durante estos tres años. Os aconsejo la abráis para tener una visión más completa de la obra del pintor y poder entender el texto que viene a continuación.

La gestación del cubismo, 1906-07. Influencias.

Después de pasar el verano de 1906 en Gosol, un pueblecito del Pirineo leridano, Picasso regresa a París con nuevas ideas acerca del nuevo rumbo que debe dar a su pintura. No había llevado muy bien que algunos críticos hubiesen calificado sus últimos cuadros de las etapas azul y rosa como pintura sentimental, porque ponía en entredicho el valor de su obra artística. Regresa con la idea de que debe de tratar de percibir de la naturaleza aquello que es imperecedero y eterno, las formas esenciales y primitivas.

• Para ello decide adoptar la técnica analítica de Cezanne basada en la captación de las formas geométricas simples y evitar que en su pintura se reflejen sus estados de ánimo personales. Conoce la obra de Cezanne desde sus primeras visitas a París e incluso ha imitado su estilo en algunos de sus bodegones y figuras (La niña de la paloma, 1901). La exposición retrospectiva de 1907, justo un año después de su muerte, permitirá a los jóvenes artistas como Picasso, Matisse o Braque conocerle mejor. Las series de bañistas realizadas en los últimos años influirán poderosamente en la historia de la pintura de comienzos de siglo. Hay una correspondencia muy directa entre estos cuadros y Las Señoritas de Avignon: en la composición y en la concepción de las formas planas y geométricas de los cuerpos.

• En Gosol además ha encontrado paz interior y se ha empapado del primitivismo de la tierra. El románico leridano le fascinará y le estimulará por su sencillez y autenticidad. La Mujer del Pan, es un ejemplo clarísimo de como la iconografía de las vírgenes románicas que contempla por esos pueblos influyó en su pintura.

Picasso, Mujer del Pan, 1906.    Virgen teothokos románica.

• El arte ibérico también rondará por su cabeza en esa búsqueda de las raíces figurativas. En París está de moda este arte desde que el Louvre adquiriera la Dama de Elche a finales de 1897. Desde ese momento se multiplican los estudios de arte ibérico y en la primavera de 1906 el museo acogió una exposición sobre las esculturas encontradas en los yacimientos de Osuna (Sevilla) y el Cerro de los Santos (Albacete). Picasso quedó impresionado de tal manera por la muestra que adquirió algunas cabezas y exvotos en bronce que le servirán de inspiración para algunas de sus obras de 1907. Admira en ellas su sencillez y el  esquematismo geométrico de sus formas.

Exvotos en piedra del Cerro de los Santos y cuadro de Picasso 1907

• Por último, también hay en su ruptura formal una clara influencia del arte africano. En 1907 el museo etnológico de Paris expuso una colección de máscaras africanas que atrajo a muchos artistas jóvenes. Matisse y Derain, dos de los más entusiastas llegaron a adquirir algunas de estas obras e introdujeron a Picasso en los secretos de este arte. Comprendieron que un arte antinaturalista también era capaz de trasmitir muchas cosas a través de formas simples.

Máscaras africanas.      Picasso, Busto. Estudio para laSeñoritas, 1907.

La obra de Picasso hasta Las señoritas de Avignon, 1906-07.

Ya hemos analizado las diversas  influencias que confluyen entre 1906 y comienzos de 1907 para que Picasso decida abandonar su forma de expresarse y afrontar un nuevo camino en busca de los volúmenes primarios.

El primer cuadro de importancia en donde experimenta realmente sus ideas es en el retrato de Gertrude Stein, protectora y amiga  del pintor, que empezó en estilo rosa en 1905, pero que había dejado inacabado.  Al retomarlo  en el otoño de 1906 convirtió la cara de la modelo en un rostro inexpresivo y de líneas esquematizadas. Los ojos se hunden, la nariz y las cejas se perfilan en una única línea, los rasgos se estereotipan e incluso comienzan a asimetrizarse, convirtiendo a la retratada en una escultura ibérica. Todo hay que decirlo, la retratada no quedó muy contenta con el resultado.

Retrato de Gertrude Stein, 1905-06.

En esta misma línea está su Autorretrato de 1906, que comparte rasgos físicos con el de Gertrude.

Desde comienzos del invierno de 1906-07 Picasso se entrega al proyecto de realizar el gran cuadro en el que plasmar esas ideas que le rondan la cabeza. Después de numerosos bocetos y cambios desembocará en Las señoritas de Avignon de julio de1907, el cuadro-manifiesto de lo que con el tiempo se conocerá como cubismo. La obra, pese a que era conocida por sus amigos, no será expuesta y titulada hasta 1916. Picasso busca una nueva de interpretar la realidad. Para ello no recurre ni a las imágenes coloreadas de los fauves ni a la sensualidad de los impresionistas. Apuesta por la forma geométrica estructurada de manera dinámica en grandes planos y por romper con las leyes pictóricas de la perspectiva y del volumen. Renuncia a la tercera dimensión. Conceptos como delante o detrás no tienen sentido en el cuadro. La visión frontal y la de perfil de las mujeres conviven como en la pintura egipcia en un mismo plano

Las señoritas de Avignon, 1907.

Todos los que contemplaron la obra quedaron estupefactos, era demasiado atrevida, suponía una ruptura total con la pintura que se había hecho hasta esos momentos. Desde el punto de vista de la carrera del artista, un pintor relativamente ya consagrado, suponía una apuesta muy atrevida que podía llevar a Picasso a la burla y al fracaso. Por ello la mayoría le aconsejó que retomara su estilo anterior y que  no se adentrara por este camino.

El desarrollo del cubismo, 1908-09. Periodo negro.

Sin embargo, Picasso en los dos años siguientes perseverará en su idea y ahondará en las consecuencias de Las señoritas de Avignon. Arrastrará consigo a otros artistas como Georges Braque con el que terminará por formular el nuevo estilo cubista y convertirlo en una vanguardia internacional. Ambos trabajarán juntos en Bateau Lavoir y se interrelacionarán en su trabajo, iniciando el cambio en la historia de la pintura por la que ésta toma protagonismo en sí, independientemente de lo representado.

Desnudos de Picasso y Braque entre 1907-08.

Durante este periodo pintará numerosas figuras geometrizadas con una gama cromática muy oscura. También realizará muchas naturalezas muertas.

Fruteros de Picasso y de Braque de 1908.

Finalmente en el verano de 1909 pintará en Horta de Ebro sus primeros paisajes "cubistas".

Paisajes de Braque y Picasso, 1908-09.

En Horta también realizará  algunos retratos de su amante Fernande Olivier (que, por cierto, tampoco salió muy complacida por los mismos). En ellos comenzamos a ver que los rostros empiezan a descomponerse en una serie de planos cortados o fragmentados que anuncian una evolución en su estilo hacia lo que conoceremos como cubismo analítico. Pero eso es otro capítulo que merece otro artículo.

Picasso. Cabeza de mujer con montañas al fondo. 1909.

En este artículo voy a tratar sobre la vida, las características y las obras más significativas de Pablo Ruiz Picasso en el periodo "expresionista" conocido como etapa azul y etapa rosa (1901-1906). En otros artículos  desarrollo otras etapas. Para poder ir leyendo cronológicamente los distintos artículos que dedicaré al artista o para buscar una etapa muy concreta, recomiendo pinchar sobre el enlace  que dirige al esquema general de etapas y obras. Pinchando sobre otros links se podrá acceder a otras páginas relacionadas.

En la siguiente presentación he expuesto algunas de las obras más importantes que se conservan de Pablo Picasso durante estos cinco años. Os aconsejo la abráis para tener una visión más completa de la obra del pintor y poder entender el texto que viene a continuación.

La Etapa azul (1901-04).

La Etapa azul es el primer periodo personal y maduro de Pablo Picasso. Hasta 1901 el artísta se había debatido entre la tradición y la imitación de los estilos de final de siglo XIX, en una experimentación y búsqueda de una pincelada propia.Se le denomina etapa azul por la utilización mayoritaria de este color para la entonación de sus cuadros. También caracteriza esta época los temas elegidos: personajes alegóricos famélicos y desolados, mendigos, prostitutas y retratos de amigos y autorretratos.

Las razones que llevaron al pintor a expresarse a través de este estilo son varias:

• El suicidio de su amigo Casagemes en febrero de 1901 sumió a Picasso en una profunda tristeza. Durante el verano evocó en varios cuadros la tragedia que rondaba en su cabeza. Si en los primeros cuadros el difunto aparecía aureolado de violentas pinceladas a modo de rayos verdes, rojos y amarillos (recuerdo evidente de la obra de Van Gogh), en El entierro de Casagemes su muerte se convierte en una alegoría donde el color se ha reducido a distintos tonos de azul. Este cuadro es el que marca el inicio de su nueva etapa. La elección del color azul encaja en su estado de ánimo depresivo, por lo que quiere transmitir por medio de él cómo se siente, de ahí que califiquemos a esta etapa como expresionista.

Evocación. El entierro de Casagemes, 1901.

• El mismo cuadro nos sirve para ver la influencia que en esta etapa ejerce la pintura de El Greco. El entierro recuerda el archiconocido Entierro del Conde de Orgaz y el recurso compositivo de colocar un plano terrestre y otro celestial enmarcado en una bruma azul grisácea. Por otro lado, en cuadros posteriores podremos comprobar como al igual que el pintor cretense los rostros se marcan y  las figuras se alargan y se desproporcionan sus miembros.

Ciego y lazarillo, 1903

• También hay que tener en cuenta que Picasso recoge una tendencia de la fotografía y del cine primitivo que jugaba coloreando  las imágenes y las escenas con filtros para reforzar sentimientos y emociones (de azul  para  acentuar la tristeza, el misterio o el terror; de rosa o de amarillo para las escenas sentimentales; de rojo para las batallas...). A este recurso le supo sacar partido en distintos momentos a lo largo de su carrera en los que el artista reducía premeditadamente la gama cromática: etapas azul, rosa y negra; el uso del gris-pardo  en el cubismo analítico; o el empleo de blancos y negros en el Guernika.
• Desde el punto de vista temático, recoge una cierta moda que existía entre ciertos pintores como Isidro Nonell o Eduard Munch de introducir la miseria y el mundo de la pobreza de las ciudades. Esta temática   tenía su mercado entre la burguesía "bienpensante" que se dejaba impresionar por esos personajes sórdidos.

Los cuadros más representativos, fuera de los retratos de amigos, son los que representan a personajes tristes  en solitario, en pareja o en trio. Son seres anónimos con rostros  estereotipados que o bien esquivan la mirada al espectador (hay incluso varios ciegos) o la clavan penetrántemente como en el caso de Desemparats. Los ojos de la madre parecen preguntarnos con profunda tristeza el porqué de su miseria, mientras su gran mano arropa protectora a su hijo humanizando su mirada fría.

Desemparats. Madre e hijo, 1903.

Otras obras de esta época son La tragedia, La vida, La planchadora, La comida frugal o La celestina. Fueron realizadas por Picasso entre Barcelona donde tiene su residencia "oficial" hasta la primavera de 1904 y París en donde se instala para residir los próximos años en un destartalado estudio conocido como el Bateau-Lavoir en el barrio bohemio de Montmartre. Allí seguirá conociendo a importantes figuras de la vanguardia, pero también pasará algunas de las penalidades (frío y hambre) que reflejan sus personajes.

La etapa rosa (finales de 1904- 1906).

En otoño de 1904 conoció a Fernande Olivier, una joven que trabajaba como modelo para muchos artistas y con la que compartirá su vida hasta 1911. Ella ejerció un papel clave para acabar con la melancolía del pintor y estabilizar su vida. A partir de ese momento, cambiará la paleta de Picasso y predominarán los tonos rosados y ocres en sus obras, de ahí el sobrenombre de Periodo Rosa. El cambio no es sólo en la coloración, sino también en la temática. Abandona la representación de pobres y desgraciados y los sustituye por personajes circenses: arlequines, acróbatas y saltimbanquis. La pose melancólica se mantendrá. Durante este tiempo acudirá casi a diario a las representaciones del circo Medrano instalado cerca de su casa en París.

Familia de arlequín con mono, 1905.

El  arlequin es la imagen más repetida en esta etapa y quizá en toda la obra de Picasso, puesto que le otorga la simbología de ser el "alter ego" del propio pintor. Algunos de los arlequines como éste que te ofrezco debajo son autorretratos, que confirman esta relación.

Arlequín con copa. Autorretrato, 1905.

Al comienzo de 1905  las figuras siguen siendo demasiado estilizadas , pero se aprecia una relación más humana mediante gestos y miradas entre los personajes. Las mujeres vuelven a recuperar un toque de coquetería y de sensualidad. El volumen mes a mes va cobrando protagonismo y ya en el año 1906, después de una pequeña estancia en Barcelona y en el pueblo pirenaico de Gósol, se aprecia un cambio en el modelo humano mucho más geometrizado. La simplicidad de líneas de algunas de estas obras anuncian el cambio de tendencia del pintor que tendrá lugar ese año y que veremos dará paso a la elaboración del cubismo.

Muchacho llevando un caballo, 1906.

Desde el punto de vista personal, el círculo de amigos se amplía cada vez más. Los pintores españoles se reúnen en el taller de Picasso. Entabla amistad con los refinados coleccionistas estadounidenses Leo y Gertrude Stein, en cuya casa conoce a Matisse. Éste y George Braque pronto acuden a su taller y a aquellos se les une Juan Gris.  El marchante Ambroise Vollard compra toda su obra de esta etapa... La vida le sonríe.